a cura di Francesca Cappelletti e Lucia Simonato
14 novembre 2023 – 18 febbraio 2024
Dal 14 novembre con la mostra Il tocco di Pigmalione. Rubens e la
scultura a Roma, a cura di Francesca Cappelletti e Lucia Simonato, la Galleria
Borghese inaugura la seconda tappa di RUBENS!
La nascita di una pittura
europea, un grande progetto realizzato in collaborazione con Fondazione Palazzo
Te e Palazzo Ducale di Mantova che racconta i rapporti tra la cultura italiana
e l’Europa attraverso gli occhi del Maestro della pittura barocca, e si
inserisce anche in una più ampia ricerca della Galleria dedicata ai momenti in
cui Roma è stata, all’inizio del Seicento, una città cosmopolita.
Con oltre 50 opere provenienti dai più importanti musei al mondo –
tra cui il British Museum, il Louvre, il Met, la Morgan Library, la National
Gallery di Londra, la National Gallery di Washington, il Prado, il Rijksmusem
di Amsterdam, solo per citare alcuni – la mostra è divisa in 8 sezioni.
Il
tocco di Pigmalione sottolinea il contributo straordinario di Rubens, alle
soglie del Barocco, a una nuova concezione dell’antico e dei concetti di
naturale e di imitazione, mettendo a fuoco la novità dirompente del suo stile e
come lo studio dei modelli costituisca un’ulteriore possibilità per un nuovo
mondo di immagini.
Per questo la mostra tiene conto non solo delle opere
italiane che documentano lo studio appassionato e libero dagli esempi antichi,
ma anche della sua capacità di rileggere esempi rinascimentali e confrontarsi
con i contemporanei, approfondendo aspetti e generi nuovi.
“Calamita per gli artisti del Nord Europa fin dal Cinquecento, la
Roma di Rubens, fra i pontificati Aldobrandini e Borghese, è il luogo dove
studiare ancora l’antico, di cui si cominciano a conoscere i capolavori della
pittura, con il ritrovamento nel 1601 delle Nozze Aldobrandini – sottolinea
Francesca Cappelletti, Direttrice Galleria Borghese e curatrice della mostra –.
È il momento della Galleria Farnese di Annibale Carracci e della cappella
Contarelli di Caravaggio, di cui si stordisce una generazione. Attraverso gli
occhi di un giovane pittore straniero come Peter Paul Rubens guardiamo ancora
una volta all’esperienza dell’altrove, cerchiamo di ricostruire il ruolo del
collezionismo, e della collezione Borghese in particolare, come motore del
nuovo linguaggio del naturalismo europeo, che unisce le ricerche di pittori e
scultori nei primi decenni del secolo.”
Nel corso del Seicento Peter Paul Rubens viene considerato dai
contemporanei, l’erudito francese Claude Fabri de Peiresc e altri letterati
della République de Lettres, uno dei più grandi conoscitori di antichità
romane: nulla sembra sfuggire alla sua capacità di osservazione e al suo
desiderio di interpretare gli antichi maestri, e i suoi disegni rendono
vibranti le opere che studia, aggiungendo movimento e sentimento ai gesti e
alle espressioni.
Rubens mette in atto nelle storie quel processo di vivificazione
del soggetto che utilizza nel ritratto. In questo modo marmi, rilievi ed esempi
celebri di pittura rinascimentale escono ravvivati dal suo pennello, come anche
le vestigia del mondo antico. Un caso esemplare è quello della famosa statua
dello Spinario che Rubens disegna, a sanguigna, e poi con carboncino rosso,
riprendendo la posa da due punti di vista diversi.
In questo modo il disegno
sembra eseguito da un modello vivente invece che da una statua, tanto da far
immaginare ad alcuni studiosi che il pittore abbia utilizzato un ragazzo
atteggiato come la scultura. Questo processo di animazione dell’antico, per
quanto eseguito nel primo decennio del secolo, sembra anticipare le mosse di
artisti che, nei decenni successivi al suo passaggio romano, verranno definiti
barocchi.
Come le intuizioni formali e iconografiche di Rubens filtrino nel
ricco e variegato mondo romano degli anni Venti del Seicento è un problema che
non è stato ancora affrontato in modo sistematico dagli studi.
La presenza in città di pittori e scultori che si erano formati con
lui ad Anversa, come Van Dyck e Georg Petel, o che erano entrati in contatto
con le sue opere nel corso della formazione, come Duquesnoy e Sandrart, garantì
di certo l’accessibilità dei suoi modelli a una generazione di artisti italiani
ormai abituati a confrontarsi con l’Antico alla luce dei contemporanei esempi
pittorici e sulla base di un rinnovato studio della Natura.
Tra tutti, Bernini:
i suoi gruppi borghesiani, realizzati negli anni Venti, rileggono celebri
statue antiche, come l’Apollo del Belvedere, per donare loro movimento e
traducono in carne il marmo, come avviene nel Ratto di Proserpina.
“In questa sfida tra le due arti, Rubens dovette apparire a Bernini
come il campione di un linguaggio pittorico estremo, con cui confrontarsi: per
lo studio intenso della natura e per la raffigurazione del moto e dei ‘cavalli
in levade’ suggeriti dalla grafica vinciana, che sarebbero stati affrontati
anche dallo scultore napoletano nei suoi marmi senili con la stessa leonardesca
“furia del pennello” riconosciuta da Bellori al maestro di Anversa.
Infine
anche per i suoi ritratti, dove l’effigiato cerca il dialogo con lo spettatore,
proprio come accadrà nei busti di Bernini per i quali è stata coniata la felice
espressione di speaking likeness”, afferma Lucia Simonato, curatrice della
mostra.
La mostra Il tocco di Pigmalione cerca di illuminare il controverso
rapporto fra i capolavori berniniani e il naturalismo rubensiano, così come lo
furono altre sculture giovanili dell’artista, come la Carità vaticana nella
Tomba di Urbano VIII, già giudicata dai viaggiatori europei del tardo
Settecento ‘una balia fiamminga’.
In questo contesto figurativo, la tempestiva circolazione di
stampe, tratte da prove grafiche rubensiane, accelerò il dialogo per tutti gli
anni Trenta del Seicento sollecitando operazioni editoriali come la Galleria
Giustiniana, dove le statue antiche prendono ormai definitivamente vita,
secondo un effetto già definito Pigmalione dalla critica.
https://galleriaborghese.beniculturali.it/exhibition/il-tocco-di-pigmalione-rubens-e-la-scultura-a-roma/
