LA HISTERIA Y LA MITOMANÍA EXCITAN LA 'TOSCA' DEL REAL (ANNA NETREBKO, ETC.)

LA VANGUARDIA

Clamores y fetichismo en el regreso de Jonas Kaufmann y Anna Netrebko, aunque corresponden al maestro Luisotti el mérito y la emoción de la trama sonora

Anna Yúrievna Netrebko y el barítono italiano Luca Salsi, durante su interpretación de la opera 'Tosca', de Giacomo Puccini, en el Teatro Real de Madrid. (EFE)

Por Rubén Amón

Tiene sentido que las primeras entradas en agotarse de 'Tosca' correspondieran a las funciones de Jonas Kaufmann (19 y 22 de julio) y de Anna Netrebko (22 y 24). El tenor germano y la soprano rusa representan la cima del escalafón operístico. Y nadie reparó en ellos la última vez que cantaron una ópera en Madrid. Kaufmann intervino en una función semiclandestina de 'La clemenza di Tito' (Mozart) en 1999. Netrebko lo hizo en el reparto de 'Guerra y paz' (Prokofiev) hace ahora 20 años. Tiempo han tenido de consolidar su reputación de primeras estrellas. Y de regresar al Real convertidos en objetos de culto y de mitomanía, a semejanza de los divos de antaño. Pasión en las gradas. Revuelo en los camerinos. Fans y 'groupies' apostados en la entrada de artistas. La sugestión y el histerismo forman parte del gran espectáculo. Bien pudo experimentarlo Kaufmann cuando el foro le reclamó el bis La sugestión y el histerismo forman parte del gran espectáculo. Bien pudo experimentarlo Jonas Kaufmann cuando la melomanía del foro le reclamó el “bis” en el aria del tercer acto. No dejaban de aplaudirle. Sepultaban al tenor con bravos y clamores. Kaufmann reaccionó al plebiscito. Y convino con el maestro Luisotti la oportunidad de hacer un bis. Tan grande era el alboroto. Y tan estupefacto, el gesto del tenorísimo abrumado por la devoción.

Podemos comprender la sorpresa de Kaufmann. Nadie mejor que él mismo conoce la precariedad con que interpretó 'E lucevan le stelle'. Más que cantar el aria, la balbuceaba. Y la exponía a una versión inaudible e introspectiva, como si fuera un lied de Hugo Wolf. Y como si el recurso del intimismo le permitiera encubrir todas las limitaciones canoras.

Costaba trabajo reconocer la autoridad vocal de Kaufmann, su antigua carnosidad y valentía. Se diría incluso que no estaba cantando el aria a voz. Y que resolvía el aria con las precauciones de un ensayo, aunque unas y otras dificultades no contradijeron la euforia popular. Más que escucharse a Kaufmann, se veía a Kaufmann. Y se le atribuían las facultades y las proezas de su imponente carrera. El emperador estaba desnudo, pero el público de Madrid lo revistió de sedas y damascos, hasta el extremo de forzarle a repetir el aria, como si estuviéramos delante de un episodio histórico. También a Radvanovski la han constreñido estos días a repetir el aria de 'Vissi d’arte'. Con más razones que a Kaufmann “Bis, bis, bis…”. El griterío y el fetichismo del público 'realense' ha convertido en rutina y en trámite administrativo la situación extraordinaria que antaño exigía la repetición de un aria. Bien lo sabe Sondra Radvanovsky, gran protagonista de las funciones de 'Tosca' en Madrid y artífice de un 'pathos' musical y teatral que merece recordarse como un hito. Mérito de la técnica, del color y del dolor. Y de la credibilidad acongojante con que asistimos a las angustias del personaje. También a ella la han constreñido estos días a repetir el aria de 'Vissi d’arte'. Con más razones que a Kaufmann. Y con una devoción que ponía a prueba las comparaciones con 'la' Netrebko. La soprano rusa regresaba a Madrid para defender la corona, no ya provista de sus cualidades de sugestión, sino consciente de una plenitud vocal que deja en mayor evidencia la decadencia en que se encuentra Kaufmann.

