jueves, 21 de septiembre de 2017

EL ‘STABAT MATER’ DE GIOACHINO ROSSINI EN LA CATEDRAL DE TOLEDO

 En el marco del convenio de colaboración entre el Teatro Real y el Festival de Música El Greco en Toledo, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real volverán a la catedral de la capital manchega el próximo domingo, 24 de septiembre, a las 20 horas para interpretar el arrebatador Stabat Mater de Gioachino Rossini (1792-1868), de marcado carácter operístico, pese a la temática religiosa y profundamente doliente de la letanía.

Cuando, en 1831, Rossini viajó a España ─país de su primera mujer y musa, la célebre cantante Isabella Colbran─ acompañado del banquero Alejandro Aguado, fue recibido con todos los honores en Madrid, donde el rey Fernando VII presidió una aclamada interpretación de El barbero de Sevilla. En el fragor de esa visita triunfal el prelado de Sevilla, Don Manuel Fernández Varela, le encargó a Rossini un Stabat Mater, que el compositor aceptó escribir presionando por la situación, con el compromiso de que la obra nunca se publicara ni cambiara de propietario.

Rossini rondaba entonces los 40 años y había abandonado ya, de manera definitiva y sorprendente, su brillante carrera como compositor operístico. La crisis en su matrimonio era cada vez más acuciante y comenzaba a padecer los estados depresivos que le acompañarían cíclicamente hasta el final de sus días. En este contexto no logró concluir el Stabat Mater en la fecha pactada y después de componer los seis números más dramáticos pidió que a su amigo Giuseppe Tadolini, director del Teatro Italiano de París, que compusiera los números restantes del poema religioso latino.



Esta versión conjunta de la obra fue la que finalmente se estrenó en España, en la capilla de San Felipe el Real de Madrid, el Viernes Santo de 1833, con gran disgusto del prelado, que retribuyó al compositor con una tabaquera de oro.

Después de su fallecimiento, incumpliendo el compromiso contraído, los herederos del propietario vendieron la obra, cuya edición ilegal Rossini logró contrarrestar recomponiendo él, finalmente, las partes del Stabat Mater que no eran de su autoría, para que la obra tuviera la unidad, cohesión e impronta que merecía.

Esta versión definitiva, totalmente escrita por Rossini, se estrenó discretamente el 7 de enero de 1842 en la Sala Ventadour de París. Dos meses más tarde la obra sería interpretada en Bolonia, bajo la dirección de Gaetano Donizetti, con categoría de gran acontecimiento musical, ya que Rossini, avejentado con apenas 50 años, llevaba una década sin estrenar una partitura de envergadura.

Rossini compuso un Stabat Mater de gran teatralidad, como una especie de ‘ópera mariana’, que expresa los sentimientos, estados de espíritu y evocaciones de la Virgen con una desinhibición a veces incomprendida para tratar un texto religioso tan hondo y lacerante: De pie la Madre dolorosa / junto a la Cruz, llorosa, / mientras pendía el Hijo / cuya ánima gimiente, / contristada y doliente /atravesó la espada…

El carácter pasional y arrebatado de la obra otorga un sentimiento terrenal al dolor de la Virgen, que mimetiza fácilmente con las emociones del público, atrapándolo con melodías seductoras, modulaciones sorprendentes y una orquestación efectista y brillante, cuya teatralidad acerca lo divino a lo humano.


Cuatro reconocidos cantantes darán vida a la partitura rossiniana: la soprano Eleonora Buratto ­-que será Micaëla en la Carmen que se estrena el 11 de octubre en el Teatro Real-, la mezzosoprano Silvia Tro Santafé -que está interpretando actualmente, con mucho éxito, el papel de Cecilio en Lucio Silla, el tenor Michele Angelini, que debutará en el Teatro Real, y el bajo Roberto Tagliavini, que participará en Aida y Lucia de Lammermoor en esta temporada.

Junto a los solistas actuarán el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Ivor Bolton, que volverá a la Catedral de Toledo, donde ya dirigió, con gran éxito, el Requiem de Mozart, en 2014.

COLABORACIÓN DE RENFE
El Teatro Real  ha contado con la colaboración especial de RENFE,  que ha  programado un tren con un horario especial para trasladar al público de Madrid a Toledo.

