EL PALAIS GARNIER DE PARÍS:150 AÑOS DE UNA ENVOLTURA EXTRAORDINARIA PARA ÓPERA, CONCIERTOS, DANZA, EXPOSICIONES Y ENCUENTROS

El Palais Garnier, una obra maestra de la arquitectura y uno de los teatros más bellos del mundo, fue inaugurado el 5 de enero de 1875, el Palais Garnier cuenta con una rica historia de patrimonio y creación artística, mitos y fantasías, ópera, ballet y conciertos.

Diseñada por el arquitecto Charles Garnier como parte de un ambicioso proyecto iniciado por Napoleón III, esta obra maestra del Segundo Imperio combina armoniosamente influencias clásicas, barrocas y renacentistas, lo que le proporciona la diferencia entre otros coliseos por su majestuosidad y refinamiento. El Palacio Garnier fue oficialmente inaugurado el 5 de enero de 1875, con una ceremonia que incluía la presentación del tercer acto de la ópera La Juive, de Halévy, y extractos de la ópera Les Huguenots, de Meyerbeer.

En 1969 el teatro recibió nuevas instalaciones eléctricas y en 1978 parte del Foyer de la Danse original se convirtió en un nuevo espacio para ensayos de la Compañía de ballet, obra del arquitecto Jean-Loup Roubert. En 1994 comenzó la restauración del teatro, la cual consistió en la modernización de la tramoya y de las instalaciones eléctricas, mientras se restauraba y preservaba el decorado y se fortalecía la estructura del edificio. La restauración fue terminada en 2006.

Un poco más pequeño en escala que su predecesor, el Teatro de la Academia Real de Música, el Palacio de Garnier está conformado por 11 000 m², tiene una capacidad de aproximadamente 2200 espectadores y un escenario para 450 artistas.

Decorado con opulencia con frisos multicolores de mármol, columnas y estatuas, muchas de ellas representan deidades de la mitología griega. Entre las columnas de la fachada frontal del teatro, hay bustos en bronce de muchos compositores famosos, como Mozart y Beethoven. El interior está adornado en terciopelo, hojas doradas, ninfas y querubines. La araña de luces del auditorio central pesa más de seis toneladas. El área del techo alrededor de la araña tiene una pintura de 1964 hecha por Marc Chagall. Aparte de la sala de audiciones, existen otras muchas elegantes, espaciosas, donde no faltan salones de celebraciones y una biblioteca.

El teatro alcanza su cumbre más alta con una acústica muy cuidada. La estructura oculta del edificio era de hierro. Su forma, la tradicional de herradura con cuatro hileras de palcos. El gran volumen de la Ópera (algo más de once mil metros cúbicos) obligaba a utilizar una decoración interna, mobiliario, suficientemente absorbente para no generar un aumento excesivo de los tiempos de reverberación. Estas propiedades se lograban gracias a la alta absorción que proporcionaban los asistentes, las gruesas tapicerías del mobiliario y, fundamentalmente, colocando cortinas y tapices pesados, así como grandes telones y alfombras. Así se controla la reverberación y el tiempo de reverberación, a través, de la colocación de materiales absorbentes y reflectores acústicos, logrando en el interior una calidad óptima del sonido.

Teatro, lugar público de festividades y espectáculos, lugar para ver y ser visto, el Palais Garnier ha sido un espejo del poder político y testigo de los principales acontecimientos de la historia de Francia con más de un millón de visitantes y cerca de 350.000 espectadores de todo el mundo. 

Para celebrar esta efeméride, la Ópera de París programó una serie de eventos a lo largo de 2025: conciertos, exposiciones, encuentros, un documental entre bastidores (Une journée (extra) ordinaire: 24 heures à l'Opéra Garnier), residencias artísticas, publicaciones originales y visitas temáticas, todo ello pensado para abrir este hito al público más amplio posible. Con 172 funciones por temporada, el Palais Garnier sigue desempeñando un papel central en el mundo de la ópera y la coreografía.

Junto con la Ópera de la Bastilla, inaugurada mucho más recientemente, el Palais Garnier forma uno de los dos lugares icónicos de la Ópera de París, actualmente dirigida por Alexander Neef. En la gala estuvieron presentes Lea Desandre, Thomas Dunford, Juan Diego Flórez, Lisette Oropesa y Ludovic Tézier, entre otros artistas de renombre, además de músicos de la Orquesta, artistas del Coro y la Academia, bailarines de la Compañía de Ballet y la Escuela.

En una velada de patrocinio, actuaron también Juan Diego Flórez, Sir Bryn Terfel, Rolando Villazón, Yuja Wang and Sonya Yoncheva la Filarmónica de Viena conducica por Yannick Nézet‐Séguin. También ha tenido lugar un concierto sobre Bizet y sus contemporáneos por los artistas de la Academia en febrero de este año y el 3 de junio próximo la Orquesta y Academia rendirán homenaje a Georges Bizet, que falleció ese mismo día en 1975, muy poco tiempo después de la inauguración del Palais Garnier.
Se cuenta además con una Exposición de trajes en las zonas comunes del Palais Garnier desde septiembre de 2024 a enero de 2026. Como parte de las celebraciones de su aniversario, la Ópera de París presenta trajes de su repertorio, que abarca desde la década de 1950 hasta la actualidad, con destacados de Les Hugonotes, Giselle, Fausto, Roméo et Juliette y Le Nozze di Figaro. La exposición también rinde homenaje a los 60ésimo aniversario del icónico techo de Marc Chagall con trajes de Daphnis et Chloé.

Francia es un país literario, de historias, de sucesos, de climas y atmósferas muy particulares. Imposible hablar del Palais garnier y no recordar al personaje de El Fantasma de la Ópera está inspirado en la famosa novela homónima del escritor Gastón Leroux. Publicado por primera vez, de septiembre de 1909 a enero de 1910, como una serie en el diario Le Gaulois, la famosa novela ha sido objeto de numerosas películas, música y Literario. Desde las primeras décadas del siglo XX, El Fantasma de la Ópera ha influido fuertemente en la percepción del público en general de este famoso lugar. Sin olvidar un nuevo juego inmersivo a tamaño real, sobre los pasos del fascinante Arsène Lupin del escritor Maurice Leblanc, contemporáneo de Arthur Conan Doyle.

En estos meses se presenta Il Trittico de Puccini, Rigoletto de Giuseppe Verdi entre otros, siempre en conexión con la Ópera de la Bastilla.

La Ópera de París es un universo complejo, multiforme y cada visitante puede destilar y sublimar de ese patrimonio su parcela de goce y de belleza. La constelación del ballet y la danza es capítulo aparte. Como la geografía dibujada por el bailarín legendario Rudolf Nureyev. El bailarín y coreógrafo tuvo una larga y significativa relación con la Ópera de París, donde fue bailarín, coreógrafo y, finalmente, director de danza. Su influencia en el Ballet de la Ópera de París fue profunda, con obras como "La Bella Durmiente" y "Lago de los Cisnes".