Netrebko es la diosa de la ópera. No solo cuando canta. O cuando se ensimisma en los temblores de Tosca con la belleza del timbre. También cuando ejerce su poder. Lo demuestra el impuesto revolucionario que hay que pagar para escucharla. Y no hablamos del sobreprecio de la reventa, sino de la asiduidad con que impone al marido, Yusif Eyvazov. Un tenor correcto, profesional. Y un requisito imprescindible con el que transigen los teatros pequeños, los medianos y los grandes: “No Yusif, no party”. Es la tasa conyugal que la melomanía debe sufragar a cambio de escuchar a la diva. Y no es que Eyvazov se resigne a la modestia de los papeles pequeños, no. Netrebko lo impone como 'partner' y estrella. Si ella es Tosca, Yusif es Cavaradossi. Resolvió con oficio las arias sublimes de Puccini, pero los espectadores del Real no le reclamaron el privilegio del bis. No es que Eyvazov se resigne a la modestia de los papeles pequeños, no. Netrebko lo impone como 'partner' y estrella Y sí se lo reclamaron a su esposa, aunque Netrebko declinó ofrecerse a la voluntad popular. Era su manera de marcar distancias. Más la aplaudían e idolatraban, más se resistía a cantar de nuevo 'Vissi d’arte'. Buscaba la mirada del maestro Luisotti en el foso. Y le conminaba a retomar la partitura, malogrando así la expectativa de participar en “otra” velada histórica.

Poderosa Netrebko. Tan poderosa que hizo lo que quiso con la dramaturgia de Paco Azorín. Se desenvolvió a su antojo por el escenario. Y se desquitó de cualquier disciplina narrativa. Porque manda ella. Y porque no puede decirse que la producción teatral le resultara demasiado estimulante. Las ideas que contiene el oscuro montaje de Azorín son bastante mejores que la ejecución. Se antoja interesante la construcción de Scarpia como el ojo que todo lo ve. Y funciona muy bien el nexo narrativo que unifica los tres actos, pero el espacio escénico se resiente de una arquitectura fallida, especialmente el último acto, una mezcla de prisión siria y transbordador espacial cuya sordidez contraindica la emoción del desenlace.

El tenor alemán Jonas Kaufamann. (EFE)

Alcanzan dieciséis las funciones de Tosca que se han programado en el Teatro Real, la última de las cuales se representa este sábado. Han sido necesarios tres repartos. Y ha resultado particularmente emocionante escuchar a Carlos Álvarez en el papel de Scarpia, aunque el verdadero artífice de estos prodigios puccinanos se alojaba en el foso. No cabe mejor garantía que la batuta de Nicola Luisotti. Refinado y contundente. Exquisito y feroz. Instintivo y lúcido. La trama sonora que recrea el maestro italiano convierte Tosca en un viaje iniciático. Cuestión de sensibilidad y de tensión dramática, pero también de escrúpulo cromático y de musicalidad. Y de teatralidad extrema. Tan extrema que cuando Luisotti dirige Tosca —parafraseando a Scarpia—, nos olvidamos de Dios.

https://www.elconfidencial.com/cultura/2021-07-23/histeria-mitomania-excitan-tosca-teatro-real_3196759/

PHOENIX DANCE THEATRE THE RITE OF SPRING/STRAVINSKY----VERBIER FESTIVAL, CRITIQUE

The Rite of Spring: An introduction

One of the most influential pieces of music and cultural events of the early 20th century was undoubtedly Stravinsky’s The Rite of Spring. Discover more about the piece, from its infamous premiere to the Opera North’s production in collaboration with Phoenix Dance theatre.

How did The Rite of Spring come about?

The Rite of Spring was written by Igor Stravinsky, who was quite young at the time, and relatively unknown. He had been talent-spotted by the Russian impresario Sergei Diaghilev in Paris, and had already composed two ballet scores for Diaghilev’s own company ‘Ballets Russes’: The Firebird (1910) and Petrushka (1911).

The third commission – The Rite of Spring (subtitled ‘Pictures of Pagan Russia’) – was quite a departure from what had come before. In Stravinsky’s own words, this is how the concept came to him:

'I saw in my imagination a solemn pagan rite: sage elders, seated in a circle, watching a young girl dance herself to death. They were sacrificing her to propitiate the god of Spring.'

He then approached the painter Nicholas Roerich, who specialised in pagan subjects, to collaborate with him on the scenario – two parts, broken into a series of episodes, which depict various rituals. The celebrated dancer Vaslav Nijinsky was appointed as choreographer, even though his last work, the ballet L’après-midi d’un faune (Afternoon of a Faun) based on Debussy’s symphonic poem Prélude à l’après-midi d’un faune, had caused controversial reactions.