El  tren Avant Espacial Teatro Real saldrá de la Estación de Atocha el domingo a las 17.50 h. con destino a Toledo y partirá de ahí, al término del concierto, a las 22.00 horas.


Información en: amigosdelreal@teatro-real.com

‘BLADE RUNNER 2049’ REPLICA EL MITO

Ryan Gosling protagoniza la continuación de una película icónica de la cultura. “He tenido que procesar la idea de formar parte de algo inmenso”, afirma.
Ya no queda nada sagrado en el cine. De todo se pueden hacer remakes, segundas partes, nuevas adaptaciones, reboots, spin offs y cualquier palabro que se le ocurra a Hollywood. Si hasta de Casablanca se rodó una versión futurista con Pamela Anderson (Barb Wire), era plausible que hubiera una continuación de Blade Runner, una vez acabados los distintos lanzamientos comerciales de su versión sin voz en off, del montaje del director, de... "Bueno, yo llevo preparándome toda la vida", confiesa Ryan Gosling (London, Ontario, 1980). 


"La película se estrenó cuando yo tenía dos años. E influyó en la cultura en la que yo crecí. La vi a los 12 años y me dejó impactado. Se convirtió en parte de mí, porque con 20 años me hice preguntas sobre el futuro que están en Blade Runner. Me mudé a Los Ángeles, me convertí en actor y viví en el Downtown, muy cerca del edificio Bradbury. Un día me entrevisté con Ridley Scott, que me adelantó partes de la historia por si me interesaba, y mientras procesaba el concepto de formar parte de algo inmenso, ya estaba en Budapest rodando junto a Harrison Ford". A Gosling le ha tocado heredar en Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve, el detective protagonista de la película, el oficial K, muy similar en vestimenta, soledad y melancolía al mítico Rick Deckard, que vuelve a la pantalla porque en este siglo XXI a Ford  -presente también en la promoción en Madrid del filme junto a Ana de Armas- le gusta recuperar sus personajes.
¿Cómo fue leer la continuación de un título de culto? "En mi caso todo depende de la conexión con el libreto. La primera vez que leí el guion de Blade Runner 2049 me perdí en la historia, me sumergí atrapado por la inmensa apuesta visual y a la vez íntima reflexión sobre la vida de unos personajes complejos". ¿Le pasa habitualmente? "Busco trabajar con directores ambiciosos, que me dejen colaborar en sus visiones cinematográficas". Ya, pero como contaba su película anterior, La La Land, todo eso es muy bonito, y todo actor lo busca. Ahora  bien, si no hay suerte... Por primera vez, Gosling se ríe: "Lo sé, lo sé. Es verdad. Lo que hago es sentir que conecto con el guion, con el director, entender lo que estás haciendo, sentir las emociones de tu personaje. Luego ya...".

EL ACTOR QUE NO ENCARNA SUPERHÉROES
Ryan Gosling, como todos, tiene un pasado. Empezó en la tele en enero de 1993 en el Club Disney, y como estaba lejos de su Ontario natal, vivió durante dos años en casa de la familia de uno de sus compañeros de programa, Justin Timberlake. Cogió experiencia como protagonista de la serie El joven Hércules y ahí comenzó su despegue cinematográfico, mezclando títulos más olvidables -categoría en la que entra el taquillazo El diario de Noa- con dramas como El creyente, Half Nelson o Lars y una chica de verdad. Hoy es de los poquísimos actores de categoría A, de los grandes (ahí están La La Land, Los idus de marzo, Drive, Blue Valentine), que no está metido en ninguna saga de ciencia-ficción o de superhéroes. "Por ahora no he sentido conexiones de ninguna de las propuestas con mis experiencias vitales. Tengo familia [dos hijos con la actriz Eva Mendes], así que mucho me tiene que importar el filme como para alejarme de ellos... ¿Y no crees que mis trabajos con Nicolas Winding Refn están construyendo el arquetipo de un moderno superhéroe?", remata a carcajadas. ¿Habrá segunda parte de Drive? Porque en novela ya existe. "No creo. Nic y yo hablamos de ello, pero el material no nos gusta mucho. Y sería romper el misterio del personaje".

Su siguiente paso tiene marchamo especial: encarnará a Neil Armstrong en First Man. "La investigación está siendo maravillosa, inspiradora. Y me gustaría calificarlo como superhéroe de carne y hueso".

