lunes, 31 de octubre de 2016

COLISEO GRANDES INTÉRPRETES. LAS RAÍCES POPULARES DE LA MÚSICA DE CHOPIN



Janusz Prusinowski Kompania y Miguel Ituarte

MÚSICA
INTÉRPRETES
Janusz Prusinowski, voz, violín y acordeón.
Piotr Piszczatowski, percusiones.
Piotr Zgorzelski, bajo.
Michal Žak, vientos.
Miguel Ituarte, piano.

ESTRENO MUNDIAL EN EL REAL COLISEO DE CARLOS III

Sábado 29 de octubre de 2016
 19:30 h.

¿Tienen los kujawiak, las mazurkas, los oberek, las polonesas y las canciones, omnipresentes en la obra de F. Chopin (1810-1849), sus raíces profundas en la auténtica música rural o son solo ecos lejanos de aquellas melodías primitivas?

El grupo Janusz Prusinowski Kompania, liderado por el principal representante actual de la renovación de la música de raíz polaca, Janusz Prusinowski, y el pianista español Miguel Ituarte nos invitan a descubrir, con música, la respuesta a esa pregunta. Juntos exploran y muestran, en este programa, que es un estreno mundial en el Real Coliseo, la increíble capacidad del compositor y virtuoso pianista -considerado uno de los mayores representantes del Romanticismo musical- para registrar y transformar, a su manera, los rasgos específicos de la música del campo polaco, menospreciados por sus contemporáneos. Un concierto excepcional que nos permitirá escuchar la música de las regiones de Mazovia, Kujawy, Kurpie y Podlasie tal como la amó Chopin.


¡Qué pocas cosas sabemos de nuestro compañero del este, de Polonia! Si acaso unos cuantos nombres, algunas referencias, no todas optimistas: Papa Woytila, Sindicato Solidaridad, María Waleska y Napoleón, II Guerra Mundial, campos de concentración. Es posible que de entre todos estos elementos, la música de Federico Chopin (pronúnciese "Shópin, en polaco) sea el más luminoso, el que más nos acerca a este país peculiar que, sin embargo, tiene unas tradiciones, un folklore, una forma de estar en el mundo únicos y diferenciados.
Una idea brillante la de rastrear los orígenes y las correspondencias entre la música culta y de gran salón del compositor que vivió un tiempo en París y la original y primigenia de labradores, campesinos, gente del pueblo, esas melodías llenas de ternura, de melancolía, de fuego.
La música del pueblo es parte de su alma, la que han dejado en esta velada en el Coliseo Carlos III en esta oportunidad singular para disfrutar de los dos polos culturales, el "culto" y el "popular", haciendo de ellos una magnífica simbiosis.
Bien avenido conjunto musical, con el director de la Janusz Prusinowski Kompania muy en su papel a cargo del grupo y un pianista, Miguel Ituarte que ensambla perfectamente las obras que comparte con la agrupación polaca.
Michal Zak, responsable de los instrumentos de vientos, es sensible y capta todos los matices de las composiciones y podría tocar perfectamente jazz u también otro tipo de música.
Piotr Piszczatowski, percusionista, forma parte de esos giróvagos derviches que gira a la vez que toca el instrumento. Fue un concierto de pie y en movimiento perpetuo. El bajo Piotr Zgorselzki siguió a los demás con absoluta disponibilidad y el pianista, contenido y reservado en las partes solistas, no se permitió el desbordamiento hasta que llegó el momento de interpretar la Gran Polonesa.
Vida cotidiana, canciones de boda y de cuna, esta música es el corazón del pueblo polaco, que el vivió y vive todavía en su tierra natal y la de otros que como Chopin  la Kompania, ha salido a buscar fortuna por esos mundos, mientras añoran terriblemente la patria polaca.



Es perfecto que conozcamos a los integrantes de Europa no solo por los tratados comerciales, la escasa circulación de personas o los decretos y Brexit, porque la música es un lenguaje universal que puede compartirse y crear un patrimonio común. Gracias por el afecto de esta velada y por la entrega incondicional de unos músicos que fueron muy aplaudidos y muy bien recibidos por el público.

