Cuando me ofrecieron hacer un programa sobre Pierre
Boulez en Radio Clásica, mientras salía un momento de una clase de francés
que daba en Bachillerato, fue como un shock: era una gran oportunidad, pero me
corrió un escalofrío por la espalda.
Había que concebir de cero una emisión de un compositor
francés, del que no se había hablado en Radio Clásica (RNE) e iban a ser unos
cuantos capítulos (el resultado fueron 17, un número raro).
Efectivamente, era un desafío y se me ocurrió pensar que se
podría organizar su música en torno a compositores afines al músico francés, o
bien con entrevistas a destacados integrantes del panorama artístico español o
internacional.
Por toda la propuesta desfilaron compositores y directores
de orquestra como Tomás Marco, Ramón Encinar, Pablo Heras-Casado, muy
vinculado al maestro Boulez que, o había dirigido sus obras o estaban
relacionados en una esfera colindante.
Entre autores más o menos conocidos y escuchados en
audiciones en salas de concierto o los conservatorios, otros inesperados,
incluso espectáculos teatrales como el ecuestre de los caballos del francés Bartabas,
que dio como resultado un planteamiento en la radio de lo más curioso.
Quedaron en el tintero el de Patrice Chéreau, famoso
y consagrado director cinematográfico de tantas películas, obras de teatro y
óperas wagnerianas y otras, o una entrevista ad hoc en berlín con Daniel
Barenboim (ya concertada) o con el director de La Seine musicale en
París, también ya apalabrada.
En pleno verano, con todos de vacaciones, grababa los
programas en horarios que nadie quería, con calor y fue difícil y complicado
conseguir el material para tantas emisiones. Hasta el Goethe Institut,
antes de irse de vacaciones, contribuyó a la bibliografía para Boulez (son
claras las implicaciones de la persona Boulez y su obra con el mundo alemán).
Siempre tuve claro que este creador, como demuestra ahora la
traducción que realiza la Editorial Acantilado entre una vorágine literaria de
traducciones y libros en cascada, fue un renacentista, un humanista global, que
buceó en todas las vetas artísticas y humanas donde pudo descubrir esos tesoros
que emergían de una sensibilidad y un cerebro privilegiados.
Y esa personalidad tan polifacética y fecunda me pareció a
la vez una oportunidad y un descubrimiento, que terminó con la incorporación al
corpus bouleziano de una búsqueda de correlaciones entre la música y la
creación en otras artes.
Fruto de esta concepción tan antigua como el mundo pero
igual de olvidada por épocas, fue la entrevista con Guillermo Solana, el
director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
Podría comentar mil anécdotas sobre los días de 14 horas de
trabajo y un baño entre la catatonia y
la sobreexcitación (Boulez también era paradójico) de madrugada en la piscina
para volver a empezar, temprano, al día siguiente, porque se hacían dos
emisiones semanales en primer time (de 12 a 13) los sábados y domingos. Lo que
se escuchaba en dos horas, llevaba detrás un esfuerzo ingente.
Valió la pena. Fue duro, conflictivo y desigual. Pero lo
sigo considerando un regalo y una experiencia única. Nadie como yo podría
recomendar más este nuevo libro sobre la obra de Pierre Boulez, el incansable,
el sorprendente maestro entre el afrancesamiento y el más puro germanismo
electivo. EL compositor falleció muy poco después de finalizar “Constelación
Boulez” en Radio Clásica.
Alicia Perris
Nota bene: los podcasts de estos 17 programas están
siempre disponibles en los fondos de Radio Clásica y son fácilmente
localizables. Ideal para fans de siempre y nuevos descubridores del maestro.
“EL PAÍS FÉRTIL. PAUL KLEE” (Pierre Boulez). Traducción
de José María Sánchez Verdú
16 de octubre en librerías
Editorial Acantilado
Información sobre el libro de la editorial
«Toda una declaración de amor a Klee, este libro pone de
relieve la gran influencia del pintor, cuya clarividencia sigue resultando
fructífera a músicos y artistas por igual»
Res Musica
Pierre Boulez descubrió a Paul Klee en 1947,
durante el primer Festival de Aviñón, y el posterior contacto con su
obra y sus escritos no hizo sino reforzar su fascinación por el artista, cuyo
método y reflexiones parecían reflejar sus propias inquietudes. Este libro es
el testimonio de esta profunda y persistente admiración: dejando a un lado los
lugares comunes sobre la influencia de la música en la obra de Klee, Boulez
ofrece al lector un enriquecedor análisis de los diferentes enfoques teóricos
que acompañan el proceso creativo en diversas artes y que pueden resultar
provechosos a otros artistas. Una inestimable lección magistral que trasciende
épocas y disciplinas, ilustrada con más de sesenta ejemplos de la fascinante
obra del pintor.
Pierre Boulez (Montbrison, 1925 – Baden-Baden, 2016)
fue un reconocido director de orquesta, compositor y teórico de la música
francés. Tras licenciarse en Matemáticas, estudió en el Conservatorio de
París con el compositor y organista Olivier Messiaen, discípulo de Schönberg.
Impartió clase en el Collège de France y fue director de la Orquesta
Filarmónica de Nueva York y de la Orquesta Sinfónica de la BBC.
Publicó asimismo numerosos ensayos, entre los que se cuentan, además del
presente volumen, Pensar la música hoy (1963), Puntos de referencia (1981) y
Las neuronas encantadas. El cerebro y la música (2014).
#LetsBaRock es el nuevo y sorprendente proyecto artístico de
Jakub Józef Orliński y Aleksander Dębicz, un álbum compuesto por
"covers-versiones" de piezas barrocas, anclándolas en el siglo XXI.
En palabras de Aleksander Dębicz: "En nuestra versión, las piezas barrocas
suenan decididamente modernas, pero conservan su carácter, aunque hayamos
cambiado algunos acentos.