Gosling ha aparecido con el tipico jersey regalo de una abuela en Navidades. Ni él sale bien parado en elegancia con esa prensa. Lo suyo es otra cosa: encarnar hombres difíciles, complejos, nada de guapitos planos. "En Blade Runner se mostraba un tipo de héroe muy distinto del habitual en la pantalla. "Era una de las preguntas claves que planteaba la primera parte, que inquiría al espectador sobre las diferencias, a veces mínimas, entre héroes y villanos", recuerda Gosling. "No puedo decir mucho más, porque creo que el espectador debe disfrutar de la experiencia como yo lo hice la primera vez que leí el guion. Han pasado 35 años y merece la pena esperar a la pantalla". Con ello justifica también que los periodistas que entrevistan a los actores solo hayan podido ver parte del filme: hace diez días The New York Times reveló un spoiler, un detalle clave para la trama, y los productores enfurecieron: hasta pocos días antes del estreno, el 6 de octubre, nadie más verá íntegra Blade Runner 2049.

Así que son los actores quienes proporcionan la información: "¿Qué podemos contar? Pues que Ford encarna de nuevo a Rick, que el trabajo de los blade runners, los cazarreplicantes, se ha vuelto más complicado porque el contexto ha cambiado. Ahora son parias, realizan un trabajo que nadie quiere afrontar. Mi personaje lleva una existencia solitaria, sin conexiones humanas. Y en este arranque de la película explora sus emociones para intentar ser algo más que su trabajo". Gosling no tiene problemas en responder a una pregunta fundamental: ¿Blade Runner 2049 es la segunda parte de qué versión de la primera? Porque hay pequeñas variaciones visuales en alguna que sin embargo cambian por completo al personaje de Deckard. "Continúa la historia de la versión del director". A buen entendedor...


 HARRISON FORD ASEGURA QUE SE MANTIENE EL TONO DE “PESADILLA EXISTENCIAL"

Harrison Ford, Ana de Armas y Ryan Gosling, presentando 'Blade Runner 2049'. CLAUDIO ÁLVAREZ


https://elpais.com/cultura/2017/09/19/actualidad/1505834979_423123.html

YOUR CONCISE NEW YORK ART GUIDE FOR FALL 2017


Your list of must-see, fun, insightful, and very New York art events this season.


Soda_Jerk, still from “Astro Black: We are the Robots” (2010), two-channel video installation with four episodes, 25:24 min (image courtesy apexart)

Overwhelmed by all the art to see this fall? Us too. To make it all slightly more manageable, we’ve compiled a list of fun, insightful, and very New York art exhibitions and events in our yearly fall guide. In addition to perusing this online version, you can look out for print copies of our guide in bookstores, coffee shops, galleries, museums, and nonprofit art spaces around the city.

September
Sanford Biggers: Selah

When: September 7–October 21
Where: Boesky East (507 W 24th Street, Chelsea, Manhattan)

Whether working in textile, video, sculpture, or performance, Sanford Biggers unflinchingly tackles issues of race and representation in American culture. The centerpiece of this show, “Seated Warrior,” continues his series of bronze sculptures based on traditional African statues, which he collects and then dips in wax or pierces with gunshots. It will be framed by textile works assembled from fragments of antique quilts.

Fellow Travelers

When: September 7–October 21
Where: apexart (291 Church Street, Tribeca, Manhattan)

Space is the place — where we stage allegories of earthly drama. This exhibition, curated by Katherine Rochester, gathers works by seven artists and collectives that project humans onto sci-fi frontiers in order to imagine solutions for seemingly unsolvable problems. Some of the astronauts are interstellar refugees in search of new home bases; others are defiant occupiers who refuse to leave their beloved planets.

Vaginal Davis & Louise Nevelson: Chimera

When: September 8–October 22
Where: Invisible-Exports (89 Eldridge Street, Lower East Side, Manhattan)

Vaginal Davis met Louise Nevelson at a party in the 1980s; the theme was “come as your favorite dead artist.” “I came as Frida Kahlo with mono brow mustache and instead of a monkey in my hair I used a Cabbage Patch doll,” Davis recalls. “No one, including Andy Warhol, knew who I was except the divine Ms. Nevelson—who raved over me.” This exhibition pairs Davis’s paintings executed with makeup and beauty products with two all-black assemblages by Nevelson…..


