viernes, 31 de diciembre de 2021

BALLET ASHTON / EYAL / NIJINSKI SHARON EYAL OU LA FLUIDITÉ DES CORPS MARION BARBEAU RÉPÈTE FAUNES.OPÉRA DE PARIS


Par Antony Desvaux

À l’occasion de la première création de Sharon Eyal pour le Ballet de l’Opéra national de Paris, le magazine Octave s’entretient avec la Première danseuse Marion Barbeau. Relecture libre de L’Après-midi d’un faune de Nijinski, cette pièce d’Eyal pour huit danseurs s’intitule Faunes. Marion Barbeau nous partage l’imaginaire que ce ballet déploie, entre figures végétales, animales et humaines. Elle détaille également l’écriture de la chorégraphe, nourrie de la technique gaga, qui lui permet de donner corps à des créatures à la fois nymphes et faunes : une fluidité du masculin et féminin qui fait écho à la temporalité flottante de la partition de Debussy.

https://www.operadeparis.fr/magazine/sharon-eyal-ou-la-fluidite-des-corps

LIFE BETWEEN ISLANDS CARIBBEAN-BRITISH ART 1950S –TATE BRITAIN. Y, PRÓXIMAS SERIES A ESTRENAR, SEGÚN VOGUE




 This exhibition explores the work of artists from the Caribbean who made their home in Britain, alongside other British artists whose work has been influenced and inspired by Caribbean themes and heritage.

Spanning visionary paintings to documentary photography, fashion, film and sculpture, Life Between Islands traces the extraordinary breadth and impact of Caribbean British art, in one setting.

This exhibition celebrates how people from the Caribbean have forged new communities and identities in post-war Britain – and in doing so have transformed what British culture and society looks like today.

The exhibition features over 40 artists, including Aubrey Williams, Donald Locke, Horace Ové, Sonia Boyce, Claudette Johnson, Peter Doig, Hurvin Anderson, Grace Wales Bonner and Alberta Whittle.

De la A a la Z: todo lo que llegará en 2022 

Desde una serie de Netflix inspirada en Anna Sorokin hasta la actuación de Zadie Smith en el Barbican de Londres

ALGUNAS DE LAS LAS SERIES QUE SE ESTRENARÁN PRÓXIMAMENTE, SEGÚN  VOGUE

1) Para Julian Fellowes, el estreno de La edad dorada se une al de Downton Abbey: Una nueva era, la segunda película cinematográfica de la saga que comenzó con la serie de televisión del mismo nombre y que continúa con la historia que se pudo ver en la pequeña pantalla y en el largometraje de 2019. El filme se estrenará el 18 de marzo en los cines.

2) J de... Joséphine Bonaparte

Tras copar los titulares con El último duelo y La casa Gucci en 2021, Ridley Scott vuelve a la carga con un biopic de Napoleón Bonaparte. Joaquin Phoenix (que trabajó por última vez con Scott en su oscarizada epopeya Gladiator) protagonizará Kitbag en el papel del general francés, mientras que Jodie Comer interpretará a la emperatriz Josefina.

y muchas más...


VIÑETA DE EL ROTO DEL 30 Y 31 DE DICIEMBRE DE 2021

 


                                        https://elpais.com/opinion/2021-12-30/el-roto.html

DESDE PARÍS: EN LA EXPOSICIÓN “ANSELM KIEFER PARA PAUL CELAN” EN EL GRAND PALAIS EFÍMERO. TAMBIÉN EN RADIO SEFARAD

 DESDE PARÍS: EN LA EXPOSICIÓN “ANSELM KIEFER PARA PAUL CELAN” EN EL GRAND PALAIS EFÍMERO. 

Primero “live”, presencial desde el Grand Palais Efímero, para la presentación de la muestra de Anselm Kiefer” Para Paul Celan” y luego completado en el Hotel Lutetia (al que dedicamos un programa) en la orilla izquierda de París, este Micrófono, es muy especial. Pensado en este formato de viaje para festejar el fin de un año complicado y esperar esperanzados el 2022.