Se presentó por primera vez en la institución en 1961, durante una gira con el Ballet Kirov, cautivando al público como el Príncipe en "La Bella Durmiente". Posteriormente, revisó esta obra para el Ballet de la Ópera de París en 1989, considerándola "el ballet de los ballets".

En 1982, Nureyev fue nombrado director de danza de la Ópera de París, su primer puesto permanente. Durante su mandato, desde 1983 hasta 1989, agregó numerosos ballets al repertorio de la compañía, incluyendo sus revisiones de obras de Petipa y creaciones contemporáneas. Y dejó una marca imborrable en el Ballet de la Ópera de París, con sus obras y la creación de nuevas estrellas como Sylvie Guillem y Manuel Legris. Sus creaciones siguen siendo representadas regularmente, incluyendo su versión de "Lago de los Cisnes" y el tercer acto de "Raymonda".

En el presente, continúan los espectáculos de danza, que incluyen también la muestra de trajes de baile organizada en torno a la producción de Mats Ek, Memoria de creaciones, del 27 de marzo al 31 de agosto de 2025 inclusive en los espacios públicos del Palais Garnier, en los niveles de orquesta y parterre. Ek nació el 18 de abril de 1945 en Malmö, Suecia y es hijo de la coreógrafa Birgit Cullberg y del actor Anders Ek, quien protagonizó películas de Ingmar Bergman. Comisariada por Coralie Cadène y Ana Laguna, con motivo de la recuperación del ballet Appartement y del 80 cumpleaños de Mats Ek, se exhibe una selección de trajes y accesorios icónicos de sus grandes ballets (Carmen, Giselle, La casa de Bernarda, Boléro, etc.). Vestidos extraordinarios, túnicas poco convencionales, muñecas mecánicas e incluso una bañera nos sumergen en su mundo inventivo y poético.

Esta exposición, que incluye piezas procedentes de las colecciones de la Ópera de París, de colecciones privadas o prestadas por importantes instituciones europeas (Dansmuseet Stockholm, Royal Swedish Opera, Staatsoper Hamburg, Introdans, Semperoper Dresden)

Existe un vínculo especial entre los suecos coreógrafo y el Ballet de la Ópera de París. Su aclamada Giselle pasó a formar parte del repertorio en 1993, seguido por el estreno de Appartement en 2000 y la entrada de La casa de Bernarda y Une sorte de... en 2008. Mats Ek*, el coreógrafo sueco, regresó al Ballet de la Ópera de París en 2019 para ofrecer a los bailarines de la Compañía dos creaciones, Another Place y Boléro.

Alicia Perris

*Biografía

Mats Ek nació el 18 de abril de 1945 en Malmö, Suecia. Es hijo de la coreógrafa Birgit Cullberg y del actor Anders Ek, quien protagonizó películas de Ingmar Bergman. A la edad de ocho años, participó en Medea, una coreografía de su madre, y nueve años más tarde, conoció la técnica de Martha Graham. De 1966 a 1973, trabajó como asistente de dirección, especialmente para el Teatro de Títeres de Estocolmo (Wozzeck, 1968).

En 1972, estudió danza clásica y se unió al Cullberg Ballet un año después. Luego se embarcó en una carrera como coreógrafo: El sirviente del oficial, San Jorge y el dragón (1976) y Soweto (1977). De 1978 a 1980, codirigió el Ballet Cullberg con su madre. Luego pasó una temporada como bailarín y coreógrafo en el Nederlands Dans Theater (NDT). Posteriormente se convirtió en director artístico del Ballet Cullberg.

Mats Ek ganó reconocimiento internacional por sus reinterpretaciones de los grandes clásicos del repertorio: Giselle (1982), El lago de los cisnes (1987), Carmen (1992), La bella durmiente (1996). Después de pasar Giselle en 1993 a los bailarines del Ballet de la Ópera de París, creó Appartement en 2000 en el Palais Garnier. A esta le siguió Place para Ana Laguna y Mikhaïl Barychnikov y The Other para Niklas Ek y Mikhaïl Barychnikov en 2007. A lo largo de su carrera, Mats Ek filmó algunos de sus ballets, entre ellos La casa de Bernarda, Mujer mojada (con Sylvie Guillem) y Humo (con Sylvie Guillem y Niklas Ek).

Para el teatro, también ha dirigido numerosas obras, entre ellas Dom Juan, El jardín de los cerezos, Andrómaca y El mercader de Venecia. En 2025, creó A Cup of Coffee para el Royal Swedish Ballet, con Ana Laguna, Yvan Auzely, Lisa Drake y Nicolas Le Riche como bailarines invitados.

«CORPS ET ÂME», UNE EXPOSITION VIBRANTE ET SUGGESTIVE. BOURSE DE COMMERCE DU 5 MARS AU 25 AOÛT 2025 (II)

NOTAS DE PASO:

Como complemento al material estable, una muestra cambiante cada cierto tiempo, viene a aunar a la Bolsa de Comercio, en el corazón artístico de la ciudad, otro incentivo para regresar y estar al día. La librería tiene muchos libros y objetos de regalo. los espacios son de una amplitud escasa habitualmente en las grandes ciudades. 

La institución destila armonía y buen gusto. Un lujo asequible a todos, para compartir

Alicia Perris

Cette exposition collective propose une réflexion profonde sur la représentation du corps, non seulement comme objet de contemplation mais aussi comme sujet porteur de significations et de revendications sociales dans le contexte actuel.

Les sculptures, peintures, photographies et vidéos se répondent, en une sorte de chorégraphie visuelle où chaque œuvre devient un miroir des sentiments, des luttes et des espérances humaines. L’art est ici présenté comme un lien organique qui relie les âmes, une passerelle entre les époques et les émotions.

Une sélection d’artistes emblématiques pour donner corps à l’exposition

Des artistes emblématiques offrent des perspectives variées et percutantes au-delà des formes artistiques traditionnelles avec une mise en exergue du tournant des années 1960, entre révolution sexuelle et mouvements féministes, antimilitaristes et antiracistes.

Tandis qu’Auguste Rodin propose une exploration du corps en volume, Michael Armitage, évoque une connexion profonde entre l’art et les matériaux naturels avec sa technique de peinture sur écorce de Lubugo. Arthur Jafa, ancien directeur de la photographie de Spike Lee et précurseur d’une « esthétique Black », propose des œuvres qui traitent de l’histoire et de l’expérience afro-américaine à travers les arts visuels et notamment de la vidéo, inspirée de la musique noire, comme le gospel et le jazz.

D’autres artistes, tels que David Hammons, Georg Baselitz et Lynette Yiadom-Boakye, explorent les relations entre l’individu et la société, tandis qu’Ana Mendieta utilise son propre corps pour interroger des questions d’exil et de racines culturelles.

En résonance avec l’exposition, une riche programmation musicale fait de “Corps et âmes“ un événement polyphonique.

https://www.ac-paris.fr/corps-et-ame-une-exposition-vibrante-a-la-bourse-de-commerce-du-5-mars-au-25-aout-2025-

LA BOURSE DE COMMERCE À PARIS. UNE NOUVELLE EXPÉRIENCE DE L’ART. INCONTOURNABLE PINAULT COLLECTION (I)

NOTAS DE PASO:

Una institución que da rienda suelta a la inspiración, indispensable para completar los paseos por el corazón de París. Entre los grandes hoteles (Crillon, Le Meurice), el Louvre, el Museo de Artes Decorativas, L´Hôtel del la Marine, la Place Vendôme, la Bolsa de París-Colección Pinault tiene otras texturas, otra piel.