“JEWELED COVER OF THE LINDAU GOSPELS” (ca. 875), France, manuscript on vellum, gold repoussé, crucifixion and 10 mourning figures, including personifications of the sun and moon; workshop of Charles the Bald, grandson of Charlemagne; on the Lindau Gospels, in Latin; Switzerland, Abbey of St. Gall, between 880 and 899 (purchased by J. Pierpont Morgan, 1901; MS M.1, front cover, © the Morgan Library & Museum, photo by Graham S. Haber)
Magnificent Gems: Medieval Treasure Bindings

When: September 8, 2017–January 7, 2018
Where: Morgan Library & Museum (225 Madison Avenue, Midtown East, Manhattan)

Today, books are a luxury because reading them feels like a rare activity; in the Middle Ages, luxury meant diamonds and sapphires encrusted in your book covers. Some of the glorious few that survive are owned by the Morgan Library, which will display them alongside illuminated manuscripts. The exhibition will connect the treasure bindings to their wealthy patrons and religious contexts, and highlight one of the world’s most impressive examples, the 9th-century Lindau Gospels.

https://hyperallergic.com/401206/your-concise-new-york-art-guide-for-fall-2017/?utm_medium=email&utm_campaign=Your%20Concise%20New%20York%20Art%20Guide%20for%20Fall%202017&utm_content=Your%20Concise%20New%20York%20Art%20Guide%20for%20Fall%202017+CID_7e910648ddec7304c55813c29bc24d58&utm_source=HyperallergicNewsletter&utm_term=Your%20Concise%20New%20York%20Art%20Guide%20for%20Fall%202017

POP ART . MUSÉE MAILLOL


Du 22 septembre 2017 au 21 janvier 2018

ICONS THAT MATTER
Impossible de passer à côté de ce mouvement artistique majeur, qui excite les foules depuis le début des années 60 : le Pop Art. On ne connaît que lui et il semble mettre tout le monde d’accord. En effet, les artistes à l’origine de ce mouvement sont rapidement devenus des superstars. Qui ne connaît pas les noms d’Andy Warhol, Roy Lichtenstein ou de Jasper Johns ? A la fin des années 50, ces artistes ont bouleversé les paysages artistiques britannique et américain, dans un contexte de forte croissance économique, se substituant à de sombres années de guerre mondiale.


Dès ses débuts, le Pop Art pointe du doigt les excès de la société de consommation naissante. On assiste à la désacralisation de l’œuvre d’art puisque, moquant les techniques traditionnelles, les artistes s’inspirent d’objets du quotidien et font entrer le genre populaire au musée. Avec le hard-edge (aplats de couleurs vives, uniformes), l’introduction de la BD dans les toiles ou encore la diffusion massive des œuvres, le Pop Art réaffirme sa croyance en la puissance de l’image. Par exemple, les célèbres portraits de Warhol dépeignent non sans ironie l’« American way of life » au profit d’un art populaire, qui parle à tous et concerne chacun.
Mais avons-nous vraiment fait le tour du Pop Art ? Bien sûr que non ! Cette exposition nous présente des pièces rarement – voire jamais – présentées en France, rendant hommage aux figures emblématiques du courant, mais aussi d’artistes moins connus grâce à un prêt unique du Whitney Museum of American Art. On retrouve avec bonheur des toiles de Roy Lichtenstein, des sérigraphies de Jasper Johns, le célèbre « Love » en aluminium de Richard Indiana ou encore une curieuse sculpture représentant des frites au ketchup géantes par Claes Oldenburg. Voilà un art qui n’a pas fini de nous surprendre.
In the early 60s, Pop Art disrupted the Occidental art norms. Artists began to criticize the American dream, consumer society and sacralization of art, basing their work upon dailylife objects.


https://www.expointhecity.com/2017/06/27/pop-art/

NATALIE DESSAY / IRVING PENN / VINCENT CASSEL

L'actualité culturelle à Paris du mercredi 20 au mardi 26 septembre 2017
Cette semaine, Natalie Dessay change de registre avec le surprenant Und au Théâtre Déjazet. Au Grand Palais, le photographe américain Irving Penn est à l'honneur à l'occasion du centenaire de sa naissance. Enfin, Vincent Cassel livre une performance bluffante dans le rôle de Paul Gauguin dans le film éponyme d'Édouard Deluc.