Did the premiere really cause a riot?

The Rite of Spring’s 1913 premiere in Paris has gone down in history as one of the greatest theatrical furores of the 20th Century. In his 1936 autobiography, Stravinsky recalls that 'derisive laughter' began after only the first few bars, and that things quickly escalated to a 'terrific uproar'.

Whether it was the radical music, or Nijinsky’s angular and grounded (rather than air-borne) choreography – or both – which offended the audience’s idea of what ballet should be, is unclear. In any case, Stravinsky left his seat to watch from the wings, where Nijinsky was standing on a chair shouting numbers to the dancers, who could no longer hear above the mayhem in the auditorium. Meanwhile Diaghilev apparently kept ordering the electricians to turn the lights on or off, hoping in that way to put a stop to the noise.

Why was the score so revolutionary?

When The Rite of Spring premiered, audiences had never heard anything like it – in rhythm, stress and tonality, it was groundbreaking. Stravinsky wrote:

'Very little immediate tradition lies behind The Rite of Spring – and no theory. I had only my ear to help me; I heard and I wrote what I heard. I am the vessel through which The Rite passed.'

This threw up more than a few problems at the time. Stravinsky found it difficult to notate music of such rhythmic complexity and express on paper what he meant, and the original orchestral musicians had to be asked to stop interrupting in rehearsals when they thought they had found mistakes.

To our ear today, it still sounds radical – it is an eternally modern score. The piece opens with a bassoon melody played in a high register (making the instrument hard to identify at first), which sounds otherworldly and disturbing. This is followed by the first dance, which is characterised by a repeated, stamping chord, where the accented beat constantly shifts. The final ‘sacrificial dance’ is heavily percussive. The production’s conductor Garry Walker says:

'The rhythms of The Rite of Spring are so elemental. At the end, you just have to dance to it – it’s almost hypnotic.'

What is this choreography like?

Opera North’s The Rite of Spring, in association with Phoenix Dance Theatre, is choreographed by Haitian-born Jeanguy Saintus. He departs from Stravinsky’s original narrative of sacrifice, which Saintus considered to be sexist through our contemporary lens. Instead, he approaches the work through his own cultural roots, inviting the eight company Phoenix Theatre dancers to explore Haitian vodou, with its spirits and rituals:

'I told myself, instead of sacrificing a girl or a woman, why don’t we think of the ritual as call and response, and a give and take between the realm of humans and the ‘Invisibles’ (intermediary spirits between the Supreme Creator and the world in Haitian vodou)? Why don’t we make a ‘promise’ as an offering?'

Each of these spirits has a distinctive character and personality, and the audience will get to know and recognise them through the choreography. The idea of a central circle, which is important in Haitian vodou is also prominent.  Through the presentation of these narratives, Saintus' work challenges the dark Western stereotypes often associated with vodou and instead presents these rituals in a new, celebratory light..

What are the costumes like?

Designer Yann Seabra’s costumes for our Rite of Spring are incredibly colourful – with different colours representing the different spirits. Male and female dancers initially wear the same, but these costumes are added throughout the piece, with flowing skirts.

Most strikingly of all, the dancers each wear gloves matching their own skin tone, which have then been dipped in dye, giving the illusion of painted hands.

https://operavision.eu/en/library/performances/dance/rite-spring-opera-north-phoenix-dance?utm_source=OperaVision&utm_campaign=08d998d5ba-RITE+OF+SPRING+2021+EN&utm_medium=email&utm_term=0_be53dc455e-08d998d5ba-100468825#about

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Au Verbier Festival, un gala lyrique bricolé mais de grande classe

C’était une Fanciulla del West très attendue, mais la Covid ne l’a pas vu de cet œil. Plusieurs cas positifs au Verbier Festival Orchestra ont purement et simplement entraîné l’annulation de tous les concerts de la phalange symphonique du Verbier Festival, et donc cette version de concert (au même titre que le deuxième acte de Tristan et Isolde, le 23 juillet). Comme la veille avec Olga Peretyatko, c’est cette fois à la Salle des Combins que les grandes voix ont enthousiasmé un public (malheureusement) peu nombreux. Il ne faut pas chercher de fil rouge dans ce florilège shuffle d’airs franco-germano-russo-italiens, ni même s’étonner que le piano d’accompagnement soit peu adapté à ce récital (car peu audible dans les grands volumes de la tente), mais les situations de crise appellent des décisions radicales pour que la musique puisse malgré tout avoir sa place dans les Alpes suisses en ce moment.