Dos  palabras sobre Anselm Kiefer, que hoy presenta su muestra: nació el 8 de marzo de 1945 en Alemania, tiene nacionalidad austríaca y alemana. Educado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf,  fue alumno de Joseph Beuys y pertenece al Neoexpresionismo y a la pintura del paisaje y el arte abstracto.  

Miembro de importantes academias de arte y muy premiado, Oso de Berlín (2011) Anselm Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. 

Destacado sobre todo por sus pinturas matéricas, afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo.

 Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración. Inicialmente Kiefer basó su estilo en la obra de Georg Baselitz, trabajando gruesas capas de color con fuego o ácidos y combinándolas con vidrio, madera o elementos vegetales. Fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y mezclando materiales como el alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas.

También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar, como en El orden de los ángeles (1983) y Tumba en los aires (1986).


 Durante los años 70 se interesó especialmente por la mitología alemana, y en la década siguiente por el misticismo judío, la Cábala. Es muy característica en su obra la presencia de letras, siglas, nombres de persona, figuras míticas o lugares con una fuerte carga histórica. Desde 1993 Kiefer vive y trabaja en Barjac, un pequeño pueblo francés, cerca de Aviñón, donde ha creado un laboratorio artístico que le permite conjugar ideas y materiales, transformándolos en nuevas experiencias artísticas.





Los acompañan las fotos de Julio Serrano en la exposición y el Lutetia  . Cuídense mucho para cuidar a los demás.

Alicia Perris

https://www.radiosefarad.com/la-exposicion-anselm-kieffer-para-paul-celan-en-el-grand-palais-efimero/


martes, 28 de diciembre de 2021

GOETHE-GALERIE DEUTSCHES ROMANTIK-MUSEUM E LE DIVE DI ZEFFIRELLI. HOTEL SAVOY DI FIRENZE


Seit seiner Gründung 1859 sammelt das Freie Deutsche Hochstift Kunst. Die Gemäldesammlung wurde mit spezifischem Bezug zu Goethe und seiner Zeit aufgebaut und konzentriert sich daher auf den Zeitraum zwischen der Mitte des 18. und des 19. Jahrhunderts. Im Deutschen Romantik-Museum bildet die Goethe-Galerie den Übergang zwischen Goethes Geburtshaus und der Romantik-Ausstellung. Sie schlägt den Bogen von Werken des 18. Jahrhunderts aus dem Frankfurter Umkreis, wie Goethe sie im Elternhaus kennenlernte, bis in das 19. Jahrhundert. Sie versammelt u.a. Gemälde des exzentrischen Schweizers Johann Heinrich Füssli, Porträts von Anton Graff, der dem Zeitalter ein neues Gesicht gab, Italienansichten Johann Philipp Hackerts und Bildnisse Angelica Kauffmanns. Werke Caspar David Friedrichs, Carl Gustav Carus’, Carl Blechens oder Johann Christian Clausen Dahls, Malern der Romantik, mit denen sich Goethe intensiv auseinandersetzte, sind im Gemäldekabinett der Romantik-Ausstellung im 3. Stockwerk zu sehen.

Die Sammlung präsentiert damit nicht allein Goethes eigene Vorlieben und Kenntnisse von der Kunst seiner Zeit, nicht nur Porträts des Dichters und seines Umfeldes und Gemälde, die sich mit seinem Werk auseinandersetzen. Vielmehr schenkt sie einen konzentrierten Einblick in 100 Jahre Kunstgeschichte und zeigt die Kontinuitäten und Brüche, die die Künste an der Epochenschwelle um 1800 und somit am Beginn der Moderne charakterisieren.

https://deutsches-romantik-museum.de/ausstellungen/-/goethe-galerie/759

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LE DIVE DI ZEFFIRELLI. HOTEL SAVOY DI FIRENZE

L’Hotel Savoy, indirizzo toscano del gruppo Rocco Forte Hotels, in collaborazione con la Fondazione Franco Zeffirelli Onlus – Centro delle Arti dello Spettacolo di Firenze, ha inaugurato la stagione natalizia presentando l’esclusiva mostra fotografica Le Dive di Zeffirelli.

