Jean Moulin parachute en France occupée et unit les résistants sous de Gaulle. Capturé et torturé par le chef de la Gestapo Klaus Barbie, son silence absolu contribue à la libération de la France.
MOULIN Bande
Annonce (2026) Gilles Lellouche, Lars Eidinger, Louise Bourgoin
Dal 20 ottobre all’8 dicembre 2026, la Galleria Borghese ospita “Tiziano. Dialoghi tra Sacro e Profano. La Galleria Borghese incontra l’Annunciazione della cattedrale di Treviso”, a cura di Maria Giovanna Sarti. La mostra dossier propone per la prima volta un confronto diretto tra l’Annunciazione di Tiziano, proveniente dalla cattedrale di Treviso, e le opere del maestro veneto già conservate nelle sale del museo.
L’iniziativa fa parte delle celebrazioni per il 450° anniversario della morte di Tiziano e prosegue il percorso delle mostre dossier con cui la Galleria Borghese approfondisce singoli temi o nuclei della propria collezione attraverso il confronto con opere provenienti da altre istituzioni. Un format inaugurato nel 2022 proprio con un progetto dedicato a Tiziano: “Tiziano. Dialoghi di Natura e di Amore”, che aveva accostato la Ninfa e Pastore del Kunsthistorisches Museum di Vienna ad alcuni dipinti tizianeschi della collezione Borghese.
Il fulcro della mostra è l’Annunciazione della cattedrale di Treviso, trasferita temporaneamente a Roma in occasione dei lavori di restauro degli affreschi realizzati dal Pordenone nella cappella Malchiostro. Prima del prestito, la tavola è stata interessata da un importante intervento conservativo, che ha permesso di acquisire nuovi elementi per la sua interpretazione. Tra questi, un’iscrizione con la data, la firma di Tiziano e un riferimento alla committenza.
La mostra è
realizzata grazie al generoso prestito della Diocesi di Treviso, con il
contributo scientifico della Fondazione Centro Studi Tiziano e Cadore e con la
collaborazione della Magnifica Comunità di Cadore, con il supporto di DBA
Group.
https://galleriaborghese.cultura.gov.it/exhibition/tiziano-dialoghi-tra-sacro-e-profano/
Dans le Paris moderne, la danseuse Anastasia rejoint l'Opéra Garnier et répète l'opéra maudit Orphée, prétendument composé par le Fantôme. Elle tombe amoureuse d'un pianiste mystérieux alors que la première approche.
LE FANTÔME DE
L'OPÉRA Bande Annonce (2026) Deva Cassel, Julien De Saint Jean, Romain Duris
16 septembre 2026 – 4 janvier 2027
Une plongée
fascinante à la découverte d'un art du trompe-l'oeil en Corée, entre
bibliothèques savantes et mondes oniriques !
À quoi peut
servir une bibliothèque lorsque le temps manque pour lire ? À l’heure où le
savoir circule sur les écrans, s’évader par la lecture devient parfois un luxe
et la bibliothèque est alors souvent plus regardée que pratiquée.
Ce dilemme n’est
pas nouveau. Dans la Corée de la fin du 18e siècle, le roi Jeongjo (r.
1776-1800) y est déjà confronté. Pris par les affaires de l’État, n’ayant que
peu le temps de lire, il passe commande aux artistes officiels de l’Académie
royale de peinture de réaliser un paravent reprenant sa bibliothèque en
trompe-l’œil, pour rester proche de ses livres. Il trouve ainsi dans la
contemplation de cette peinture un moyen de demeurer symboliquement entouré de
ses précieux ouvrages : un trompe-l’œil prolongeant l’esprit du cabinet
d’étude, stimulant la vertu, la curiosité et la conversation savante.
Les ambassades coréennes à Pékin jouent alors un rôle déterminant. Les envoyés de Joseon y découvrent les cabinets de trésors chinois, ainsi que l’art jésuite de la perspective, diffusé à la cour des Qing et dans les églises de la capitale impériale par les artistes européens. L’alliance entre l’accumulation érudite chinoise et le savoir-faire européen en matière de trompe-l’œil nourrit l’inventivité des peintres coréens, qui développent un usage singulier de la perspective, le chaekgeori.
Pour la première
fois au musée Guimet, une exposition redonne à ce mouvement pictural sa place
centrale, loin de l’image folklorique ou purement décorative qui lui est trop
souvent associée.
