lunes, 31 de enero de 2022

ÉMAILLER LE VERRE À LA RENAISSANCE. CHÂTEAU D´ÉCOUEN

 


13 octobre 2021

14 février 2022

Production aussi précieuse que les verres transparents qui firent la réputation de Venise et de l'île de Murano, les verres émaillés et dorés de la Renaissance sont particulièrement prisés dès la fin du XVe siècle. À telle enseigne que, au début du XVIe siècle, des ateliers de verriers partout en Europe s'emploient à développer leur propre production, notamment en France. Croisant les apports de l'histoire de l'art,...


https://www.boutiquesdemusees.fr/fr/selection/emailler-le-verre-la-renaissance-11239/1/

TONY FITZPATRICK’S LAST MUSEUM SHOW. Y EN MAPFRE, CON OTRAS INSTITUCIONES DE MADRID, SE INAUGURA EN FEBRERO, LA MUESTRA "EL GUSTO FRANCÉS"

With what he says is his final museum bow, Fitzpatrick shines a light on the colorful diversity that composes his city.

by Elisa Shoenberger

Tony Fitzpatrick, "Humboldt Park Prayer to Miles Davis (Kind of Blue)" (2021) (all photos by the author)

GLEN ELLYN, IL — In the past year, many people have sought solace in nature. It comes as no surprise that an artist would be among those who looked to nature for comfort during the difficult days of the pandemic. Tony Fitzpatrick, a world-renowned Chicago artist, found peace in the birds and other animals in Chicago’s Humboldt Park during COVID-19. He turned that tranquility into 29 new collages in his current museum show, Jesus of Western Avenue, at the Cleve Carney Museum of Art in DuPage County, near Chicago. The show was initially slated to open in the fall of 2020 but it was pushed back a full year due to the pandemic. In that time, the planned 60 artworks in the show grew to 90, including works he made in the past year, as well as additional loans that the museum received.

Most of the pieces are composed of a central image of an animal with a halo around its head surrounded by cut-out images and words. A border collaged from various print materials wraps around the image. The collaged pieces include, among other things, old matchbox covers and claim tickets. One section of the show features 25 bird collages clustered together with two larger collages of birds on adjacent walls. These collages works are the emotional core of the entire show.

But Fitzpatrick’s works are more than just portraits of beautiful birds. In a Window To The World (WTTW) interview, Cleve Carney Museum of Art curator Justin Witte said, “His works are very layered collage pieces, and that layering contains a lot of different elements that replicate the layering you experience in the city — the different cultures, the sounds, the snippets of poetry and language.”

These images extend beyond the city, though. Fitzpatrick is also layering experiences of nature — the variety of plant life, the rich biodiversity of birds, especially during migration seasons. Here, nature and city life overlap. Hawks nest and hunt in Chicago’s crowded city center; coyotes wander the green spaces at night.

For instance, “Humboldt Park Bird of Night and Blood and Sun” (2020) portrays a black bird with a red crest, surrounded by oval portraits of saints, everyday people, flowers, stars, crossword puzzle boxes, and lines of a poem. In the top right corner is a matchbook for the “World Famous Minsky’s,” referring to Minsky’s Burlesque. Within one picture, Fitzpatrick brings together nature and culture, the spiritual and the Rabelaisian.

Another work, “Humboldt Park Prayer to Miles Davis (Kind of Blue)” (2021), features 10 blue birds of different species seemingly connected by tree branches that emanate from a multicolored circle in the center. The piece directly pays homage to Miles Davis’s 1959 album Kind of Blue, but also seems to embody Davis’s work, the blue birds reflecting the album title and the juxtaposition of different images echoing notes and melodies in a jazz piece.

Several alligators appear in the show as well. In 2019 an alligator was found swimming in the lagoon in Humboldt Park, near the artist’s studio. It’s unlikely that the alligators are in the artworks by coincidence; more likely, Fitzpatrick is reminding viewers that the division between human and animal worlds is not as clear cut as we like to think.

But Fitzpatrick works to connect all of these creatures to the Divine, as the show’s title, Jesus of Western Avenue, indicates. The halos on the animals suggest that these are divine beings, worthy of our attention and adoration. He also wrote a poem to correspond to the collection, “The Apostles of Humboldt Park (I, Apostle),” which can be accessed via QR code or in the recently published book by the same name.

