miércoles, 4 de febrero de 2026

FRANCO BATTIATO UN’ALTRA VITA EXTRA MAXXI A CURA DI GIORGIO CALCARA CON GRAZIA CRISTINA BATTIATO. FONDAZIONE FRANCO BATTIATO

Una mostra-evento che celebra, a cinque anni dalla scomparsa, il genio umano e musicale di un artista senza eguali nella storia della musica italiana.

Un’esperienza che va oltre la musica e oltre il tempo, per raccontare un artista totale: cantautore, musicista, poeta, filosofo, intellettuale. Ogni sfaccettatura del talento di Franco Battiato risuona lungo il percorso espositivo, restituendo la forza di una visione che ha attraversato generi, linguaggi e decenni.

In uno spazio centrale dedicato all’ascolto, ci immergiamo in un’esperienza sonora che diventa il cuore del racconto. Da qui, il percorso si espande: copertine di album, poster storici, fotografie e cimeli rari raccontano la complessità di un artista che ha rivoluzionato la canzone italiana.

Alla musica si affiancano un immaginario pittorico ricco di simboli e suggestioni mediorientali e una ricerca cinematografica che, negli anni più recenti, dà forma alle sue ricerche artistiche e spirituali, in continuità con la matrice musicale e in dialogo con la contemporaneità.

in testata: ph. Alessio Pizzicannella © Fondazione Franco Battiato

https://www.maxxi.art/events/franco-battiato-unaltra-vita/

DESSINS SANS LIMITE EXPOSITIONS CHEFS-D’ŒUVRE DE LA COLLECTION DU CENTRE POMPIDOU. GRAND PALAIS

 16 décembre 2025 - 15 mars 2026

Avec plus de 35 000 dessins, la collection du cabinet d’art graphique du Centre Pompidou est l’une des plus importantes au monde. Pour la première fois, plus de 300 œuvres de 120 artistes dont Dubuffet, Basquiat, Delaunay, Kentridge et bien d’autres révèlent, au Grand Palais, un art du dessin sans cesse réinventé.

La collection du cabinet d’art graphique du Centre Pompidou est l’un des plus importants ensembles au monde d’œuvres sur papier des 20e et 21e siècles. Ce fonds exceptionnel par sa richesse et sa diversité n’a encore jamais fait l’objet d’une exposition d'une telle ampleur. Dessins sans limite est l’occasion de révéler pour la première fois ces trésors inestimables et de comprendre comment ce medium s’est totalement réinventé au 20e siècle.

De nombreux artistes se sont emparés de ce mode d’expression originel et cathartique pour transgresser les limites de l’art. Au-delà de la feuille ou du traditionnel carnet, son domaine s’étend à d’autres supports. Le dessin a investi l’espace du mur, de l’installation et s’ouvre à d’autres pratiques : photographiques, cinématographiques ou numériques.


Le regain d’intérêt des jeunes générations d’artistes témoigne de la grande actualité de ce medium simple et accessible. L’exposition met à l’honneur des pièces majeures de la collection rarement montrées, notamment des œuvres de Balthus, Marc Chagall, Willem de Kooning, Sonia Delaunay, Jean Dubuffet, George Grosz, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, Karel Appel, Jean-Michel Basquiat, Roland Barthes, Robert Breer, Trisha Brown, Marlène Dumas, William Kentridge, Robert Longo, Giuseppe Penone, Robert Rauschenberg, Kiki Smith ou encore Antoni Tàpies.

Avec plus de 300 œuvres de 120 artistes, l’exposition propose une exploration inédite de la collection du cabinet d’art graphique, organisée autour de quatre séquences : étudier, raconter, tracer et animer. Sans ordre chronologique, le parcours est fondé sur une approche sensible où les œuvres se succèdent et se répondent dans un effet domino. Une plongée inédite dans un art fragile, inventif et toujours actuel.

https://www.grandpalais.fr/fr/programme/dessins-sans-limite

MANET & MORISOT EXHIBITION. FINE ARTS MUSEM. SAN FRANCISCO

This is the first major exhibition dedicated to the artistic exchange between French Impressionists Édouard Manet (1832–1883) and Berthe Morisot (1841–1895). Manet was the era’s great pioneer of modern painting, and Morisot, the only woman to exhibit under her own name in the original Impressionist group.