L’esposizione omaggia – con una selezione di iconiche fotografie dell’archivio Zeffirelli in bianco e nero – alcune tra le più famose Star italiane e internazionali con cui il grande regista ha lavorato nel corso della sua carriera artistica nel Cinema, nel Teatro di prosa e nell’Opera in musica. Le dive in mostra, ritratte tra il 1958 e il 2009 sono: Maria CallasFanny Ardant, Cher, Olivia Hussey, Brooke Shields, Valentina Cortese, Faye Dunaway, Carla Fracci, Judy Dench, Maggie Smith, Anne Bancroft, Anna Magnani, Claudia Cardinale, Elizabeth Taylor, Glenn Close, Joan Plowright, Marisa Allasio, Monica Bellucci, Katia Ricciarelli, Teresa Stratas, Mariangela Melato, Monica Vitti e Stefania Sandrelli.

L’esposizione è disposta su un breve percorso che va dalla Lobby e, lungo le imponenti scale, fino al Salotto Lounge.

In nome dell’amicizia e della stima verso Franco Zeffirelli a inaugurare la mostra come Madrina all’Hotel Savoy di Firenze è stata Fanny Ardant, una delle più importanti dive del mondoL’attrice francese è stata l’indimenticabile protagonista dell’ultimo lungometraggio cinematografico di Franco Zeffirelli Callas Forever (2002), il film tributo dedicato a Maria Callas

MEMORABLES FIESTAS LITERARIAS DENTRO Y FUERA DE LA PÁGINA AND ARTSY. WORLS BY THE MOST FOLLLOWED ARTISTS IN 2021

La literatura tiene en las reuniones festivas uno de sus dispositivos narrativos más destacados pero, como es sabido, los roces de la escritura con las celebraciones van más allá de los libros


El sueño de Dickens, de Robert Williams Buss.

CHARLES DICKENS MUSEUM / GETTY

PATRICIO PRON

No existe mejor relato sobre la celebración de la Navidad y las reuniones familiares que Los muertos, de James Joyce, cuyo protagonista se sorprende en el transcurso de la noche sintiéndose incapaz de conectar con los demás, se entera de un viejo secreto de su mujer, reflexiona acerca del modo en que quienes ya no están continúan habitando en nosotros, ve caer la nieve “sobre todos los vivos y sobre los muertos”. T.S. Eliot lo llamó “uno de los mejores cuentos jamás escritos”, pero pocos parecen haber reparado en el hecho de que también es un correctivo a las visiones edulcoradas del tipo de Cuento de Navidad de Charles Dickens, con su promesa de redención y su mensaje de que los daños causados por una economía liberalizada pueden ser reparados por un solo individuo, como si no fueran el producto de la dimensión más específicamente social de nuestra existencia.

Dickens contribuyó como nadie a otorgar a la Navidad su forma actual, pero su Cuento, que en un momento pensó en llamar “una súplica al pueblo de Inglaterra en favor de los hijos de los pobres”, surtió un efecto contrario al que pretendía: su tema es la explotación infantil y el trabajo esclavo, pero el hábito de hacer regalos en Navidad y el consumo irracional y desmedido que propicia refuerzan más bien ambos fenómenos. Así lo recordaba este periódico unos días atrás al contar que los proveedores de marcas como Zara, Nike y H&M siguen negándose a pagar a sus trabajadores, siquiera, el sueldo mínimo.