Por ejemplo,
"Oblivion", basada en "Oblivion soave" de L'Incoronazione
di Poppea de Monteverdi, sigue siendo una especie de canción de cuna, pero en
nuestra versión tiene las cualidades de un tema de club onírico y de
trance."
Para la grabación de
este álbum se han rodeado de músicos estupendos de la escena pop polaca como:
Marcin Ułanowski (batería) y Wojciech Gumiński (bajo), con los que han
desarrollado un sonido único del "nuevo barroco". Aleksander Dębicz
ha estado a cargo de los arreglos y ha compuesto 3 obras originales. Además, el
repertorio cuenta con obras muy queridas de grandes compositores como Purcell,
Monteverdi, Vivaldi, Handel. Tracklist: Aleksander Dębicz 1.
Intro Francesco
Nicola Fago 2. Alla Gente, after “Alla Gente a Dio diletta”, from Il Faraone
Sommerso Henry Purcell 3. Strike The Viol, after “Strike the viol, touch the
lute” from Come Ye Sons of Art Z.323 (Ode for Queen Mary's Birthday) 4. Fairest
Isle, after “Fairest Isle”, from King Arthur Z.628 Claudio Monteverdi 5.
Oblivion, after “Oblivion soave”, from L’incoronazione di Poppea SV 308 Henry
Purcell 6. Sound the Trumpet, after “Sound the trumpet”, from Come Ye Sons of
Art Z.323 (Ode for Queen Mary's Birthday) Georg Friedrich Handel 7. Pena
Tiranna, after “Pena tiranna io sento al core”, from Amadigi di Gaula HWV 11
Aleksander Dębicz 8. Toccata 1 Henry Purcell 9.
Music For a While, after “Music for a While”, from the
Incidental music to Oedipus Z.583 Claudio Monteverdi 10. Zefiro Torna, after
Zefiro Torna e di soave accenti - Scherzi Musicali SV 251 Antonio Vivaldi 11.
Vedrò, after “Vedrò con mio diletto”, from Il Giustino RV 717 Aleksander Dębicz
12. Finale Piotr Banach 13. Moja i Twoja Nadzieja
Comisario Clément Chéroux, director de la Fondation Henri
Cartier-Bresson.
Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025
La obra de Arthur H. Fellig, Weegge (Zólochiv, Ucrania
1899-Nueva York, 1968), encierra en cierto sentido un enigma que esta
exposición pretende desentrañar. Sus fotografías del hampa y los círculos
marginales de la noche neoyorquina de los años 1930 y 1940 alcanzaron en
seguida un amplio reconocimiento internacional.
Pero no ocurrió lo
mismo con las fotografías que realizó tras instalarse en Hollywood en 1948:
imágenes de la alta sociedad californiana y la vida social de las grandes
celebridades del cine, a quienes retrata de forma casi siempre marcadamente
irónica o satírica, a veces (es el caso las “fotocaricaturas”) como resultado
de su trabajo posterior en el laboratorio.
En su momento, la
crítica recalcó la radical oposición entre uno y otro periodo, en un juicio que
abiertamente ensalzaba al primero y desdeñaba las imágenes del segundo. En esas
fotografías de su experiencia californiana (1948-1951)
Weege expresaba su
visión crítica de la sociedad y la cultura desde una perspectiva que se
adelantaba a los conocidos análisis culturales y sociales en torno “la sociedad
del espectáculo” (Guy Debord).
Weegee. Autopsia del espectáculo pretende mostrar la
profunda coherencia que, más allá de sus diferencias estilísticas y temáticas,
enlaza esas dos etapas, así como poner de relieve la actualidad de la mirada
crítica desde la que las imágenes de Weegee muestran los rasgos y mecanismos de
nuestro tiempo como “sociedad del espectáculo”.
Arthur H. Fellig (Zolochiv, 1899- Nueva York, 1968),
conocido bajo el seudónimo de Weegee, alcanzó un amplio reconocimiento
internacional por sus fotografías del hampa y los círculos marginales de la
noche neoyorquina de los años 1930 y 1940. En 1948, tras instalarse en
Hollywood, empezó a fotografiar a la alta sociedad californiana y la vida
social de las grandes celebridades del cine, a quienes retrató de forma casi
siempre marcadamente irónica o satírica.
La exposición organizada por Fundación
MAPFRE, cuyas obras se recogen en este catálogo, se centra en este periodo en
el que la obra de Weegee no se valoró como merecía, con el objetivo de mostrar
la coherencia del conjunto de su trabajo.
Además de galerista y coleccionista, Paul Durand-Ruel
(París, 1831-1922) fue uno de los marchantes más relevantes de la escena
cultural francesa que dedicó gran parte de su vida a la protección y defensa
del arte moderno.
En esta publicación, además de una introducción a la figura
de Paul Durand-Ruel y sus innovadores métodos de trabajo (compra en bloque de
la producción de los artistas, mensualización de sus ingresos y apoyo en las
subastas y a través de la organización de exposiciones individuales y colectivas
en sus galerías), se aborda la relación profesional y personal con los cinco
creadores protagonistas: Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges
d’Espagnat y Albert Andrè.
En 1865, Paul Durand-Ruel (1831-1922) se hizo cargo de la
galería que había fundado su padre Jean. Con los años, se convirtió en uno de
los marchantes más conocidos de París. Dedicó gran parte de su vida a la
protección y defensa del arte moderno frente a aquellos que abogaban por una
pintura de carácter académico.
Durand-Ruel apoyó primero a pintores como Eugène Delacroix y
Gustave Courbet, así como a la llamada «Escuela de Barbizon» (Camille Corot,
Charles-François Daubigny o Jean-François Millet, entre otros), para emprender
poco después su empresa más afamada: la promoción de los artistas
impresionistas, entre ellos, Claude Monet, Auguste Renoir y Camille Pissarro.
En la última década del siglo XIX Durand-Ruel se embarcó en una nueva (y menos
conocida) aventura: dar apoyo y difusión a una nueva generación de pintores, la
formada por Albert André, Georges d’Espagnat, Gustave Loiseau, Maxime Maufra y
Henry Moret.