Alicia Perris
Foto del concierto: Julio Serrano Ruano






FIN DE PARTIDA: DUCHAMP, EL AJEDREZ Y LAS VANGUARDIAS

29/10/2016 — 22/01/2017
Comisariado
Manuel Segade


Torneo de ajedrez en la Julien Levy Gallery, 6 de enero de 1945
Collage de Dorothea Tanning a partir de tres fotografías de Julien Levy

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias presenta un análisis de las vanguardias del siglo xx hasta la eclosión del arte conceptual desde la perspectiva de lo que parece una anécdota sin importancia: el juego del ajedrez. Tomando como marco la cronología vital de Marcel Duchamp, la exposición plantea la hipótesis del ajedrez como un fondo continuo de las vanguardias históricas.


Sonia Delaunay. Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formes, colores), 1925


Revelando la presencia constante del ajedrez en múltiples corrientes artísticas, vemos como transita del placer por el juego al análisis del lenguaje. Un camino que va desde la figuración fauvista de la década de 1910 hasta la tradición simbólica del surrealismo y culmina finalmente en el arte como idea del arte conceptual por parte de los principales artistas de la modernidad.


http://www.fmirobcn.org/exposiciones/5708/fin-de-partida-duchamp-el-ajedrez-y-las-vanguardias

EXPOSITION « PICASSO – GIACOMETTI »

Dialogue entre deux maîtres
Du 4 octobre 2016 au 5 février 2017, le Musée Picasso présente la toute première exposition consacrée à l’œuvre de deux des plus grands artistes du XXe siècle : Pablo Picasso (1881-1973) et Alberto Giacometti (1901-1966).


Grâce à un prêt exceptionnel de la Fondation Giacometti, cette exposition inédite, qui occupera le rez-de-chaussée et le premier étage de l’hôtel Salé, réunit plus de 200 œuvres des deux maîtres provenant des riches collections du Musée Picasso et de la Fondation Giacometti, ainsi que des prêts de collections françaises et étrangères.

Un important travail de recherche, mené en commun dans les fonds d’archives du Musée Picasso et de la Fondation Giacometti, a permis de révéler des documents inédits, esquisses, carnets et annotations significatives. Ceux-ci éclairent les relations méconnues entre les deux artistes, relations à la fois amicales et formelles, et l’intérêt mutuel qu’ils se sont porté à des moments clefs de leurs carrières, en dépit de vingt ans de différence d’âge.

Dotés de tempéraments différents, mais caractérisés tous deux par une grande liberté d’esprit et d’invention, Picasso et Giacometti partagent une fascination pour le lien entre Éros et Thanatos, comme pour le déplacement des limites de la représentation. De leur rencontre au début des années 1930 à leurs dialogues nourris dans l’après-guerre autour des querelles du retour au réalisme, les deux artistes n’ont cessé d’échanger sur leur création. Comme l’exposition le révèle, de nombreuses similitudes formelles et thématiques rapprochent leurs œuvres de la période surréaliste. À partir de la fin des années 1930, tous deux vont transformer leur pratique et partager des questionnements sur l’art et sa relation au réel, auxquels le peintre-sculpteur et le sculpteur-peintre répondent par des solutions formelles différentes.

Organisée en 8 sections, l’exposition propose un parcours à la fois chronologique et thématique présentant les différents aspects de leur production artistique dans tous les médiums : peinture,
sculpture, dessin. Après avoir évoqué le cheminement des deux artistes de leurs œuvres de jeunesse jusqu’aux créations modernistes, elle montre les correspondances entre leurs œuvres, de l’influence des arts extra-occidentaux ou de celle du mouvement surréaliste au renouveau du réalisme dans la période d’après-guerre.

À côté d’œuvres emblématiques de chacun des artistes comme Paul en Arlequin (1924), Femme assise au fauteuil rouge (1932) et La Chèvre (1950) de Picasso ou Femme qui marche (1932), Cube (1933-1934) et Homme qui marche (1960) de Giacometti, sont présentés des plâtres rares et fragiles, des dessins dont certains inédits, et de nombreuses archives dévoilées pour la première fois.

Un catalogue richement illustré publié par le musée Picasso et les éditions Flammarion accompagne l’exposition. Il rassemble des essais inédits d’historiens de l’art, dont les commissaires de l’exposition, ainsi qu’une anthologie de textes historiques consacrés aux deux artistes.