Se abre generosamente al visitante con una amplitud enorme, indescriptible. Núcleo de las últimas manifestaciones del Arte como un vehículo total de comunicación y de vida, redondea la zona en que París sigue siendo el centro del mundo.

Sus exposiciones no están servidas, hay que tomarlas, pensarlas y dejarse fluir por el discurso escrito, también tácito de los artistas. Un universo peculiar, aparte, donde caben todos. Un descubrimiento a la vez que un puerto de partida y de llegada.

Alicia Perris

À travers ses expositions et ses événements, la Bourse de Commerce — Pinault Collection propose un point de vue inédit sur un ensemble d’œuvres contemporaines rassemblées depuis plus de cinquante ans par le mécène et collectionneur François Pinault.

Un musée en mouvement

Ouverte à tous les publics et à toutes les disciplines artistiques, aux œuvres qui font déjà l’histoire de l’art contemporain comme aux artistes les plus émergents, la Bourse de Commerce — Pinault Collection accueille en ses murs de nombreux événements et expositions.

Nourrie de la richesse et de la diversité d’une collection de plus de 10 000 œuvres de près de 350 artistes, la programmation artistique et culturelle de la Bourse de Commerce s’articule autour d’accrochages temporaires régulièrement renouvelés : expositions thématiques, projets monographiques et cartes blanches sont présentés tout au long de l’année dans les galeries du musée. À la manière d’une place centrale surplombée d’une immense verrière, la Rotonde et les vitrines qui l’entourent accueillent, au cœur du musée, des expositions conçues pour ces espaces. Au sous-sol, le Studio — consacré aux œuvres vidéos et sonores et aux formes plus libres — s’affirme comme une parenthèse méditative tandis que l’Auditorium programme conférences, rencontres, projections, concerts et événements.

Les œuvres in situ

Au gré de sa visite, le public est invité à découvrir de manière inattendue une sélection d’œuvres de la Collection Pinault installées in situ et dialoguant avec l’architecture du lieu.

« Au moment de la rencontre avec une œuvre d’art, je ne saurais pas définir ce qu’il se passe : c’est une intense émotion, c’est une chose qui vous saisit, vous interpelle et vous frappe. J’espère que beaucoup d’autres auront la même émotion que moi face à ces œuvres. »

François Pinault

Ensemble exceptionnel dédié à l’art des années 1960 à nos jours, la collection de François Pinault offre un regard sur l’art de notre temps, le regard d’un passionné, un regard subjectif, qui contribue à saisir notre époque.

Constituée de peintures, sculptures, vidéos, photographies, œuvres sonores, installations et performances, la Collection Pinault – qui se donne à voir à travers des expositions temporaires – met en lumière des artistes issus de tous les pays et représentant toutes les générations. Ils explorent tous les territoires de la création et témoignent de l’attention particulière portée par le collectionneur aux courants émergents.

Au-delà de ses musées parisien et vénitiens, Pinault Collection favorise la circulation de ses œuvres à travers des prêts exceptionnels et un programme de manifestations hors les murs dans des institutions partenaires, en France et à l’étranger.

L’esprit du lieu

Ouverte au public en 2021, la Bourse de Commerce a été restaurée et transformée par l’architecte japonais Tadao Ando (TAAA – Tadao Ando Architect & Associates), l’agence NeM / Niney et Marca Architectes, et l’agence Pierre-Antoine Gatier.

Comme à Venise, au Palazzo Grassi et à la Punta della Dogana, deux édifices historiques transformés en musées pour présenter sa collection, François Pinault a choisi de sauvegarder, de transformer et de permettre au public la redécouverte d’un monument emblématique du patrimoine parisien.

Le bâtiment de la Bourse de Commerce témoigne de cinq siècles de prouesses architecturales et techniques. Il associe la première colonne isolée de Paris, édifiée au 15e siècle pour l’hôtel de Catherine de Médicis, les vestiges d’une halle au blé à l’impressionnant plan circulaire du 18e siècle, couverte dès 1812 par une spectaculaire coupole de métal et de verre. Il a été recomposé en 1889 pour devenir la « Bourse de Commerce ».

 Aujourd’hui revivifié par le geste architectural contemporain de Tadao Ando, ce monument crée les conditions d’un dialogue entre patrimoine et création contemporaine, entre passé et présent, entre collection et visiteurs. La Bourse de Commerce — Pinault Collection est, à ce jour, la plus importante réalisation confiée à Tadao Ando en France.

Lieu de vie et d’expériences, la Bourse de Commerce propose également une sélection choisie d’éditions en lien avec les expositions à retrouver au Bookshop. Enfin, le Restaurant la Halle aux grains, pilotée par les chefs Michel et Sébastien Bras, accueille les visiteurs au troisième étage du musée.

https://www.pinaultcollection.com/fr/boursedecommerce/une-nouvelle-experience-de-lart

"TRÉSORS SAUVÉS DE GAZA: 5000 ANS D'HISTOIRE" À DÉCOUVRIR À L' IMA DE PARIS

Notas de paso: Si oriente Medio fue la cuna de la civilización, es posible que sea pronto su sepulcro. Si no se remedia cuanto antes, ya. Por razones- siempre atendibles dicen- de captación de recursos, de raza, de religión. "El hombre es un animal que mata" dijo Robert Badinter, responsable de la abolición de la pena de muerte en Francia en los años ochenta.

Jack Lang* es el responsable presidente del IMA de París y desde allí, el intelectual de siempre, en tiempos ministro de cultura,generoso y receptivo, lleva un barco que es difícil de maniobrar en estos tiempos. Gracias por su esfuerzo, por el equipo y por facilitar una vía negociadora siempre y de paz

Alicia Perris

Exposition à l’Institut du Monde Arabe à Paris présentant les richesses archéologiques de l’enclave palestinienne, avec des pièces parfois vieilles de plusieurs siècles.

*Douze présidents se sont succédés à la tête de l'Institut du monde arabe depuis sa fondation, en 1980. L'IMA est présidé par Jack Lang depuis 2013.