La literatura está repleta de fiestas como la que soporta melancólicamente el protagonista de Los muertos. De la que celebra el pretencioso y fatuo Trimalción del Satiricón, de Petronio (del siglo I), a, digamos, la que el vanidoso Fabrizio Ciba enfrenta en Que empiece la fiesta, de Niccolò Ammaniti (2011); de las que organiza El gran Gatsby de la novela de Francis Scott Fitzgerald (cuyo título original era Trimalción en West Egg) a la que celebra don Alejo en el burdel de El lugar sin límites, de José Donoso, pasando por la Fiesta en el jardín, del relato de Katherine Mansfield, el baile en Mansfield Park, de Jane Austen, y la cena en el apartamento de la Quinta Avenida de los Bavardage en La hoguera de las vanidades, de Tom Wolfe (por mencionar tres textos muy distintos en los que, sin embargo, la celebración está igualmente atravesada por la política, el dinero, la raza y las clases sociales), el secreto de las fiestas que persigue el protagonista de la novela de Francisco Casavella es que estas parten de una premisa casi conceptual: reunir a un puñado de personas con intereses y antecedentes distintos y a menudo contradictorios y observar qué sucede cuando estas dejan de lado las convenciones sociales gracias al alcohol, el aburrimiento, la desinhibición o la atracción por los extraños. Estudiar el comportamiento humano bajo su influjo, como hacen Marcel Proust en la velada musical de la marquesa de Saint-Euverte de Por el camino de Swann y Bret Easton Ellis a todo lo largo de Menos que cero, es una pésima idea (es decir, una idea magnífica para escribir sobre ella), y esa es la razón por la que la literatura tiene en las fiestas uno de sus dispositivos narrativos más destacados.

Pero los roces entre literatura y fiesta son algo más extensos y van más allá de los libros. Los Fitzgerald y Evelyn Waugh fueron anfitriones de fiestas memorables. Pablo Neruda organizaba las suyas al detalle. La musa sedienta, el clásico de Tom Dardis sobre los escritores norteamericanos y el alcohol, está repleto de ellas. Durante más de 50 años, Adolfo Bioy Casares recibió a Jorge Luis Borges prácticamente a diario. Norman Mailer solía terminar las fiestas a las que asistía con una pelea a golpes. El escritor estadounidense Sherwood Anderson murió de peritonitis después de tragarse en una el mondadientes de un canapé. Y Maxwell Bodenheim, conocido como el rey de los bohemios del Greenwich Village, prolongó varios meses su asistencia a una que dio William Carlos Williams en su casa fingiendo que se había roto el brazo (pero Williams era médico y, después de examinarlo, lo echó de su casa).

2021 marcó el quincuagésimo quinto aniversario del famoso Black & White Ball, que Truman Capote orquestó en el hotel Plaza de Nueva York el 28 de noviembre de 1966 para celebrar el éxito de A sangre fría y su ingreso en la alta sociedad neoyorquina; pasó casi medio año preparándolo todo, los últimos tres meses conformando la lista de invitados. Entre los que estuvieron finalmente, Andy Warhol, el duque y la duquesa de Windsor, Marianne Moore, Frank Sinatra, Candice Bergen, Harry Belafonte, la princesa de Jaipur, Lee Radziwill y Mia Farrow, pero la mascarada fue el comienzo del fin para Capote, quien vería cómo sus antiguas amistades le daban la espalda menos de 10 años después, cuando publicó sus inopinadas y escandalosas Plegarias atendidas.

Uno de los rasgos más salientes de las fiestas es que suelen comenzar mal y terminan peor, no importa si estamos rodeados de desconocidos o en compañía de miembros de nuestra familia. En el primero de los casos, lo hacen cuando el entusiasmo o el aburrimiento muestran su verdadero rostro y volvemos a casa, solos o acompañados. En el segundo, cuando las tensiones y los roces inevitables en el trato con personas que nos conocen y a las que conocemos más de lo que desearíamos ya han estallado y dan paso a un fingimiento de reconciliación que nos deja exhaustos.