Commissaire : Catherine Grenier, directrice de la Fondation Giacometti

Commissaires associées : Serena Bucalo-Mussely, attachée de conservation à la Fondation Giacometti, Virginie Perdrisot, conservatrice du patrimoine au Musée national Picasso-Paris.

http://www.museepicassoparis.fr/picasso-giacometti-2/

HOUSELIFE COLLECTION DESIGN DU CNAP AU MADD BORDEAUX








Du 24 septembre 2016 au 29 janvier 2017, le musée des Arts décoratifs et Design (madd) accueille plus de 350 pièces du Fonds national d’art contemporain, collection dont le Centre national des arts plastiques (Cnap) a la garde. Cette collection, l’une des plus importantes en Europe, réunit les pièces les plus significatives des designers contemporains, français mais aussi internationaux. Ce projet est l’occasion d’offrir à du mobilier et à des objets le contexte qui, originairement, est le leur : un univers domestique.








L’exposition présente plus de 160 designers et prend place en deux lieux, deux maisons extraordinaires :

l’hôtel de Lalande, construit au XVIIIe siècle, un joyau du Bordeaux patrimoine mondial de l’UNESCO, qui a conservé ses boiseries et ses parquets d’origine où prend place le musée des Arts décoratifs et du Design. Visible du 24 septembre 2016 au 29 janvier 2017





http://www.madd-bordeaux.fr/

SOUNDS OF REVOLUTION

Rossini’s visionary Guillaume Tell, about the Swiss nationalist hero, laid the groundwork for a new era of opera, says Pierre Audi, director of the Met’s new production.



Guillaume Tell is a paradox. It is probably Rossini’s most influential, most critically praised, and even in certain ways most famous opera—and yet it is all but unknown. The opera has been performed at the Met—11 times in German between 1884 and 1889 and 20 times in Italian between 1894 and 1931—but the new production by director Pierre Audi that opens October 18, with the original French libretto restored, might well be considered a long-overdue Met premiere.

The opera is meta-legendary—that is, it is a legend about a legend. The title character, a quasi-historical figure who may or may not have existed, is a Swiss freedom fighter forced by a tyrannical Austrian governor to use a crossbow to shoot an apple off his own son’s head. Audi describes this world-famous myth as “a kind of symbol of nationalism, a search for liberty, the independence of a nation—how the local people, through the courage of a man like Guillaume Tell, manage to transcend a dictator and look forward to liberty.”

Rossini’s interpretation holds a pivotal place in the history of opera and a curious role in the composer’s biography. First performed in 1829 when Rossini was 38 years old, the opera was a critical and popular success and guaranteed him a cushy position at the summit of the lucrative Parisian opera world. It was also—quite inexplicably—the last opera he wrote, even though he lived, widely celebrated, for nearly 40 more years. Audi, for his part, is interested in the opera’s role as a masterpiece in itself as well as a point of departure for future opera development. “Rossini was visionary in the way he elevated the story into something timeless, theatrical, and mysterious, something that remains today still very surprising,” he says. “I think it’s one of those key moments in opera history where a composer says, ‘I have something new to tell,’ and he lays that card on the table and future generations pick it up.”

This season at the Met, Rossini’s influential score will be in the hands of Maestro Fabio Luisi, leading the formidable baritone Gerald Finley in the title role. When he sang Tell in London last year, The Guardian raved, “Finley was majestic.” The Telegraph called his performance “heart-wrenching.” Soprano Marina Rebeka, an acclaimed recent Violetta at the Met, and the fast-rising tenor Bryan Hymel complete the principal cast.

The Paris Opéra in 1829 was similarly capable of assembling artists of the highest caliber, not to mention unparalleled in the scale of its productions, the ingenuity of its scenic effects, and the quality of its chorus and orchestra. All these assets would play roles in shaping Guillaume Tell, the success of which would in turn shape the style of the Paris Opéra for generations. Rossini worked within the grand-opera requirements of the institution but with an original point of view, as if he looked at the situation and said, in Audi’s words, “Well, fine, but I’ll do it my way.”

The structure of the opera was innovative for 1829, and the subject itself remains radical today. Guillaume Tell is based on a play by Friedrich Schiller, an author tremendously influential in the German literary Romantic movement and an inspiration to countless musicians, including Beethoven, Donizetti, Tchaikovsky, and Verdi. The radicalism of the play is deeper than a tale of oppressed peoples fighting off the yoke of tyranny, although it certainly includes that idea. The most pervasively revolutionary theme of the play is the deft association of benevolent nature with the ideal of liberty, suggesting that freedom is in fact mankind’s natural state and, conversely, declaring those who advocate totalitarianism to control humanity to be “unnatural.” It’s a debate that rages on in today’s headlines. It is also the issue that elicited Rossini’s best music in the opera, and indeed some of the best music in all of opera. “The famous chorus at the end, ‘Liberté,’” says Audi by way of example, “is one of the most moving episodes of any opera.” Part of its emotional appeal is the broader picture of liberty that Rossini has created throughout the previous several hours.