Among the exhibition’s most powerful pieces is “Holy Ghost of Western Avenue #3 (He Eats the Sins of Humboldt Park)” (2021), which depicts a vulture with a black body and red head. On his body are several constellations, such as Ursa Minor, Cassiopeia, and Lynx. With this gesture, the artist takes this humble, often derided creature, and brings the stars onto his very feathers. It brings to mind William Blake’s “Auguries of Innocence”: “To see a World in a Grain of Sand / And a Heaven in a Wild Flower.”

Many other animals, both real and imaginary, populate the exhibition, but those that feature the birds most clearly and effectively bring forth these multilayered connections. It is worth visiting the show just to see them.

It’s also the artist’s last museum show and that is another reason to see it. In the WTTW interview, Fitzpatrick explained, “I think it’s time for people who look like me to get out of the way and create some institutional wall space for people who’ve not had a light shined on them.” With his final museum bow, he’s shining a light on the colorful diversity that composes his city.

https://hyperallergic.com/702106/tony-fitzpatricks-last-museum-show/?utm_medium=email&utm_campaign=D011722&utm_content=D011722+CID_2c96963a34ad89599bbc4ae7da414050&utm_source=hn

AND/Y...


EXPOSICIÓN EL GUSTO FRANCÉS EN FUNDACIÓN MAPFRE DE MADRID, PRÓXIMAMENTE

Un proyecto transversal como es «El gusto francés», que abarca un período histórico tan extenso, no puede ser comprendido sin su contexto histórico. En este sentido, la muestra aborda también aspectos que hacen visible dicha evolución, como las relaciones diplomáticas, la historia del coleccionismo o la construcción de las identidades nacionales.

A través de numerosas pinturas (45), dibujos (16), esculturas (8), piezas de artes suntuarias y decorativas (31) y objetos de uso cotidiano, la exposición pretende adentrarse en la evolución del gusto francés en nuestro país, hasta el momento solo estudiado de forma puntual.

Este proyecto es el resultado de una profunda labor de investigación, que ha permitido sacar a la luz obras que hasta ahora se daban por desaparecidas, realizar nuevas atribuciones y restaurar un buen número de las piezas presentadas. La exposición cuenta con el apoyo de importantes instituciones españolas como la Biblioteca Nacional de España, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen Bornemisza, el Museo del Romanticismo, el Museo de Artes Decorativas o Patrimonio Nacional, así como de destacadas colecciones particulares, cuyas obras se presentan por primera vez en una muestra.

Comisaria: Amaya Alzaga

LA SURPRENANTE ENTRÉE DE CHARLOTTE CASIRAGHI AU DÉFILÉ CHANEL

Par Marion Prudhomme

Charlotte Casiraghi a ouvert le défilé Haute Couture de Chanel, ce 25 janvier 2022. © Jerome Domine/ ABACAPRESS.COM

À l’occasion de la Fashion week parisienne, Charlotte Casiraghi a marqué le défilé Haute Couture Chanel, ce 25 janvier 2022, en arrivant sur le catwalk avec un invité un peu particulier.

Les défilés Chanel réservent toujours leur lot de surprises. Ce 25 janvier 2022, lors du défilé Haute Couture de la maison française, Charlotte Casiraghi a ouvert le show… à cheval. Bombe sur la tête et vêtue d’une veste en tweed et sequins, la fille aînée de la princesse Caroline de Hanovre a subjugué tous les invités présents. Ces derniers n’ont d’ailleurs pas hésité à immortaliser la scène.

Avec cette apparition équestre, Chanel fait un pari osé mais réussi. La maison de la rue Cambon sait que cette entrée restera dans les esprits de nombreuses personnes. En faisant appel à Charlotte Casiraghi, la marque renouvelle sa confiance à son ambassadrice et porte-parole depuis un an. Grâce à ce défilé, la cavalière de renom prouve une nouvelle fois sa passion pour l’équitation.

Ces derniers jours, la marque avait partagé sur les réseaux sociaux les premières images de sa nouvelle collection, avec la participation de la jeune femme. Pour cette campagne Haute Couture, la directrice artistique Virginie Viard "a invité l’artiste contemporain français Xavier Veilhan et le photographe norvégien Ola Rindal à mettre en scène les premières images de la collection", explique ainsi Chanel. On y voit Charlotte Casiraghi évoluer "dans un univers équestre à la frontière entre imaginaire et réalité, comme un écho à la magie de la Haute Couture de Chanel", ajoute la marque.