Herederos del impresionismo, trabajaron en un contexto
artístico agitado y estimulante, en que convivían las personales propuestas de
Van Gogh y Cézanne, la experimentación neoimpresionista de Georges Seurat y
Paul Signac o las investigaciones sintetistas de Paul Gauguin.
Aunque han sido
tradicionalmente catalogados como ‘generación postimpresionista’, su obra
muestra diversas tendencias, desde la afinidad al impresionismo de los
paisajistas Moret, Maufre y Loiseau a la preferencia por las escenas de género,
los retratos y la pintura decorativa de D’Espagnat y André.
Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo
quiere, por un lado, dar a conocer la figura de este extraordinario marchante y
mecenas; por otro, contextualizar y poner en valor la obra de los cinco
artistas “postimpresionistas” por los que apostó y otorgarles el puesto que
merecen en la historia del arte.
Patricia Mayayo, comisaria de ‘31 mujeres. Una exposición de
Peggy Guggenheim’
Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025
Conoce la exposición de 31 Mujeres organizada por Peggy
Guggenheim
¿Qué lugar ocupaban las mujeres artistas en las corrientes
vanguardistas del siglo XX como el dadaísmo o el surrealismo? Frecuentemente,
su trabajo quedaba silenciado por las trayectorias de sus propias parejas,
también artistas.
La célebre coleccionista de arte Peggy Guggenheim quiso
cambiar esa situación y para ello organizó en su galería neoyorkina “Art of
This Century” la muestra Exhibition by 31 Women (1943). Nacía así una de las
primeras exposiciones en Estados Unidos, y en el mundo, en la que se exponían
obras realizadas exclusivamente por mujeres, europeas y norteamericanas.
31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim es un
reconocimiento a su labor de mecenazgo y un homenaje al trabajo de las 31
mujeres a las que dedicó esta histórica exposición.
Mujeres artistas que transformaron la historia del arte
Si algo caracterizó a las creadoras que participaron en The
31 Women Collection fue su necesidad de escapar de la etiqueta de “mujer
artista” que, en aquel periodo, suponía un cliché cargado de limitantes
tópicos.
La actitud de estas mujeres ante la vida era toda una
declaración de principios en contra de las expectativas sociales y de los roles
de género que dictaba la ideología burguesa. Rebeldes, independientes y
comprometidas, cada una de ellas supo cuestionar y evidenciar los presupuestos
patriarcales en los que se asentaban movimientos como el surrealismo y el
expresionismo abstracto.
Fechas, obras y mujeres artistas en la exposición
Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025, la exposición
sobre Peggy Guggenheim y su exposición de 31 mujeres de Fundación MAPFRE
rememorará la histórica muestra organizada por esta mujer, coleccionista y
mecenas, en 1943. Algunas de las obras que el público podrá admirar en Madrid
son:
¡Olvidada, como este paraguas a tu lado estoy, infiel
Berenice! (1923-1924), de la artista alemana Elsa von Freytag-Loringhoven. Elsa
fue la primera artista del Dadaísmo. Esculpía, escribía poesía vanguardista -en
ocasiones ilustrada con dibujos- y realizaba performances callejeras.
Mujer con armadura I (1938), de la argentina Leonor Fini.
Esta artista fue prácticamente autodidacta y a través de la pintura, el teatro,
las ilustraciones para libros y el diseño de objetos y vestuario, exploró lo
masculino y lo femenino, el dominio y la sumisión, el erotismo y el humor.
Juno y Vulcano (1936), de la artista serbia Milena
Pavlovic-Barilli. Su obra es muy variada y abarca desde retratos a
interpretaciones imaginativas de historias bíblicas. Las temáticas a menudo
incluyen situaciones de ensueño, velos, ángeles y estatuas de la diosa Venus.
Los catorce puñales (1942), de Kay Sage. Formas ovales,
geométricas, paisajes desiertos y formas humanas envueltas en telas drapeadas,
composiciones resueltas en líneas diagonales… las creaciones surrealistas de
Kay Sage son tan subyugantes como enormemente desconocidas.
La Vía Media/La Gran Madre gobierna el cielo de Buffie
Johnson; Espera de espuma de Sonja Sekula; Roxbury, astros, de Jacqueline
Lamba; Día gris, de Aline Meyer Liebman; o Costumbres españolas, de Dorothea
Tanning, son algunas de las muchas obras que se exponen en Fundación
MAPFRE.
Peggy Guggenheim: el impulso a las mujeres en el arte
Peggy Guggenheim fue una apasionada defensora de las mujeres
en el arte, un ámbito que, tradicionalmente, les había cerrado sus puertas. El
hecho de incluir en su colección obras de mujeres pintoras ayudó a visibilizar
y a cambiar la percepción que se tenía del talento artístico femenino.
Peggy
Guggenheim fomentó las redes de colaboración, la solidaridad y la amistad entre
muchas artistas de la época que, hasta entonces, no habían tenido la
oportunidad de mostrar su trabajo o de compartir sus inquietudes artísticas en
público debido a las convenciones sociales.
La colección Peggy Guggenheim
Ubicada en el Palacio Venier dei Leoni en Venecia, la
colección Peggy Guggenheim es una cita obligada para todos los amantes del
arte. Con más de 300 obras, incluyendo pinturas, dibujos y esculturas, la
colección abarca una amplia gama de movimientos artísticos -desde el
surrealismo hasta el arte abstracto-, y refleja su pasión y compromiso con la
vanguardia y las nuevas formas de expresión, así como el desafío de las
convenciones.
El museo, inaugurado en 1951 a orillas del Gran Canal,
también ofrece una mirada a la propia vida de Peggy y su estilo de vida
bohemio, adelantado a su tiempo. Pasión, creatividad y valentía vertebran este
espacio que exhibe grandes obras maestras de genios como Ernst, Dalí, Mondrian,
Giacometti, Pollock o Masson.