For starters (literally) there is that famous overture, whose galloping melody secured pop-culture immortality as the Lone Ranger theme. Rossini also met the Parisian audiences’ expectations for ballet and chorus, but, again, in an astounding new fashion. There is a long ballet in the middle of the opera in which the dictator Gesler humiliates the Swiss people by forcing them to dance to death in the village square. Both the ballet and chorus are a part of the complex drama unfolding, rather than being mere decoration. Audi’s production respects Rossini’s innovation, giving the audience “the feeling that the chorus is dancing, that that marathon is really taking place. I didn’t want to replace it with another thought. And that’s what we tried with Kim Brandstrup, the choreographer, to realize.”

The production, with sets by George Tsypin, costumes by Andrea Schmidt- Futterer, and lighting by Jean Kalman, reflects this connection to reality while also embracing the work’s Romanticism. “The important thing about nature is a sense of infinity,” Audi says. “The sky, the water, the reflection of the mountains in the water—and that was the starting point for George. So he made a very simple mirror box, which is the basic framework of the set,” giving “a feeling of infinity and reflection.” An enormous ship deck designed to mimic the shape of Tell’s crossbow is another imaginative staging touch. For the costumes, Audi says, “we worked with natural materials, like linen and leather, which are authentic, ancient, timeless materials, and went for very simple lines and shapes.”

Guillaume Tell, as both French Grand Opéra and Rossinian bel canto, must be produced around charismatic soloists in the lead roles, and Audi feels fortunate to have a marvelous roster of singers steeped in the specific requirements of this score. Of Finley, who inhabits the complex and nuanced title role, he says, “Gerry is one of the opera singers I admire most on the international scene. He invests himself in all his roles—he is the role.”

This is an essential quality for a character like Tell, who, Audi continues, “has a secret inner life. He has pent-up anger, and a deep fatherly feeling. He’s struggling with those feelings, and he feels somehow chosen as a human being that needs to speak for others. And not only speak for others, but also act for others, and risk his life, risk the life of his child, for a much higher and much deeper purpose.” And, he adds, “I think that is a very interesting concept, at the moment, when there’s a lot of talk about sacrificing yourself in the name of a cause. Guillaume Tell is such a figure.” —William Berger

http://www.metopera.org/Discover/Articles/Featured-Articles/sounds-of-revolution/

domingo, 30 de octubre de 2016

THE TRUE STORY BEHIND THE BALLET: THE TALE OF THE FALSE PRINCESS ANASTASIA


Thousands wanted to believe that Anna Anderson was the miraculous survivor from the murdered Romanov family of Russia.

BY FRANCES WELCH (WRITER)

On the night of 17 February 1920, a woman was dragged out of a canal in Berlin by a policeman who had seen her jump in, apparently in a bid to kill herself. Refusing to speak and possessing no papers, the 23-year-old woman ended up in a mental asylum, where she became known as Fräulein Unbekannt, or Miss Unknown.


Eighteen months after her rescue, a fellow inmate became excited about a newspaper article she had read which suggested that one of the Romanov daughters had survived the murder of the Imperial family in Ekaterinburg, Russia. ‘I know who you are’, she told Miss Unknown triumphantly.

The notion that a member of the Imperial Family had survived was immediately attractive to White Russians (supporters of the Tsar), who had lost so much in the Revolution. That the survivor might be Anastasia, the youngest and most beguiling of the sisters, made the story additionally appealing. The asylum became a place of pilgrimage.

Visitors brought keepsakes and photographs. The creation of the myth was a collaborative affair, constructed around the claimant. The story was that Anastasia had been rescued at Ekaterinburg by a monarchist soldier. Somewhere along the line, she had despaired and thrown herself into the canal.

The faith of the supporters was not diminished by discrepancies. On the rare occasion when the claimant spoke, it was in the wrong language: German or Polish, instead of Russian; English or French. She had a poor memory and no manners. Her appearance had changed dramatically and she seemed to have aged terribly. But to the faithful, these anomalies served only as evidence of her authenticity. What greater proof could there be of the mental and physical traumas the poor girl had suffered than that she had lost her language, her memory, her looks?


Over the years, more than 30 rival Anastasia claimants popped up, but it was the story of Anna Anderson (a name she had adopted at random) which won through, to be re-told in books, plays, films, musicals, operas and, of course, in Kenneth MacMillan’s ballet Anastasia.