Né en 1939, diplômé de l’Institut d’Études Politiques de Paris, Docteur en Droit et agrégé de Droit Public et de Sciences Politiques, Jack LANG a été professeur de Droit Public et Doyen de la Faculté de Droit de Nancy. En 1963, il crée et devient Directeur du Festival international de théâtre universitaire de Nancy avant de prendre la direction en 1972 du Théâtre National de Chaillot.
Sa carrière politique débute en 1977 comme Conseiller de Paris. Délégué national à la Culture du Parti Socialiste, directeur de la campagne pour les élections européennes de 1979, il est le porte-parole de la campagne présidentielle de François Mitterrand en 1981 qui le nomme ministre de la Culture après son élection, poste qu’il occupera jusqu’en 1986, puis de 1988 à 1993. Il cumule les fonctions de ministre de la Culture et de ministre de l’Éducation nationale de 1992 à 1993.
Maire de Blois de 1989 à 2000, il est également député pendant plus de 20 ans, d’abord du Loir-et-Cher, puis du Pas-de-Calais.
Après avoir enseigné à Nancy, il devient Professeur à l’Université Paris X – Nanterre et au Conservatoire National des Arts et Métiers.
En 1997, il devient Président de la Commission des Affaires étrangères de l'Assemblée Nationale. Il est également Président du jury au Festival du Film de Berlin et prend la direction du Piccolo Teatro de Milan.
De 2000 à 2002, il rejoint le gouvernement du Premier ministre Lionel Jospin en tant que ministre de l’Éducation nationale.
Membre du Bureau national du Parti Socialiste jusqu’en 2007, Jack Lang a également été Conseiller spécial du Secrétaire général des Nations Unies, M. Ban Ki-Moon, sur la question de la piraterie internationale.
En 2013, le Président de la République François Hollande le nomme à la présidence de l’Institut du monde arabe.
Jack Lang est également l’auteur de très nombreux ouvrages et articles de référence.

"TRÉSORS SAUVÉS DE GAZA: 5000 ANS D'HISTOIRE" À DÉCOUVRIR À L'IMA • FRANCE 24

#exposition #gaza #culture

Exposition à l’Institut du Monde Arabe à Paris présentant les richesses archéologiques de l’enclave palestinienne, avec des pièces parfois vieilles de plusieurs siècles.

Rien n’est pire que l’abandon et l’oubli. Cette exposition, que je qualifierai de salut public, rend hommage à Gaza, vibrante et merveilleusement jeune.

Jack Lang, président de l'Institut du monde arabe

Depuis 2007, le Musée d’art et d’histoire de Genève (MAH) est devenu le musée-refuge d’une collection archéologique de près de 529 œuvres appartenant à l’Autorité nationale palestinienne et qui n’ont jamais pu retourner à Gaza : ces amphores, statuettes, stèles funéraires, lampes à huile, figurines, mosaïque..., datant de l’âge du bronze à l’époque ottomane, forment un ensemble devenu une référence au vu des destructions récentes.

LE TÉMOIN D’UNE HISTOIRE COMPLEXE

Avec l’aide du MAH et le soutien de l’Autorité nationale palestinienne, l’IMA expose une sélection de 130 chefs-d’œuvre de cet ensemble, issu des fouilles franco-palestiniennes commencées en 1995, dont la spectaculaire mosaïque d'Abu Baraqeh, et de la collection privée de Jawdat Khoudery, offerte en 2018 à l’Autorité nationale palestinienne et présentée pour la première fois en France.

Cette exposition témoigne d’un pan de l’histoire inconnu du grand public : celui du prestigieux passé de l’enclave palestinienne, reflet d’une histoire ininterrompue depuis l’âge du bronze. Oasis vantée pour sa gloire et sa douceur de vie, convoitée pour sa position stratégique dans les enjeux égypto-perses, terre de cocagne des commerçants caravaniers, port des richesses de l’Orient, de l’Arabie, de l’Afrique et de la Méditerranée, Gaza recèle quantité de sites archéologiques de toutes les époques aujourd’hui en péril. La densité de son histoire est un trésor inestimable, dont l’exposition témoigne de la complexité.

LE PATRIMOINE DANS LA GUERRE

Au 25 mars 2025, l’Unesco observe, en se basant sur des images satellitaires, des dommages sur 94 sites cultuels gaziotes : 12 sites religieux, 61 bâtiments d’intérêt historique et/ ou artistiques, 7 sites archéologiques, 6 monuments et 3 dépôts de biens culturels mobiliers et 1 musée.

Un espace est dédié à la cartographie des bombardements, menée par différents groupes de recherches et accompagnée par un recensement des dernières découvertes archéologiques à Gaza, et par des photographies inédites de la ville du début du XXe siècle issues de la collection de l’École biblique et archéologique française de Jérusalem. Il abordera les questions relatives au patrimoine en temps de guerre, et particulièrement à Gaza où plus des deux tiers du bâti est détruit.

Exposition organisée par l'Institut du monde arabe en partenariat avec le ministère du Tourisme et des Antiquités de Palestine et le musée d'Art et d'Histoire de Genève.

https://www.imarabe.org/fr/agenda/expositions-musee/tresors-sauves-gaza-5000-ans-histoire

COSTA GAVRAS, LEGENDARIO. EN EL INSTITUT FRANÇAIS DE MADRID, PRESENTÓ MEMORIAS, PELÍCULA Y ASISTIÓ A REVISIONADOS DE SU FILMOGRAFÍA

Información, David Radin, del Institut Français

Audio y fotos, Alicia Perris

Compilación y webmaster, Julio Serrano 

El Institut français de Madrid rinde homenaje a Costa-Gavras con una retrospectiva especial de cuatro de sus películas más emblemáticas. El cineasta nos hace también el honor de presentar en preestreno su última película «El último suspiro» y la publicación en castellano de sus memorias «Ve a donde sea imposible llegar».

Programa completo

 Lunes 21 de abril – 19:30h

Presentación del ciclo y proyección de Z.

Martes 22 de abril

18:00h – Presentación del libro Ve a donde sea imposible llegar de Costa-Gavras con la coeditora de Providence Ediciones, seguida de firma de sus ejemplares y venta de libros en francés y en español.

19:30h – Proyección de Los raíles del crimen.

21:30h – Proyección de Arcadia

Miércoles 23 de abril – 19:30h

Preestreno de El último suspiro con la presencia de Costa-Gavras y Esteve Riambau, historiador, crítico y realizador cinematográfico y seguido de un Q&A al finalizar la proyección. La película se estrena en España el 25 de abril.

COSTA GAVRAS, UN DIRECTOR IMPRESCINDIBLE

Gran cineasta político desde Z (1969), Costa-Gavras nunca ha dejado de explorar las zonas grises de nuestras sociedades. Ya sea imaginando la desaparición de un periodista estadounidense en Chile en Missing (1982), el ascenso del fascismo en Music Box (1989) o la deshumanización del mundo laboral en Arcadia (2005), sus películas combinan lo íntimo y lo político.

Mikis Theodorakis, un músico griego y folklorista para la Historia, otro personaje mítico de los setenta y para la eternidad, compuso la banda sonora de varias de las películas de Costa Gavras. Abajo, la de Estado de Sitio, con Los Calchakis, para disfrutar en bucle. Theodorakis y Los Calchakis - Estado de sitio

A lo largo de su carrera, Costa-Gavras ha explorado diversos géneros manteniendo su compromiso con el cine como reflexión social y política, y ha desempeñado un papel importante en la preservación del patrimonio cinematográfico como Presidente de la Cinémathèque Française.

Una selección especial: Z, Los raíles del crimen y Arcadia

Del 21 al 22 de abril, el Institut français de Madrid presentó una retrospectiva incluyendo algunas de las películas más emblemáticas de Costa-Gavras, como Z, Los raíles del crimen o Arcadia, unas películas que exploran la lucha contra la injusticia, la corrupción política y los abusos de poder, combinando el suspense con una profunda reflexión social y política.