Elle tisse des liens entre l’art jésuite et
l’art coréen, montre l’impact des ambassades coréennes à la cour de Chine,
notamment à travers un exceptionnel rouleau peint de plus de cinq mètres du 18e
siècle présenté pour la première fois, et révèle la diffusion des codes de la
perspective grâce à des œuvres provenant du Louvre et du Asian Civilisation
Museum de Singapour. Elle démontre également que la Corée du Joseon était tout
l’inverse d’un « royaume ermite » mais un pays ouvert, curieux, en dialogue constant
avec le monde.
Chez les lettrés
de Corée, livres, porcelaines ou objets précieux peuplent d'étonnants
trompe-l'œil, où le savoir devient art.
Une exposition qui fait se rencontrer et dialoguer d'exceptionnels paravents coréens et les objets, bien réels, qui les composent.
Bien avant
Instagram ou Pinterest, ils dévoilent ce que l'on rêve de posséder.
Une exposition
organisée avec le soutien de Korean Air
Dans le cadre de
l'année Corée au musée Guimet
8 October 2026 - 11 April 2027.
The
civilisations that first created Aphrodite disappeared long ago. Her image
never did.
Step into the world of Aphrodite, the Greek goddess of love, beauty and desire – later worshipped by the Romans as Venus – in this major exhibition.
Few figures
in human history, and fewer women still, have remained so influential for more
than 5,000 years. From her earliest origins on the island of Cyprus to her
enduring presence in art, fashion and popular culture, Aphrodite has been
continually reimagined across the centuries.
Bringing
together archaeology, sculpture, painting, contemporary art and fashion, the
exhibition traces Aphrodite's remarkable journey through the ancient Greek and
Roman worlds, Renaissance Europe, and into the present day. Discover the myths,
images and ideas that transformed an ancient deity into one of the most
recognisable figures in Western culture.
Featuring
over 150 extraordinary objects spanning more than 5,000 years of history, this
major exhibition offers a fresh perspective on how Aphrodite's image has shaped
changing ideas of beauty, love, femininity and desire, and why she continues to
captivate us today.
Aphrodite,
the Greek goddess of love, beauty, and desire who later became worshipped by
the Romans as Venus. Today, she is thought of as a symbol of passion and beauty
but her story is far older and more complex. Uncover the making of a goddess
whose legacy still shapes our ideas of love and beauty today.
https://www.ashmolean.org/exhibition/aphrodite-the-making-of-a-goddess#collapse5784771
Experience / 10 September 2026 – 11 July 2027
For the first time since it was made nearly 1,000 years ago, the Bayeux Tapestry has returned to England.
Following a historic agreement with France, the 70-metre-long tapestry, depicting events leading up to the Battle of Hastings and the Norman Conquest of England in 1066, is being loaned to the British Museum from September 2026 to July 2027.
This monumental embroidery tells the dramatic story of a moment that changed England forever. No year in the country's history is more famous than 1066.
It was the
last time England was successfully invaded, and it is the year from which the
modern monarchy dates itself. And there is no other object that is as instantly
recognisable, as studied in schools and as copied by artists as the Bayeux
Tapestry.
One of the wonders of the medieval world, the Tapestry offers a vision of life in 11th-century England both before and after the Conquest, from castles, warfare and ships to clothing, food and furniture. Likely commissioned by a Norman patron and made by English embroiderers, using manuscript drawings from Canterbury, the Tapestry is both a precious historical record and a remarkable work of art.
https://www.britishmuseum.org/exhibitions/bayeux-tapestry
London Philarmonic Orchestra. Obras de Casals, Brahms y Sibelius. Auditorio Nacional, Madrid, 28 de octubre de 2026
Programa
Pau Casals (1876-1973)
Preludio de El pessebre
Johannes Brahms (1833-1897)
Concierto para violín y violonchelo en la menor, op. 102
(Doble concierto)
Allegro
Andante3
Vicace ma non
troppo
Segunda Parte
Jean Sibelius (1865-1957)
Sinfonía nº 5 en mi bemol mayor, op. 82
Tempo molto
moderato. Allegro moderato- Presto
Andante mosso,
quasi allegretto
Allegro molto,
misterioso
Director,
Edward Gardner
Violín,
Julia Fischer
Violonchelo,
Daniel Müller-Schott
“Tanto en el arte como en la vida, todos los hombres,
sean de donde sean, comprenderán el lenguaje que sale del corazón” (Pau
Casals, durante la presentación del oratorio El pessebre).
