viernes, 21 de julio de 2017

RAVELLO. CONCERTO ALL'ALBA 2017.

11 Agosto 2017
"Ho trovato il giardino incantato di Klingsor !" così  esclamò Richard Wagner  nel 1880  quando entrò nel giardino di Villa Rufolo a Ravello, sopra Amalfi. La terrazza naturale del giardino che si trova a 340 metri sopra il Golfo di Salerno, offre un panorama mozzafiato su tutta la costa fino al Cilento. Perfino il toscano Giovanni Boccaccio diceva già secoli prima: " questa è la regione più amena d'Italia, una costa punteggiata da piccole città, da giardini e fontane..." Nel suo capolavoro "Il Decamerone" Boccaccio parla con entusiasmo della bellezza di Ravello, della sua eleganza, del mare e del cielo, dei pini e dei cipressi tra terrazze e uliveti e della posizione predominante che occupano queste piccole città.
Da qui l'ispirazione e il vero e proprio impulso già nel 1953 di fondare il primo Festival Musicale di Ravello, uno dei più antichi festival musicali d'Europa.La magia di questo Festival è dovuta sia alla bellezza del paesaggio e al suo palcoscenico naturale che, come una nuvola nel cielo, si sporge sulla roccia a circa 15 metri di altezza, sia al fatto che su questo palco si riuniscono le migliori orchestre con i migliori artisti in un'incantevole connubio tra arte e musica.


Fra tutte le rappresentazioni del Festival quella più suggestiva è senz'altro il Concerto all'alba. Il risveglio del giorno e della mente accompagnato dalla più bella musica classica regalerà ad ognuno un sentimento di gioia indescrivibile che mai vi farà dimenticare Ravello.


Ravello Festival 2017: programma completo
Hungarian Radio Symphony Orchestra (1 luglio ore 20)
The Stars of American Ballet & Daniel Ulbricht (2 luglio ore 21.30)
Dianne Reeves Quintet (5 luglio ore 21.30)
Martha Argerich – Franz Liszt Chamber Orchestra (8 luglio ore 20)
Deutsche Symphonie Orchester Berlin (9 luglio ore 20)
Les 24 Préludes de Chopin – Le sacre du printemps (11 luglio ore 21.30)
GLASS AT 80 (14 luglio ore 20)
Wayne Shorter Quartet (16 luglio ore 21.30)
Decadence (19 luglio ore 21.30)
Enrico Rava – Tomasz Stanko 5et (23 luglio ore 21.30)
Les Italiens de l’Opéra de Paris (29 luglio ore 21.30)
Orchestra Filarmonica Salernitana “Giuseppe Verdi” (30 luglio ore 20)
Antonello Venditti (4 agosto 21.30)
Philharmonia Orchestra (5 agosto ore 20)

Roberta Gambarini & Salerno Jazz Collective (8 agosto ore 21.30)

SONY REMEMORA LA ÓPERA DE PAVAROTTI EN UN CD A LOS DIEZ AÑOS DE SU MUERTE

EFE. Entre ellas destacan las arias compuestas para "Attila", "Ernani" y "Les vêpres siciliennes", una "cabaletta" descubierta en "I due Foscari" y un primer fragmento de la ópera incompleta "Il solitario ed Eloisa".
El próximo 6 de septiembre se cumplen diez años de la muerte del tenor Luciano Pavarotti y con este motivo Sony Classical recopila en tres discos todas las grabaciones que el italiano creó para este sello, incluidas varias "rarezas" de Verdi o un concierto de Navidad junto a Plácido Domingo y José Carreras.


"The Great Luciano Pavarotti" es el nombre del trabajo de homenaje a Pavarotti (1934-2007) que incluye un álbum de piezas poco escuchadas de Verdi, una obra realizada por la Orquesta de La Scala de Milán, dirigida por Claudio Abbado y recientemente remasterizada a partir de las cintas analógicas originales de Columbia.