For years there remained the possibility that this strange woman really was Anastasia. A German court spent 30 years weighing up her case before finding her claim ‘neither established nor refuted’.

All doubts were finally dispelled, however, by DNA tests in 1994. Ten years after her death, Anna Anderson was exposed as a Polish peasant, Franziska Schanzkowska, who had travelled to Berlin to pursue an acting career. She had lost her fiancé on the Western Front, then suffered injuries in an explosion, acquiring those scars that her supporters put down to beatings at Ekaterinburg.

It is hard to tell how active the befuddled young Franziska had been in the concoction of her romantic alias. But once the idea had been suggested, perhaps she can be forgiven for running with it. Either she could resume life with the obscure, ill-favoured Schanzkowski family, none of whom had made any effort to trace her, or she could step into the shoes of a glamorous grand duchess, and be attended, for the rest of her life, by courtly admirers.

Unfortunately for her, those faithful supporters were matched by horrified sceptics. Well-wishers, mostly titled, would take her up, only to find themselves embroiled in bitter fallings out. After decades of an itinerant existence, Anna Anderson married an eccentric tam-o’-shanter-wearing genealogist, Jack Manahan, 20 years her junior. The Manahans lived, equably enough as hillbilly celebrities, in a rubbish-strewn house which they shared with 40 cats, none of them house-trained.

For her supporters, Anna Anderson’s death did not spell the end of the struggle to have her recognized. They doubted the efficacy of DNA; they complained of laboratory mix-ups and suspected a cover-up. Prince Rostislav Romanov, who died in 1999, was the only member of his family to attend the press conference in London at which the DNA findings were announced. His jubilant comment immediately afterwards was ‘It’s over!’. But he was favouring science over faith: it is doubtful that the tale of the survival of the Grand Duchess Anastasia will ever be allowed to rest.

This is an edited extract from Frances Welch’s article ‘The False Grand Duchess Anastasia’, printed in full in The Royal Ballet’s programme book for Anastasia, available at the Royal Opera House during performances.

Anastasia runs 26 October–12 November 2016. Tickets are still available


http://www.roh.org.uk/news/the-true-story-behind-the-ballet-the-tale-of-the-false-grand-duchess-anastasia

"THE YOUNG POPE" : "CERTAINS VONT ÊTRE CHOQUÉS", CONFIE UN PRÊTRE

Par Marion Galy-Ramounot
Jeune et beau, pur et détraqué, mystérieux et imprévisible, le Pie XIII de Paolo Sorrentino ne fera sans doute pas l'unanimité dans le monde chrétien. Le père Francis Ayliès nous éclaire sur la question.


On avait presque oublié son regard polisson et son îlot capillaire. Jude Law est de retour, et dans la série la plus scandaleusement prometteuse de cette fin d'année 2016. The Young Pope, écrite et réalisée par Paolo Sorrentino, est diffusée sur Canal + à partir du 24 octobre. Dix épisodes durant lesquels nous marcherons dans les mocassins rouges de Lenny Balardo, alias Pie XIII, premier pape américain de l'histoire. Parenthèse : Pie XIII n'a jamais existé, il sort tout droit de l'imagination du réalisateur italien. En proie à ses souvenirs dévorants et aux privilèges du pouvoir, Sa Sainteté va se révéler mélancolique et implacable, en proie aux doutes et particulièrement déterminé, accroc à la cigarette et au Cherry Coke Zéro. Une sorte de Frank Underwood en soutane, si vous préférez. Bref, ça va chauffer au Vatican. Pour bien comprendre les tenants et les aboutissants de la première série du réalisateur d'Il Divo, nous avons demandé au père Ayliès, prêtre du diocèse de Bordeaux, de visionner les deux premiers épisodes.

Lefigaro.fr/madame. — Verdict ?
Père Ayliès. — Je viens d'écrire un livre comme une sorte de recueil de mails adressés au pape François (1). Ce qui est sûr, c'est que je n'écrirais pas à celui-là. Il est trop peu à l'écoute ! Mais la série est incroyable en intelligence, en qualité d'image et de dialogues. On est toujours tenus en haleine : quel est le plan de ce pontife ? Est-il vraiment aussi radical ? Utilise-t-il son autorité pour lui ou pour un futur bien de l'Église ? Est-il un fou ou un vrai stratège ? Un démon ou un ange ? Y a-t-il un rapport avec l'Église actuelle ?! Autant de questions que l'on se pose au fil des premiers épisodes. C'est assez addictif, en fait.