 Unfolding over a period of 15 years (1868–1883), this exhibition traces the evolution of a friendship between two groundbreaking artists. The story of their relationship has often been told through Manet’s early portraits of Morisot, with Morisot’s own work treated as an offshoot of Manet’s. 


Recent scholarship reveals that, by the final years of his life, Manet increasingly followed Morisot’s example — her choice of subjects and colors, and even her rapid, fluttering brushstrokes. Rich in new research, the exhibition recasts this celebrated artistic friendship — and, by extension, the story of modern art — in a fresh light.

The pleasures of Manet’s art lie in its graphic power, its dialogue with the old masters, its joyous, outsize ambition. 

The pleasures of Morisot’s are subtler ones of light and surface, of images that seem to shimmer with the possibility of their own disappearance.

 Manet was essentially a studio painter, producing pictures he hoped would look dashed off “at the first go” only through extensive revision. By contrast, Morisot was trained almost from the beginning as a plein-air (outdoor) landscape painter, capable of swift, decisive work under changing conditions of weather and light.

https://www.famsf.org/exhibitions/manet-morisot



"DONNE NELLA NAPOLI SPAGNOLA. "UN ALTRO SEICENTO" A NAPOLI

 
La Gallerie d'Italia - NApoli presenta "Donne nella Napoli spagnola. Un altro Seicento" dal 20 novembre 2025 al 22 marzo 2026.

A seguito del successo di "Artemisia Gentileschi a Napoli" (2022-2023), la Gallerie d'Italia propone il primo evento interamente focalizzato sulla Ruolo delle donne in 17th Arti del secolo a Napoli, un argomento mai analizzato sistematicamente prima prima nonostante il crescente interesse per le questioni legate al genere. L'alto livello di impegno scientifico e organizzativo che caratterizza questo evento mira a gettare solide basi per future ricerche in un campo di studio ancora piuttosto frammentato.

La mostra inizia con artiste donne provenienti da fuori città, come Lavinia Fontana e Fede Galizia. Le loro opere, create per i mecenati locali all'inizio del secolo, presentano sorprendenti somiglianze con le innovazioni introdotte da Caravaggio e offrono testimonianza delle intricate reti commerciali e di raccolta che si svolgevano in città.

Momenti chiave includono l'arrivo di Artemisia – qui rappresentata da importanti dipinti mai esposti prima in Italia – e il breve soggiorno di Giovanna Garzoni in città. Uno spazio considerevole è inoltre dedicato a Diana Di Rosa di Napoli, conosciuta come "Annella di Massimo", il vero alter ego di Gentileschi. Una sezione tematica è dedicata alle "dive" napoletane: la cantante di fama internazionale Adriana Basile e Giulia De Caro, il cui percorso da prostituta a impresario teatrale è emblematico di redenzione ed emancipazione. La mostra mette anche in evidenza figure meno conosciute, come la pittrice e miniaturista Teresa Del Po e la scultrice di cera Caterina De Iulianis, quest'ultima presentata accanto alla grande scultrice barocca andalusa Luisa Roldán.

La mostra vanta numerosi prestiti eccezionali, tra cui il ritratto di Maria d'Austria, regina d'Ungheria di Velázquez, e l'intenso ritratto di Maddalena Ventura, la "donna barbuta", figure femminili che lasciarono un segno indelebile su 17th-la Napoli spagnola del secolo.