Entre ellas destacan las arias compuestas para "Attila", "Ernani" y "Les vêpres siciliennes", una "cabaletta" descubierta en "I due Foscari" y un primer fragmento de la ópera incompleta "Il solitario ed Eloisa".
El disco también incluye el concierto de Navidad celebrado en diciembre de 1999 en el Konzerthaus de Viena que reunió a Pavarotti con Plácido Domingo y José Carreras, el trío mundialmente conocido como "Los Tres Tenores", acompañados del Coro de Niños de Gumpoldskirchen y la Orquesta Sinfónica de Viena, dirigida por Steven Mercutio.


Además, la grabación en vivo de su primer concierto en la Piazza Grande de Módena, su ciudad natal, con la Orquesta Sinfónica Arturo Toscanini, recoge un programa de los grandes éxitos de su obra, incluyendo conocidas arias de tenor como "Lucia di Lammermoor" y "Rigoletto"y canciones italianas como "O sole mio" y "Torna a Surriento". (20/07/2017)


http://www.la-razon.com/la_revista/espectaculos/Sony-rememora-Pavarotti-CD-muerte_0_2749525046.html

SERGIO BERNAL, EL "CISNE" DEL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

CRISTINA MARINERO
El primer bailarín protagoniza 'El sombrero de tres picos', en el Homenaje a Antonio Ruiz Soler, mientras es invitado a galas internacionales de estrellas de ballet en Georgia, Atenas y Nueva York.
Desde el Renacimiento, la danza en España tenía artistas anunciados como "bailarines de todo rango": lo mismo interpretaban una coreografía de ballet, que otra de baile español. Así sucedía con los del Teatro Real, en las óperas y en sus primeras coreografías independientes antes del cierre del coliseo en los años 20, o con los miembros del Ballet del Teatro del Liceo de Barcelona, que bordaban Las sílfides o El lago de los cisnes, y ballets españoles como El amor brujo y El sombrero de tres picos.Mariemma, de quien celebramos su centenario, estructuró los estudios oficiales de Danza Española, con el ballet clásico como disciplina indispensable y diaria. Por eso, hay bailarines especializados en lo nuestro, con tan buena técnica de ballet, que podrían integrarse en cualquier compañía internacional.Ese es el caso de la primera figura del Ballet Nacional de España (BNE) Sergio Bernal (Madrid, 1990).


