lunes, 31 de julio de 2017

JEANNE MOREAU EST MORTE

La comédienne était âgée de 89 ans, elle s'est éteinte à Paris.
Marine Chassagnon
DÉCÈS - La comédienne Jeanne Moreau est décédée ce lundi 31 juillet, à l'âge de 89 ans, a annoncé son agent.

L'actrice à la beauté sensuelle et à l'inimitable voix grave, qui a fasciné les plus grands réalisateurs au cours d'une carrière de 65 ans, a été retrouvée morte à son domicile parisien, a précisé Jeanne d'Hauteserre, maire du 8e arrondissement, confirmant une information du magazine Closer.



"Il est des personnalités qui à elles seules semblent résumer leur art. Jeanne Moreau fut de celles-ci. Avec elle disparaît une artiste qui incarnait le cinéma dans sa complexité, sa mémoire, son exigence", salue l'Elysée dans un communiqué.

"Je suis née du théâtre et puis, en même temps, presque, j'ai débuté au cinéma", confiait celle qui a débuté dans la classe de Denis d'Inès en recevant son César d'Honneur en 2008. Jeune pensionnaire de la Comédie-Française, Jeanne Moreau a joué avec Gérard Philipe "Le Cid" au Festival d'Avignon en 1951. La comédienne a aussi enregistré plusieurs albums de chansons, dont "Le tourbillon" -chanson culte du film de François Truffaut "Jules et Jim" qu'elle avait chantée aux côtés de Vanessa Paradis à Cannes en 1995-.

Née le 23 janvier 1928 à Paris d'un père restaurateur et d'une mère danseuse anglaise, l'inoubliable interprète de "Tourbillon" dans "Jules et Jim", de François Truffaut, a tourné dans plus de 130 films. Sa rencontre avec Louis Malle pour "Ascenseur pour l'échafaud" en 1957 est déterminante. Un an plus tard, "Les Amants" a été "un cadeau de rupture". "Je suis toujours partie la première, je n'aime pas être abandonnée", disait-elle.


Jeanne Moreau à la projection de "Vicky Cristina Barcelona" le 17 mai 2008.

En plein chagrin d'amour, elle fait la connaissance de Marguerite Duras, Margaux comme elle l'appelle. "Comme j'étais devenue une star, que je pouvais imposer le sujet, le metteur en scène, l'acteur, je me suis dit : je vais rencontrer cette femme. Je lui ai écrit, elle m'a reçue". Duras la dirigera dans "Nathalie Granger" en 1973.

L'actrice a fasciné de nombreux réalisateur qui lui ont offert des rôles comme, Orson Welles dans "Une histoire immortelle", Luis Bunuel dans "Journal d'une femme de chambre", Michelangelo Antonioni dans "La notte" ou Joseph Losey dans "Eva". En 1992, Jeanne Moreau reçoit le César de la meilleure actrice pour "La vieille qui marchait dans la mer", un film réalisé par Laurent Heynemann.

Lauréate du prix d'interprétation féminine 1960 à Cannes pour "Moderato Cantabile" de Peter Brook, elle fut la seule comédienne à avoir présidé deux fois le jury de ce Festival, en 1975 et 1995. Elle y a aussi été plusieurs fois maîtresse de cérémonie.

Celle qui se disait "mystique et frivole", capable de s'angoisser pour le drame du Darfour mais aussi d'aimer l'élégance et les belles choses, aimait comparer la vie à un jardin, "un jardin en friche qu'on nous donne à la naissance" et qu'il faut "laisser beau au moment de quitter la terre". On peut aujourd'hui dire que la comédienne au doux sourire avait la main verte.

http://www.huffingtonpost.fr/2017/07/31/jeanne-moreau-est-morte_a_23057473/?utm_hp_ref=fr-homepage
ARGERICH-BARENBOIM, UN ENCUENTRO AMBICIOSO EN EL TEATRO COLÓN

Telam

La presencia de Martha Argerich y Daniel Barenboim en la Argentina, que comprende heterogéneas actividades con diferentes formatos, repertorios, intenciones y ambiciones, encontró anoche en el teatro Colón, bajo la modalidad de un concierto en dúo a dos pianos, una de las expresiones de mayor excelencia de ese programa pues, más allá de la jerarquía de los ejecutantes, reposó sobre un enfoque -en materia de selección, omisión y cohesión- bien pensado y mejor desarrollado.