Und avec Natalie Dessay au Théâtre Déjazet
Une femme attend un homme. L’homme est en retard. Alors elle parle, tandis que l’homme (si c’est bien lui) s’approche. Natalie Dessay change de registre et donc de tessiture et emporte ce rôle dans un cadre fantastique, irréel et surprenant, accompagnée en musique d'Alexandre Meyer.

Irving Penn au Grand Palais
À l'occasion du centenaire de la naissance d'Irving Penn, le Grand Palais consacre une importante rétrospective au photographe américain, considéré comme l'un des plus grands photographes de mode du XXe siècle.

Gauguin avec Vincent Cassel
Après Rodin et avant La Passion Van Gogh, c'est au tour de Gauguin d'avoir droit à son biopic. À la réalisation, on retrouve Édouard Deluc, qui signe ici son 2ème long-métrage, cinq ans après Mariage à Mendoza. Vincent Cassel se glisse dans la peau du peintre précurseur de l'art moderne pour une performance criante de vérité


Offi Médias, éditeur de L'Officiel des spectacles

miércoles, 20 de septiembre de 2017

GUILLAUME CANET : "DANS "MON GARÇON", TOUT CE QUE JE FAIS ET DIS À L’ÉCRAN EST IMPROVISÉ"

Par Marilyne Letertre
Pour Mon garçon, l’acteur a relevé le défi d’incarner un homme parti à la recherche de son fils disparu, sans aucun scénario, sans dialogue, sans filet.
« Un jeu de piste et de rôle. » Voilà comment Guillaume Canet qualifie sa dernière collaboration avec Christian Carion, qui l’avait déjà dirigé dans Joyeux Noël et l’Affaire Farewell. Une performance hors normes et un pari réussi dont nous parle le comédien.



Madame Figaro. - Comment est né ce projet fou ?
Guillaume Canet. - Au moment de Joyeux Noël, Christian m’avait parlé d’un film sur « un père qui essaie de retrouver son fils disparu ». Quand il l’a à nouveau évoqué l’été dernier, j’étais débordé et je lui ai dit : « Si tu veux, mais on le fait en trois jours. » Il m’a pris au mot, enfin presque, et nous nous sommes lancés dans ce projet dingue de tournage rapide, en équipe réduite, sans loge, sans maquillage, sans costumes, sans scénario.
C’est-à-dire ?
Christian en avait écrit un, mais je ne l’ai jamais eu entre les mains. Tout ce que je fais et dis à l’écran est improvisé. Christian avait répété dans les décors avec la technique et les autres acteurs, qui, eux, devaient m’aiguiller. Parfois, je partais complètement ailleurs, et Christian s’adaptait : 90 % des scènes ont été réalisées en prise unique. Le premier jour, on m’a dit de m’installer à un comptoir avec un téléphone et, à « moteur ! », les surprises ont commencé. Chaque action en appelait une autre. Je marchais à l’instinct en gardant en tête la détermination de ce père qui cherche son fils.
Ne craigniez-vous jamais d’avoir un blanc ?
Non car je ne jouais plus. J’étais dans la vie. J’interprétais un personnage, mais sans scénario, j’étais obligé de me projeter, de m’imaginer dans cette situation. C’était parfois difficile émotionnellement en raison du sujet.
Dans quel état étiez-vous sur le tournage ?
J’ai totalement confiance en Christian, et l’expérience m’excitait énormément. Mais c’est une remise en question permanente. Stressante et libératrice. On oublie son image, on est concentré uniquement sur le jeu, l’action ; il n’y a plus d’artifices de cinéma, plus d’attente. J’avais l’impression de vivre un moment à part. Ce film, c’est vraiment un cadeau que j’espère pouvoir un jour offrir en tant que réalisateur à un comédien.
Mon garçon, de Christian Carion, avec Guillaume Canet et Mélanie Laurent.


http://madame.lefigaro.fr/celebrites/guillaume-canet-dans-mon-garcon-tout-ce-que-je-fais-et-dis-a-lecran-est-improvise-190917-133980

SCYTHIANS WARRIORS OF ANCIENT SIBERIA


14 September 2017 – 14 January 2018
2,500 years ago groups of formidable warriors roamed the vast open plains of Siberia. Feared, loathed, admired – but over time forgotten… Until now.
This major exhibition explores the story of the Scythians – nomadic tribes and masters of mounted warfare, who flourished between 900 and 200 BC. Their encounters with the Greeks, Assyrians and Persians were written into history but for centuries all trace of their culture was lost – buried beneath the ice.