Le pianiste James Baillieu dirige le programme de mélodies de l’Atelier Lyrique à la Verbier Festival Academy. Aux Combins, ses chaussettes rayées colorées sont ce soir plus visibles que ses subtilités de toucher ne sont audibles. Arriver sur ce programme improvisé en dernière minute tient du grand talent, d’autant que le son des cordes frappées qui nous parvient timidement réserve un panel gourmet de caractères. Madame Butterfly respire par exemple en remous d’océan et submerge à marée haute de souvenirs d’espoir projetés à l’horizon. L’Élixir d’amour s’anime et s’auto-tricote gaiement, Francesco Cilea se pare de reflets impressionnistes, et La Dame de pique s’enracine en symbiote dans les lignes vocales. Si l’acoustique du lieu ne facilite pas l’enroulement d’écoute dans la boucle du piano, les chanteurs s’en donnent à cœur joie pour réarranger le rapport entre la voix et le public.

Le ténor Marcelo Álvarez donne la chair de poule à la moindre intervention, réunissant l’alpha et l’oméga de la tension opératique. Toujours exceptionnel et exponentiel en intensité, il empoigne au vol la beauté de la phrase et la chaleur de l’émission. La voix mute par le pouvoir du texte : un mot dans le rêve puis un bond dans la réalité. ; il est un véritable agronome de l’incidence émotionnelle. Dans la sublime page de musique qu’est « Ô Souverain » (Le Cid de Massenet), la dévotion l’emporte. Si la diction rigoureuse compose un remarquable « E lucevan le stelle » (Tosca), c’est dans le duo Alvaro-Carlo de l’acte IV de La Force du destin qu’il atteint l’exaltation suprême : cette battle du chant d’honneur passe par tous les stades imaginables, soutenus admirablement. Ambrogio Maestri participe lui aussi à la joute verdienne de son réconfortant timbre single malt. Les dilemmes de ses personnages se nichent dans des inflexions opulentes et expressives. En un même legato, les changements d’articulation sans temps mort participent à la richesse de la prestation. La rage de Carlo Gérard (Andrea Chénier) est une colère contenue ; son Giorgio Germont (La Traviata) refuse les concessions, dans une voix comme entourée d’une étoffe épaisse et précieuse, et cherche à convaincre sans brusquer. Le baryton est adepte des bombes à retardement, dense dans tous les registres. La Violetta de Maria Bayankina, tout droit sortie d’un opéra de Tchaïkovski, tient davantage de l’ostentation lyrique. Le manque d’« italianités » aérées ne nuit en revanche pas à « Un bel dì vedremo » (Madame Butterfly), où Cio-Cio San joue à cache-cache avec ses émotions, entre une force d’évocation retenue et des nuances prenantes. L’air de Lisa du troisième acte de La Dame de pique est superbement composé de zooms et de piliers, et se projette en fatum large. Nous cernons une vraie douleur qui brave le corps du personnage. Enfin, avec Tannhaüser, la soprano ouvre le concert confiante et exaltée, pour poser les bases d’une soirée où la voix est mise à nu dans une ampleur finalement bienvenue. Un bis très réussi par chanteur et un Libiamo collectif avec les étudiants de l'Atelier Lyrique de la Verbier Festival Academy : la soirée se conclut en beauté !

Thibault Vicq
(Verbier, 20 juillet 2021)

Crédit photo © Lucien Grandjean

HODLER, KLIMT AND THE WIENER WERKSTÄTTE. KUNSTHAUS, SWITZERLAND

Until 29.08.2021

For the first time, an exhibition examines the history of the branch on Zurich’s Bahnhofstrasse through paintings, drawings, furniture, jewellery and designobjects. The exhibition focuses on works by Josef Hoffmann, Ferdinand Hodler and Gustav Klimt as well as the creations of Dagobert Peche.

A fresh view from a Viennese perspective

The presentation includes some 160 exhibits. It is curated by Tobias G. Natter, former Director of the Leopold Museum in Vienna and author of the catalogues raisonnés of the paintings of Gustav Klimt (2012) and Egon Schiele (2017). The exhibition sheds new light, from a Viennese perspective, on Ferdinand Hodler (1853–1918), who was at the time already seen as Switzerland’s ‘national artist’.