Habrá que advertir y dejar fuera de toda controversia la relevancia de la misma del hecho de que las dos mayores celebridades argentinas de las música clásica incluyan al circuito porteño en sus agendas, ya sea para la programación tradicional del Colón (que se ha esforzado en recuperarlos) como en la inusual y extraordinaria apertura que significó su lugar dentro del Centro Cultural Kirchner, la semana pasada.
Del contraste inevitable entre esas actuaciones y, más allá de entendibles razones contractuales, queda una vez más expuesta la perplejidad que arroja la forma en que se programan los conciertos "abiertos" de las figuras de la música clásica, objeción que señala por igual cuando Zubin Mehta dirige en Puente Alsina con la organización del gobierno porteño o cuando Argerich se abre a nuevos públicos en el CCK bajo la órbita del gobierno nacional.
En forma persistente se conjugan en esos casos repertorios extraños para los propios ejecutantes, o una colección de fragmentos sin unidad, como si el público menos entrenado no pudiera disfrutar de las estéticas y especificidades que les dieron a esos artistas el fundamento para ser parte de espectáculos de esa naturaleza.
Si bien puede ser claro que la retórica wagneriana o el lenguaje de Arnold Schönberg resultan obviamente áridos en una primera escucha, no es menos cierto que existe un inmenso campo de la "música culta" que puede presentarse a una escucha inaugural sin resignar la potencia ni la riqueza de las obras que Argerich (en este acaso, pero bien puede ser otro) acostumbra a ofrecer en las salas de concierto.
Ese punto de equilibrio tuvo, por caso, el programa a dos pianos que entregó ayer el Colón, y que abarcó los "Seis estudios canónicos", Op. 56, de Robert Schumann; la suite "En blanco y negro" de Claude Debussy y la "Sonata para dos pianos y percusión" de Béla Bártok. No hay fundamento -fuera del prejuicio- para excluir piezas de este perfil de los conciertos populares.
Una saludable articulación ofrecieron las dos primeras obras del concierto, ambas matizadas por Debussy, dueño de la caligrafía de la segunda y autor de la transcripción de la primera, ya que fue compuesta por Schumann para piano a pedal.
Particularmente afines al estilo de Barenboim, que ha desplegado el repertorio sinfónico de Schumann, los estudios -en forma de canon- marcaron la introducción de la noche retomando la línea ya expuesta en el concierto del sábado, donde los dos pianistas interpretaron un programa en conjunto con la Orquesta West-Eastern Divan.
La pieza de Debussy, en tres segmentos, operó como una cita a una de las corrientes más vigorosas de la música contenidista o programática del romanticismo musical, con un lenguaje enérgico, poli-rítmico y de alta exigencia técnica que supone una alusión al drama de la guerra.

Finalmente, los pianistas presentaron la popular obra de Bártok, la más próxima a las tradiciones de Argerich, con los pianos presentados en relación de confrontación (el "Barenboim experimental de su creador y el Steinway de Argerich) con la percusión.
La obra enfatiza (y esto cobra valor especialmente entredicho con la pieza de Debussy) las formas puras del arte musical con su apelación, estructural, a las concepción de la "sección áurea" con su momento álgido en la apertura de la re-exposición.
Más allá de algún despiste de lectura superado por Barenboim, el concierto fue clausurado con la cerrada ovación del público que encontró una respuesta a la altura de las expectativas.
Barenboim y Argerich se volverán a presentar el miércoles 29 y el jueves 30 en el teatro Colón, desde las 20, junto con la Orquesta West-Eastern Divan, con un programa dedicado a Ludwig van Beethoven y Piotr Ilich Tchaicovsky.


http://www.telam.com.ar/notas/201507/114135-martha-argerich-daniel-barenboim-concierto-teatro-colon.html

SIR ANTHONY HOPKINS IS A FASHION MODEL NOW

Italian fashion house Brioni tapped the actor for its new campaign.
BY CHRISTINE FLAMMIA
Sir Anthony Hopkins is an incredibly entertaining individual. From his nightmarishly creepy stares in the comedy version of Silence of the Lambs, to watching some stuff go "boom" in the Transformers trailer, the screen legend knows how to capture an audience. And this fall, he's capturing his fans in a new way: as the face of Italian fashion brand Brioni, in its fall/winter ad campaign.
Both Hopkins and Brioni are established cultural staples, albeit in different areas. But together, they create a type of nostalgic, old-school vibe. Of course, that might have something to do with all the photos being shot in black and white. Either way, it adds to the feeling of no-b.s., classically good style.


The Italian brand is known for its timeless eye for design, focusing on great suits, tailored jackets, and unrivaled tailoring. Hopkins is wearing just that in this campaign too; he's styled in topcoats, a double-breasted jacket, and a fashion scarf. Long live Sir Anthony Hopkins.





http://www.esquire.com/style/mens-fashion/news/a56694/sir-anthony-hopkins-is-a-fashion-model-now/

LA AYUDA INTERNACIONAL CONSISTE EN TRAERNOS UN POCO DE LO QUE NOS QUITARON


SALZBURGO DISECCIONA EL PODER

CARMEN VALERO

a Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations, dirigidos por Jordi Savall, en el Festival de Salzburgo. EL MUNDO