Discoveries of ancient tombs have unearthed a wealth of Scythian treasures. Amazingly preserved in the permafrost, clothes and fabrics, food and weapons, spectacular gold jewellery – even mummified warriors and horses – are revealing the truth about these people’s lives. These incredible finds tell the story of a rich civilisation, which eventually stretched from its homeland in Siberia as far as the Black Sea and even the edge of China.

Many of the objects in this stunning exhibition are on loan from the State Hermitage Museum in St Petersburg. Scientists and archaeologists are continuing to discover more about these warriors and bring their stories back to life.

Explore their lost world and discover the splendour, the sophistication and the sheer power of the mysterious Scythians.


http://www.britishmuseum.org/whats_on/exhibitions/scythians.aspx

J.F.MILLET, RÉTROSPECTIVE. L'EXPOSITION-ÉVÉNEMENT DE L'AUTOMNE

L' Angélus est sans doute, avec La Joconde, le tableau le plus célèbre de l’art occidental. Paradoxalement, l’ensemble de l’œuvre de Jean-François Millet est aujourd’hui à redécouvrir. C'est ce que vous propose cette exposition-rétrospective qui réunit un ensemble exceptionnel de prêts de grandes collections publiques et privées du monde entier.


Redécouvrir un grand peintre
 La grande rétrospective internationale au Palais des Beaux-Arts de Lille met en lumière un artiste profondément inventif et admiré de l’avant-garde, dessinateur talentueux. Trop longtemps étiqueté “peintre paysan”, ses peintures et dessins révèlent avant tout l’univers sensible et poétique d’un peintre hors norme qui a profondément marqué Van Gogh, Pissarro, Seurat, Gauguin, Permeke, Dali et plus récemment Banksy.
 L'artiste a aussi connu une postérité américaine, que l’exposition Millet USA nous fait découvrir à travers des œuvres de poètes, de peintres, de photographes et de cinéastes, d’Edward Hopper à Dorothea Lange, en passant par Terrence Malick ou Mat Collishaw.

Autour de Millet...
 Découvrez également une sélection d'œuvres graphiques des contemporains de Jean-François Millet provenant du fonds du musée et de collections privées. (1er étage - Petite galerie)
 Expositions présentées du 13 octobre 2017 au 22 janvier 2018. Billet unique pour les exposition J.F.Millet, rétrospective et Millet USA.


http://www.pba-lille.fr/Agenda/J.F.Millet-retrospective2

NEW BANKSY MURALS PAY HOMAGE TO BASQUIAT

The two murals in central London appeared just before the opening of a major Basquiat exhibition at the Barbican Centre.
Benjamin Sutton


Banksy mural near the Barbican Centre (via banksy.co.uk)
On Sunday, two new murals by Banksy riffing on the work of Jean-Michel Basquiat appeared in central London on a street near the Barbican Centre, which is about to open a major Basquiat exhibition. The secretive British street artist’s two works in Golden Lane include a reinterpretation of Basquiat’s 1982 painting “Boy and Dog in a Johnnypump” that is also a jab at the Metropolitan Police’s institutional racism problem.

“Portrait of Basquiat being welcomed by the Metropolitan Police,” Banksy captioned an image of the mural on Instagram, “an (unofficial) collaboration with the new Basquiat show.” An untitled Basquiat painting from the same year as “Boy and Dog in a Johnnypump” recently sold for $110.5 million at auction, a record for a US artist.
The other new Banksy mural features a queue of people waiting to ride a ferris wheel whose compartments are crowns rendered in Basquiat’s signature style. “Major new Basquiat show opens at the Barbican,” Banksy captioned the image on Instagram, “a place that is normally very keen to clean any graffiti from its walls.”

The new murals coincide with the opening on Thursday of Basquiat: Boom for Real at the Barbican Centre, the artist’s first major exhibition in the UK. Though Basquiat died when he was just 27, many cite his work as a street artist — scrawling the distinctive “SAMO” tag, often accompanied by short poems, on buildings in Lower Manhattan — as a key component in the development of his Neo-Expressionist painting style.