La influencia de Peggy Guggenheim en el arte moderno
Como coleccionista, Peggy Guggenheim no sólo contribuyó a
visibilizar el talento femenino artístico del siglo XX, sino que bajo su
mecenazgo también impulsó la obra de artistas tan destacados como Jackson
Pollock, Salvador Dalí y Max Ernst. Muchos artistas emergentes de la época,
especialmente surrealistas y expresionistas, encontraron en ella compresión,
apoyo financiero y un inigualable escaparate para mostrar su obra.
Este espíritu perdura aún en nuestros días: su museo en
Venecia, sede de la Fundación Peggy Guggenheim, es un destacado centro de arte
contemporáneo encargado de preservar y exhibir creaciones que reflejan esta
visión innovadora y el compromiso con la vanguardia artística.
La mujer en la historia del arte: obras y artistas que
dejaron huella
El papel de la mujer en la historia del arte no ha sido, ni
mucho menos, fácil. Su camino ha estado marcado por barreras significativas
contra las que muchas artistas mujeres han luchado, desafiando normas
culturales y sociales que negaban su voz y su forma de entender y representar
el mundo:
Sofonisba Anguissola fue una destacada artista del
Renacimiento, nacida en Italia en 1532. Su vida y obra son un testimonio de la
lucha por la igualdad en el arte. Su talento y perseverancia la llevaron a
destacar y ser reconocida hasta convertirse en la pintora de la corte del rey
Felipe II.
Artemisia Gentileschi, una pintora del siglo XVII, es una
destacada representante de resistencia femenina. Gentileschi, que sufrió una
violación y luchó por su reconocimiento en un entorno hostil, utilizó su arte
para expresar y tratar de aliviar su dolor. Además de un ejemplo magistral del
tenebrismo, su obra es ya un símbolo de la lucha de las mujeres en el arte.
Berthe Morisot, artista francesa del siglo XIX, se convirtió
en una figura clave del impresionismo aportando una perspectiva única sobre la
vida cotidiana e íntima de la mujer. Fue la primera en unirse al grupo
impresionista y su estilo, caracterizado por pinceladas sueltas y una paleta
suave, influyó en muchos de sus contemporáneos.
Frida Kahlo, artista del siglo XX, es un gran ejemplo de
cómo el arte puede ser un medio para expresar el dolor desde una perspectiva
femenina. Convertida en un ícono feminista, su obra ha inspirado a muchas
mujeres a la hora de explorar su propia identidad a través del arte.
Georgia O’Keeffe, famosa por sus representaciones de flores
y paisajes del suroeste estadounidense, desafió las convenciones de género al
convertirse en una de las primeras artistas en ser reconocidas en el ámbito del
arte moderno.
Mujeres en las artes visuales: escultura, pintura y más
Más allá de la estética, el arte es un vehículo de expresión
y una poderosa herramienta de cambio. La historia de las mujeres en el ámbito
de las artes visuales así lo demuestra: muchas artistas han utilizado su
creatividad, no solo para expresar su visión del mundo, sino también para
desafiar las normas establecidas y reivindicar su lugar en una sociedad que a
menudo las ha silenciado.
Desde las pintoras renacentistas que lucharon por ser
reconocidas en un campo dominado por hombres, pasando por las mujeres artistas
revolucionarias en la historia del arte, hasta las artistas surrealistas y las
creadoras contemporáneas que abordan temas de identidad, género y justicia
social, el arte femenino ha sido un grito de resistencia. Con cada cuadro,
dibujo, escultura o performance, estas mujeres artistas han dado un paso al
frente para visibilizar luchas a menudo ignoradas. En definitiva, un acto de
valentía para provocar una reacción y lograr cambios en la sociedad.
Obras más icónicas de la historia
Más allá de la maestría artística, cada una de ellas
refleja, además, la necesidad de expresar un sentimiento que la sociedad
trataba de acallar. Esta es una selección de algunas de las obras más icónicas
de las mujeres en las artes visuales:
“Autorretrato”, Sofonisba Anguissola: con la cabeza alta,
Sofonisba sostiene la mirada desafiando a un mundo que en el siglo XVI no veía
con buenos ojos que una mujer se dedicara al arte. Además, la autora se
autorretrata pintando un cuadro de temática religiosa. Todo un “escándalo” para
la época.
“Judith y Holofernes”, de Artemisia Gentileschi no sólo es
un ejemplo magistral del tenebrismo, sino que también es una poderosa
representación de la resistencia femenina. Víctima de una violación, a través
de este cuadro Artemisia Gentileschi desahogó su ira, ya que el violador nunca
fue castigado y ella fue sometida a un denigrante juicio público.
“Retablo nº1”, de Hilma Af Klimt. Cuando pensamos en arte
abstracto se nos viene a la cabeza el nombre de Wassily Kandinsky, pero la
realidad es que fue esta artista sueca la que inauguró esta corriente. Gran
incomprendida, Af Klimt mantuvo su trabajo en secreto, y este sólo pudo ser
conocido a partir de 1986, veinte años después de su muerte. Aún así, la
historiografía oficial no acepta que una mujer fuera la creadora del arte
abstracto.
“Autorretrato en un Bugatti verde”, de Tamara de Lempicka,
todo un símbolo del Art Déco y un referente para el feminismo, ya que la
intensa mirada de la propia artista desafía el mundo masculino en el que vive.
“Un día de verano”, de Berthe Morisot. Una de las cinco
pintoras que consiguieron entrar en el exclusivo círculo de los impresionistas.
La armonía de la composición, la bella luz, la delicadeza de la imagen y la
frescura del resultado son algunos de los rasgos de un cuadro que muestra
pinceladas tan gruesas como libres.