Con un alegato contra el poder de decisión del pueblo del jurista y escritor alemán Ferdinad von Schirach se inauguró oficialmente este jueves el Festival de Salzburgo, una de las citas más importantes del calendario cultural de verano. El certamen, con casi un siglo de historia, gira en esta su 97 edición en torno al 'Poder' y para auscultarlo en todas sus facetas y a través de todos los tiempos se han programado 79 conciertos, 40 representaciones de ópera, 54 producciones de teatro y 21 espectáculos para niños. El poder del amor, del odio, de la guerra, de la mujer, de Dios y del hombre."Hay una parte oscura en la brillante idea de que el poder emana del pueblo, pues la voluntad del pueblo se manipula" y hay muchos ejemplos en la Historia, afirmó von Schirach en la ceremonia de apertura del certamen, que contó con la presencia del presidente austriaco, Alexander van der Bellen y numerosas personalidades de la política, la economía y la cultura. Para el pregonero de este año, poner en manos del pueblo la capacidad de decidir abre un terreno fértil a los demagogos, pues "¿qué sucede si la mayoría se decanta por esa parte oscura del poder?", abordó Von Schirach, entre otras cuestiones éticas.Von Schirach no se remontó a las elecciones que auparon a Adolf Hitler al poder ni se refirió a las votaciones oscuras en América Latina, sino al instrumento de poder de los tiempos modernos. "Internet ha cambiado el sentido fundamental de la democracia" dijo el autor, convencido de que "la furia del pueblo es impredecible" y, en la actualidad, hay buena parte del pueblo con sentimientos negativos hacia los políticos y el sistema de orden establecido. "Nadie debe estar en posesión de la verdad, ni siquiera los electores", agregó Von Schirach, más partidario del sistema de democracia vigilada.El Festival, aunque inaugurado oficialmente ayer, arrancó el pasado día 21 con una nueva puesta en escena de Jedermann, (Un hombre cualquiera) obra del dramaturgo Hugo von Hofmannsthal, fundador del festival. En total, y hasta el 31 de agosto próximo, serán unos 200 espectáculos con músicos, dramaturgos, actores y cantantes de primera fila, entre ellos, Plácido Domingo, Juan Diego Flórez, Rolando Villazón, Cecilia Bartoli o Anna Netrebko.El programa de ópera arrancó ayer tras la inauguración oficial con La clemenza di Tito, de Mozart, una producción firmada por Peter Sellars y con Teodor Currentzis al frente de la orquesta rusa MusicAeterna. En total, serán nueve estrenos operísticos, entre los que destaca la versión de la artista y cineasta iraní Shirin Neshat de Aida (Giuseppe Verdi). El personaje de la esclava está a cargo de Anna Netrebko y el maestro Riccardo Muti la acompañará desde el foso al frente de la Filarmónica de Viena. Las entradas para su estreno el 22 de agosto están agotadas desde hace meses. Igualmente figura entre las joyas del Festival la ópera Wozzek, de Alban Berg, con la dirección del sudafricano William Kentridge, Premio Princesa de Asturias de las Artes 2017.En cuanto a los conciertos, y además de la Filarmónica de Viena, inexcusables en el certamen, se espera la West-Eastern Divan Orchestra bajo la batuta del argentino-israelí Daniel Barenboim, y a la Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations, dirigidos por Jordi Savall. También actuarán la Filarmónica de Berlín, dirigida por sir Simon Rattle; el Monteverdi Chor y English Baroque Solists, con John Eliot Gardiner; o el Cuarteto Casals, entre otros.La pianista argentina Martha Argerich, la violinista alemana Anne Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Jean-Yves Thibaudet, Pierre-Laurent Aimard o Christian Tetzlaff son algunos de los muchos solistas que garantizan auditorios llenos y mantienen en lo más alto el festival.Para esta edición, que cuenta con un presupuesto de algo más de 61 millones de euros, los organizadores del festival han emitido 222.500 entradas a precios que oscilan entre los 5 y los 450 euros.

http://www.elmundo.es/cultura/musica/2017/07/28/597a4d25e2704efe598b4622.html

EL BALCÓN DE MS. CHRISTIE SOBRE EL NILO

      FRANCISCO CARRIÓN
Entre toda la exquisita historia del Hotel Old Cataract (700 kilómetros al sur de El Cairo siguiendo el curso del Nilo), sus empleados siempre eligen como su gran orgullo las aventuras de Hercule Poirot en 'Muerte en el Nilo'
La misma balaustrada con vistas al Nilo. Los mismos sillones de mimbre. El mismo paisaje con las mismas rocas negras de la isla de Elefantina y el sol ardiente y los barquitos surcando el río. La terraza del Hotel Old Cataract permanece fiel a las estampas que habitaron los personajes de Muerte en el Nilo, la novela egipcia de Agatha Christie, publicada en 1937. El establecimiento -abierto desde el 8 de enero de 1900, dos años después de la llegada del ferrocarril- es un remanso de paz plantado en el corazón de Asuán, a unos 900 kilómetros al sur de El Cairo. "Es maravilloso estar vivo", musita el detective Hercule Poirot cuando recorre los alrededores de la hostería ataviado con traje de seda blanco, "cuidadosamente planchado", un sombrero panamá y un espantamoscas con mango de ámbar."El hotel está medio vacío y casi todos sus ocupantes están muy cerca del medio siglo", le replica insolente la muchacha que le acompaña en el paseo. "Eso es verdad. Yo, por ejemplo, tengo ya un pie en la tumba", bromea el investigador. La fonda, diseñada por el arquitecto británico Henri Favarger, es el punto de partida de una trama que se desarrolla a bordo del Karnak, un crucero del Nilo en el que se embarcan los recién casados Simon Doyle y la acaudalada y bella Linnet Ridgeway.Entre arrumacos, la pareja trata también de alejarse de Jacqueline, la otrora mejor amiga de Linnet y ex prometida de Simon. Su escapada, sin embargo, acaba en fiasco porque Jacqueline asoma por un navío cuyos distinguidos pasajeros -miembros de la jet set estadounidense y europea- van convirtiéndose capítulo a capítulo en víctimas de rocambolescos asesinatos. Una sucesión de sórdidas desgracias que las estancias del Old Cataract recuerdan con visible orgullo como una porción más de la atmósfera a naftalina que su séquito de empleados se esmera en guardar. "Es un hotel excepcional. Pocos alojamientos pueden presumir de tanta historia", relata el egipcio Osama Sayed, director del establecimiento, regentado hoy por la cadena francesa Sofitel.La reina de la literatura de misterio, autora de casi un centenar de novelas ambientadas en círculos burgueses, tiene habitación propia en los pasillos del Old Cataract. En la primera planta del edificio histórico, el primero en ser construido y objeto de sucesivas ampliaciones, una suite lleva su nombre. Un cuidado y extenso apartamento de estilo victoriano, sin mácula de polvo, dedicado a los bolsillos más pudientes. La tarifa diaria de los aposentos que llevan la firma de la escritora de Torquay supera los 7.000 dólares (6.010 euros). "Les ofrecemos la posibilidad de vivir en un espacio de leyenda", desliza Sayed. Desde sus balcones, avanzada ya la noche, es posible aún recrear pasajes como los que imaginó Christie. "El silencio cayó sobre ellos. Se quedaron mirando las brillantes rocas negras que emergían del Nilo. Había algo fantástico en ellas a la luz de la luna. Parecían tremendos monstruos prehistóricos con el cuerpo fuera del agua".La intriga, no obstante, también alcanza al paso de la novelista por las salas del hotel. En al menos dos ocasiones Christie escogió la tierra de los faraones como destino de sus vacaciones y navegó por las aguas de Asuán, admirando el fascinante templo de Isis de la cercana isla de Filé. Pero su estancia en el Old Cataract, que describe con todo lujo de detalle en las páginas de Muerte en el Nilo, es una suerte de dogma sin acreditar que la administración del hotel repite. En el hotel se sostiene, incluso, que la autora habría alumbrado la novela durante un plácido descanso que se prolongó durante más de un mes. El mito lo extendió la magia de Hollywood a finales de la década de 1970. Siguiendo el relato al pie de la letra, los primeros compases de la adaptación cinematográfica se rodaron en el hotel con un elenco que incluía a Peter Ustinov, Mia Farrow o Bette Davis y que, a lo largo de siete semanas, se pateó Egipto.Otros personajes, en cambio, sí se hospedaron a ciencia cierta en sus habitaciones. Por ejemplo, Winston Churchill a cuya memoria está dedicada la suite contigua a la de su compatriota Christie. "El primer ministro estuvo aquí dos veces. 