La mostra è curata da Antonio Ernesto Denunzio, Raffaella Morselli, Giuseppe Porzio ed Eve Straussman-Pflanzer, con il patrocinio istituzionale dell'Ambasciata spagnola in Italia e il patrocinio della città di Napoli.

https://gallerieditalia.com/en/naples/exhibitions-and-initiatives/exhibitions/2025/11/20/exhibition-donne-nella-napoli-spagnola-un-altro-seicento-in-naples/#

domingo, 1 de febrero de 2026

INDIA CELEBRA SUS 77 AÑOS DE INDEPENDENCIA EN EL HOTEL INTERCONTINENTAL DE MADRID

El pasado 29 de enero, tuvo lugar la recepción que el Embajador Shri Jayant N. Khobragade, preparó  junto a su esposa, Sra. Priya Jayant  e integrantes de la legación hindú en España.

Muy bien escogido, con un personal acogedor y personalizado, el InterContinental Madrid (1953) fue inaugurado en el Paseo de la Castellana sobre el antiguo palacio del Duque de Aliaga, convirtiéndose en el primer hotel internacional de España. 

Fue un punto de encuentro clave tras el tratado de relaciones EE.UU.-España y durante la era dorada de Hollywood, en los años 50 y 60, el establecimiento alojó a figuras como Ava Gardner (quien vivió allí 10 años), Frank Sinatra, Elizabeth Taylor, Gary Cooper y Sophia Loren, entre muchos otros grandes actores del icónico universo del mítico Samuel Bronstein.

A su llegada los numerosos invitados, muchos militares, diplomáticos, amigos de la cultura del sudeste asiático, presentaron su saludo oficial a todos los representantes de la embajada citada.

Se escuchan los himnos nacionales de India y España. A continuación, los discursos del representante diplomático asiático, al que siguió -extenso y exhaustivo- el de Fernando Mariano San Pedro, secretario de Estado para la Unión Europea. 

La velada coincidió con las jornadas de FITUR, la feria de turismo en la que India siempre cuenta con una manifestación nutrida y numerosas actividades de representación política, cultural y por supuesto, la que involucra los viajes y el comercio con el gigante asiático. Sin olvidar el amplio territorio que recrea la IA y los adelantos tecnológicos.





Hubo también un brindis, en el que los dos diplomáticos compartieron los mejores deseos de prosperidad y cooperación en un marco de democracia y progreso.
                                                                                             

Se pudo disfrutar de actuaciones de baile multiculturales, que estrecharon los vínculos entre los dos países y un cocktail muy bien servido, pero lo más importante, la capacidad de los anfitriones para acercarse a los presentes y el diálogo fluido entre todos los asistentes, dando ocasión para el contacto amistoso o simplemente, de negocios, con vistas a futuro.

Ursula von der Leyden, actual presidenta de la Comisión Europea desde 2019. expresó su satisfacción con la firma del reciente tratado entre India y la UE, especificando las posibilidades que se abren en un mercado de millones de personas, calificándolo como “la madre de todos los tratados”. Hecho que no dejó de subrayar Xavier Vidal- Foch, en un artículo en un diario nacional de gran tirada el 31 de enero, actualizando la información que tenemos sobre un país lleno de oportunidades, en un continente que no deja de crecer. La embajada de la India es una de las que más actividades, encuentros y foros ofrece actualmente en la capital de España, completando la participación que también aporta la Casa de la India de Valladolid. Por lo tanto, esta legación que representa a un hermoso y variado país es percibida como una de las más activas y colaboradoras del panorama diplomático de Madrid y España.

Alicia Perris, Fotos y texto


miércoles, 28 de enero de 2026

MUSEO THYSSEN, EXPOSICIÓN DE RAUSCHENBERG. ARTS IN THE CITY, SUGGESTIONS EXPOSITIONS. LES MONDES DE COLETTE. LA BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DE FRANCE


Nota de prensa

En el marco de la conmemoración internacional del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg (1925–2008), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation, presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de sus pinturas serigrafiadas más representativas, perteneciente a la Colección Thyssen-Bornemisza.