“Lirio blanco nº7”, de Georgia O’Keeffe. La conocida como
“madre del arte moderno estadounidense”, O’Keeffe fue conocida sobre todo por
sus pinturas de gran formato de formas naturales, especialmente flores y
huesos, y por sus representaciones de rascacielos de Nueva York. Creadora de un
estilo propio, su espíritu independiente abrió muchas puertas a muchas artistas
inspiradas por su obra.
El arte feminista: mujeres rompiendo barreras en el siglo XX
Aunque el concepto de arte feminista podría aplicarse a
muchas pintoras famosas de la historia, el verdadero movimiento reivindicativo
del papel de la mujer en la historia del arte comienza en los años 60 poniendo
de manifiesto las desigualdades de género y la injusticia del sistema
patriarcal.
No había tiempo que perder, por lo que no había espacio para
la sutilidad en sus creaciones. De ahí que estas pintoras hablaran sin tapujos,
de manera transparente en sus obras -a veces de forma descarnada-, llevando al
debate datos, hechos, nombres y realidades a transformar.
Qué es el arte feminista y su evolución histórica
Conforme avanza el siglo XX, el movimiento feminista de los
años 60 y 70 impulsa a muchas artistas a cuestionar las representaciones de la
mujer en el arte y la sociedad.
Las mujeres artistas querían obtener los mismos
derechos que los hombres dentro del mundo del arte establecido.
Esta exigencia de igualdad en la representación fue
introducida en la Art Workers’ Coalition’s (AWC) Statement of Demands, una
declaración que se desarrolló en 1969 y que instó a los museos a que la entrada
fuera gratuita, horarios más amplios, mejor representación de las minorías
étnicas y una exigencia para que alentaran a las artistas femeninas a superar
siglos de daño causado a la imagen de la mujer como artista estableciendo una
representación equitativa de los sexos en las exposiciones, las compras en
museos y en los comités de selección.
Artistas feministas que definieron el movimiento del siglo
XX
Aunque se considera que Louise Bourgeois y Eva Hesse fueron
algunas de las primeras artistas feministas a comienzos del siglo XX, Judy
Chicago, con su obra The Dinner Party, marca el inicio de esta nueva forma de
entender el arte como plataforma de reivindicación para las mujeres.
Otras pintoras famosas fueron Barbara Kruger, que utilizaba
el lenguaje de la cultura pop y la fuerza de las imágenes para transmitir sus
mensajes; Carolee Schneemann y su arte experimental visual, que fue toda una
referencia respecto a la exploración del cuerpo femenino; Ringgold, al igual
que otras mujeres artistas negras, que persiguieron una conciencia cultural
negra basada en la recuperación de la memoria histórica negra y la
espiritualidad panafricana.
Otras exposiciones relevantes en Fundación MAPFRE
El compromiso de Fundación MAPFRE con la mujer y el arte es
ya una constante en la programación de sus exposiciones.Destaca la exposición Amazonas del arte nuevo
(2008) en la que se reinvindicó el papel desempeñado por la mujer en el
desarrollo del arte moderno a través de la obra de cuarenta y una autoras
representativas de distintos movimientos y estilos entre 1880 y 1950. Grandes
nombres como Leonora Carrington, Ilse Bing, Anastasya Samoylova, o
recientemente, el trabajo de Consuelo Kanaga, una de las primeras
fotoperiodistas de la historia o la obra de la chilena Paz Errázuriz, son sólo
una pequeña muestra de hasta qué punto la voz femenina está presente en
Fundación MAPFRE
Mujeres y el arte: exposiciones que no puedes perderte
En la actualidad, otra de las exposiciones de arte que acoge
Fundación MAPFRE es la muestra “Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del
impresionismo”. Esta exhibición, que muestra la labor de este gran marchante y
mecenas, protector del arte de su época, guarda una curiosa relación con una de
las grandes pintoras del impresionismo: Morisot.
Paul Durand-Ruel fue un
ferviente defensor y promotor del trabajo de los impresionistas, a los que no
sólo apoyaba económicamente, sino emocionalmente. Además del trabajo de Berthe
Morisot, este mecenas también representó a la pintora Mary Casatt y apoyó el
trabajo de ambas con gran empeño.
Berlin’s opera houses and concert
halls, orchestras and choirs as well as the Staatsballett call on Berlin
politicians not to implement the planned budget cutbacks in the cultural
sector. The latter currently accounts for 2.1% of Berlin's total budget – a
small investment that generates maximum reputational benefits for the city of
Berlin. Cutbacks in culture – the city’s most important unique selling point –
will drastically diminish Berlin’s image.
It cannot be in the interests of
those politically responsible to reduce the quality of life in the metropolis
of Berlin by making significant cuts in the cultural sector.
Culture is also an important
economic factor, not only through employment creation in the creative
industries but also as an attractive aspect of tourism: studies have shown that
more than half of Berlin’s visitors come to the city because of its cultural
and artistic attractions. Cutbacks in culture would cause a severe negative
impact in these areas, and would result in a massive loss of revenue for the
entire city of Berlin.
Cuts would also threaten the
livelihoods of many independent artists, groups and theatres that have helped
to shape the cultural life of this city in a way that is unique in the world,
and without whose participation major productions in concert halls and opera
houses could not be realised.
The cultural professionals in this
city stand together in solidarity to call for a decisive end to plans for cuts
in the cultural sector as a whole, and have no desire to be forced into
competition with each other over the distribution of funding.
Joana Mallwitz, chief conductor
and artistic director of the Konzerthausorchester: “We should all realise by
now that we need to strengthen the core of our society and its cohesion, and
that we need to give our cultural identity a positive image. So our aim must be
to make it even easier to have access to music and culture. The damage that
would be caused by cuts to the cultural budget would be immense and would not
only severely affect us as a cultural organisation, but also jeopardise the
cohesion of our society as a whole.”
Kirill Petrenko, chief conductor
and artistic director of the Berliner Philharmoniker: “If we want to maintain
Berlin’s extremely important cultural diversity and continue to attract the
best in their field from all disciplines, we must not tamper with the financial
foundations of our institutiuons, let alone call their very existence into
question.”