Durante la II Guerra Mundial el hotel fue usado para albergar a las familias de las tropas británicas desplegadas en El Cairo y Alejandría que habían huido del norte tras el ataque alemán", explica el director. Las dependencias de Churchill, con una amplia terraza abierta a la vegetación de la isla nubia de Elefantina y las dunas de la orilla opuesta del río, no resultan menos austeras. La reserva ronda los 6.000 dólares (5.150 euros). Para los viajeros menos prósperos que busquen disfrutar de la experiencia, Old Cataract ofrece en temporada baja por 200 dólares (170 euros) una habitación en la torre levantada en el jardín, a unos metros de la piscina. La terraza merece al menos un té de hibisco al atardecer.Sus entrañas, sometidas a un profundo remozado entre 2008 y 2011, aún exhalan el aire orientalista de arcos bizantinos y alfombras persas que urdió el arquitecto. Una enorme cúpula remata el espacio de planta octogonal que, inspirada en el interior de una mezquita, acoge al restaurante. "Era uno de los lugares preferidos de Aga Khan III, que se alojaba durante los meses de invierno por recomendación médica", rememora el patrón del negocio. Tal fue la relación que trabó con el enclave que, tras su óbito en 1957, los restos del líder religioso de la secta musulmana de los ismaelíes descansan en un sencillo edificio de arenisca rematado con una cúpula, situado frente al hotel sobre las áridas colinas que despuntan al otro lado de la isla y el Nilo. En una montaña cercana, una expedición de arqueólogos españoles horada desde hace una década la necrópolis de los gobernadores de Elefantina en busca de los secretos de sus ataúdes.La memoria del Old Cataract -lugar de asueto para reyes y realeza como el egipcio Faruk, el zar Nicolás de Rusia, Diana de Gales o Nur de Jordania; políticos como Jimmy Carter o Margaret Tatcher y mediáticos plebeyos como Omar Sharif, Brad Pitt o Angelina Jolie- cuelga de los pasillos. Extramuros, la verja del hotel sigue lindando con unos jardines públicos donde la parroquia masculina de Asuán, enfundada en galabiya (túnica tradicional), despilfarra las horas observando el tránsito de las felucas, las embarcaciones que cruzan el Nilo. Como en la historia de Christie, los comerciantes que pululan por las inmediaciones del hotel y la corniche contigua asaltan al forastero con una retahíla de collares, postales y escarabajos de yeso o con la promesa de un viaje en barco. "¿Quiere collares, señor? Muy buenos, señor. Muy baratos...", se desgañitaba uno de los miembros de la colmena humana de la novela de Christie. La aureola del hotel, en cambio, continúa creciendo a pesar del alicaído sector turístico local, golpeado por un lustro de agitación. El pasado verano, coincidiendo con el furor catódico del mes sagrado de ramadán, sus exteriores sirvieron de decorado para la versión egipcia de Gran Hotel, una adaptación de la serie de televisión española. "Es difícil quedarse con un solo rincón de este hotel", murmura Osama Sayed, transfigurado en el albacea de su leyenda.

http://www.elmundo.es/cultura/2017/07/27/5979065bca4741f9398b45c0.html

L'HISTOIRE DE CE TAUREAU MORT EN ESPAGNE, DONT LES CORNES ONT ÉTÉ ENFLAMMÉES, INDIGNE

La vidéo de la mort du taureau, qui a foncé désespéré dans un poteau, a suscité de nombreuses réactions indignées et émues.
ESPAGNE - Les images sont très choquantes. Une vidéo diffusée le 23 juillet par une association de défense des animaux montre un taureau mourir lors d'une fête populaire en Espagne, après avoir foncé dans un poteau de bois, vraisemblablement affolé par le feu allumé sur ses cornes par des hommes.