La musique est signée Sébastien Tellier, également ambassadeur Chanel. En mai 2021, il avait déjà offert une prestation musicale remarquée après le défilé Croisière 2021/2022 aux Baux-de-Provence. La fille de la princesse Caroline l’avait d’ailleurs rejoint sur scène, aux côtés de Vanessa Paradis, Juliette Armanet et Angèle. L'arrivée surprenante de la jeune femme et l'ensemble du défilé Haute Couture printemps-été sont à découvrir en intégralité sur le site de Chanel, ce mardi, à 14 heures.

https://www.pointdevue.fr/royal/monaco/la-surprenante-entree-de-charlotte-casiraghi-au-defile-chanel

CONCERTO "LE NUVOLE DI PIER PAOLO". ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA E IL CIRCULO DE BELLAS ARTES A MADRID

Concerto Maeci

L’Istituto Italiano di Cultura di Madrid e il Círculo de Bellas Artes, con il patrocinio dell’Ambasciata d'Italia a Madrid, il prossimo 6 febbraio presentano il concerto di musica jazz "Le Nuvole di Pier Paolo”, un progetto musicale che ha come obiettivo commemorare i 100 anni dalla nascita di Pier Paolo Pasolini, uno dei più grandi scrittori italiani nel mondo. Si inaugura così l'Anno di Pasolini a Madrid, che presenterà un ricco programma di eventi promossi dall'Istituto, dal Círculo de Bellas Artes, dall'Universidad Complutense e dall'Universidad Autónoma, con il patrocinio dell'Ambasciata d'Italia, con l'obiettivo di celebrare il grande autore e approfondire le sue opere. Il progetto, prodotto da Esound Music&Arts, è composto da otto grandi artisti italiani del momento: Emilia Zamuner (voce), Daniele Sepe (sax), Flavio Boltro (tromba), Daniele Di Bonaventura (fisarmonica), Jacopo Mezzanotti (chitarra e arrangiamenti) Mario Nappi (piano), Davide Costagliola (basso e contrabasso) e Paolo Forlini (batteria e percussioni).

Le opere di Pasolini, poeta, scrittore e regista, nato a Bologna nel 1922, hanno avuto sempre un forte vincolo con il suono e con la musica. Questo legame con il grembo sonoro porta alla collaborazione con celebri musicisti come Ennio Morricone e Domenico Modugno. Il Jazz è l’elemento che permette l’esplorazione di tutti gli elementi principali della sua filosofia, il fil rouge del viaggio attraverso “la carne e il cielo”, quei due mondi opposti tanto evocati dallo scrittore. “Le nuvole di Pasolini” è la celebrazione della nascita, della vita e della filosofia di uno dei più grandi scrittori italiani che hanno cambiato la storia dell’Italia nel mondo.

Il repertorio inizia con una breve suite introduttiva originale dedicata a Pasolini, a cui seguono i brani più celebri “Che cosa sono le nuvole?” scritto per Domenico Modugno o “Il soldato di Napoleone” per Sergio Endrigo. Brani di Johann Sebastian Bach, canzoni popolari italiane selezionate dal Canzoniere di Pasolini, composizioni di Ennio Morricone tratte dai celebri film dello scrittore si intrecciano con i brani scritti per Laura Betti e Domenico Modugno, si abbracciano, danzano sulle parole del poeta, creando una sintesi perfetta e una produzione musicale unica nel suo genere. Lo spettatore si trova davanti a uno spettacolo poliedrico, dove il contrasto dello scrittore, tra carne e cielo, umano e divino, tra musica popolare e musica colta, si manifestano sul palco, attraverso quel mezzo che Pasolini definiva essenziale: il suono, la Musica.

La chiave di lettura del repertorio è il jazz, linguaggio veicolare tra la musica popolare (carne) e la musica classica (cielo) insieme all’improvvisazione dei grandi solisti presenti nel progetto. Lo stile di riferimento è il jazz sinfonico italiano, che si rifà a quello americano degli anni ‘20.