Christian Thielemann, general
music director of the Staatsoper Unter den Linden: “Berlin’s classical music
scene is unrivalled, and has a worldwide reputation. In addition to concerts in
the city, we all contribute to making Berlin synonymous with cultural
excellence through our tours and media broadcasts. Do the politicians really
want to allow such a devastating message to be sent out from Berlin to the rest
of the country?”
Joint statement by the artistic
directors and general managers: “Culture is the heart of Berlin – it attracts
people from all over the world, is an important economic factor, creates jobs
and makes our city worth living in. Our city’s cultural institutions are not
only places of art with international appeal, but are also urgently needed to
maintain Berlin’s reputation as a location for business. One thing is clear:
cuts in the cultural sector would massively damage the city of Berlin in the
long term.”
Philip Bröking, artistic director
and opera director, Komische Oper Berlin
Susanne Moser, artistic director
and managing director, Komische Oper Berlin
Sebastian Nordmann, director of
the Konzerthaus Berlin
Anselm Rose, managing director of
ROC Berlin – Rundfunk Orchester und Chöre GmbH
Dietmar Schwarz, general manager,
Deutsche Oper Berlin
Elisabeth Sobotka, artistic
director, Staatsoper Unter den Linden
Christian Spuck, artistic
director, Staatsballett Berlin
Georg Vierthaler, general
director, Stiftung Oper in Berlin
Andrea Zietzschmann, general
manager, Berliner Philharmoniker Foundation
In a petition, the Deutsche
Bühnenverein is calling for Berlin's culture to be protected in the budget
crisis. Sign now!
SE COMPLETA EL ELENCO DE GESTIÓN DEL TEATRO COLÓN DE BUENOS AIRES
El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires anunció ayer a Andrés Rodríguez como nuevo responsable de la Ópera del Teatro Colón de Buenos Aires. Rodríguez se unirá a Julio Bocca, que estará al frente del ballet, y Gerardo Grieco, director general del coliseo.
ET AUSSI...
FAUST, GOUNOD, BASTILLE
du 26 septembre au 18 octobre 2024
Vendre son âme au diable contre la jeunesse éternelle, tel
est le pari, forcément risqué, de Faust. En s’alliant au diabolique
Méphistophélès, le vieux savant retrouve une verdeur qui lui permet de
conquérir la belle Marguerite, mais à quel prix ?
Quand Charles Gounod s’attèle au mythe rendu célèbre par
Goethe, il n’a encore connu aucun vrai succès. L’invention mélodique et
l’intensité dramatique de son Faust, créé en 1859 au Théâtre Lyrique, changent
la donne.
Si le livret de Carré et Barbier insiste plus sur la chute
et la rédemption de Marguerite que sur la dimension métaphysique du héros, cela
n’a pas empêché l’œuvre de devenir un monument national, jusqu’à inspirer Hergé
dont la Castafiore chante le fameux « Air des bijoux ».
Dans sa mise en scène aux vidéos spectaculaires, Tobias
Kratzer convoque un Paris contemporain, cadre grandiose et lieu de perdition
pour une jeunesse aux prises avec ses peurs intérieures.
Vendre son âme au diable contre la jeunesse éternelle, tel est le pari – forcément risqué – de Faust. En s’alliant au diabolique Méphistophélès, le vieux savant retrouve une verdeur qui lui permet de conquérir la belle Marguerite, mais à quel prix ? Quand Charles Gounod s’attèle au mythe rendu célèbre par Goethe, il n’a encore connu aucun vrai succès.
L’invention mélodique et l’intensité dramatique de son Faust, créé en 1859 au Théâtre Lyrique, changent la donne. Si le livret de Carré et Barbier insiste plus sur la chute et la rédemption de Marguerite que sur la dimension métaphysique du héros, cela n’a pas empêché l’œuvre de devenir un monument national, jusqu’à inspirer Hergé dont la Castafiore chante le fameux « Air des bijoux ».
Dans sa mise en scène aux vidéos spectaculaires, Tobias Kratzer convoque un Paris contemporain, cadre grandiose et lieu de perdition pour une jeunesse aux prises avec ses peurs intérieures.
Il Parco archeologico del Colosseo promuove la mostra
Penelope, a cura di Alessandra Sarchi e Claudio Franzoni, con l’organizzazione
di Electa.
Aperta negli spazi delle Uccelliere Farnesiane e del Tempio
di Romolo, l’esposizione̶attraverso circa cinquanta opere̶ripercorre il mito e la fortuna della figura di Penelope che giunge a
noi, dalla remota età in cui affondano i poemi omerici, attraverso due
tradizioni ugualmente potenti: quella letteraria e quella legata alla rappresentazione
visiva.
Il suo personaggio ha attraversato i millenni e popolato il
nostro immaginario legandolo a un ideale normativo della donna, fedele al
marito Ulisse e saggia custode della sua dimora-reggia a Itaca, ubbidiente
perfino al figlio Telemaco appena ventenne. Ma a renderla affascinante sono la
sua determinazione, la sua resistenza e capacità di sognare.
All’interno del percorso espositivo anche un omaggio a Maria
Lai, artista che ha messo al centro del suo lavoro le materie tessili, in
collaborazione con l’Archivio e la Fondazione Maria Lai.
Alla mostra si accompagna il catalogo pubblicato da Electa,
concepito, per la ricchezza dei contributi affidati ai maggiori specialisti con
focus su vari aspetti e cronologie, come un volume esauriente̶e
ancora mancante nel panorama editoriale̶sulla figura mitica eppure così
attuale di Penelope e sulla sua fortuna nella cultura occidentale fino ai
giorni nostri.
Electa, inoltre, riedita nella collana Pesci Rossi Le
ragioni dell’arte (2002), dialoghi tra Giuseppina Cuccu e Maria Lai nati da
temi e argomenti che l’artista aveva proposto come materia didattica per
l’infanzia.