En marzo, recibió un César de Honor de manos de la actriz Karin Viard, que lo describió como «un hombre que nunca ha tenido miedo de desafiar a los poderosos. Cuando trabajas con él, es un amigo que te acoge a su mesa», declaró. Concluyó su homenaje diciendo: «Gracias Costa por demostrar que se puede hacer cine con fervor, espíritu e impacto. A veces basta una película para cambiar el mundo».

Presentación literaria: Ve a donde sea imposible llegar (en español)

En este libro, el artista habla de su juventud antes del éxito, revela anécdotas sobre el mundo del cine y recuerda las personas que han dejado huella en su vida y su arte.

Proyección de El último suspiro, en presencia del cineasta

El 23 de abril, los admiradores de Costa-Gavras se pudo descubrir en preestreno la última película del director, antes de su estreno en España el 25 de abril.

Presentada en competición oficial en el festival de San Sebastián el pasado mes de septiembre, El último suspiro, protagonizada por Denis Podalydès, de la Comédie-Française, y en la que aparecen Angela Molina y Charlotte Rampling, Costa-Gavras aborda sin patetismo un tema universal: nuestra relación con la muerte y el final de la vida.

En un diálogo amistoso y apasionado, el médico Augustin Masset y el escritor Fabrice Toussaint se enfrentan cara a cara, uno con el final de la vida de sus pacientes, y el otro con su propio destino. Llevados por un torbellino de visitas y encuentros, ambos se embarcan en un sensible viaje entre el humor y el llanto: una aventura humana en el corazón de todas nuestras vidas.

Una experiencia excepcional en Madrid, gracias al patrimonio y la inquietud que la cultura francesa siempre ha mantenido y conserva por la política, la historia y la cultura. Por todos los mundos de la creación y la comunicación. Un privilegio

Abajo, audio del encuentro de presentación de sus Memorias en el Teatro del Institut en Madrid, en francés y español. En varios actos estuvieron presentes las máximas autoridades francesas en España, como el Agregado de Cultura y la nueva embajadora de ese país y diversos representantes de la Embajada griega en España.

(Foto de la derecha, firma de libros)

Alicia perris villamor · COSTA GAVRAS

LA ORQUESTA NACIONAL DE FRANCIA, DIRIGIDA POR CRISTIAN MACELARU DIBUJA UN CONCIERTO SUBLIMADO Y ELEGANTE EN RADIO FRANCIA DE PARÍS

La Orquesta Nacional de Francia dirigida por Cristian Macelaru con obras de Georges Bizet(1838-1875), Camille-Saint- Saëns (1835-1921) y Modeste Mussorgki (1839-1881) / Maurice Ravel (1875-1937). Radio France, París. 24 de abril de 2025.

En directo del Auditorium de la Maison de la Radio y de la Musique en Paris.

Programa

Georges Bizet (1838-1875): L'Arlésienne, opus 23, suite n°2 - para orquesta (1879)

1. Pastorale

2. Intermezzo

3. Menuetto

4. Farandole

Camille Saint-Saëns (1835-1921): Tres cuadros sinfóniques de La Foi, opus 130 (1909), drama d'Eugène Brieux

1. Poco allegro

2. Andantino

3. Allegro moderato e maestoso

Modest Petrovitch Moussorgski (1839-1881): Cuadros de una exposición (1874)

1. Promenade (Paseo)

2. Le gnome (El gnomo)

3. Promenade (Paseo)

4. Il vecchio castello (El viejo castillo)

5. Promenade (Paseo)

6. Le jardin des Tuileries (El Jardín de las Tullerías)

7. Bydlo

8. Promenade (Paseo)

9. Ballet des poussins dans leur coque (Baile de los pollitos en su cascarón)

10. Samuel Goldenberg y Schmuyle

11. Le marché de Limoges (El mercado de Limoges)

12. Catacombes. Sépulcre romain (Catacumbas, sepulcro romano)

13. Con mortuis in lingua mortua (latín, con muertos en lengua muerta)

14. La cabane sur des pattes de poules (La cabaña sobre patas de gallinas)

15. La Grande Porte de Kiev (La gran puerta de Kiev)

Antes de comenzar, un "speaker" presenta y explica de forma amena brevemente el repertorio. Para dar comienzo al concierto en una sala preciosa, de madera y con perfumes a cedro, excelente acústica, la música incidental de la obra del escritor provenzal Alphonse Daudet L'Arlésienne (Arlesiana) (normalmente transcrita como 'La chica de Arlés'). El escritor, un clásico que además se estudia en los colegios y se sigue leyendo como un “must”, había adaptado un cuento de las Cartas de mi molino inspirada en el suicidio por amor de un sobrino de Frédéric Mistral.

Había sido compuesta por Georges Bizet para el estreno de la obra el 1 de octubre de 1872 en el Teatro Vodevil (hoy conocido como Teatro Paramount). La arlesiana, título con el que se la conoce en español, consta de 27 números (algunos de unos pocos compases) para voz, coro y orquesta de cámara, algunos siendo pequeños solos y otros largos entreactos, pero en este caso se escucharon cuatro fragmentos solamente de la Suite no. 2). El mismo Bizet interpretó el armonio tras los bastidores durante el estreno de la obra.

Bizet concibió varios temas semipopulares, algunos orientalizantes, o hispanizantes, como en casi toda su obra. La partitura alcanza finales de gran poder dramático con una gran economía de medios. Aun así recibió críticas negativas tras su estreno y no se interpreta habitualmente en su forma original. La obra en sí no tuvo éxito y concluyó tras sólo 21 interpretaciones. El caso es que había sido montada como reemplazo de última hora para otra obra que había sido prohibida por los censores y, por ello, la audiencia no estaba tan predispuesta a la nueva obra.

Esta música incidental, programática de facto, ha sobrevivido y florecido, a pesar de todo. Se puede escuchar más frecuentemente en forma de dos suites, pero también hay grabaciones completas de la música.

L'Arlésienne, Suite n.º 2, también escrita para orquesta sinfónica, fue arreglada y publicada en 1879, cuatro años después de la muerte del compositor, por Ernest Guiraud, empleando los temas originales de Bizet (aunque no todos ellos pertenecían a la música incidental de L'Arlésienne). Cada parte del concierto cuenta con un responsable diferente para las notas del programa de mano y en el primer caso se deben a Chantal Cazaux, detallada, clara y con una bibliografía a pie de página para completar la información, como los libros incluidos de “Georges Bizet” de Hervé Lacombe (Fayard, 2000) o “Georges Bizet” publicada en Gallimard por Rémy Stricker en 1999.

Se da la circunstancia de que las tres partituras que ha dirigido el maestro titular esa noche pertenece a una contemporaneidad evidente, aunque no siempre coincidente en los hechos históricos o políticos, teniendo en cuenta que el maestro ruso tenía otro contexto musical y un panorama de otra Europa diferente a la francesa. Pero hay una concordancia perceptible y luego redondeada con la transcripción de Ravel, uno de los puntales de la música gala del siglo XIX, frecuentadísimo por su Bolero en salas de conciertos, películas y otros tipos de literatura.