PROGRAMMA:

- Tears for Dolphy (Ted Curson)

- Che cosa sono le nuvole (D. Modugno - P. P. Pasolini )

- Macri Teresa detta Pazzia (P. P. Pasolini - P. Umiliani)

- Cristo al Mandrione (P. P. Pasolini - P. Piccioni)

- C’è forse vita sulla terra (P. P. Pasolini, D. Maraini - Manos Hadjidakis)

- Sono tanto triste | Dal film Saló o le 120 giornate di Sodoma (F. Ansaldo)

- Il valzer della toppa (P. P. Pasolini - P. Umiliani)

- Una vita violenta (P. Piccioni)

- Ricotta twist (C. Rustichelli)

- Partire Partirò (Canzone popolare dal Canzoniere di Pasolini)

- Tammuriata (Canzone popolare)

- Bammenella (R. Viviani)

6 febbraio ore 19.00

Teatro Fernando de Rojas - Círculo de Bellas Artes

https://iicmadrid.esteri.it/iic_madrid/it/gli_eventi/calendario/2022/02/le-nuvole-di-pasolini.html

sábado, 29 de enero de 2022

BOTÁNICAS. COLECCIÓN PER AMOR A L'ART. JARDÍN BOTÁNICO DE MADRID ET AUSSI, NICOLETTA, UN CD, AMOURS ET PIANOS


El Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico - CSIC, ácoge del 22 de enero al 20 de marzo la exposición: Botánicas. Colección Per Amor a l'Art. Una colección privada de fotografía y arte contemporáneo compuesta por conjuntos amplios y singulares de artistas nacionales e internacionales. Actualmente la colección, asesorada por Vicent Todolí, consta de 2.629 obras de arte de 221 autores y se exhibe en el centro de arte de la Fundació Per Amor a l'Art, Bombas Gens Centre d'Art (Valencia). En 2018 recibió el premio "A" de coleccionismo de la Fundación ARCO.

La representación de plantas o formas naturales ha sido una constante dentro de la historia del arte, siendo numerosos los artistas que, desde diferentes miradas -ya sea a partir del interés por la botánica, la fotografía objetiva o las prácticas de archivo-, han puesto su atención en ellas. Esta exposición, entendida como un jardín, presenta toda una serie de ficciones sobre el mundo vegetal a partir de una selección de obras de la Colección Per Amor a l'Art, que dan forma a la realidad de las flores y plantas más allá de su condición natural para devenir un relato científico, ornamental, crítico o estético.Botánicas muestra una serie de artistas que dan valor a ese momento catártico de la vida de una planta. 

El tratamiento esencialmente estético, como el de las sinuosas fotografías de Imogen Cunningham o Eikoh Hosoe, la vivacidad cercana a lo kitsch de las de Hans-Peter Feldmann, la asociación simbólica de la flor en decadencia con el erotismo sugerida por Nobuyoshi Araki, o la deconstrucción cromática de Mathieu Mercier en sus pantones florales, sitúa al motivo vegetal como elemento de deseo a través de composiciones y saturaciones de color acentuadas que aspiran a ofrecer al espectador una imagen que pueda considerarse bella. Las fotografías de Karl Blossfeldt o Albert Renger-Patzsch utilizan el dispositivo fotográfico desde un punto de vista analítico, influenciadas por las representaciones de la naturaleza propias del ámbito científico. 

Con una intención documental similar, las fotografías de Pierre Verger devuelven una imagen exótica de la vegetación avistada en uno de sus viajes antropológicos, una tendencia en la historia de la fotografía que es recuperada posteriormente de forma crítica por artistas como Juan del Junco, a través de una perspectiva decolonial. Alentado por este espíritu crítico, Richard Hamilton reinterpreta las representaciones florales que imperan en el imaginario cultural occidental, introduciendo en sus grabados elementos irónicos que derriban la idealización del mundo vegetal perpetuada por el arte.

Otros relatos visuales, como los de Jochen Lempert o Jonas Mekas, funcionan a modo de narraciones fragmentadas atravesadas por una visión altamente personal que, en el caso del primero, llega a rozar la abstracción. 