Vamos a las fiestas porque en realidad no tenemos tiempo que perder y sentimos la necesidad impostergable de engañarnos al respecto. De hecho, no es raro que en los relatos sobre fiestas alguien muera al final; o, como en el caso de Trimalción, escenifique su muerte: en algún sentido, todas las fiestas son la que narra Edgar Allan Poe en La máscara de la muerte roja, cuyos personajes permanecen recluidos creyéndose a salvo de la plaga. “La vida imita al arte”, afirmó Oscar Wilde, pero, como muestran los libros de Alan Riding y Robert Hewison acerca de la vida artística y las fiestas literarias en París y Londres durante la Segunda Guerra Mundial, es cuando las razones para celebrar más escasean cuando hacerlo nos parece más necesario.

https://elpais.com/cultura/2021-12-27/memorables-fiestas-literarias-dentro-y-fuera-de-la-pagina.html


ARTSY

Works by the Most Followed Artists in 2021

We’re closing out 2021 with a roundup of works by the most followed artists on Artsy this year.Highlights include iconic prints by market mainstays like Alex Katz and Jeff Koons, as well as works by artists fresh on the scene, such as a painting by Ndidi Emefiele and photograph by Prince Gyasi.


UN CERTAIN ROBERT DOISNEAU. DIDAM, BAYONNE. SAIOA HERNÁNDEZ, MEDALLA DE ORO DE LAS BELLAS ARTES 2021

Robert Doisneau (1912-1994) est l’un des photographes français les plus populaires du 20ème siècle. Rendu célèbre par ses photographies iconiques et pleines d’humour prises à Paris dans les années 1940 et 1950, il est considéré de nos jours comme l’un des pionniers du photojournalisme.

«  La qualité d'un photographe doit être l'espoir du miracle contre toute logique. Une espèce de foi dans l'heureux hasard. N'importe quoi peut arriver au coin d'une rue. Je me fais un décor, un rectangle et j'attends que des acteurs viennent y jouer je-ne-sais pas-quoi.  »

Adepte des scènes de rue et du quotidien, Robert Doisneau porte une attention particulière à l’instant précis où petites et grandes questions de la vie se manifestent et s’entrecroisent. Déclaration d’amour à la capitale française et à ses habitants, son œuvre photographique saisit la concierge, le boucher, les écoliers et les amoureux autant que les grandes figures du monde artistique du Paris libéré.  Certaines de ses photographies sont gravées dans la mémoire collective. Mais l'œuvre de l'artiste est multiple : entre les images prises sur le vif, celles composées avec l'aide de sujets complices ou les commandes comme celle des usines Renault, les milliers de clichés laissés au patrimoine de la photographie française le placent dans le groupe restreint des photographes humaniste français aux côtés de Willy Ronis, Édouard Boubat, Jean-Philippe Charbonnier, Izis ou Sabine Weiss.

Doisneau s’inspire d’une démarche photographique définie dans les années 1930 par des photographes comme Henri Cartier-Bresson qui parlaient 'du moment décisif' (instant où une situation se déploie de manière inattendue et où  le photographe appuie sur le bouton). Particulièrement doué pour trouver cet instant de grâce, il organise cependant certains de ces moments volés : la photographie instantanée d’un couple qui s’embrasse devant l’Hôtel de Ville de Paris est en fait orchestrée. Développant la tradition du photoréalisme, il déploie ce talent pour la mise en scène dans ses portraits des grands artistes et écrivains de son époque, Picasso, Simone de Beauvoir, Fernand Léger.