Très partagée sur les réseaux sociaux et relayée par les médias internationaux, la vidéo indigne. Sur Twitter, l'humoriste de "Quotidien", Panayotis Pascot, a dénoncé vendredi 28 juillet des "traditions de merde". La chanteuse Jeanne Mas s'est elle insurgé contre les "imbéciles" qui ont mis le feu aux cornes du taureau.
L'association "Bulls Defenders United", qui a posté la vidéo de la scène sur sa page Facebook, parle d'une "scène dramatique". Elle est survenue à Foios près de Valence, lors d'une célébration traditionnelle espagnole appelée "Toro embolado" ("le taureau avec des boules"). De nuit et en pleine rue ou sur des places, des boules de feu sont accrochées aux cornes des taureaux, d'abord attachés à un poteau puis lâchés.

"Combien de vies devront être prises au nom de ces traditions qui ne sont rien que de la barbarie?", s'interroge l'association en légende de la vidéo, sur laquelle on voit le taureau aveuglé par les flammes sur ses cornes et fonçant désespérément dans le poteau auquel il était accroché. Attention, ces images peuvent choquer.

https://www.facebook.com/europaagainsttorodelavega/videos/1790231757655365/

Sur une autre vidéo postée par l'association, un taureau est incendié sur ses cornes mais aussi sur son dos pendant ce même genre de fête. "Ce n'est pas un cas isolé", assure l'association.

Une tradition vieille de plus de 400 ans

Une pétition en ligne demandant au gouvernement espagnol de "bannir la pratique" du "Toro embolado" avait recueilli samedi plus de 6000 signatures. De leur côté, les défenseurs de la fête assurent que les taureaux ne souffrent pas et font valoir que la tradition remonte à plus de 400 ans, selon le Daily Express.

Cet incident pourrait donner du grain à moudre aux défenseurs des animaux, qui ont le vent en poupe depuis plusieurs années en Espagne. Ils sont parvenus à imposer plusieurs mesures anti-taurines comme à Madrid, où la mairie a retiré sa subvention à l'école de tauromachie.

Le nombre de corridas, inscrites à la liste du "patrimoine culturel immatériel" de l'Espagne, n'a cessé de diminuer dans le pays ces dernières années, passant de 475 en 2012 à 386 en 2016 selon le ministère de la Culture, alors que les partisans de la tradition soulignent que les "fêtes populaires" issues de traditions locales ont augmenté dans le même temps.


http://www.huffingtonpost.fr/2017/07/29/lhistoire-de-ce-taureau-mort-en-espagne-dont-les-cornes-ont-et_a_23055395/?utm_hp_ref=fr-homepage

domingo, 30 de julio de 2017

ROBERT CARSEN TRAE AL COLÓN LA PRIMERA GRAN ÓPERA POSMODERNA

por Helena Brillembourg

El prestigioso régisseur canadiense debuta en el primer coliseo con una puesta que busca recuperar el humor de la pieza original sin perder la dimensión emocional
Asistir a una producción en la que esté presente el nombre del canadiense Robert Carsen, reconocido como uno de los directores de elite de la escena de la ópera mundial, es garantía de ser testigo de una fuerte experiencia teatral. A partir de hoy, con el estreno de El caballero de la rosa, de Richard Strauss (una nueva producción del Metropolitan Opera de Nueva York y de la Royal Opera House de Londres, en coproducción con el Teatro Colón y el Teatro Regio de Turín), se podrá ver por primera vez en la Argentina el trabajo de quien fue distinguido como caballero de la Legión de Honor francesa.

La pasión con la cual Carsen aborda cada ópera es resultado de una obsesión que lo acompaña desde muy niño. "Fui afortunado de tener unos padres que amaban profundamente el arte y por eso estuve expuesto a todas sus manifestaciones desde una edad muy temprana, algo que no es común y que me marcó para siempre", afirma el director.

Kurt Rydl, un experimentado Barón Ochs. Foto: Teatro Colón

Con la actuación Carsen inició un camino artístico que finalizaría como director de ópera. "De niño tenía un problema de lenguaje y mi terapista me corregía a través de la lectura de obras de teatro, en las cuales yo siempre tenía que interpretar un personaje. Eso me animó a participar en todas las obras del colegio, por lo que al terminar el secundario decidí estudiar teatro en la Universidad de Toronto y, luego, en Inglaterra. Al recibirme, un profesor, viendo cómo me involucraba con todos los aspectos de la obra, me sugirió intentar con la dirección, así que decidí hacer el cambio y me convertí, por un tiempo, en asistente de dirección. Creo que no existe una manera exclusiva para convertirte en director de ópera; por el contrario, hay muchas. Lo que no comparto es esa idea que surgió ahora a través de la cual parece que cualquiera puede hacerlo. Dirigir ópera es una tarea compleja y la finalidad es establecer un puente entre lo que el creador dispuso y la audiencia, ya que sin audiencia el teatro no tiene sentido."

Contrario a la creencia de que para que una producción de ópera funcione debe lucir como una historia que tiene lugar en el pasado, sus trabajos se distinguen por las libertades que toma respecto del ambiente y de los períodos indicados en el libreto. "Cada trabajo lo asumo como si hubiese sido escrito el día anterior, nunca lo pienso como una obra antigua. No resulta justo con esas obras pensar que el hecho de que fueron escritas hace 400 años haya que verlas de manera diferente. Esas piezas fueron revolucionarias en el momento en que fueron escritas y empujaron los límites hacia algo novedoso. De eso es lo que trata el teatro, es la razón de su existencia", explica Carsen.