Nous ne sommes pas dans le probable
Ce pape est jeune, beau, fumeur, réac, coquet... Mais est-il réaliste ?
Non, et c'est ce qui fait la génialité de la série. Nous ne sommes pas dans le probable, mais dans le divertisemment italien. Bien sûr, nous pourrions avoir un pape plus autoritaire, plus radical. Mais deux aspects, notamment, sont invraisemblables. Le premier est qu'il s'enferme dans le Vatican et qu'il vit en huit clos. Un pape ne peut pas être pape s'il n'a aucun lien avec ses fidèles et le reste du monde. Le second est qu'il se questionne sans cesse sur sa propre foi. Il se demande même parfois s'il n'est pas athée. Or un pape est un homme qui "dit" la foi. Il est absolument insensé d'imaginer un pape indécis, qui doute de l'existence de Dieu.

La série aborde les thèmes, tabous, de l'homosexualité dans la curie, la corruption, le pouvoir, l'ambition, le sexe... C'est choquant ?
Il y a, c'est sûr, des gens qui vont être choqués. Sorrentino complexifie chaque personnage. Et Pie XIII en particulier. Par exemple, dans un rêve, il prononce un discours dans lequel il promeut la masturbation et l'avortement ; le lendemain, il vire le préfet de la Congrégation pour le clergé parce qu'il est homosexuel ! Autre exemple, il reprend la tiare, symbole du pouvoir absolu, et, dans un même temps, il aide ses proches à vivre en conscience... Ce qui est plus intriguant que choquant, finalement, c'est que Sorrentino nous retourne le cerveau en nous dévoilant chaque personnage dans ses ambiguïtés. Et nous ramène aux nôtres !


Concrètement, la série va-t-elle plaire aux chrétiens ?
Elle ne plaira pas à ceux qui ne s'autorisent pas le second degré. Il faut la regarder sans a priori et ne surtout pas la voir comme un "pour" ou "contre", "pour" l'avortement ou "contre" l'homosexualité... Dans cette série, on ne parle presque à aucun moment de la religion chrétienne et de l'évangile. On parle d'un lieu de pouvoirs, et de secrets. Un lieu où tout le monde s'auto-protège. La radicalité politique de Pie XIII plaira certainement aux catholiques traditionnalistes parce qu'elle est l'antithèse de la ligne tenue par le pape François, jugée trop en compromission avec le monde contemporain. Cela dit, son style et certains passages torrides ne passeront pas.

Cette tendance me fait peur
"The Young Pope" vous a-t-elle fait réfléchir, vous, en tant que prêtre ?
Elle fait réfléchir sur l'acte de foi. Très souvent, dans la série, on voit Pie XIII se recueillir avec son confesseur sur les balcons du Vatican, face à la voie lactée, et s'interroger : est-ce que je crois ? En quoi je crois ? Pourquoi je crois ? Pourquoi je me suis lancé ce défi fou ? La série questionne aussi notre rapport au pouvoir. Comment est-ce que j'utilise, à mon niveau, le petit pouvoir que je possède ? Et quelle doit être mon attitude face à ceux qui exercent le pouvoir : liberté ou allégeance ? Je trouve que la série pose très bien cette question.

Paolo Sorrentino suggère que Pie XIII pourrait être « la prémisse, le germe d'un fondamentalisme catholique que nous excluons a priori, tout comme, il y a cinquante ans, nous aurions exclu le risque d'un fondamentalisme islamisque »...
Il est vrai que ce Pie XIII est représentatif d'une tendance pastorale très actuelle, qui préfère une Église élitiste à une Église de la compromission, qui accueille en elle le chemin plus sinueux de beaucoup d'hommes et de femmes du 21e siècle. Dans son premier discours papal, Pie XIII demande au peuple une adhésion totale à Dieu, sans compromis. Il est le pape de l'impératif, qui fait tout de suite le choix d'une autorité dictatoriale. Cette tendance me fait peur. Elle est le danger principal de toute religion.

(1)   Journal d'un curé de quartier, de Francis Ayliès, éd. Le Festin, 2016

http://madame.lefigaro.fr/celebrites/the-young-pope-interview-dun-pretre-certains-vont-etre-choques-211016-117422

DÉBORDÉE DE VISITES L´EXPOSITION CHTHOUKINE FONDATION VUITTON

LA COLLECTION CHTCHOUKINE, VISITE PRIVÉE EN 20 CHEFS-D'ŒUVRE
Par Valérie Duponchelle «Vue de Collioure», Henri Matisse, 1905-1906.