En la segunda parte de la primera sección de la velada antes del entreacto, Charles-Camille de Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835-Argel, 16 de diciembre de 1921). Un compositor, director de orquesta, organista, pianista y militar francés. Músico muy dotado —un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso ante todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la Société Nationale de Musique, destinada a tocar y difundir la música francesa—. Puede considerársele un eslabón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel.

Además Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología. La Foi (La Fe), tres cuadros sinfónicos del opus 130, es música de escena (1908-1909), creada en el Teatro de Monte-Carlo para su orquesta. A partir de un drama de Eugène Brieux, que se desarrolla en el antiguo Egipto, no por un gusto por el exotismo, sino para destacar el lugar de la religión en la sociedad.

La obra le trajo algunos contratiempos al compositor y como explica Hélène Cao en las notas, “No hay tantos músicos en esa época, capaces de apreciar la diferencia de una cultura extranjera”.

La segunda parte, firmada en las notas por Christian Wasselin, estuvo dedicada a los Cuadros de una exposición (en ruso: Карти́нки с вы́ставки, Kartinki s výstavki,) una famosa suite, compuesta por Modest Músorgski (1839-1881) en 1874. El músico compuso la obra para piano, aunque ha sido conocida y más interpretada por la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) hizo de ella en 1922. El compositor ruso compuso esta obra inspirado en diez pinturas y dibujos incluidos en una exposición póstuma de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió. A manera de homenaje, el compositor quiso «dibujar en música» (música programática) algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stásov.

Se puede considerar Cuadros de una exposición como “ejemplo de los dos principales sistemas armónicos que el Círculo de Balakirev desarrolló durante su producción y exploración musical. El primero es la armonización diatónica de las canciones folk (o de sus imitaciones) donde el compositor intentó mantener la ambigüedad tonal evitando los acordes de dominante y las modulaciones, a favor de acordes estáticos y notas pedales. Por otro lado la presencia de la armonía cromática, codificada para los pasajes fantásticos, mitológicos, demoníacos o de magia. Se usaban la escala de tonos enteros o la octatónica. Ambos tipos de armonías estaban claramente codificadas y se utilizaban paralelamente pero nunca se confundían”, según explican los expertos.

En cuanto a La Orquesta Nacional de Francia, es la “garante de la interpretación francesa por su dinamismo y su patrimonio y legado”. Heredera de la tradición interpretativa de la música francesa, la Orquesta Nacional de Francia ha intentado crear un repertorio propio a través de estrenos de obras de los más grandes compositores contemporáneos: le Soleil des eaux de Pierre Boulez, la Sinfonía Turangalîla de Olivier Messiaen (1950, en estreno francés), la Primera Sinfonía de Henri Dutilleux (1951), así como el concierto para violín L'Arbre des songes con Isaac Stern (1985), Déserts de Edgar Varèse (1954), o Jonchaies de Iannis Xenakis (1977).

La orquesta ha grabado numerosos discos. Entre su amplio catálogo fonográfico destacan: Guerra y paz de Serguéi Prokófiev con Mstislav Rostropóvich, Lulú de Alban Berg con Jeffrey Tate, la integral de la obra para orquesta de Edgar Varèse con Kent Nagano. La grabación de Pelléas et Mélisande de Claude Debussy (Bernard Haitink) fue galardonado como mejor «grabación clásica del año» a los Victoires de la musique classique 2002 entre otros muchos.

Désiré-Émile Inghelbrecht, primer director titular, fundó la tradición musical de la orquesta, un repertorio en el que predominan las obras de Claude Debussy y Maurice Ravel, pero en el que también tienen cabida partituras como el Borís Godunov de Modest Músorgski, de la que la radio francesa fue una de las primeras en recuperar en 1935. A Sergiu Celibidache, primer director invitado desde 1973 a 1975, le siguió Lorin Maazel. Desde 2008 a 2016, el director italiano Daniele Gatti ha sido el director musical de la orquesta.

En esta ocasión, al frente de la magnífica velada, con un sentido exquisito de los planos sonoros, las entradas de los solistas, la elegancia y gracilidad distintas en cada momento de las interpretaciones, el entendimiento y la comunicación con los intérpretes con gestos pequeños, minimalistas pero elocuentes, el director Cristian Măcelaru.

Nacido en Timișoara (1980) es además violinista y el menor de una familia de 10 hijos. Estudió violín en su juventud y frecuentó ambientes sobre todo de Estados Unidos y luego de Colonia (Alemania).

En septiembre de 2018, dirigió por primera vez la Orquesta Nacional de Francia (ONF) y regresó para una segunda aparición como director invitado en el verano de 2019. Sobre la base de estas apariciones, en noviembre de 2019, la ONF anunció el nombramiento de Măcelaru como su siguiente director musical, a partir del 1 de septiembre de 2021, con un contrato inicial de 4 años. Tras la dimisión de Emmanuel Krivine como director musical de la ONF en mayo de 2020, Măcelaru se convirtió en director musical de la ONF el 1 de septiembre de 2020, un año antes de lo previsto originalmente. En septiembre de 2022, la ONF anunció una extensión del contrato de Măcelaru hasta el año 2027. Su relación con la orquesta de la que es titular se ve y se oye fluida y natural, amable.

La segunda parte, firmada en las notas por Christian Wasselin, estuvo dedicada a los Cuadros de una exposición (en ruso: Карти́нки с вы́ставки, Kartinki s výstavki,) una famosa suite, compuesta por Modest Músorgski (1839-1881) en 1874. Músorgski escribió la obra para piano, aunque ha sido conocida y más interpretada por la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) hizo de ella en 1922. El compositor ruso compuso esta obra inspirado en diez pinturas y dibujos incluidos en una exposición póstuma de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió. A manera de homenaje, el compositor quiso «dibujar en música» (música programática) algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stásov.

Habría que recordar en la primera parte la intervención del arpa y de una flauta traversa verdaderamente estupendas, así como la labor de la concertino, vibrante y entusiasta, Sarah Nemtanu. Orgiástica la Farandole que cierra L´Arlesiana de Bizet. La audiencia, de todas las edades, que prácticamente coronaba el aforo, disfrutó, aplaudió y escuchó con una serenidad y respeto que no se dispone en otros públicos del mundo, ruidosos y al límite de un comportamiento educado. La cortesía, en Francia es proverbial, también en las salas de concierto. Ni una tos, ni un suspiro.

Aunque hubo una cierta dificultad para llegar a Radio France (París se bloquea a menudo a diferentes horas del día), al entrar en Radio France, un edificio enorme, amplio, acristalado, aunque a la medida humana, se disipan las dudas, los inconvenientes. Apolíneo y dionisíaco a la vez, el ambiente reinante y el programa de la noche apaciguan a los espectadores y al entorno, lleno de una aparente despreocupación y ligereza que predisponen al goce y la escucha. Es como un ballet. El público, los acomodadores, todos, como de puntillas y disponibles. No hay roces, ni voces resonantes, ni desencuentros. Casi podría decirse que se roza la perfección. Voilà.