Es el perfecto ejemplo de "bailarín de todo rango" y triunfa por el mundo con el solo del Molinero de El sombrero de tres picos, su famosa farruca, así como con la coreografía de base clásica El cisne, de Ricardo Cue, sobre la célebre partitura de Saint-Saëns. "Sí, he roto la barrera entre ser intérprete de ballet clásico y de baile español, y lo vi cuando tomé clase con el Royal Ballet. Por fin, porque Ricardo quería que bailase El cisne desde hace mucho tiempo, pero he de confesar que me daba mucho respeto y lo bailo gracias a su confianza en mí", asegura sobre este solo que ofrecerá en los próximos meses en Georgia, Atenas y Nueva York.El cisne impacta donde se baila y el público detiene el curso de la gala, dedicándole varios minutos de aplausos y ovaciones. "Es que es una coreografía bellísima, muestra el cuerpo como una estatua griega y su virtuosismo está en la parte espiritual" explica Bernal. "He trabajado mucho con Ricardo Cue la extensión de brazos, que son como las alas y deben moverse desde la espalda. Bailarlo, además, ha tenido un efecto especial y me ha hecho encontrarme conmigo mismo", señala sobre la coreografía en la que ningún movimiento se esconde porque su cuerpo está desnudo y sólo lleva puesto un slip.La lista de galas donde ha intervenido Sergio Bernal es jugosa. Tras haber recibido en 2012 el prestigioso Premio Positano, en Italia, ha compartido escenario con Sergei Polunin, Vladimir Vassiliev, Marianela Núñez, Aurélie Dupont o Tamara Rojo, entre muchos otros. Y en acontecimientos como la Gala de Estrellas del Palacio del Kremlin, en Moscú, este año; en la ofrecida, el pasado, en el Castillo de Windsor o en la estelar Ave Maya. Russian Ballet Icons, en el Coliseum de Londres, también en 2016. Bernal es uno de los pocos españoles, además, que han compartido escenario con Maya Plisetskaya. Con ella actuó en la Acrópolis de Atenas o en la Gran Noche de Danza del Festival de Cap Roig (Gerona). También ha intervenido en la Gala Classical Ballet de Miami, en la ofrecida el verano pasado en el Palacio de Festivales de Cannes y en la celebrada en la Ópera de Zurich, ambas también en honor a la diva fallecida en 2015.
En nuestro país, se podrá admirar a Sergio Bernal durante los próximos días con su baile español. Será en Madrid, donde protagoniza Eritaña, Fantasía galaica y esa obra maestra que es El sombrero de tres picos, en las actuaciones del Ballet Nacional de España, que dirige Antonio Najarro, en los Teatros del Canal, entre el 21 y el 30 de julio. Protagoniza, junto a los primeros bailarines Francisco Velasco, Esther Jurado o Inmaculada Salomón, el programa Homenaje a Antonio Ruiz Soler, dedicado a las coreografías maestras del genial artista por el 20º aniversario de su fallecimiento."Eritaña es un bombón porque contiene la brillantez y la elegancia de la escuela bolera, y te hace sentir como un príncipe", asegura sobre esta pieza que Antonio creó en los sesenta como parte de su Suite Iberia, sobre la composición de Albéniz. Cuenta que "se nota que era más bajo que yo por el baile veloz que creó. No paraba, ¡era un polvorilla!", exclama divertido el bailarín, para quien, por su parte, Fantasía galaica "contiene toda la riqueza escénica que absorbió en Estados Unidos. Es maravillosa", añade.En 2018, el Ballet Nacional de España celebrará su 40º aniversario y también se cumplirán 60 años del estreno de El sombrero de tres picos en versión de nuestro mítico coreógrafo. Fue en el VII Festival Internacional de Música y Danza de Granada y, desde entonces, lleva impreso el sello de obra maestra. "Es una gran responsabilidad que te den este papel protagonista, porque el Molinero lo han bailado todos los grandes de la danza española, desde el propio Antonio a José Antonio, Juan Mata, Antonio Alonso o Antonio Márquez", confiesa. "Tengo, por eso, el listón bastante alto, con el gran reto que supone la parte actoral y la comedia del personaje en algunas escenas. Pienso que los jóvenes bailarines de hoy debemos aportar nuestra parte a estos clásicos y que el público nos empiece a conocer por nuestra personalidad", puntualiza Sergio Bernal, para quien también, desde finales de 2018 se iniciará un camino paralelo, pues trabaja junto a Ricardo Cue en una coreografía sobre la vida de un famoso creador, que estrenará con su futura compañía.

http://www.elmundo.es/cultura/2017/07/20/596e171d268e3e475d8b466d.html

GUSTAVO DUDAMEL PIDE EN SU COLUMNA QUE MADURO CANCELE LA CONSTITUYENTE

 A través de su columna en el diario español El País, el director de orquesta venezolano Gustavo Dudamel, le pidió al Gobierno de Venezuela que cancelara la Asamblea Nacional Constituyente, ante los hechos ocurridos el pasado 16 de julio, cuando la sociedad civil, a modo de protesta, organizó un plebiscito en forma de rechazo.

Son días cruciales para el presente y futuro de Venezuela. Mi país vive momentos oscuros y complicados, recorriendo un peligroso camino que nos lleva inevitablemente a la ruptura de nuestras más profundas tradiciones republicanas.
Nos encontramos en una bifurcación de tal importancia que todos los ciudadanos tenemos el deber de hacer aquello que esté a nuestro alcance para superar la situación actual. Al igual que muchos otros venezolanos, me siento en la obligación personal de ayudar en la más importante tarea del presente: defender los valores democráticos fundamentales, evitando así que la sangre de nuestros compatriotas continúe siendo derramada.