L’exposition présentée à Bayonne rassemble 143 images originales de différents formats sur les rues de Paris bien sûr, les portraits d’enfants courant, jouant ou étudiant, les célébrités en mondanités, mais aussi quelques photographies en couleur, travail parfois moins connu du photographe, et d’autres tirées de son album personnel.

https://didam.bayonne.fr/informations-transversales/toute-la-programmation/un-certain-robert-doisneau-1-7250

ET

SAIOA HERNÁNDEZ, MEDALLA AL MÉRITO DE LAS BELLAS ARTES 2021

Saioa Hernández del Río, Saioa Hernández (Madrid, 1979) es, actualmente, la soprano más internacional de nuestro país desde su debut en 2018 el Teatro alla Scala di Milano en la apertura de la temporada como Odabella en el Attila de Giuseppe Verdi, dirigida por el maestro Riccardo Chailly y escena de Davide Livermore. En los últimos años ha actuado en numerosos teatros de todo el mundo como el Royal Opera House de Londres, Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Deutsche Oper Berlin, Melbourne Recital Center, Dresden Semperoper, Arena di Verona o Maggio Musicale Fiorentino, entre otros. Sus próximos compromisos incluyen su debut en la Wiener Staatsoper como Tosca, en la Staatsoper Unter den Linden como Madama Butterfly, su vuelta al Teatro de la Zarzuela de Madrid con la obra ‘Circe’ de Chapí, su debut en la Opera de Montecarlo con un espectáculo de zarzuela con motivo de la Fiesta Nacional, además de numerosos conciertos y recitales junto a Plácido Domingo en el Festival de Ljubljana, Belgrado y Viena, y a Francesco Pio Galasso en Festival de A Coruña. Ha recibido numerosos primeros premios en competiciones internacionales, incluyendo el Manuel Ausensi en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona en 2009, Vincenzo Bellini en Puteaux (France) 2010, y Jaume Aragall en Barcelona 2010. Asimismo fue premiada como la Mejor Voz Femenina del año 2016 en España.

PETROMASCULINIDADES, EXPOSICIÓN. PAOLO PINAMONTI, NUOVO DIRETTORE ARTISTICO DEL MACERATA OPERA FESTIVAL

 Cabosanroque, Andrés Hispano, Fèlix Pérez-Hita y Cara Daggett

Comisario: Arnau Horta

Bòlit_StNicolau


«Petromasculinidades» toma su nombre del concepto que la profesora de Ciencias Políticas Cara Daggett propone y desarrolla en su artículo «Petro-masculinity: Fossil Fuels and Authoritarian Desire». Tal y como pone de manifiesto el diagrama que Daggett ha creado específicamente para esta exposición, el conjunto de cuestiones que se articulan en torno a este concepto es muy amplio y se extiende mediante un complejo entramado de conexiones y correspondencias.

El petróleo no solo representa la base del denominado capitalismo fósil, sino que también ha contribuido históricamente a crear una serie de identidades e imaginarios masculinos que, muy a menudo, se traducen en manifestaciones y prácticas de carácter autoritario. Desde el momento de su extracción del subsuelo terrestre hasta su combustión, pasando por su distribución y comercialización, el petróleo se relaciona directamente con distintas formas de violencia.

Más allá de los imaginarios testosterónicos de determinadas subculturas del automovilismo y el motor, la influencia de la petromasculinidad se identifica en el ámbito de la geopolítica, la economía, la industria, el trabajo, la cultura, el clima o el género. Esta exposición trata de poner palabras, imágenes y sonidos a la noción de petromasculinidad y presentarla como una mirada crítica que resulta muy útil y oportuna en el contexto de la actual crisis ecosocial.

PETROTUNING Cabosanroque

El auto-tune es un efecto digital que se emplea para modificar la tonalidad de la voz y que se ha convertido en una de las principales señas sonoras del trap y otros subgéneros de la música urbana contemporánea. Este efecto, del que se deriva una forma de performatividad vocal radicalmente nueva, mantiene una insospechada relación con el petróleo.

Andy Hildebrand inventó el auto-tune a finales de la década de los noventa, aplicando los conocimientos que había adquirido como especialista en técnicas de prospección geofísica para la industria petroquímica. Mediante el uso de explosivos y micrófonos subterráneos, Hildebrand podía determinar la ubicación de los yacimientos de petróleo y el lugar exacto donde se debía perforar para proceder a su extracción. Partiendo de esta curiosa relación genealógica entre el auto-tune y el petróleo, la instalación Petrotuning examina la dimensión sonora y erótico-sensual de la petromasculinidad.