Eblouissante salle Matisse dans l'exposition de la Collection Chtchoukine à la Fondation Vuitton. Ici, «La Desserte( Harmonie en rouge)», printemps-été1908, venue du Musée d'Etat de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Confrontation entre les courants, de la Collection Chtchoukine aux avant-gardes russes, au sommet de la Fondation Vuitton. A droite, «Mardi Gras (Pierrot et Arlequin)», de Paul Cézanne, 1888-1890, venu du Musée d'Etat des Beaux-Arts Pouchkine de Moscou. A gauche, «Femme avec râteau» de Kazimir Malevitch, 1930-1932, venue de la Galerie nationale Tretiakov de Moscou.
«Portrait de la femme de l'artiste», Maurice Denis, 1893.
Les plus beaux Gauguin du monde sont réunis au début de cette exposition historique. A gauche, «Aha oé feii. (Eh quoi, tu es jalouse ?)», de l'été 1892, venu du Musée Pouchkine. A droite, «Homme cueillant des fruits dans un paysage jaune», 1897, venu de l'Ermitage.
«Ruperupe. La Cueillette des fruits», Gauguin,
Superbe confrontation de Picasso cubistes et d'arts premiers.
«Trois femmes» (détail), Pablo Picasso, 1903.
«Femme tenant un éventail» (détail), Pablo Picasso, printemps-été 1907.
«Buste de la fermière « (détail), pablo Picasso, août ou automne 1908.
«Buveuse d'Absinthe» (détail), Pablo Picasso, 1901.
La splendeur de Matisse. A gauche, «L'Atelier du peintre (L'Atelier rose)», 1911. A droite, «Les capucines à ‘La Danse II', printemps-début été 1912. Deux trésors venus du musée Pouchkine de Moscou.
Gros plan sur «La Desserte, Harmonie en rouge», Matisse, printemps-été 1908.
Gros plan sur «L'Atelier du peintre (L'Atelier rose)», Matisse, 1911.
A gauche, «La Muse inspirant le poète», 1909, de Henri dit le Douanier Rousseau, venu du Musée Pouchkine. A droite, «La Dame en vert
«Mardi Gras (Pierrot et Arlequin)» (détail), de Paul Cézanne, 1888-1890.
«le Bois», 1912, André Derain.
Confrontation avant les avant-gardes venues de la Galerie nationale Tretiakov de Moscou. Au premier plan, «Suprématie», 1916, d'Ivan Klioun.
«Femme avec rateau», 1930-1932, Kazimir Malevitch.
EN IMAGES - Jeudi 20 octobre, c'est un vernissage 5 étoiles qui a eu lieu pour cette exposition événement qui accueille à Paris le plus beau des musées russes.
Moment d'émotion particulière, jeudi soir, pour le vernissage très attendu d'Icônes de l'art moderne, la Collection Chtchoukine à la Fondation Louis Vuitton. Malgré la pluie fine d'octobre, tous les heureux élus arrivaient le sourire aux lèvres pour découvrir le plus beau des musées russes présent pour quelques mois à Paris ; et pour apprendre à mieux connaître Sergueï Chtchoukine (1854-1936), ce visionnaire incroyable qui défendit l'avant-garde française avant tous et dont la passion se traduit par une cathédrale de chefs-d'œuvre.
Quelques 158 œuvres attendaient les invités, des vagues puissantes d'émotion et de recognition savamment réparties par la commissaire Anne Baldassari en 14 salles et 4 étages d'exposition. Soit 127 œuvres de la Collection Chtchoukine dont 22 Matisse, 29 Picasso, 12 Gauguin, 8 Cézanne et 8 Monet. Le public en jugera à partir du samedi 22 octobre.
Les personnalités politiques se mêlaient aux stars de cinéma