Como director de orquesta, he aprendido que nuestra sociedad, al igual que una orquesta sinfónica, está formada por un gran número de personas, todas ellas diferentes, singulares e irreductibles; todas ellas con sus propias ideas, convicciones y visiones del mundo. Esta maravillosa diversidad conlleva a que en la política, al igual que en la música, no existan las verdades absolutas y que para prosperar como sociedades –al igual que para alcanzar la excelencia musical– debamos crear un marco de referencia común en el que todas las individualidades se sientan incluidas más allá de sus diferencias. Un marco de referencia que contribuya a evitar el ruido y la cacofonía del desencuentro, permitiendo afinar un acuerdo que, desde la pluralidad y las divergencias, logre alcanzar una armonía política y social.
Desde esta fe inquebrantable en el respeto a la diversidad humana, siento la necesidad y la obligación como ciudadano venezolano de manifestarme en contra de las elecciones para conformar una Asamblea Nacional Constituyente en los términos en que fueron convocadas por el Gobierno de Venezuela para el próximo 30 de julio.
La forma en que las autoridades de mi país han llevado adelante esta medida no hace más que avivar el conflicto nacional antes que solucionarlo. Nuestro marco constitucional vigente no ha sido respetado. A pesar de los eventos del pasado domingo, en los que millones de mis compatriotas –en Venezuela y en el exterior– expresaron su rechazo a los planes gubernamentales, los venezolanos aún no nos hemos podido manifestar públicamente a través de una consulta popular previa y vinculante. La voluntad del pueblo debe poder expresarse libremente por medio de los canales institucionales establecidos en nuestra constitución nacional.
Pido encarecidamente al Gobierno venezolano que suspenda la convocatoria a la Asamblea Nacional Constituyente; pido encarecidamente a todos los líderes políticos sin excepción que cumplan con su responsabilidad como representantes del pueblo venezolano y se encarguen de crear las condiciones necesarias para lograr un nuevo marco de convivencia. Nuestro país necesita urgentemente sentar las bases de un orden democrático que garantice la paz social, la seguridad, el bienestar y el futuro próspero de nuestros niños, niñas y jóvenes.
No puede haber dos constituciones, ni dos procesos electorales, ni dos Asambleas. Venezuela es una sola nación, un solo país en el que cabemos todos y en donde todas las sensibilidades han de participar y expresarse libremente, sin temor a la represalia, la violencia, la inseguridad en las calles y la represión. Buscar la victoria a través de la fuerza y la imposición de las ideas propias es y será siempre una derrota colectiva para Venezuela. La única victoria posible y legítima debe darse a través de las urnas, el diálogo constructivo, la negociación y el más absoluto respeto a las leyes que nos gobiernan.
Pienso en todas las víctimas mortales de estos meses con gran angustia y dolor; no pueden imaginarse lo que me duele mi país. Pero también pienso en algunos de los eventos recientes de mi país como momentos de gran esperanza, como primeros pasos y oportunidades reales de cambio que se abren para Venezuela.
Los venezolanos necesitamos de estos momentos de esperanza para poder recuperar al fin la armonía que tanto anhelamos. Porque tener la voluntad de encontrar soluciones significa generar esperanza, significa creer en un proyecto colectivo, plural e integrador de país, significa creer en un futuro mejor para nuestros hijos. Tener voluntad de encontrar soluciones significa, en última instancia, creer en una Venezuela democrática, pacífica y alineada en la búsqueda de mejores condiciones de vida para todos y todas.

Yo creo en esa Venezuela.

INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN 'AMÉRICA EN SU CASA, 25 AÑOS'


El 25 de julio de 1992, los jefes de Estado y de Gobierno que participaban en la II Cumbre Iberoamericana inauguraron la Casa de América, en el recién recuperado Palacio de Linares de Madrid. Cuando se cumplen 25 años de aquel acontecimiento, la institución quiere hacer un repaso por su historia y por las actividades que ha organizado en este cuarto de siglo con la muestra  “América en su Casa, 25 años”.




Para ello, se han recuperado de su archivo más de 250 fotografías nunca antes expuestas, se han recopilado las ediciones que aquel día publicaron algunos de los medios más importantes del continente, y se han recogido carteles de cine, libros y multitud de materiales que dan muestra de una importante evolución vivida por el continente, de la que Casa de América ha querido ser testigo y altavoz con su programación.

OUVERTURE DU ZEITZ MOCAA MUSEUM

L’ouverture prochaine du Zeitz Mocaa Museum au Cap nous offre l’occasion de ce superbe périple en Afrique du Sud.
Tout y est à la démesure d’un pays envoûtant : la traversée des paysages grandioses du Karoo à bord du « plus beau train du monde » ( Rovos Rail, pré-arrivée optionnelle), le survol en hélicoptère du somptueux Cap de Bonne-Espérance jusqu’à votre hôtel, le parcours œnologique et gastronomique au cœur de la région des vins et de la paisible région de Franschhoek…

Designed by Heatherwick Studios, the impending museum sits on the V&A waterfront in the historic Grain Silo Complex. Designed as a space for Africa's artists to tell their stories through a variety of media, Zeitz MOCAA looks to stem the flow of creatives forced to look to venues beyond the continent to showcase their work.
Is this the new home of contemporary art?
 (CNN)Cape Town is about to become home to one of the most influential art institutions in the world. The 100,000-square-foot Zeitz Museum of Contemporary Art Africa will be the biggest museum to open on the continent for more than a hundred years. Clocking in at about $38 million, it just might shift the contemporary art world as we know it.
Africa's upcoming museum named after former Puma CEO 05:57
"There was a collection looking for a home," says Thomas Heatherwick, "and there was a building looking for content -- meaningful content."
Heatherwick reminisces about his first experiences of Cape Town, some 20 years ago, but says the industrial structures he remembers exploring on the waterfront were never that inspiring to the city's residents.
"It was 90 years old and (the Grain Silo Complex) was the tallest building in Sub-Saharan Africa for apparently half a century," he recalls.
"But it was sort of invisible in some sense to people in Cape Town."
Imbuing the site with a new sense of purpose required the designer to negotiate its difficult structural elements: namely 42 colossal concrete tubes.
Rather than tear down the tubes, he decided to incorporate them into the overall design. Cutting away slivers in their walls, Heatherwick and the project team have created a large atrium space with elevators, spiral staircases and a glass ceiling flooding light into the room.
The museum borrows its name from Jochen Zeitz, the former CEO of Puma. An avid collector of contemporary African art, he is loaning several pieces of his considerable collection for decades to come while they continue to build up their permanent collection. Nothing at the Zeitz MOCAA will predate the year 2000.
South African artist Mohau Modisakeng, sculptor Stefan Blom and photographer Zanele Muholi will be among those with works on display when the museum is inaugurated in autumn 2017. And when the doors do open, there could be a seismic change to the nation's art scene.


http://edition.cnn.com/2016/05/31/architecture/thomas-heatherwick-zeitz-mocaa-cape-town/index.html

THE REVOLUTIONARY NEW YORK WORKSHOP WHERE POLLOCK MADE ANTI-FASCIST ART

BY JON MANN
George Cox (left), David Alfaro Siqueiros (center) and Jackson Pollock (right) outside the Siqueiros Experimental Workshop, New York, 1936. Courtesy of the Jackson Pollock and Lee Krasner papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution.
In 1936, as the tide of fascism swelled in Europe, a group of artists in New York set about formulating a response that would both promote the cause of art and counter the rise of politically oppressive regimes.