In occasione della mostra il Parco archeologico del Colosseo
promuove il programma di incontri Esistere come Donna. Dialoghi e lezioni su
donne, artiste, battaglie e archetipi femminili ideato e realizzato da Electa
con Fondazione Fondamenta e con Alessandra Sarchi e Claudio Franzoni. Gli
incontri si terranno nel Foro Romano presso la Curia Iulia, a partire dal 21
settembre, e fino a dicembre.
PROGRAMMA DI INCONTRI
Tutti gli incontri si svolgeranno alla Curia Iulia nel Foro
Romano con ingresso da Largo della Salara Vecchia, lungo Via dei Fori
Imperiali, altezza Largo Corrado Ricci
L’ingresso è gratuito fino a esaurimento posti con
prenotazione obbligatoria da effettuarsi su eventbrite.it
https://colosseo.it/evento/penelope/
AND...
Bayreuther Festspiele GmbH
Festspielhügel 1-2
95445 Bayreuth
News
Pablo Heras-Casado is ‘Conductor of the Year’!
The critics of the specialist magazine ‘Opernwelt’ praised his ‘rhetorically and poetically
impressive’ interpretation of ‘Parsifal’ at the Bayreuth Festival. We congratulate him warmly and
look forward to his conducting of ‘Parsifal’ in 2025!
Actress Dame Maggie Smith, known
for the Harry Potter films and Downton Abbey, has died at the age of 89, her
family has said.
A legend of British stage and
screen, she won two Oscars during her career - for The Prime of Miss Jean
Brodie in 1970 and California Suite in 1979.
She had four other nominations,
and received seven Bafta awards.
Leading the tributes, Prime
Minister Keir Starmer said Dame Maggie "was beloved by so many for her
great talent, becoming a true national treasure whose work will be cherished
for generations to come".
In the Harry Potter films, Dame
Maggie played the acerbic Professor Minerva McGonagall, famous for her pointed
witch's hat and stern manner with the young wizards at Hogwarts.
In hit ITV drama Downton Abbey,
she played Violet Crawley, the Dowager Countess of Grantham, the grand
matriarch who excelled at withering one-liners through the show's six series.
Follow live: Tributes to Dame
Maggie Smith
Obituary: A formidable star on
stage and screen
A statement from her sons Toby
Stephens and Chris Larkin said: "It is with great sadness we have to
announce the death of Dame Maggie Smith.
"She passed away peacefully
in hospital early this morning, Friday 27th September.
"An intensely private person,
she was with friends and family at the end. She leaves two sons and five loving
grandchildren who are devastated by the loss of their extraordinary mother and
grandmother."
They thanked "the wonderful
staff at the Chelsea and Westminster Hospital for their care and unstinting
kindness during her final days".
They added: "We thank you for
all your kind messages and support and ask that you respect our privacy at this
time."
Tributes were also paid by her
co-stars.
Hugh Bonneville, who appeared in
Downton Abbey, said: “Anyone who ever shared a scene with Maggie will attest to
her sharp eye, sharp wit and formidable talent.
"She was a true legend of her
generation and thankfully will live on in so many magnificent screen
performances. My condolences to her boys and wider family."
Dame Maggie also reprised her role
for the two Downton Abbey films.
In 2022's Downton Abbey: A New
Era, her character died of the illness she revealed at the end of the 2019
film, to the huge upset of her family and friends.
Downton followed the success of
2002 period drama Gosford Park, which earned Dame Maggie both Oscar and Bafta
nominations for playing Dowager Countess of Trentham.
In his statement on Friday, the
prime minister said Dame Maggie "introduced us to new worlds with the
countless stories she acted over her long career".
"Our thoughts are with her
family and loved ones. May she rest in peace," he wrote.
Dame Kristin Scott-Thomas, who
starred alongside Dame Maggie in 2005's Keeping Mum and 2014's My Old Lady,
said she "took acting very seriously but saw through the nonsense and
razzmatazz".
"She really didn’t want to
deal with that," Dame Kristin added.
"She had a sense of humour
and wit that could reduce me to a blithering puddle of giggles. And she did not
have patience with fools. So you had to be a bit careful. I absolutely adored
her.
"The last time I saw her, she
was very cross about being old. 'Maddening' I think she said. Much loved, much
admired and irreplaceable."
A National Theatre spokesperson
said her career "spanned the theatrical, film and television world without
equal".
Praising her stage performances,
the statement added: "She will forever be remembered as one of the
greatest actors this country has had the inestimable pleasure of witnessing.
"Her deep intelligence,
effortless dexterity, sublime craft and sharp wit were simply legendary."
Bafta added that she was a
"legend of British stage and screen", praising her five competitive
Bafta wins, plus the special award and fellowship she received from the
organisation.
Dame Maggie's career spanned eight
decades, with early acclaim coming when she gained her first Bafta nomination
for Nowhere to Go in 1958.
In 1963, she was offered the part
of Desdemona in Othello at the National Theatre by Laurence Olivier, and two
years later it was made into a film and Smith was nominated for her first
Oscar.
The actress's other memorable
roles included 1985 Merchant Ivory film A Room With a View, in which she played
the chaperone Charlotte Barlett, accompanying Helen Bonham Carter's Lucy
Honeychurch to Italy.
The role earned her another Oscar
nomination and a Bafta.
And along with another national
treasure, Dame Judi Dench, she appeared as an English woman living in 1930s
Italy in the film Tea with Mussolini, which was released in 1999.
The two dames also shared screen
time in A Room With a View and The Best Exotic Marigold Hotel.
Dame Maggie played the firm but
fair Reverend Mother in the two Sister Act films, starring Whoopi Goldberg as
nightclub singer Doloris Wilson, who takes refuge from the mob in San Francisco
by posing as a nun in a local convent.
Goldberg called Dame Maggie
"a great woman and a brilliant actress", adding: "I still can’t
believe I was lucky enough to work with the 'one-of-a-kind'."