La instalación propone nuevas perspectivas sobre esta pieza clave en la trayectoria del artista. A través de ella se exploran tanto las fuentes de su rica iconografía como el impulso experimental que llevó a Rauschenberg a eliminar fronteras entre disciplinas y a colaborar con creadores de ámbitos como la danza, la performance, las artes visuales o la ciencia. También se dedica atención a la importancia de esta obra en su consagración internacional, al recibir en 1964 el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Venecia.







COLETTE. BNF





La Bibliothèque nationale de France consacre une grande exposition à Colette (1873 - 1954), figure essentielle de la littérature du XXe siècle. Classique ou moderne? Libre ou entravée? Moraliste ou amorale? Engagée ou apolitique? Authentique ou artiste du «demi-mensonge»? Romancière, journaliste, scénariste, publicitaire, comédienne? La femme et ses doubles littéraires n’en finissent pas d’interroger et de fasciner.

L’exposition, avec plus de 300 pièces, dessine les mondes d’une femme indépendante, souvent en avance sur son temps, qui a su construire une œuvre novatrice, audacieuse, parfois transgressive, toujours d’une étonnante actualité. 

Manuscrits, peintures, photographies, estampes et quelques objets emblématiques viennent éclairer les thèmes traversant l’œuvre et la vie de Colette – le féminin, l’identité, l’émancipation, la nature, le désir – mais aussi le jeu de miroir permanent entre l’autrice du Blé en herbe et ses personnages, entre fiction et écriture de soi.

L’exposition, avec plus de 300 pièces, dessine les mondes d’une femme indépendante, souvent en avance sur son temps, qui a su construire une œuvre novatrice, audacieuse, parfois transgressive, toujours d’une étonnante actualité. Manuscrits, peintures, photographies, estampes et quelques objets emblématiques viennent éclairer les thèmes traversant l’œuvre et la vie de Colette – le féminin, l’identité, l’émancipation, la nature, le désir – mais aussi le jeu de miroir permanent entre l’autrice du Blé en herbe et ses personnages, entre fiction et écriture de soi.

L’exposition en bref

Colette, pionnière de l’autofiction

Croisant la présentation de livres et de manuscrits avec un dispositif visuel très riche fait de photographies, estampes et peintures, extraits de films et d’entretiens, projections sur grand écran et réinterprétation d’un costume de scène, l’exposition est à la fois immersive et réflexive. Elle est organisée en cinq grandes sections thématiques, croisant la double chronologie des publications et de la vie de Colette. 

Chacune des parties restitue l’expérience que constitue la lecture de l’œuvre de Colette, dans sa profonde sensibilité et sa richesse interprétative, tout en revenant sur la relation étroite qui s’est toujours nouée, chez l’autrice, entre l’écriture et la vie. La Naissance du jour (1928) est l’une des œuvres qui en témoigne le plus explicitement. 

Manuscrit et correspondance montrent comment Colette reprend et transforme les lettres de sa mère, Sido, pour écrire ce livre par lequel, passé la cinquantaine et après un second divorce, l’écrivaine cherche à se construire un « modèle » venant redéfinir son rapport à l’amour et au passage du temps.

Les manuscrits montrant sa collaboration avec Willy, Claudine en ménage (1902), Claudine s’en va (1903) et Minne (1904), permettent pour leur part de se faire une idée précise des débuts de l’écrivaine et de sa singulière entrée en littérature, elle qui ne signa ses livres de son seul nom, Colette, qu’à partir de 1921. 

Les mondes fictifs qui composent l’œuvre de Colette tendent à se présenter aux lecteurs comme réels, tant ils font écho à ceux que traversa Colette assidument occupée à vivre autant qu’à écrire. Miroirs, fictions, avatars, autofiction dessinent autant de doubles qui viennent mettre en abyme cette création littéraire.