The first session of the American Artists’ Congress—as the organization they developed was known—took place in February 1936, and featured a presentation from the Mexican muralist David Alfaro Siqueiros, a staunch Communist whose art carried a message of social justice. The organization’s slogan was “Against War and Fascism.”
During his speech titled “The Mexican Experience in Art,” however, the political firebrand Siqueiros spoke out against more than just fascism. Since the early 1930s, the artist had been evolving some of the most radical techniques in mural painting, preferring quick-drying cement and automobile lacquer shot from a commercial spray-gun to the traditional pigment-and-plaster fresco methods adopted by his compatriots.
For Siqueiros, revolutionary ideas required revolutionary techniques and materials; you simply couldn’t make a moving work of political art in the modern era with the same techniques used by religious practitioners in 13th-century monasteries.
The artists present listened to Siqueiros’s speech with great interest and excitement. So much so that, not long after, they helped him to establish the Siqueiros Experimental Workshop in a studio space in Union Square—which the artist referred to as a “Laboratory of Modern Techniques in Art”—whose mission was to teach would-be anti-fascist artists about radical new methods and materials. There, he would find an unlikely student: the future Abstract Expressionist Jackson Pollock.
Before he was “Jack the Dripper,” the Western-“cowboy”-turned-New-York-intellectual, or Life magazine’s proposed “Greatest Living Painter in the United States,” the young Pollock was a follower of the Mexican muralists who were working in the United States during that decade. Growing up in California, he saw Diego Rivera’s murals in San Francisco and traveled to see José Clemente Orozco’s Prometheus mural at Pomona College in 1930.
In New York, he would have seen Orozco’s work at the New School for Social Research, and he certainly couldn’t have missed the fiasco surrounding the destruction of Rivera’s mural Man at the Crossroads at the Rockefeller Center in 1934, where he witnessed it being painted a year earlier………………………………….


https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-pollock-siqueiros-fought-fascism-radical-art

MOZART ON THE WATER: BARGEMUSIC PRESENTS MARK PESKANOV

By CORINNA da FONSECA-WOLLHEIM

The violinist Mark Peskanov, artistic director of Bargemusic, will perform a program that includes Mozart and Sarasate. Credit Todd Heisler/The New York Times


To visitors at the floating concert hall on the East River under the Brooklyn Bridge, Mark Peskanov is a familiar sight. He has steered a steady course as the artistic director of Bargemusic, balancing adventurous new music and family-friendly classics. But he is also a violinist of formidable technical and persuasive powers, as his recital on Saturday, July 29, will attest.
For this program, with Doris Stevenson at the piano, Mr. Peskanov draws an arc from the crystalline simplicity of Mozart to Sarasate’s fiery “Carmen Fantasy,” traversing works by Paganini, Piazzolla, Stravinsky and others that show composers steeped in, or flirting with, Hispanic musical traditions. (bargemusic.org)


https://www.nytimes.com/2017/07/19/arts/music/mozart-on-the-water-bargemusic-presents-mark-peskanov.html

jueves, 20 de julio de 2017

PREMIÈRE EXPO DU WAR HERITAGE INSTITUTE : "DIEPPE : MÉMOIRES D’UN RAID"

Dans le cadre des commémorations du 75e anniversaire du raid sur Dieppe, le War Heritage Institute ouvrira le samedi 24 juin 2017 sa première exposition temporaire Dieppe : Mémoires d’un raid. Elle est consacrée à un épisode méconnu du second conflit mondial, le raid sur Dieppe, le 19 août 1942.


 Au total, 99 pièces rassemblant des objets et documents uniques issus des collections du Musée royal de l’Armée (Bruxelles), de la ville de Dieppe, des associations dieppoises et de collections privées permettront de retracer le déroulement de l’opération Jubilee. Quatre zones complémentaires apporteront au visiteur un éclairage inédit sur le raid : la mise en contexte historique avec les principaux acteurs militaires, la participation belge à l’opération Jubilee, la guerre médiatique à travers la presse et le travail de mémoire. L’exposition abordera également le raid par le biais de la bande dessinée, à travers l’oeuvre de Wallace et Stéphan Agosto.