Para el director, El caballero de la rosa es, quizás, la primera gran ópera posmoderna en haber sido escrita, y por eso tomó la decisión de situarla en 1911, año en que Strauss la compuso. "Von Hoffmannsthal situó la acción en la época de María Teresa de Austria en Viena, en pleno siglo XVIII, pero al escuchar la música hay muy poco del total que sea un pastiche de ese siglo. En cambio, hay muchas partes que son de avanzada. Nos encontramos con que Strauss, de manera muy atrevida, mezcló música de los siglos XVIII, XIX y XX para que todo estuviera presente en esa partitura tan rica y compleja. También vemos que el autor del libreto estuvo muy influido por el zeitgeist (el espíritu de su tiempo), lo que ocurría a su alrededor. Hay detalles que, a pesar de que no son necesarios para el desarrollo de la obra, nos dejan muy en claro lo que sucedía en Viena en el momento en que la escribió. Como el final de la dinastía de los Habsburgo, la militarización de la ciudad y la inminente llegada de la guerra. Todo esto me resulta muy importante y así lo quisimos mostrar también en la escenografía. La Mariscala vive en un palacio con arquitectura del siglo XVII, porque a pesar de estar situada en 1911 ella vive en ese antiguo mundo de protocolo. Luego, en el segundo acto, nos encontramos con un palacio de arquitectura avant garde de Adolf Loos de los Von Fanninal, que pudo construirse por la gran cantidad de dinero ganado traficando armas, y el último acto, en vez de la humilde posada, decidimos situarlo en un burdel, porque no quedaba duda de que ése era el tipo de lugar en el que tenía sentido la escena."

Carsen afirma que le resultó muy complejo lograr un balance entre el humor y la emoción presentes en esta ópera, que fue concebida como cómica y que desde las primeras dos líneas nos sitúa frente a la noción del paso del tiempo y lo que le sucede a cada personaje individualmente y como sociedad. "Al ser una comedia social hay que prestar atención a todos los detalles en esta sociedad interconectada. No existe nada abstracto, todo es muy intrínseco. La mejor comedia no es aquella en la que los personajes se esfuerzan por parecer cómicos, sino aquella en la que el público al observarlos sea el que así los encuentre. Al final somos todos ridículos de alguna manera, lo que pasa es que no lo ocultamos.


http://www.lanacion.com.ar/2044673-robert-carsen-trae-al-colon-la-primera-gran-opera-posmoderna

TATE MODERN. SOUL OF A NATION: ART IN THE AGE OF BLACK POWER

The show opens in 1963 at the height of the Civil Rights movement and its dreams of integration. In its wake emerged more militant calls for Black Power: a rallying cry for African American pride, autonomy and solidarity, drawing inspiration from newly independent African nations.


Artists responded to these times by provoking, confronting, and confounding expectations. Their momentum makes for an electrifying visual journey. Vibrant paintings, powerful murals, collage, photography, revolutionary clothing designs and sculptures made with Black hair, melted records, and tights – the variety of artworks reflects the many viewpoints of artists and collectives at work during these explosive times. 

Some engage with legendary figures from the period, with paintings in homage to political leaders Martin Luther King, Malcolm X and Angela Davis, musician John Coltrane and sporting hero Jack Johnson. Muhammad Ali appears in Andy Warhol’s famous painting. 

This landmark exhibition is a rare opportunity to see era-defining artworks that changed the face of art in America.


http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/soul-nation-art-age-black-power

DULWICH TO HOST MAJOR EXHIBITION OF WATERCOLOURS BY JOHN SINGER SARGENT

Dulwich to host major exhibition of watercolours by John Singer Sargent
In June 2017 Dulwich Picture Gallery will present the first major UK exhibition of watercolours by the Anglo-American artist, John Singer Sargent (1856-1925), since 1918.

A key selection of works from over 30 lenders, including The lady with the umbrella, 1911, on display in the UK for the first time, will offer an alternative perspective on Sargent, demonstrating a technical brilliance and striking individuality.


‘Sargent: The Watercolours’  will bring together 80 works from arguably Sargent’s greatest period of watercolour production between 1900 and 1918. Renowned as the leading portraitist of his generation, Sargent mastered the medium of watercolour during his painting expeditions to Southern Europe and the Middle East, where he developed a distinctive way of seeing and composing. Whilst these watercolours have often been dismissed as simple travel souvenirs, they were an integral part of Sargent’s artistic production.

Arranged thematically, the exhibition will showcase Sargent’s landscapes, architectural structures and figurative scenes. It will draw attention to the most radical aspects of his oeuvre, in particular his use of the close-up to focus attention on a specific motif, his unusual use of perspective and the arresting and dynamic poses of his figures. The show will also serve as a startling reminder of Sargent’s mastery of the visual complexities of light, the effects of which are present in almost every one of his works. 

Richard Ormond, co-curator of the exhibition, said:

“In Sargent’s watercolours we see his zest for life and his pleasure in the act of painting. The fluency and sensuality of his paint surfaces, and his wonderful command of light, never cease to astonish us. With this exhibition we hope to demonstrate Sargent’s mastery of the medium and the scale of his achievement”.