Alicia Perris

LUTO: POINT DE VUE : DISPARITION DU PAPE FRANÇOIS. FRANCESCO È MORTO, AVEVA 88 ANNI. L'ANNUNCIO DEL CARDINALE FARRELL: «ALLE 7.35 È TORNATO ALLA CASA DEL PADRE»

Disparition du pape François, au nom des pauvres du monde entier

Premier pape originaire d’Amérique du Sud, le primat argentin, qui vient de mourir à l’âge de 88 ans, avait mis sa personne au service des plus démunis de son pays puis du monde. Réformateur, il n’a pas hésité à bousculer les puissants dans leurs certitudes, mais aussi une Église catholique conservatrice, ébranlée par certains dossiers délicats.

Par Candice Dupret - 21 avril 2025, 10h13

Le pape François s'est éteint ce 21 avril 2025 l'âge de 88 ans © Uncredited / AP / SIPA

IN ITALIA

di Gian Guido Vecchi

Il Pontefice si trovava a Roma, a Casa Santa Marta, dove era stato trasferito dopo il ricovero al Gemelli. Aveva 88 anni

Papa Francesco è morto oggi, lunedì 21 aprile. Il Pontefice si trovava a Roma, a Casa Santa Marta, dove era stato trasferito dopo il ricovero al Gemelli. A dare la notizia il cardinale Farrell: «Alle 7.35 il Vescovo di Roma è tornato alla casa del Padre»

CITTÀ DEL VATICANO Isola di Sanciano, 3 dicembre 1552, poco dopo mezzanotte: in una capanna, vegliato da un amico cinese, Francesco Saverio, primo missionario gesuita, muore guardando la Cina, il sogno di una vita distante un paio di miglia marine. Roma, 31 luglio 2013, Chiesa del Gesù: sono passati poco più di quattro mesi da quando il conclave, il 13 marzo, ha eletto l’argentino Jorge Mario Bergoglio e Francesco, primo Papa gesuita della storia, celebra messa nella «chiesa madre» della Compagnia il giorno della festa del fondatore, sant’Ignazio di Loyola. 

«A me è sempre piaciuto pensare al tramonto del gesuita, quando un gesuita finisce la sua vita, quando tramonta», dice nell'omelia. E cita l’immagine di padre Francesco Saverio che muore guardando la Cina: «L’arte lo ha dipinto tante volte questo tramonto, questo finale di Saverio. Anche la letteratura, in quel bel pezzo di Pemán. Alla fine, senza niente, ma davanti al Signore. A me fa bene, pensare questo».

Il tramonto di Francesco, dopo 88 anni di vita e quasi dodici di pontificato, porta con sé la sensazione di qualcosa di irreversibile, la «rivoluzione della tenerezza» innescata dalla rinuncia di Benedetto XVI e compiuta da quel prete «callejero», di strada, figlio di emigrati piemontesi - il papà Mario ragioniere, impiegato nelle ferrovie, la madre Regina Sivori casalinga impegnata a tirar su cinque figli - cresciuto al 531 di calle Membrillar, nel barrio Flores di Buenos Aires, quartiere di italiani dove Alfredo Di Stefano, un signore del quale Pelè diceva «per me il più forte è stato lui», ricordava di averlo visto giocare a pallone con gli altri ragazzini. 

Il diploma da perito chimico, la vocazione, il seminario, e a ventun anni il noviziato della Compagnia a Cordoba, a settecento chilometri da Buenos Aires, accompagnato in bus dai genitori: anni difficili, perché dai gesuiti studiano molti figli di famiglie bene, ricche, e lui ne ricaverà un senso di solitudine e il risentimento per quella mentalità elitaria che definirà la «psicologia da principi».

Così all’inizio c’è già tutto. I confratelli cardinali, nella Sistina, sanno bene chi stanno votando. Bergoglio era già stato il nome dei «progressisti» nel conclave del 2005 che aveva eletto Ratzinger. Ma l’atmosfera cupa e asfittica che ha accompagnato lo scandalo Vatileaks, la necessità di una scossa che Benedetto XVI avverte per primo, decidendo di dimettersi, portano uno dei conclavi sulla carta più conservatori - gli elettori sono stati nominati quasi tutti da Wojtyla e Ratzinger - a scegliere quel cardinale che a Buenos Aires raggiungeva in bus i sobborghi della villas miserias, le famiglie di baraccati talvolta non sapevano che quel prete fosse l’arcivescovo.

Nelle riunioni dei cardinali prima del conclave, il 9 marzo, l’intervento del gesuita argentino già contiene il programma del pontificato: «La Chiesa è chiamata a uscire da se stessa e ad andare verso le periferie, non solo geografiche ma anche esistenziali», dice. La Chiesa aperta: «A volte penso che Gesù bussi da dentro, perché lo lasciamo uscire». 

Accetta l’elezione come un «peccatore » che confida «nella misericordia» di Dio, e lascia tutti senza fiato quando dice: «Vocabor Franciscus», mi chiamerò Francesco. Mai nessun pontefice aveva scelto il nome del santo di Assisi. «Non dimenticarti dei poveri», gli aveva detto il francescano Hummes, che gli sedeva accanto. Quattro giorni più tardi sarà lo stesso Papa, l’indice al petto, a raccontare: «Quella parola è entrata qui: i poveri, i poveri... Ho pensato subito a Francesco d’Assisi. Poi ho pensato alle guerre, e Francesco è l’uomo della pace. E così, è venuto il nome, nel mio cuore… Ah, come vorrei una Chiesa povera e per i poveri!».

La veste bianca, l’uscita dalla Sistina. Prova subito a chiamare Benedetto XVI ma a Castel Gandolfo non sentono la telefonata, si parleranno alle 20,45, ma intanto anche Ratzinger scopre come tutto il mondo il nuovo Papa che s’affaccia che dalla Loggia delle Benedizioni, «Voi sapete che il dovere del Conclave era di dare un Vescovo a Roma. Sembra che i miei fratelli Cardinali siano andati a prenderlo quasi alla fine del mondo, ma siamo qui».

Non era una battuta. È l’idea che fonda il suo magistero, quello che lui stesso ha definito «lo sguardo di Magellano», il grande navigatore portoghese che all’inizio del Cinquecento si propone di circumnavigare il globo e «quando arriva arriva alla fine del continente americano, guarda all’Europa dal nuovo punto raggiunto e capisce un’altra cosa», perché «la realtà si vede meglio dalla periferia che dal centro».

Così il Papa arrivato «quasi dalla fine del mondo» rovescia le prospettive, a cominciare dalla stessa figura papale. Resta a vivere nella camera 201 a Santa Marta, l’albergo vaticano che ospitava gli elettori, perché «non posso vivere da solo», e così cancella l’immagine da corte imperiale con pochi eletti ammessi all’Appartamento apostolico che gli pare «un imbuto rovesciato». Dopo una delle prime notti, all’alba vede una giovane guardia svizzera fuori dalla porta, «sei stato in piedi tutta la notte, figlio?», lo fa sedere e gli offre la colazione. Allergico al «si è sempre fatto così», spiega che «all’inizio sono caduti alcuni muri: “Il Papa non può!”» e va di persona nei negozi a cambiare occhiali o scarpe, si porta da sé il bagaglio a mano, si stupisce dello stupore, «dobbiamo cercare di essere normali, la normalità della vita».