Tanto el automóvil como la motocicleta han participado tradicionalmente de un imaginario eminentemente masculino, en el que el vehículo se convierte en un apéndice mecánico del cuerpo del conductor. El tubo de escape, por su parte, funciona a menudo como un dispositivo de territorialización sonora y una tecnología ventrílocua a través de la cual el conductor puede ejecutar una inflamada afirmación de su masculinidad sin tener que recurrir a la palabra.

Los depósitos de gasolina y los tubos de escape que forman parte de la obra Petrotuning recuerdan las formas voluptuosas de los órganos sexuales y, a su vez, sugieren el carácter sagrado de las reliquias y los iconos religiosos. Esta ambigüedad formal e iconográfica refuerza la inquietante dimensión sonora de esta instalación, que apela a las profundas contradicciones de nuestra sociedad petrodependiente.

PETROFANÁTICOS Fèlix-Pérez Hita y Andrés Hispano

«El automóvil ha llegado y casi todas las cosas cambiarán debido a todo lo que le acompañará en el futuro. Cambiarán las guerras y cambiará la paz. Incluso la forma de pensar de la gente cambiará de una manera sutil debido al automóvil». Son las palabras del personaje Eugene Morgan, inventor y empresario interpretado por el actor Joseph Cotten, en una escena de la película The Magnificent Ambersons (1942), de Orson Welles.

Las reflexiones de Morgan, dirigidas a los comensales de una cena de la alta sociedad en la Minneapolis de finales del siglo xix, anticipan los efectos de la «automovilización» del mundo, un proceso de transformación planetario que se ha producido en paralelo y de forma articulada con la expansión del modelo capitalista y la globalización. Más allá de contribuir de forma sustancial a la transformación material del mundo y al avance del Antropoceno y el Capitaloceno, el automóvil también ha transformado la mentalidad de las personas.

Además de la economía política de los combustibles fósiles, señala Cara Daggett en su artículo dedicado a la petromasculinidad, también es importante entender sus dimensiones psicoafectivas. Así, cabe prestar atención a los deseos, las angustias y las inseguridades -vinculadas, a menudo, a cuestiones relacionadas con el género- de las personas y los grupos con una identidad ligada a las petroculturas.

Realizado a partir de fragmentos audiovisuales procedentes de películas, series, documentales, videoclips y otros materiales obtenidos de internet, el vídeo-ensayo Petrofanáticos examina la dimensión psicoafectiva de la petromasculinidad y presenta el automóvil como una prótesis identitaria al servicio de una inflamada y prepotente performatividad masculina.

http://www.bolit.cat/cas/programacio/exposiciones/petromasculinidades.html

E

Paolo Pinamonti a Macerata

E' il nuovo direttore artistico del MOF

NEWS
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Paolo Pinamonti
Paolo Pinamonti

Paolo Pinamonti è il nuovo direttore artistico del Macerata Opera Festival perr il il il triennio 2022-2024. Pinamonti, musicologo, ha già guidato teatri come La Fenice,San Carlo di Napoli, Sao Carlos di Lisbona, Zarzuela di Madrid.

www.giornaledellamusica.it

LIVRE: MONSIEUR PROUST. CÉLESTE ALBARET

 Celeste Albaret


Céleste Albaret trabajó en casa de Proust como ama de llaves, mensajera, amiga y enfermera los últimos nueve años de su vida en los que, ya gravemente enfermo, escribiría En busca del tiempo perdido. Pero fue mucho más que una mera sirvienta: su sensibilidad, su innata inteligencia y el enorme cariño y devoción que sintió por él la hicieron su única confidente, su acompañante más próxima y un testigo de excepción. Cuando finalmente, a los ochenta y dos años, accedió a publicar estas memorias profundamente conmovedoras, no sólo demostró la falsedad de las múltiples patrañas que circulaban sobre el genial novelista, sino que nos reveló un Proust humano, entrañable y cotidiano que de no ser por ella, jamás hubiéramos conocido.