The Basquiat-inspired murals continue a recent flurry of activity from Banksy, who last week donated £205,000 (~$277,000) from the sale of his latest indoor piece at an anti-arms fair exhibition to charities. He also recently revealed plans to open a gift shop selling original works alongside his Walled Off Hotel in the occupied Palestinian territories sometime this fall.


https://hyperallergic.com/400993/banksy-basquiat-new-murals-barbican/?utm_medium=email&utm_campaign=Stroll%20a%20Fauvist%20Shore%20in%20a%20Digital%20Tribute%20to%20Andr%20Derain&utm_content=Stroll%20a%20Fauvist%20Shore%20in%20a%20Digital%20Tribute%20to%20Andr%20Derain+CID_86e10f9221c48210c3b750a17df946bc&utm_source=HyperallergicNewsletter

STROLL A FAUVIST SHORE IN A DIGITAL TRIBUTE TO ANDRÉ DERAIN

Allison Meier
FAUVISTa is a digital exploration of the Fauvist colors and brushstrokes in André Derain’s 1905 “Bateaux à Collioure.”


‘FAUVISTa’ by Gigoia Studios (screenshot by the author for Hyperallergic)
André Derain and Henri Matisse spent the summer of 1905 in Collioure, a fishing town in the southwest of France. There they painted the shores, its seascapes and boats, and the curvy mountains nearby. Their bold pigments and brushwork, with dots and lines of color allowing the white of the canvas to come through, defined the brief Fauvism movement. Now you can digitally wander one of those influential works, with FAUVISTa, a virtual exploration of Derain’s 1905 “Bateaux à Collioure.”
The art interactive, recently shared by Warpdoor, is available as a pay-what-you-wish download for Mac and PC on Itch.io. It was created by designer Carlos Monteiro of Gigoia Studios, which has released a series of games where players enter paintings, such as SURREALISTa, a tribute to Giorgio de Chirico, and IMPRESSIONISTa, featuring Claude Monet’s waterlilies. The developers state they are “very aware that digital imagery can’t compare” with the real art, and these experiences are intended to “stimulate” interest in the work.

You can spend as long as you like strolling FAUVISTa, but it’s a compact world. As far as gaming goes, there’s not a lot to do, although some of the abstractly shaped sailors and townspeople have little facts about Derain that activate in speech bubbles (these are not part of the original work). The sounds of seagulls and the rolling waves soundtrack the intensely colored setting, with tiny white birds animated in the textured sky. Walking over the yellow, green, and blue sand, or looking at the purple water, you meditate on the frenetic colors that captured the warmth of Mediterranean sun. And if you make it to a small jetty, there’s another canvas waiting on an easel: Derain’s “Les Voiles Rouges.”


https://hyperallergic.com/397440/fauvista-game-of-andre-derain/?utm_medium=email&utm_campaign=Stroll%20a%20Fauvist%20Shore%20in%20a%20Digital%20Tribute%20to%20Andr%20Derain&utm_content=Stroll%20a%20Fauvist%20Shore%20in%20a%20Digital%20Tribute%20to%20Andr%20Derain+CID_86e10f9221c48210c3b750a17df946bc&utm_source=HyperallergicNewsletter

martes, 19 de septiembre de 2017

MÁS DE 4.000 PERSONAS VIERON "LA TRAVIATA" EN LA PUERTA DEL TEATRO COLÓN. LA POPULAR ÓPERA SE VIO EN VIVO DESDE UNA PANTALLA GIGANTE DE PLAZA VATICANO


Con entrada libre y gratuita alrededor de 4.000 personas disfrutaron este domingo a la tarde de la función correspondiente al Abono Vespertino de "La Traviata" en la versión del legendario director italiano Franco Zeffirelli, en el año del 160º aniversario de la inauguración del primer Teatro Colón.
Con un sol que acompañó a la iniciativa y gran convocatoria, los espectadores vieron sentados de espaldas a la tradicional avenida 9 de Julio, unos en sillas y otros tantos en el piso de la Plaza Vaticano, la versión de la ópera que Zeffirelli dirigió en 1983 y llevó al cine acompañado de Plácido Domingo.
El llamado "antiguo" Teatro Colón tuvo su primera sede donde hoy se encuentra el Banco Nación (Reconquista y Av. Rivadavia). Corrió su telón por primera vez el 25 de abril de 1857 para que se entonara el Himno Nacional Argentino, como preámbulo al estreno de La Traviata, de Giuseppe Verdi, con el tenor Enrico Tamberlick en el papel de Alfredo y la soprano Sofía Vera-Lorini, encarnando a Violetta; y la dirección musical corría por cuenta del maestro Clemente Castagneri.