Ce groupe d'invités était un savant mélange entre monde de l'art - de Laurent Le Bon, président du Musée Picasso, à Jean de Loisy, PDG du Palais de Tokyo, et Fabrice Hergott directeur du Musée d'art moderne de la Ville de Paris - et monde de la mode. Le beau Haider Ackermann, le nouveau directeur artistique de Berluti, est arrivé, comme souvent, dans le sillage de Setsuko Klossowski de Rola, la veuve de Balthus, toujours d'une élégance délicate dans un ravissant kimono d'automne.
Les personnalités politiques (de VGE à Alain Minc) se mêlaient aux stars de cinéma (Catherine Deneuve, au sourire un peu forcé, Léa Seydoux joliment enceinte) et aux artistes, particulièrement nombreux ce soir-là à la Fondation. Parmi eux, Olafur Eliasson, la star dano-islandaise de Berlin, qui reconstitua avec Contact le mirage du cosmos dans ce nouveau temple contemporain dessiné par Frank Gehry. Mais aussi l'architecte canado-américain, en personne, qui racontait son amitié pour les grands artistes américains et californiens, notamment Ed Ruscha et Larry Bell. Egalement Bob Wilson qui a ébloui le public du Châtelet avec son Faust et les meilleurs acteurs-chanteurs du Berliner Ensemble, théâtre fondé à Berlin par Bertolt Brecht en 1949. Etaient aussi présents Xavier Veilhan qui représentera la France à la Biennale de Venise en 2017 ; Le peintre des grisailles monumentales, Yan Pei-Ming ; Le plasticien espiègle Bertrand Lavier dont le piano détourné par la peinture trône au Petit Palais dans le cadre de OnSite, le nouvel événement de la Fiac 2016. ; Sophie Calle, notre championne si française de la narration intime, que le monde international de l'art s'arrache. Chignon en délicat déséquilibre et fossettes enfantines, Tatiana Trouvé, l'artiste formidable dont le père est d'origine russe figurait aussi parmi les convives.
La Russie avait ce soir-là le beau rôle

Le directeur du musée de l'Ermitage, Mikhaïl Piotrovski, était là comme ses conservateurs, érudits tout en réserve de bon aloi. Ils ont le triomphe modeste: le musée de Saint-Pétersbourg a prêté 62 œuvres!
Les femmes de tête du Musée Pouchkine, avançaient d'un pas énergique: Irina Antonova - sa figure historique- directrice pendant des décennies longues comme l'histoire russe et désormais présidente à plus de 91 ans ; et celle qui lui a succédé en juillet 2013, Marina Lochak. Le merveilleux musée de Moscou en pleine métamorphose pour devenir un musée multi-facettes a prêté 64 œuvres! Si l'on ajoute les 15 œuvres prêtées par la Galerie Trétiakov, on comprend que la Russie avait ce soir-là le beau rôle.
Lorsque tous les convives sont descendus dans l'Auditorium où un immense dessin abstrait de Frank Gehry remplaçait l'œuvre historique en arc-en-ciel de feu Ellsworth Kelly, l'émotion était dans l'air, comme une note suspendue.
À 21h 30, Bernard Arnault, président du groupe LVMH, prit la parole avec plus de passion que jamais. Il raconta son idée, le cheminement de celle-ci, les obstacles dépassés, le bonheur de la victoire. Il remercia tous les acteurs de cette réussite, ceux de Paris et ceux de Moscou. Sans oublier le président russe qui accepta le transfert de pareils trésors vers la France et le président français qui en a garanti le salut juridique.
La paix via la culture

Autour du «Homard à la russe» et de la «Volaille Souvaroff», le cinéaste gallois de Meurtre dans un jardin anglais (The Draughtsman's Contract) (1982), de Le Cuisinier, le voleur, sa femme et son amant (1989) et de The Pillow Book (1996), Peter Greenaway discutait ferme avec Fabrice Hergott.
Son épouse, l'artiste hollandaise Saskia Boddeke a inventé une installation autour de La Danse et de La Musique de Matisse qui n'ont pas pu faire le voyage depuis Saint-Pétersbourg. Ronde et rayonnante, elle parlait d'exil et du traumatisme de la guerre avec Cyril Karaoglan, toujours tiré à quatre épingles. Cet homme charmant parle cinq langues, a connu par son père la Syrie dans sa splendeur, milite pour la paix via la culture. Ce mécène de la danse vient de recevoir à titre à titre exceptionnel les insignes de Commandeur des Arts et des Lettres que lui a remis la belle étoile, Aurélie Dupont.
Avec la «Poire fondante à la Chtchoukine», chacun dégusta avec gourmandise son château Yquem 2013 dans de jolis petits verres de salon. Même Yan Pei-ming, gros fumeur de havanes et plutôt un franc buveur de bourgogne rouge. Il était 23 h 30 lorsque les invités se levèrent pour saluer leur hôte, toujours là, tout sourire, les yeux encore brillants de la fièvre Chtchoukine.


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