Exposer l’œuvre d’une vie

Colette a laissé une œuvre profuse, écrite tout au long de la première moitié du XXe siècle. Sa liberté de ton et de mouvement, sa largesse d’esprit ainsi que son écriture singulière, d’une grande attention à tous les mouvements de la vie, lui ont donné la faveur du public. 

Elle incarne en outre une forme d’indépendance rare pour une femme de cette époque, dont son œuvre littéraire se fait largement l’écho. Ses lectrices notamment, comme Simone de Beauvoir, ont trouvé dans ses textes – fiction, journalisme, essais – le tableau sans fard d’une condition féminine diverse, abordant sans crainte, à contre-courant de la bienséance, les questions les plus sensibles comme celles du désir ou de la maternité.

L’attention à soi s’est toujours accompagnée chez Colette d’une exceptionnelle ouverture au monde extérieur, conformément à l’injonction de sa mère, «Regarde ! », qui donne son titre à un beau livre illustré par Maturin Méheut. La présence de la faune et de la flore se voit associée au sein de lexposition à des œuvres dAndré Dunoyer de Segonzac, de Raoul Dufy, d’Émilie Charmy et de Louise Hervieu. Mais Colette est aussi lemblème dune liberté chèrement acquise par lindépendance financière que procure le travail. 

C’est ainsi avec une attention également acérée que l’écrivaine dépeint ceux dont elle partagea un temps le quotidien, les figures de L’Envers du music-hall (1913), livre dont le manuscrit présenté dans l’exposition est accompagné de nombreuses photographies de scène, ainsi que de tableaux de Marie Laurencin et de Kees Van Dongen.

Repoussant les frontières de la littérature, l’intense activité journalistique de Colette, accompagnée de nombreux extraits de films, donne pour sa part à voir, à rebours de ses prises de position apolitiques, une autrice très sensible aux évolutions sociales et techniques ainsi qu’aux soubresauts de l’histoire.

Commissariat

Commissariat

Émilie Bouvard, historienne de l’art, directrice des collections, Fondation Giacometti

Julien Dimerman, conservateur, responsable de la Bibliographie de la littérature française au département Littérature et art, BnF

Laurence Le Bras, conservatrice en chef, cheffe du service des Manuscrits modernes et contemporains au département des Manuscrits, BnF

https://www.bnf.fr/fr/agenda/les-mondes-de-colette

BRU ZANE LABEL: SONGS WITH ORCHESTRA, JULES MASSENET. IN BLOOM HOW PLANTS CHANGED OUR WORLD. ASHMOLEAN MUSEUM, OXFORD

CD


Songs with Orchestra – I

di Jules Massenet


Hervé Niquet direzione

ORCHESTRE DE CHAMBRE DE PARIS



Nicole Car soprano
Jodie Devos soprano
Cyrille Dubois tenore
Étienne Dupuis baritono
Véronique Gens soprano
Chantal Santon Jeffery soprano


1 CD / 80 pagine


ASHMOLEAN MUSEUM

19 March-16 August 2026

How much do we really know about the plants and flowers in our gardens and vases? Beyond their beauty, many have surprising stories of exploration, exchange, and discovery. In Bloom takes visitors from Oxford across the world and back, tracing the journeys that some of Britain’s most familiar blooms travelled to get here. 

Featuring more than 100 artworks, including beautiful botanical paintings and drawings, historical curiosities and new work by contemporary artists, the exhibition follows the passion and ingenuity of early plant explorers and the networks that influenced science, global trade and consumption.  Visitors will learn how plants changed our world and left a legacy that still shapes our environments and back gardens today.

The Ashmolean itself owes its existence to two obsessive gardeners who set out to 'collect the world'. In the seventeenth century John Tradescant the Elder and the Younger, gardeners to royalty and aristocracy, travelled to the Low Countries, France, Russia and North America, gathering plants, seeds, specimens and intriguing objects that later formed the Ashmolean's founding collection. 