Of the artists Hodler met in Vienna, he reserved the greatest admiration for Gustav Klimt (1862–1918), and in particular ‘the decorative element’ of his art. Yet while known as a peerless exponent of colour, eroticism and ornament, Klimt was more than just the leading figure in Viennese Stilkunst. He played a pioneering role in breaking down the traditional distinction between the ‘high’ art of painting and sculpture and the ‘low’ form of applied art and championed a new definition of the artist: one which also embraced those able to ‘experience the work of art in emotional terms’.

Hodler and the 1904 Secession exhibition

When the Vienna Secession invited Ferdinand Hodler to take part in its 19th exhibition, it was to ‘enable a wider audience to appreciate Hodler’s greatness’. Its pioneering and ambitious aim was to demonstrate ‘that Ferdinand Hodler is not only the greatest Swiss artist, but one of the greatest ever’. Hodler was able to show all the main works he had completed up to that time. The response was overwhelming. The exhibition gave the Swiss painter everything an artist could hope for from the public: lavish praise, a good press, and important sales. Overall, the show in Vienna was a milestone in the reception of the artist, who was aged 51 at the time. Furniture from Hodler's last apartment

Towards the end of 1913 Ferdinand and Berthe Hodler moved into a luxurious apartment at Quai du Mont-Blanc 29 in Geneva. Josef Hoffmann was commissioned to design the reception rooms, and as well as creating the furniture he also altered architectural details of the apartment on Quai du Mont-Blanc. The exhibition at the Kunsthaus presents both the furniture and numerous utilitarian objects designed by Hoffmann for the Hodlers’ apartment, including a table clock, chandelier, flower stand, cupboards and seating.

Dagobert Peche and the Wiener Werkstätte in Zurich

The exhibition underscores the importance of the Wiener Werkstätte as arguably Austria’s most important contribution to 20th-century design history, and reveal the breadth of its range, from the early, provocatively geometrical and abstract designs to the playful works of Dagobert Peche. A full-time employee of the Werkstätte from 1915 onwards, Peche ran its Zurich branch from its opening in 1917 until it closed in 1919. He designed the store on Bahnhofstrasse together with Josef Hoffmann and made bold new forays into product positioning. In Zurich, unconstrained by the wartime restrictions that were already starting to bite in Austria, he was able to give free rein to his creative imagination. Turning the ‘form follows function’ mantra on its head and elevating decoration over purpose, he accomplished the transition from Jugendstil to Art Déco, as the many designs created in Zurich that feature in the current exhibition vividly demonstrate.

With the generous support of the Walter B. Kielholz Foundation

https://www.kunsthaus.ch/en/besuch-planen/ausstellungen/hodler-klimt/

JESÚS CINTORA DESPIDE EL PROGRAMA 'LAS COSAS CLARAS' PRESENTÁNDOSE COMO PERSEGUIDO POR DOS GOBIERNOS Y ATACANDO A RTVE

EL MUNDO

Cintora carga contra "algunos compañeros de Televisión Española" en el cierre de su programa de infoentretenimiento

Jesús Cintora, durante el programa de este jueves RTVE

"Estamos en el último día, gracias por acompañarnos hasta el final, nos cierran, les vamos a seguir contando hasta el último minuto lo que pasa, aunque nos cierren; vamos, que nos echan... ". Así ha comenzado este jueves Jesús Cintora la edición 173 de su programa 'Las cosas claras'.

El espacio salía por última vez al aire después de que el nuevo director de RTVE, José Manuel Pérez Tornero, señalara a finales de abril que "banalización, show y escándalo" no cabían en las parrillas del Ente Público.

Durante sus meses de emisión, las críticas al programa no se han limitado a la línea editorial impropia de una cadena pública . Trabajadores de RTVE han mostrado públicamente su desacuerdo con el hecho de que se realizara por una productora externa y con el tono de algunos contenidos.

El director de 'Las cosas claras' ha insistido, sin embargo, en presentarse como perseguido aludiendo a su salida anterior de otro espacio en Mediaset. "Nos quitaron de un programa con un gobierno, nos quitan también con otro gobierno, ahora mismo simplemente hay un compromiso con la humildad y con la verdad", ha asegurado.