domingo, 26 de diciembre de 2021

LA CAMBIALE DI MATRIMONIO . TEATRO COCCIA NOVARA

  23 dicembre 2021

In un momento di prefestività natalizia adombrato dall’incessante incedere del Covid19 con continue mutazioni e varianti un GRAZIE sorge spontaneo al Teatro Coccia che propone la leggerezza della prima opera scritta da Rossini diciottenne. Già si pregustano tutte le variazioni ed i temi che caratterizzeranno la massiccia produzione di opera buffa, che in questo periodo di tristezza donano un particolare senso di calore al cuore.

Musica di Gioachino Rossini
Libretto Gaetano Rossi
Direttore Mirca Rosciani
Regia Alfonso Cipolla
Costumista Silvia Lumes
Sir Tobia Mill  - Matteo Mollica
Fannì Jayu Jin
Edoardo Milfort- Davide Lando
Slook - Semyon Basalaev
Norton - Franco Celio
Clarina - Simona Ruisi
Allievi del progetto RossiniLab e European Opera Academy
Direttore RossiniLab e preparatore vocale Giovanni Botta
Maestro al Cembalo Yirui Weng
Orchestra del Teatro Coccia

La cambiale di matrimonio, di Gioachino Rossini, al Coccia di Novara è stata eseguita in forma semiscenica, in collaborazione con il Conservatorio Guido Cantelli, con il cast degli allievi del progetto RossiniLab  fondato da Giovanni Botta all’interno del Conservatorio novarese e European Opera Academy,  oltre che scambio con gli allievi e i docenti dell’Accademia dei Mestieri dell’Opera del Teatro Coccia. 

Il Regista Alfonso Cipolla nel suo commento si riferisce alla prima opera giovanile di Rossini  definendola “una quintessenza di invenzioni musicali e teatrali, una cornucopia di ironia e comicità che ne fanno un distillato preziosissimo di quella che sarà l’esplosione incontenibile del Rossini maggiore”.

Lo scrivente ha più volte sottolineato di non essere musicista, ma un semplice appassionato di musica ed in particolare di opera lirica, il quale ama trasmettere le emozioni provate durante uno spettacolo ed anche in questo caso mi atterrò ai principio dell’emozione ricevuta, precisando che sempre apprezzo il coraggio delle proposte soprattutto con i giovani, come in questo caso.

Il cast è interessante in particolare se si pensa all’età ed alle ineluttabilmente poche esperienze avute.

La scena è ribaltata ed al proscenio campeggiano strutture e camminamenti su cui si muovono i cantanti, mentre l’orchestra di 45 elementi è sul palco, diretta da Mirca Rosciani che spicca nell’abito bianco e la chioma bionda alle spalle; al di là di questa seducente nota scenografica va rilevato un bel gesto ampio, quindi  comunicativo  che a tratti morbido a tratti ben deciso intende leggere tutto quanto Rossini ha scritto.

La freschezza degli interpreti si è unita all’allegria generale rafforzata dai “costumi marionettisti”, come li ha definiti lo stesso Cipolla e realizzati da Silvia Lumes con spirito giocoso. 

Matteo Mollica divertente ed in ruolo ha reso brillantemente Sir Tobia Mill, come  Semyon Basalaev ha reso bene Slook. Norton e Clarina ripesttivamente Franco Celio e Simona Ruisi han dato buona prova interpretativa e di canto. Davide Lando in Milfort è andato in crescendo, ma su tutti spicca Jayu Jin la quale ha reso una Fanny molto divertente non lesinando nelle variazioni e agilità.

Un plauso al Coccia,  teatro di tradizione piemontese, che sa coniugare necessità con virtù offrendo spettacolo gradevole e ghiotte opportunità.

La Musica vince sempre

Renzo Bellardone.

Crediti  foto Mario Finotti