Otras propuestas, sin embargo, abordan esta interpretación de lo natural mediante la alteración del significante: los collages de Alessandra Spranzi lo ocultan, vaciando el contenido del motivo -en este caso la flor- en contraposición a las representaciones florales hegemónicas; las fotografías de Thomas Ruff lo invierten, instando al espectador a reconfigurar su mirada mediante el uso de imágenes en negativo que desnaturalizan la percepción habitual de estos elementos orgánicos. El recurrente plano frontal descriptivo, que aísla a la flor y la planta de su contexto circundante, es el denominador común en el subconsciente compositivo de los artistas presentados; un juego de repetición formal que acaba diluyendo tiempos y estéticas para generar un vergel interior en diálogo con el Real Jardín Botánico de Madrid.

LISTADO DE ARTISTAS:

- Nobuyoshi Araki

- Karl Blossfeldt

- Imogen Cunningham

- Hans-Peter Feldmann

- Richard Hamilton

- Eikoh Hosoe

- Juan del Junco

- Jochen Lempert

- Jonas Mekas

- Mathieu Mercier

- Albert Renger-Patzsch

- Thomas Ruff

- Alessandra Spranzi

- Pierre Verger

Comisario: Vicent Todolí

Asistido por: Alba Raja

Proyecto original: Vicent Todolí, Nuria Enguita y Carles Àngel Saurí

http://www.rjb.csic.es/jardinbotanico/jardin/contenido.php?Pag=143&tipo=agenda&cod=3343



ET AUSSI, DE NICOLETTA, Amours And Pianos

Nicoletta (Interprète)  (CD album) Paru le 19 novembre 2021
 

Amours And Pianos
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  • Résumé
  • Caractéristiques
  • Le répertoire de Nicoletta revisité en piano-voix.
    Le puissant blues de sa voix a si peu d’équivalent dans le paysage français que Ray Charles voulait faire d’elle une noire-américaine. Son goût pour le gospel, ses nombreux récitals dans les églises, réclamaient un disque qui mettrait à nu son tempérament de chanteuse soul et le porterait haut. Nicoletta est de retour avec un projet qui revisite son répertoire en piano-voix : des arrangements aux pianos acoustiques et électriques, fins, modernes, sans artifices.

ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA. PETRENKO, CARNEGIE HALL. ANIMA AETERNA, JJ. ORLINSKI


Monday, January 31, 2022


Vasily Petrenko’s 2019 Carnegie Hall debut (as a last-minute replacement for Mariss Jansons) was called “genuinely auspicious” (Musical America). Named the Royal Philharmonic Orchestra’s music director in 2021, he leads the orchestra in an all-English program for its first Carnegie Hall appearance in 25 years. Taking center stage for Elgar’s elegiac Cello Concerto is cellist Kian Soltani, celebrated for his “commanding technique and rhapsodic intensity” (The New York Times).



Program

BRITTEN Four Sea Interludes from Peter Grimes

ELGAR Cello Concerto

HOLST The Planets

Performers

Royal Philharmonic Orchestra

Vasily Petrenko, Music Director and Conductor

Kian Soltani, Cello

Musica Sacra

Kent Tritle, Chorus Director

https://www.carnegiehall.org/Calendar/2022/01/31/Royal-Philharmonic-Orchestra-0800PM


ET AUSSI, ANIMA AETERNA, CON JAKUB JOZEF ORLINSKI. 

Anima Aeterna
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  • Résumé
  • Caractéristiques
  • Album audacieux d'airs sacrés et de motets du XVIIIe siècle, Anima Aeterna le nouvel album du jeune contre-ténor se situe dans le prolongement d'Anima Sacra qui, en 2018 lança de manière spectaculaire la carrière au disque de Jakub Józef Orlinski. Son programme - où voisinent Zelenka, Haendel, Fux, ainsi que les moins connus Gennaro Manna, Francisco António de Almeida, Bartolomeo Nucci et (sur la version vinyle) Davide Perez - contient plusieurs premières mondiales.

AMEDEO BOCCHI: L’ARTE DELL’ELEGANZA. APE. PARMA


Le donne, lo stile, la moda

Dal 5 dicembre 2021 al 27 marzo 2022: un percorso affascinante tra opere d’arte, abiti d’epoca, riviste e contributi cinematografici, alla scoperta dell’anima elegante dei ritratti femminili di Amedeo Bocchi.