E poi, i viaggi, cuore del suo magistero. Da una parte ci sono le grandi sfide: il dialogo con la Cina e l’ «accordo provvisorio» sottoscritto dal 2018 per la nomina dei vescovi; l’amicizia con l’Islam e il «Documento sulla fratellanza umana» firmato nel 2019 a Dubai con il Grande imam di Al Azhar Ahmad Al-Tayyeb, massima autorità sunnita; il viaggio in Iraq del 2021, primo Papa nella terra di Abramo, e l’incontro con il grande ayatollah Ali Al-Sistani, leader sciita; l’avvicinamento col mondo ortodosso e il primo, storico incontro tra un Papa e il patriarca di Mosca, Kirill, il 12 febbraio 2016.

Dall’altra, le periferie. Francesco dà voce e visibilità agli ultimi della Terra, gli «scartati», come un faro proiettato, almeno per qualche giorno, sulle vicende di popoli che non interessano a nessuno, oscurati dalla comunicazione globale. Bisognava vederlo, in Bangladesh, mentre chiedeva «scusa» a nome di tutto il mondo ai Rohingya, alla donna musulmana che gli diceva piangendo: «Vorrei mostrare il mio dolore al capo dei cristiani» . 

O tra i Mapuche e gli indios dell’Amazzonia: «Dobbiamo lasciare da parte la logica di credere che ci siano culture superiori o inferiori». Il primo viaggio lo compie a sorpresa tra i migranti a Lampedusa, al centro del Mediterraneo divenuto «un grande cimitero», per denunciare la «globalizzazione dell’indifferenza» e i troppi «muri» destinati a crollare, come ripeterà a Lesbo, Cipro, Malta, «i ponti sono sempre soluzioni, i muri mai».

Nella sua terza enciclica, Fratelli tutti , aveva scelto un verso di Virgilio, «Sunt lacrimae rerum et mentem mortalia tangunt», per dire con Enea il dolore delle cose e delle vicende umane che toccano la mente e il cuore. Perché è «la realtà stessa che geme e si ribella», in un mondo nel quale in un mondo nel quale «tutto è connesso»: la devastazione dell’ambiente, l’iniquità dell’economia e la «cultura dello scarto» a danno degli ultimi, la tragedia delle migrazioni e la «terza guerra mondiale combattuta a pezzi».

Certo, ci sono le riforme «strutturali» avviate o compiute, dalle finanze vaticane alla Curia romana, un impulso al decentramento della Chiesa che si riflette nella centralità del Sinodo dei vescovi mondiali sulle questioni più delicate e nella nomina di un «Consiglio» del Papa composto da un gruppo di cardinali da tutti continenti, le nomine cardinalizie che premiano piccole realtà periferiche a scapito delle sedi storiche, un conclave sempre meno eurocentrico e occidentale e sempre più rappresentativo del Sud del mondo.

Ma l’aspetto centrale resta il ritorno all’essenziale del cristianesimo, «le Beatitudini e il capitolo 25 del Vangelo di Matteo, li c’è tutto», l’atteggiamento che nel giorno del Giudizio distinguerà i giusti dai dannati: «Ho avuto fame e mi avete dato da mangiare, ho avuto sete e mi avete dato da bere, ero straniero e mi avete accolto, nudo e mi avete vestito, malato e mi avete visitato, ero in carcere e siete venuti a trovarmi». Il kerygma, il Vangelo sine glossa, in purezza. 

Di ritorno dal primo viaggio internazionale, la Giornata mondiale della gioventù di Rio de Janeiro, i giornalisti in volo gli chiedono se in Vaticano esista la «lobby gay» di cui si era parlato, e lui spiega tranquillo: «Si deve distinguere il fatto che una persona sia gay dal fatto di fare una lobby. Se è lobby, tutte le lobby non sono buone. Ma se una persona è gay e cerca il Signore e ha buona volontà, chi sono io per giudicare?».

Tutto questo senza peraltro cedere nulla sulle prerogative del Papa, com’è peraltro ovvio per un gesuita, un pontefice talvolta brusco con i collaboratori e, nel caso, duro: prosegue la «tolleranza zero» di Ratzinger sulla pedofilia e arriva a togliere la porpora all’ex cardinale di Washington, Theodore McCarrick (l’unico precedente risaliva al 1927), così come toglie «le prerogative del cardinalato» al cardinale Angelo Becciu perché sia processato per lo scandalo degli investimenti finanziari della Segreteria di Stato.

Di nemici ne ha tanti, soprattutto nella destra cattolica degli Stati Uniti e nelle frange più reazionarie che cercano di contrapporlo a Benedetto XVI, ma Francesco liquida i timori di uno scisma («ce ne sono stati tanti, nella storia della Chiesa») e non replica: «Con le persone che cercano solo divisione scandalo, l’unica risposta è il silenzio di Gesù. Con Satana non si dialoga».

Dietro la semplicità apparente, i riferimenti di Francesco sono sottili, nascosti. Nel greco dei Vangeli, il verbo che indica la compassione di Gesù è splanchnízomai e viene da splánchna , l’«utero» o le «viscere» della madre. Toccare le ferite, il dolore. Le viscere materne della misericordia. Il 18 gennaio 2015 celebra a Manila una messa davanti a sei milioni persone, «il più grande avvenimento nella storia dei papi», fa notare padre Lombardi. 

Ma nella memoria resta il volo nelle tempesta verso Tacoblan, un’isola devastata dal tifone Yolanda, la messa sotto la pioggia davanti ai sopravvissuti, e Francesco che guarda i volti in lacrime di chi ha perso tutto, figli, amori, case, soppesa l’omelia già scritta, lascia perdere i fogli: «Io non so che cosa dirvi. Il Signore sì, sa che cosa dirvi», e dice, a braccio, una delle omelie più belle del pontificato.

Raccontava che il primo annuncio cristiano lo aveva ricevuto da una donna, Rosa, la nonna paterna, e per questo amava la poesia che Friedrich Hölderlin aveva dedicato alla sua, ne sillabava i versi, «che l’uomo mantenga quel che il fanciullo ha promesso». Francesco lo ha mantenuto. E pazienza se anche lui, tramontando, non è riuscito ad andare in Cina. 

Dopo la morte di Francesco Saverio, fu il missionario gesuita Matteo Ricci a compiere il sogno del confratello, il 7 agosto 1582, sbarcando trentenne da un galeone portoghese nella colonia di Macao. Perché «il tempo è superiore allo spazio» e l’essenziale è «aprire processi». Il resto verrà: «Dio ci “primerea”, ci anticipa, sempre».

https://roma.corriere.it/notizie/cronaca/25_aprile_21/e-morto-papa-francesco-c4543ec5-9b12-4043-bdb5-139c4e969xlk.shtml