La participation belge à l’opération Jubilee

Les Belges sont bien représentés parmi les nombreuses nationalités qui ont participé à l’opération Jubilee. Le 19 août 1942, Désiré Guillaume est le Squadron leader de la 350e escadrille de la Royal Air Force, et le Flight Lieutenant Léon De Soomer commande une unité du 174 Squadron. Ils font partie des 39 aviateurs belges présents lors du raid.

Du côté de la Royal Navy, les marins belges sont regroupés et constituent une section spéciale, la Royal Navy Section Belge. C’est ainsi que les lieutenants de vaisseaux Victor Billet, George Depoorter et Jules Van Dyck, participent à l’opération Jubilee. Raymond De Wandelaer est présent dans le commando des Forces navales françaises libres.

Découvrez l’exposition « Dieppe. Mémoire d’un raid » en famille.


https://www.klm-mra.be/D7t/fr/content/premiere-expo-war-heritage-institute-dieppe-memoires-dun-raid

EXPOSITION PERMANENTE : EN LUTTE. HISTOIRES D'ÉMANCIPATION

Plongez au coeur des combats pour une société plus juste et plus solidaire
L’exposition En Lutte. Histoires d’émancipation plonge le visiteur au cœur des combats pour une société plus juste et solidaire.



Elle revient sur la mémoire des luttes ouvrières et elle rappelle que la solidarité sociale dont nous bénéficions aujourd’hui en Belgique est un héritage précieux pour lequel se sont battues des générations de travailleurs et de travailleuses.

Conçue sous la forme d’un voyage dans le temps et guidée par l’image, le son, la lumière et la voix de l’acteur français Philippe Torreton, l’exposition montre que sous l’impulsion d’actions collectives, le monde peut changer et des avancées sociales peuvent être acquises.


http://www.citemiroir.be/fr/exposition-permanente/en-lutte

MIROIR, MON BEAU MIROIR...TOILETTE ET PARURE DANS L’ANTIQUITÉ

Du 13 juin au 3 septembre
Prendre soin de soi et avoir le souci de son apparence sont des préoccupations anciennes.
Dans la Grèce antique, l'hygiène est symbole de santé et se traduit, notamment, par l’usage du bain. D’abord limité au gymnase, le bain connaît un développement important à l’époque romaine avec la multiplication des thermes. Complément de la propreté corporelle, la recherche de la beauté a suscité l’usage de très nombreux objets destinés à servir d’accessoires de coiffure et de toilette ou à contenir les fards, onguents, teintures et parfums ...


L’exposition, qui bénéficie de prêts des musées de Cannes et de Nice-Cimiez, dévoile en introduction une statuette en bronze de Venus, illustration du nu féminin au bain. Miroirs, épingles à cheveux, boites, tablettes et flacons s’offrent ensuite au regard des visiteurs ainsi que plusieurs visages en pierre et en terre cuite qui témoignent de l’inventivité de la coiffure antique. Des bagues et des boucles d’oreilles en or complètent l’exposition et rappellent qu’une femme ne saurait être parée sans ses bijoux.
Ainsi apprêté, fardé, parfumé, coiffé..., le corps révèle l’être et le paraître des Grecs et des Romains.

Musée d'archéologie, Bastion Saint André


http://www.antibes-juanlespins.com/component/rseventspro/evenement/600-miroir-mon-beau-miroir-toilette-et-parure-dans-l-antiquite

MUSÉE DES INSTRUMENTS DE MUSIQUE

Riche de ses quelques 7.000 instruments, c'est pour la grande variété de ses collections que le mim est actuellement réputé internationalement.
 La scénographie, axée sur une mise en lumière des instruments et leur sonorité propose un véritable tour du monde musical.
 Les collections du mim sont présentées sur quatre étages, apportant chacun un éclairage particulier.
 La salle du 4ième étage s'intitule "Claviers".