“Non c’è pittore italiano di quel tempo, tra il ’19 e il ’24 pressappoco (ma anche dopo) cui il Bocchi vada debitore; e

non ce n’è uno che percorra la sua stessa strada platoneggiante […] e quando raggiunge il vertice delle sue potenze

espressive non può essere confrontato con alcuno. Di quanti altri pittori potremmo dire altrettanto?”

Fortunato Bellonzi (1970)

Con la mostra “AMEDEO BOCCHI. L’arte dell’eleganza. Le donne, lo stile, la moda”, aperta dal 5 dicembre 2021 al 27 marzo 2022 all’APE Parma Museo, prosegue il percorso – ormai ventennale – che vede impegnata Fondazione Monteparma nella valorizzazione e divulgazione della produzione artistica di Amedeo Bocchi, questa volta con una proposta espositiva che raccoglie oltre 40 ritratti femminili, realizzati dal Maestro tra il 1901 e il 1974, provenienti dal ricco patrimonio artistico di Fondazione Monteparma e da prestigiose realtà pubbliche italiane e collezioni private.

L’eleganza, lo stile e la moda rappresentano un filone tematico inedito attraverso il quale l’universo femminile di Amedeo Bocchi (Parma, 1883 – Roma, 1976) viene riscoperto lungo le suggestive sale di Ape Parma Museo in un percorso dinamico e, talvolta, sorprendente, grazie a contenuti multidisciplinari e all’accostamento delle opere pittoriche con abiti, riviste e contributi audiovisivi, nell’intento di offrire ai visitatori interessanti rimandi al contesto culturale e sociale dell’epoca.

Ben lontano dalle scelte compiute da un artista come Giovanni Boldini e dagli stretti legami che quest’ultimo aveva intrattenuto con i grandi couturier, Bocchi non dipingeva propriamente “la moda”, bensì l’eleganza, espressa anche attraverso richiami alla moda: eleganti erano le sue donne – nei gesti, nelle pose e negli sguardi – come elegante è il suo stile pittorico.  In Bocchi la moda non è quindi da intendersi come “tendenza” ma come “mezzo” per esaltare la bellezza e l’eleganza femminile, che arriva a investire, oltre all’abito, agli accessori e all’acconciatura, anche il portamento, la gestualità e l’armonia stessa della figura nel suo rapporto con l’ambiente circostante. Quella di Bocchi è una moda che vuole suscitare emozioni, che “veste” – e così facendo svela – l’anima elegante dei suoi ritratti femminili.

Oltre all’affascinante selezione di opere pittoriche di Bocchi, arricchiscono la mostra gli abiti d’epoca e gli accessori della Collezione Tirelli Trappetti di Roma, con cui Fondazione Monteparma ha stabilito un proficuo rapporto di partnership per la realizzazione di questo interessante progetto artistico.

Gli abiti esposti in mostra servono a creare un contesto, a proporre una messa in scena diversa ma non troppo distante da quella suggerita dal quadro, per aprire un confronto, un dialogo, tra l’abito dipinto e l’abito portato. L’immagine del dipinto, infatti, deve essere considerata sempre come una messa in scena, come un progetto di racconto dove l’abito è una delle tante connotazioni possibili di un ritratto, come può essere lo sfondo, l’ambientazione, la presenza di altre figure o di specifici accessori.

Tra le altre interessanti suggestioni del percorso espositivo, i visitatori potranno apprezzare le riviste storiche di moda attinte dalle raccolte CSAC dell’Università di Parma, alcune calzanti citazioni di scrittori e personaggi famosi e anche il documentario, fresco di restauro, Canzoni tra le due guerre, realizzato da Cittadella Film nel 1950 con la regia di Antonio Marchi e il commento parlato di Attilio Bertolucci, gentilmente reso disponibile dalla famiglia Marchi e dal Circolo Stanley Kubrick di Parma. In questo illuminante spaccato della società italiana negli anni che separano i due conflitti mondiali si mescolano, infatti, molti riferimenti visivi alla moda e ai costumi del tempo.

A corredo della mostra, è disponibile presso il bookshop di APE Parma Museo il catalogo edito da MUP Editore con la collaborazione grafica di Alberto e Michelangelo Nodolini.

In collaborazione con

TIRELLI Costumi dal 1964 – Collezione TIRELLI TRAPPETTI

https://www.apeparmamuseo.it/mostre/amedeo-bocchi-larte-delleleganza/