Sargent practiced the art of watercolour from a young age and continued to use it throughout his career, his style developing in tandem with his work in oils. By 1900, aged 44 and at the height of his career, he had grown restless, seeking escape from the confines of his studio and the pressures of portrait commissions. Working en plein air, he explored subjects of his own choosing, travelling to remote spots where he could work undisturbed. For this purpose, he regularly turned to watercolour, a medium that allowed him to paint, rapidly and without much preparation, a scene that caught his eye.

The show will open with some of the best examples of Sargent’s fragments and close-ups. Sargent rarely painted buildings as complete and coherent entities; his sliced angles and perspectives and the unorthodox viewpoints require the spectator to imagine their complete form. In Rome: An Architectural Study, c. 1906-7, Sargent records a corner of a building, concentrating on the effect of daylight on the stone using contrasting warm and cool tones. In The Church of Santa Maria della Salute, Venice, c. 1904-9, the domes of the great church are obscured by the rigging of ships in the canal so that they become part of a pictorial pattern.

The show will go on to explore Sargent’s depictions of cities, in particular, his paintings of everyday life in Venice, which he often captures from canal level - the city seen from the gondola perspective. Works also depict the less glamorous side canals, with their narrow passageways, their strange geometries and the mysterious play of light and shade. Painting some of the most famous sites in other cities, Sargent only gives a glimpse of their grandeur, concentrating more on the pattern and form surrounding as in the earlier work, Constantinople, 1891, in which he depicts a strikingly horizontal view of the historic center of Istanbul.

After the turn of the twentieth-century, Sargent painted more landscapes than any other subject. His scenes are often unconventional, opting for closely cropped details rather than full, panoramic views. Sargent focused on form and surface pattern, particularly in his mountain landscapes such as Bed of a Torrent, c. 1904. He transforms mossy rocks and flowing brooks into a complex arrangement, rejecting distance and scale. Similar to photographic snapshots, his landscapes, with their informal compositions and abrupt cropping, capture a moment in time.

The exhibition will culminate with a selection of Sargent’s figurative paintings, including depictions of his travel companions, fellow artists and working people as in Group of Spanish Convalescent Soldiers, c. 1903. In many of these works Sargent rejects the primacy of the figure. In The lady with the umbrella, 1911, for example, his subject is foreshortened and contorted, an avoidance of the obviously pretty and picturesque.

The show will be curated by Richard Ormond and Elaine Kilmurray, widely accepted as the UK reigning experts in this field. Richard Ormond is Sargent’s grand-nephew. He was previously director of the National Maritime Museum, London. Elaine Kilmurray is an art historian, author and curator. She has worked with Richard on numerous publications and co-curated exhibitions on Sargent’s work in London, Washington, D.C., Boston, Ferrara and Los Angeles.

Loans will come from UK institutions including Tate, The British Museum, The Fitzwilliam, The Imperial War Museum and The Ashmolean, alongside works rarely seen from numerous private collections. Key loans will also come from European institutions; Museu de Montserrat, Abadia de Montserrat, Barcelona; the Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon and the Petit Palais, Musee de Beaux-Arts de la Ville de Paris.

The exhibition will be accompanied by a fully illustrated colour exhibition catalogue and will feature fascinating new research into Sargent’s watercolour oeuvre with lead essays from the curators.


http://www.dulwichpicturegallery.org.uk/about/press-media/press-releases/dulwich-to-host-major-exhibition-of-watercolours-by-john-singer-sargent/

"ANNA MAGNANI, LA VITA E IL CINEMA" IN MOSTRA AL VITTORIANO

Monumento a Vittorio Emanuele II (Vittoriano) - ArtCity2017
 Dal 22 luglio al 22 ottobre, 2017


© foto di Angelo Frontoni, dall’archivio fotografico del CSC Cineteca Nazionale

Dal 22 luglio al 22 ottobre, nella Sala Zanardelli del Vittoriano, sarà possibile visitare la mostra Anna Magnani, la vita e il cinema, un percorso culturale tra oggetti, fotografie, materiali audio e video inediti che ripercorre la figura dell’attrice - dai suoi esordi nel teatro e nella rivista fino ai successi di Cinecittà e di Hollywood.

L’esposizione è curata da Mario Sesti, regista, giornalista e critico cinematografico, che, per l’occasione, si avvale della collaborazione della Cineteca Nazionale del Centro Sperimentale di Cinematografia e dell'Istituto Luce, che hanno messo a disposizione i loro archivi fotografici.

La mostra ripercorre, da una parte, la filmografia dell'attrice di Roma città aperta e Bellissima con la ristampa digitale di foto tratte da pellicola o da set, dall'altra, mappa la sua presenza nella vita sociale e culturale dell' epoca con un vasto materiale di foto di cronaca in parte inedite.

“È un viaggio all' interno dell' immaginario e della memoria di un'icona – afferma Sesti - il cui corpo e la cui rappresentazione irradiano ancora oggi un senso inconfondibile di questa personalità così nota e popolare. La mostra scopre anche uno scorcio forse inedito, su una Magnani privata, domestica, libera tra le pareti e gli angoli della propria casa”.

Il Vittoriano, che dedica i suoi spazi alle più significative personalità dell'Italia contemporanea, ha scelto la Magnani come volto simbolico del racconto del vissuto quotidiano, e spesso drammatico, della liberazione dal fascismo e della lotta per la modernità.