A 160 años de este hito histórico, la producción de Franco Zeffirelli de La Traviata llegó desde la Opera de Roma con la dirección musical del maestro Evelino Pidò, la reposición escénica del maestro y colaborador Stefano Trespidi y protagonizada por los cantantes albaneses Ermonela Jaho y Saimir Pirgu.
La función además pudo apreciarse vía streaming desde la web del teatro (www.teatrocolon.org.ar) donde muchos pudieron seguir también la obra desde sus computadoras.


http://www.infobae.com/sociedad/2017/09/17/mas-de-4-000-personas-vieron-la-traviata-en-la-puerta-del-teatro-colon/

UN RECORRIDO EMOCIONANTE POR EL ARTE Y LA HISTORIA DE LAS RELIGIONES Y LA PINTURA. LUTERO Y LA REFORMA. MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

Madrid, Lunes 18 de septiembre, 2017

Nuevo "parcours"por las obras de la colección permanente. El Museo Thyssen-Bornemisza, en colaboración con la Embajada de Alemania y la Fundación Goethe, presentan un interesante y original recorrido temático por sus salas. Lutero y la Reforma ilustra a través de una selección de obras de artistas como Lucas Cranach, Alberto Durero, Nicolas Maes o Zurbarán, los hitos de esta importante revolución religiosa iniciada por Martín Lutero, de la que en 2017 se cumplen 500 años.


Asistieron a la presentación el embajador de Alemania, Peter Tempel; el consejero de cultura de la Embajada de Alemania, Christoph Dorschfeldt; la directora de la Fundación Goethe, Claudia Remus y el director gerente del Museo, Evelio Acevedo. Este último con el embajador Peter Tempel presentaron el acto.

A continuación, tuvo lugar una visita guiada por el recorrido, una fuente de información didáctica y bien presentada por la guía del Museo Inés Carriedo, que con todo lujo de detalles, insistió en las correlaciones entre las premisas de la religión reformada por Lutero y los cambios que esta estableció en Europa, en gran parte contra los abusos del catolicismo imperante, con una forma distinta de pensar la historia y de acoplar el arte a esa renovada cosmovisión. Los  datos diferentes de una forma rupturista de percibir la Biblia, los santos, las imágenes, las bulas, la divinidad, el pueblo,el celibato, los idiomas vernáculos (se abandona el latín en los libros sagrados), las élites y los gobernantes, que van a trasladarse a la pintura y otras formas de creación. En el relato de Inés Carriedo tampoco estuvieron ausentes, aparte de los pintores de la escuela holandesa y "alemana"  muy especialmente al final, Zurbarán y uno de sus cuadros más emblemáticos, Santa Casilda, abajo en la imagen. No solo en Europa aparecieron los profundos cambios religiosos, artísticos, sociales y geopolíticos, sino que, aparte de las influencias de otro reformado, Calvino, Carriedo explicó muy bien, como sobre un mapa, las derivaciones que este verdadero terremoto espiritual y temporal llevó más allá del Atlántico, también a los territorios del Imperio español en tiempos de Felipe II. Y sorprendente pronunciación del alemán, además. Como dicen en los entornos líricos, ¡brava, Inés!



Una vez más la Embajada de Alemania y el Museo Thyssen, en favorable conjunción planetaria, contribuyen a continuar en la búsqueda de renovados descubrimientos artísticos, leídos de otra manera. Esos, que, al principio de forma imperceptible hasta llegar a la categoría de huracán, permiten dibujar una constelación histórica y artística que conmocionaron los últimos espasmos de una Edad media que se prolongó tal vez excesivamente.

Un reconstituyente café completo (empiezan a ser frescas las mañanitas de la capital) servido de manera regia en la terraza del Museo, contemplando por encima de nuestras cabezas los árboles veteranos y exuberantes de los alrededores, que en su día la baronesa Thyssen defendió a capa y espada,  sugieren la certeza de un otoño anunciado.

Texto y foto, Alicia Perris

Imagen arriba: Lucas Cranach el Viejo. Retrato del emperador Carlos V, 1533 (detalle). Museo Thyssen-Bornemisza