Entre los mensajes de sus colaboradores habituales, Cintora no ha ahorrado críticas contra RTVE. "Yo no decidí externalizar esto, lo digo por algunos compañeros de Televisión Española, a mí me encargaron esto así.Yo me he dejado la piel por esta cadena, a veces me hubiera gustado que me hubieran defendido más o que no me hubieran atacado" , ha afirmado en los minutos finales de 'Las cosas claras'.

"Hacemos periodismo, hay gente que por detrás hace otras cosas y con eso tenemos un problema muy gordo", ha concluido Jesús Cintora sobre la sintonía final del espacio. Según ha explicado, la productora de 'Las cosas claras' tiene un nuevo proyecto en el que él no seguirá.

https://www.elmundo.es/television/medios/2021/07/22/60f99f68fdddfffc658b4670.html

MY FAIR LADY LERNER AND LOEWE'S. LICEU DE BARCELONA. 10 OCTOBER CONCERT OF ANNA NETREBKO POSPONED FOR NEXT YEAR AT THE METROPOLITAN

 

The first Liceu performances of the Broadway classic based on the play by George Bernard Shaw

Lerner and Loewe's My Fair Lady took Broadway by storm in 1956, earning six Tony awards, including "Best Musical". The film version later carried off eight Oscars, including "Best Film". This outstanding musical, adapted from George Bernard Shaw's Pygmalion, serves as a yardstick to measure all rival works.

It tells the tale of Eliza, a Covent Garden flower seller, who takes elocution lessons from Professor Henry Higgins. Her teacher becomes obsessed with the idea of passing her off as a fine lady and introducing her to London high society and their relationship ultimately evolves into an improbable attachment. Defined as "the perfect musical", My Fair Lady will be staged at the Liceu in the form of a semi-dramatized concert in which the soloists will act on stage. It will be directed by Alfonso Casado-Trigo, a veritable specialist in musicals, who has worked on such popular shows as Mamma Mia!, Beauty and the Beast, Cats, Les Misérables, Miss Saigon and the original production of The Phantom of the Opera which is still playing at Her Majesty’s Theatre in London.

Artistic profile

ConductorAlfonso Casado Trigo

Stage directorGuy Unsworth

Symphony Orchestra and Chorus of the Liceu Opera Barcelona

Director of the ChorusConxita Garcia

Cast

Eliza Doolittle

Ellie Laugharne

Professor Higgins

Steven Pacey

Colonel Pickering

Richard Suart

Alfred P. Doolittle

Peter Polycarpou

Freddy Eynsford Hill

Nadim Naaman

Mrs Higgins/ Mrs Pearce/ Cockney Woman

Susie Blake

https://www.liceubarcelona.cat/en/temporada-2020-2021/opera/my-fair-lady

• OVERVIEW. THE METROPOLITAN OPERA HOUSE POSPONES ANNA NETREBKO CONCERT FOR NEXT YEAR

Overview

Anna Netrebko’s performance with Yannick Nézet-Séguin and the Met Orchestra, scheduled for October 10, will be postponed to a future season.

Anna Netrebko has headlined 22 different operas, multiple galas, and more Live in HD transmissions than any other Met soloist. Now, she becomes the first artist to give a solo concert with the Met Orchestra since legendary soprano Birgit Nilsson in 1979. Music Director Yannick Nézet-Séguin takes the podium for this landmark event, conducting a thrilling program of spectacular scenes and arias.

A ARLES, LA FONDATION LUMA ESPÈRE UN « EFFET BILBAO »

Par Roxana Azimi

Toute d’acier et de béton, la tour de Frank Gehry ouvre ses portes samedi 26 juin. Cet objet architectural doit encore se faire adopter par les habitants et les visiteurs. Un pari que la mécène Maja Hoffmann gagnera si son grand œuvre profite au rayonnement de la ville.