L'espace au 1ier étage est consacré aux « Traditions dans le monde ». Le parcours démarre en Belgique, traverse l'ensemble des traditions musicales en Europe, se déploie ensuite à travers le monde. A côté de sa version écossaise archi-connue, vous remarquerez sans doute que chaque région du vieux continent possède sa propre cornemuse. Autre curiosité, les instruments réalisés par les moines tibétains... à partir des restes de leurs frères disparus ! Ou encore les tambours à fente africains, véritables précurseurs des réseaux de socialisation tels que Twitter.

Le parcours « Musique savante occidentale » au 2ième étage offre un aperçu chronologique depuis la musique de l'Antiquité égyptienne jusqu'aux expérimentations et aux reconstitutions historiques du XIXe siècle. Vous découvrirez ici que le violon, aujourd'hui tellement prestigieux, ne l'a pas toujours été. Vous remarquerez également comment les modes et goûts de l'aristocratie et de la bourgeoisie en Europe ont influencé la fabrication des instruments.

« Musicus mechanicus » enfin, situé au niveau -1, regroupe les collections mécaniques, électriques et électroniques. La pièce la plus imposante est sans aucun doute le componium, orchestrion du XIXe siècle, capable de jouer automatiquement et indéfiniment une musique qui n'est jamais identique ! Vous y trouvez aussi les cloches.


http://www.mim.be/fr/les-salles-dexposition

EL JAZZALDIA 2017 REGRESARÁ UNA VEZ MÁS A SAN SEBASTIAN EL PRÓXIMO MES DE JULIO.

El Jazzaldia 2017 de San Sebastian se celebrará del 20 al 25 de julio y volverá a reunir bandas y solistas de la talla de Dee Dee Bridgewater, Carla Cook, Jamie Cullum o Gregory Porter, entre muchos otros. El Jazzaldia llevará una vez más a la capital de Guipúzcoa en su edición número 52 la mejor música jazz nacional e internacional del momento, además de alguna que otra sorpresa más.


CARTEL JAZZALDIA 2017

Herbie Hancock
Kamasi Washington
Abdullah Ibrahim
Hugh Masekela
Wayne Shorter
Hiromi
Gregory Porter
Bryan Ferry, Macy Gray
The Pretenders
Cory Henry
Niña Coyote eta Chico Tornado
King Creosote
Of Montreal






MATISSE, EXPOSITION EN DEUX VOLETS. A DÉCOUVRIR AU MUSÉE DE VENCE & À LA CHAPELLE DES PÉNITENTS BLANCS

Le projet vençois « Un été avec Matisse » a été sélectionné dans le cadre de l’appel à projet national « C’est mon patrimoine » lancé par le Ministère de la culture et de la communication, en partenariat avec le Commissariat Général à l’Egalité des Territoires. Cette opération qui promeut l’appropriation du patrimoine par tous dès le plus jeune âge se déclinera sur la ville tout au long de l’été. Les enfants de l’accueil de loisirs Marc Chagall passeront
« Un été à Vence avec Monsieur Matisse ». Au travers de visites, ateliers, jeux… accompagnés par plasticiens, médiatrice culturelle, technicienne du tourisme, historien, les enfants découvriront l’homme, son oeuvre et resitueront l’artiste dans son cadre de vie : Vence des années quarante. Les jeunes de la Maison des Jeunes et des Loisirs partiront quant à eux des cimaises pour aller à l’exploration des arts

vivants : théâtre, danse, multimédia, arts de la rue... direction Avignon temple estival du spectacle vivant. Pour en savoir plus sur ce projet mis en oeuvre en collaboration
entre le service Enfance Jeunesse Education de la ville, le musée de Vence et l’Office du tourisme : http://cestmonpatrimoine.culturecommunication.gouv.fr//


https://vence.fr/matisse-exposition-en-deux-volets?lang=fr