Rob Lowe, who starred with Dame
Maggie in 1993's Suddenly, Last Summer, recalled "the unforgettable
experience of working with her".
"Sharing a two-shot was like
being paired with a lion," he said.
"She could eat anyone alive,
and often did. But funny, and great company. And suffered no fools.
"We will never see another.
God speed, Ms Smith!"
The veteran actress also played
the old woman who spent 15 years living in a van outside Alan Bennett’s house
in a film adaptation of the writer’s The Lady in the Van in 2015.
Her final roles included 2023’s
The Miracle Club, which follows a group of women from Dublin who go on a
pilgrimage to the French town of Lourdes, co-starring Kathy Bates and Laura
Linney.
Con ocasión de la exposición "Dialecto CA2M"
inaugurada en 2021 en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Santiago Sierra nos
habla de su pieza "Obstrucción de una vía con un contenedor de
carga", 1998, que forma parte de la Colección del Museo CA2M.
CUARTA EDICIÓN DE LOS DEBATES PÚBLICOS SOBRE
SOSTENIBILIDAD DE LA NORMAN FOSTER FOUNDATION
THE FOURTH EDITION OF THE NORMAN FOSTER FOUNDATION’S PUBLIC
DEBATES ON SUSTAINABILITY TOOK PLACE ON TUESDAY 24 SEPTEMBER 2024 IN
PARTNERSHIP WITH ROLEX.
La cuarta edición de los debates públicos sobre
Sostenibilidad de la Norman Foster Foundation, martes 24 de septiembre ,
destacará cinco casos de éxito en el desarrollo urbano sostenible.
Comentarios a vuela pluma de la experiencia, una gran tarde-noche en la Fundación.
Norman Foster y Elena Ochoa, su esposa, llegaron momentos antes de comenzar el acto y el arquitecto se reservó prácticamente el cierre de un encuentro del que fue el gran inspirador y convocante. En gran forma, la lucidez y la concreción, así como el humor y la capacidad de comunicar fueron en ese enclave y en toda su trayectoria posiblemente las claves de su saber estar, saber vivir y crear.
Más de 400 personas se quedaron sin poder entrar debido a la falta de aforo y a la respuesta a una convocatoria de excelencia.
Sumamente interesantes los "must" de las exposiciones que se señalan: conectividad, elasticidad, implicación social con los proyectos, naturaleza, ajardinamientos, agua, porcentaje de viviendas sociales.
Muy interesante el caso de Beirut, concebido seguramente antes de que volviera a ser blanco de los últimos conflictos bélicos con Israel. (Líbano tiene una tradición desgraciada de estar en medio de intereses contrapuesto que no siempre los suyos).
Junto con la de Viena, probablemente las propuestas más generalizables a otros entornos y países. La concepción del habitat como un ente vivo, cambiante y complejo del que todos- naturaleza, personas, animales y construcciones ad hoc- formamos parte.
A tener en cuenta las aportaciones estatales a la resolución de problemas vinculados a las viviendas del Estado, un 80% (caso Viena).
Y a tener en cuenta: casi todos los ponentes no eran originarios directamente del lugar que estaban describiendo y donde habían dejado su huella: no se aludió al hecho pero es probable que provinieran de otros territorios y épocas, originarios de la inmigración (se podría comprobar pasando revista a los nombres y apellidos de estos conferenciantes). Y un detalle curioso y superfluo pero a reseñar: magnífica "tenue" en negro y de última hora de la representante de Beirut. El resto, presencia muy cuidada y actualísima, aunque idiosioncrática (cada uno/a en su estilo) y chaqueta obligatoria para los señores.
Alicia Perris/ Webmaster, Julio Serrano
(con el agradecimiento por habernos facilitado la asistencia e información sobre el acto, siempre)
Estos debates pretenden inspirar mostrando cómo la
planificación y el diseño con visión de futuro pueden tener efectos
positivos y duraderos en nuestras ciudades, fomentando un futuro más
resistente y sostenible.
Los debates públicos estarán moderados por Luis
Bettencourt, Catedrático de Ecología, Evolución y Sociología de la
Universidad de Chicago, Illinois, Estados Unidos.
Con un discurso de apertura de cinco minutos y un debate
entre los siguientes expertos:
• Lina Ghotmeh, Fundadora y Directora, Ghotmeh-Architecture,
París, Francia
• Nirmal Kishnani, Codirector del Programa, Director del
Máster en Ciencias, Diseño Sostenible Integrado, Escuela de Diseño y Medio
Ambiente, Universidad Nacional de Singapur (NUS), Singapur
• Pablo Urango, Codirector y Senior Partner,
Foster+Partners, Madrid, España
• Maria Vassilakou, Fundadora, Vienna Solutions; Ex
Vicealcaldesa,Viena, Austria
The event highlighted five exemplary cases of success in
sustainable urban development. These debates aimed to inspire and educate by
showcasing how forward-thinking planning and design can lead to lasting,
positive impacts on our cities, fostering a more resilient and sustainable
future.
The Public Debates were moderated by Luis Bettencourt,
Professor of Ecology, Evolution and Sociology, University of Chicago, Illinois,
United States.
With a five-minute keynote and debate between the following
experts:
Lina Ghotmeh, Founder and Director, Ghotmeh—Architecture,
Paris, France
Nirmal Kishnani, Co-Programme Director, Programme Director
of the Master of Science, Integrated Sustainable Design, School of Design and
Environment, National University of Singapore (NUS), Singapore
Pablo Urango, Co-Director and Senior Partner, Foster +
Partners, Madrid, Spain
Maria Vassilakou, Founder, Vienna Solutions; Former Vice
Mayor, Vienna, Austria
NORMAN FOSTER INTERVINIENDO EN EL TURNO FINAL DE REFLEXIONES
SUSTAINABILITY PUBLIC DEBATES 2024 | NORMAN FOSTER
FOUNDATION
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