« Arles, quartier Roquette, maison XVIIe rénovée avec goût. Terrasse avec vue panoramique sur le centre historique et la tour de Frank Gehry. » A quelques jours de l’inauguration, samedi 26 juin, de la Fondation Luma rêvée par la milliardaire suisse Maja Hoffmann, l’événement est déjà célébré par Romuald Chamot et son jeune associé, Mathieu Gilles, professionnels de l’immobilier. « Avant, les gens venaient à Arles pour les arènes et les Rencontres de la photographie, quitte à en partir au premier mistral. Maintenant, c’est pour Mme Hoffman et sa tour », observe l’aîné, qui plisse les yeux entre son masque et sa casquette de jeune. Pour ce duo futé, l’effet Luma à Arles est déjà une réalité, sonnante et trébuchante.

https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2021/06/25/a-arles-la-fondation-luma-espere-un-effet-bilbao_6085681_4500055.html

EXPOSICIÓN DESASTRE DE ANNUAL. MELILLA, EXPOSICIÓN 1921-2021

 

En 2021 se cumplen cien años de los sucesos ocurridos en la Comandancia General de Melilla Nueva ventana, dependiente de la Alta Comisaría de España en Marruecos Nueva ventana , a consecuencia de los cuales se perdió una parte fundamental del ejército español en ese territorio. Los hechos tuvieron lugar entre los meses de junio a septiembre de 1921, pero para conocer la situación debemos retroceder al nombramiento del general de división Manuel Fernández Silvestre Nueva ventana como comandante general de Melilla a principios de 1920. Desde ese momento y bajo su dirección, se realizaron una serie de actuaciones militares desde Melilla con el fin de avanzar y asegurar las posiciones de la zona oriental del Protectorado español en Marruecos Nueva ventana. Fernández Silvestre tenía como objetivo la toma de Alhucemas, para lo cual en el mes de junio de 1921 realizó varias acciones que dieron lugar a la pérdida del Monte Abarrán Nueva ventana. Consecuencia de ello, fue una creciente hostilidad en el espíritu de las comarcas ocupadas, así como un significativo desaliento dentro de las tropas españolas. A ello se añadieron las dificultades de comunicación con los distintos puestos, lo que hizo que los aprovisionamientos no fueran regulares y que los abastecimientos de agua, las denominadas aguadas, costaran muchas bajas entre los militares destinados en Marruecos.

En esta situación de progresivo acoso rifeño, dirigido por Abd el-Krim Nueva ventana, entre los días 17 y 22 del mes de julio de 1921 se produjo la caída de Igueriben Nueva ventana y Annual Nueva ventana, posición ésta última en la que se supone que falleció (ya que no se encontró su cadáver) el comandante general de Melilla, el general Manuel Fernández Silvestre. En agosto la situación en el territorio de la Comandancia General de Melilla Nueva ventana siguió empeorando ya que el avance de los rifeños continuó hasta Monte Arruit Nueva ventana, perdiéndose dicha plaza el 9 de agosto y otras posiciones cercanas a Melilla en los días siguientes.

El Archivo Histórico Nacional (AHN) recuerda estos acontecimientos con la exposición Annual أنوال. El Expediente PicassoEnlace externo, se abre en ventana nueva PDF y la causa contra el mando en la que, mediante paneles con reproducciones documentales, se realiza un recorrido por los acontecimientos ocurridos desde junio a septiembre de 1921 y por las fuentes documentales del Tribunal Supremo conservadas en este archivo en relación con lo ocurrido en la citada Comandancia y con las responsabilidades del Ejército en los mismos.

La muestra comienza con una pequeña cronología de las principales efemérides de las guerras de África desde 1859 hasta el desembarco de Alhucemas en 1925, con especial atención a la Guerra del Rif Nueva ventana. Tras dedicar un apartado a los protagonistas, se detiene en la explicación de los sucesos más significativos como la pérdida de Monte Abarrán Nueva ventana, Igueriben Nueva ventana, Annual Nueva ventana y Monte Arruit Nueva ventana, apoyándose en el análisis de la documentación relativa a Marruecos, entre la que destacamos el Expediente Picasso Nueva ventana o información gubernativa instruida por el general Juan Picasso González Nueva ventanay la causa abierta contra el mando Nueva ventana ejercido por Dámaso Berenguer Fusté Nueva ventana, Manuel Fernández Silvestre y Felipe Navarro Ceballos-Escalera Nueva ventana .

Igualmente, para conocer e ilustrar lo sucedido son de gran interés los mapas y planos que se recogen en la exposición y que se conservan en el fondo del Tribunal Supremo del AHN, los cuales pueden ser consultados en PARESNueva ventana y de los cuales les traemos estos ejemplos de varias de las posiciones y de las comunicaciones entre ellas.

https://www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/archivos/mc/archivos/ahn/actualidad/destacados/2021/exposicion-annual.html