In Bloom returns to this origin point, examining how plants were acquired, classified and circulated in the seventeenth century, and how the wish to grow and understand them shaped knowledge and culture.

Many of our most beloved species of plants and flowers, including tulips, roses, orchids and camellias, reached Britain through the networks of empire linking Europe, Asia, Africa and the Americas. Seeds, dried specimens and living plants travelled along the same maritime and commercial routes that transported people and goods, a movement that often depended on the expertise of local people that went unrecorded in Western accounts. 

Some arrivals triggered intense public interest. Tulips fuelled the Dutch speculative bubble known as 'tulipomania' which, at its height in the 1630s, saw rare tulip bulbs being sold at the cost of a canal-side house. Ferns, orchids and rhododendrons too inspired later Victorian collecting frenzies. Other plants became woven into everyday life. Tea, now integral to British identity, grew into a powerful commodity whose cultivation and trade had far-reaching economic and political effects.

Oxford played a central role in advancing botanical knowledge. The University’s Physic Garden, founded in 1621 – now the oldest botanical garden in Britain - provided a controlled environment for testing how unfamiliar species adapted to new conditions. 

Early herbaria (dried, pressed plants), seed collections and teaching aids were developed here. The exhibition includes an extraordinary group of nineteenth-century papier-mâché models of enlarged plants and flowers that were made so that students could see intricate botanical structures for scientific study.

Another innovation featured in the exhibition is the 'Wardian Case' (c. 1870), a revolutionary sealed glass container, developed by Nathaniel Ward in the 1840s. This ingeniously simple solution facilitated long-distance plant transport and made it possible for living specimens to survive long voyages, encouraging the mass movement of plants across the world.

This transportation of plants came with significant costs to colonised and indigenous peoples. As European demand for profitable and desirable species grew, collecting and cultivation began to reshape local ecologies and economies. 

In many regions, land was reorganised for export crops and large single-species plantations, creating 'monocultures' that replaced local biodiversity and made communities more vulnerable to environmental and economic shocks. 

Britain’s role in the opium trade, which contributed directly to the Opium Wars (1839-60), was a notoriously exploitative chapter in the nation’s history. The global spread of tea and other cash crops shows how botanical collecting, commerce and imperial ambition often carried consequences beyond the plants themselves.

In Bloom also explores the visual traditions that shaped how plants were recorded and understood. Paintings, drawings and prints by some of the greatest botanical artists of all time - Rachel Ruysch, Maria Sibylla Merian, Georg Dionysius Ehret and Ferdinand Bauer - show how artists and illustrators became essential to identifying species, comparing varieties and sharing information across borders. 

This was also the period in which Carl Linnaeus (1707–78) set out the system of naming and classifying plants that is still used today. This legacy remains visible in the work of some of the most celebrated modern botanical artists - Rory McEwen, Pandora Sellars and Fiona Strickland - whose exceptional works are also on view.

The exhibition closes with new contemporary works by Anahita Norouzi, Kate Friend, Işık Güner, Alexandra Daisy Ginsberg and Justine Smith. 

Their works range from human-sized botanical drawings to spectacular tapestries designed from the perspective of pollinating insects.  

These are followed by Fran Monks’s photographic commission spotlighting five leading Oxford academics working at the forefront of plant science and conservation today, whose research is expanding our understanding of the environment, ecology and our changing climate. 

Seen together, these works demonstrate how the impulse to study, protect and reinterpret the plant world continues to shape both scientific thinking and public imagination.

Dr Francesca Leoni and Dr Shailendra Bhandare, co-curators of the exhibition, say: ‘In Bloom offers the rare chance to understand, appreciate and contemplate the histories of some of our best loved blooms. Unravelling stories of great scientific achievements, daredevil explorations and networks of exceptional individuals, it presents a vivid curatorial account of how our world was changed by our interactions with plants, through outstanding objects, with a conscious attempt at delivering an environmentally responsible exhibition.’

https://www.ashmolean.org/press/in-bloom-press-release