“Questa mostra – continua il curatore Sesti – che disegna la densità di una biografia e del suo riflesso nel Cinema (e viceversa) intende innanzitutto raccontare, anche a chi per età non abbia visto i suoi film,  come la Magnani abbia saputo costruire e offrire lo spessore di una soggettività femminile capace di connettere un abisso antico e recente di  dolore con il sogno inesauribile di felicità e cambiamento”. Come già in passato per Lucio Dalla, la mostra e le proiezioni, sottolineano infatti il desiderio, anche di ordine istituzionale, di inserire anche Anna Magnani nel novero dei nuovi Illustri del Paese.

La mostra, che include la proiezione di un documentario delle Teche Rai e una compilation delle più belle scene dei suoi film, oltre ad un'edizione originale di cinegiornali dell' Istituto Luce appositamente realizzata, sarà accompagnata da una rassegna di tre film, Bellissima di Luchino Visconti (lunedì 24 luglio, ore 21.00), Mamma Roma di Pier Paolo Pasolini (lunedì 31 luglio, ore 21.00) e L'amore di Roberto Rossellini (lunedì 7 agosto, ore 21.00), che verranno proiettati sulla Terrazza Italia del Vittoriano. I film saranno preceduti dalla lettura di testi ricavati da scritti e interviste all' attrice.

La mostra è aperta tutti i giorni dalle 9.30 alle 19.30.

L'evento è ad ingresso libero: il limite massimo degli spettatori è fissato dalla capienza massima degli spazi messi a disposizione.


http://www.polomusealelazio.beniculturali.it/index.php?it/165/eventi/320/anna-magnani-la-vita-e-il-cinema-in-mostra-al-vittoriano

EL TEATRO REAL, INVITADO ESPECIAL EN EL FESTIVAL DE ÓPERA DE SAVONLINNA

El festival celebra este año el centenario de la independencia de Finlandia
Se ofrecerán cuatro funciones, entre el 31 de julio y el 3 de agosto, de la exitosa producción de I puritani, de Vincenzo Bellini, estrenada en el Teatro Real la pasada temporada
El 2 de agosto el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real interpretarán la suite sinfónica Kullervo, del compositor finlandés Jean Sibelius, en un guiño al país anfitrión
Para la celebración del año del jubileo, el Festival ha invitado a participar en su programación al Teatro Real de Madrid y al Teatro Bolshoi de Moscú
Con estas representaciones, el coliseo madrileño pondrá punto final a una temporada en la que ha registrado una altísima ocupación de sala y grandes críticas de sus producciones



Madrid, 18 de julio de 2017- Fundado en 1912, aunque interrumpido en varias ocasiones por los conflictos bélicos de la Primera Guerra Mundial y la Guerra Civil finlandesa, el Festival de Ópera de Savonlinna comienza en 1967 una nueva era que le ha convertido en una de las citas musicales más prestigiosas del norte de Europa. En la presente edición, que conmemora los cien años de la independencia y nacimiento de la República de Finlandia, ha querido contar con la presencia de dos teatros que, por su actividad y proyección, son referencia musical en estos momentos: el Teatro Real de Madrid y el Teatro Bolshoi de Moscú.

Para este escenario incomparable, cuyas funciones tienen lugar en el impresionante Castillo de Olavinlinna, el Teatro Real ha preparado una adaptación del montaje de I puritani, realizado por Emilio Sagi y estrenado en el escenario madrileño la temporada pasada que, además de  una gran acogida por la crítica, disfrutó de una cálida acogida por el público dentro y fuera de su sala, ya que fue retransmitido a pantallas de toda España, en abierto por Palco Digital y a través del canal de Facebook del Teatro Real en la que fue la primera emisión de este tipo realizada en el mundo.


Las funciones tendrán lugar los días 31 de julio y 1, 3 y 4 de agosto. La dirección musical volverá a estar en manos del maestro Evelino Pidò, esta vez al frente de un doble reparto que contará en los papeles principales con los tenores Celso Albelo y Francesco Demuro (Lord Arturo Talbo), las sopranos Jessica Pratt y María José Moreno (Lady Elvira Valton), los barítonos Vladimir Stoyanov y Massimo Cavalletti (Sir Riccardo Forth) los bajos Jongmin Park y Fernando Radó (Sir Giorgio), la mezzosoprano Lidia Vinyes-Curtis (Enriqueta). Junto a ellos, el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.



El día 2 de agosto, la Orquesta Titular del Teatro Real, en colaboración con el Coro del Festival de Ópera de Savonlinna, interpretará la suite sinfónica Kullervo, del compositor finlandés Jean Sibelius, como homenaje al país anfitrión. La obra es un conjunto de poemas sinfónicos basados en el poema épico Kalevala que narra los avatares de Kullervo, personaje de la tradición folclórica del país. Al frente de ambas formaciones estará el legendario compositor y director de orquesta finlandés Leif Segerstram, especializado en la obra de Sibelius, del cual tiene grabada la integral de sus sinfonías y cuyas interpretaciones son un referente para las generaciones posteriores. 

Con estas funciones, el Teatro Real pondrá fin a una temporada que ha registrado las mejores cifras de sus últimos veinte años. Inmerso en las celebraciones del 200 aniversario de su fundación y a punto de conmemorar los 20 años de su reapertura, el próximo 11 de octubre, el Real se despide con una ocupación de sala superior al 92% y un balance artístico de altísima calidad, reconocido por el público y la prensa especializada.


http://www.teatro-real.com/es/noticias/detalle/el-teatro-real-invitado-especial-en-el-festival-de-opera-de-savonlinna/