El concierto, una de las grandes convocatorias de la
conmemoración Internacional Casals 150: Música para la Paz, sobre la que
el propio violonchelista escribió: “Mi contribución a la paz, podrá ser
pequeña, pero al menos lo daré todo por un ideal que para mí es sagrado”.
En efecto, la relación del maestro con la LPO fue muy especial: el 29 de
septiembre de 1963 dirigió en a esta formación y su coro, en El Pessebre,
convirtiendo aquella interpretación en un canto de esperanza que hoy se
recuerda con admiración y agradecimiento.
El preludio del Pessebre, tiene perfume pastoril, folklórico y amable, casi feliz y jocoso, por momentos, de reflexión pausada, otros, en una pieza restringida en el tiempo de ejecución que condensa una geografía de sentimientos y antropología. Unida a la historia del propio Casals, con su habitual fidelidad a Bach y concebido desde el dolor del exilio y como un clamor universal de paz, este breve preludio entrelaza de esta forma, tintes folclóricos catalanes con una escritura contrapuntística que toma su inspiración directa del músico alemán.
La interpretación de este fragmento introductorio por parte
de la London Philarmonic y su director, Edward Gardner fue majestuoso,
ajustado, sin desbordamientos, con una meticulosidad casi germánica. Bien
pautada, perfectamente interpretada y ejecutada también, por un grupo de
músicos que sin embargo no recordaba en número, la afluencia sonora de las macroformaciones
musicales.
En otro estilo, otorgando gran preponderancia a los dos solistas presentes de la cuerda, el Doble concierto para violín y violonchelo de Brahms nos retrotrae al estío en el lago suizo de Thun. Dedicada al violinista Joseph Joachim, esta partitura nació con la intención explícita de recuperar una amistad rota, tal como se explica con claridad en las notas al concierto perfectamente inspiradas del cronista. Se trata de un diálogo intenso y de una comunicación febril entre los dos solistas, que simboliza musicalmente esa búsqueda de equilibrio, olvido de las afrentas y finalmente, reconciliación, que baña toda esta creación brahmsiana.
La violinista, Julia Fischer (Múnich, 15 de junio de
1983) es además una importante pianista alemana. Comienza el estudio del violín
a la edad de cuatro años con el Método Suzuki. Es admitida en el Conservatorio
Leopold Mozart de Augsburgo teniendo como profesora a Lydia Dubrowskaya; a la
edad de nueve años continúa luego en la Academia de Música de Múnich con Ana
Chumachenco. Ha recibido numerosos premios, realizado grabaciones y actuado con
formaciones y directores de orquesta de mucho prestigio. Sólo un ejemplo: para
el Teatro de La Scala de Milán en 2003, el Concierto para violín n.º 3 (Mozart)
en el Teatro degli Arcimboldi y en 2005 el Concierto para violín n.º 2 de
Prokófiev dirigida por Lorin Maazel. En 2005 se realiza el Concierto para
violín de Brahms con la Orquesta Sinfónica de Radio Berlín en el Teatro
comunale Luciano Pavarotti de Módena.
Fisher tiene una sensibilidad a flor de piel. Vestida en
tonos burdeos con falda estampada, su capacidad para comunicarse con el
concertino, el director, su compañero en el violonchelo y el público de la
sala, es prodigiosa. Femenina y refinada, girándose continuamente en los
momentos en que no blandía el violín como un arma de poderosa cadencia, deleitó
con su gran fuerza técnica e interpretativa.
Ha disfrutado y sigue haciéndolo en los instrumentos de los
mejores luthiers: Guarnieri, Stradivarius, Guadagnini de 1742 o uno muy actual
de 2018, de Philipp Augustin. Forma una pareja musical excelente y compenetrada
hasta el final con el chelista Daniel Müller-Chott, un artista a quien
el New York Times define como alguien de una “expresividad intensa” y un
“intérprete audaz con una técnica excepcional”. Abrazos, ramos de flores y reiterados
saludos a la audiencia que les dedicó muchísimos aplausos, sellaron esa
fantástica compenetración.
Para terminar, la Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, Op.
82 fue compuesta por Jean Sibelius entre 1915 y 1919. Se dice que
durante la Primera Guerra Mundial los contactos de Sibelius con el mundo
exterior eran escasos por la guerra y las presiones financieras le obligaron a
producir un gran número de pequeñas piezas para editores finlandeses. Al mismo
tiempo, planeaba un nuevo tipo de sinfonía. En el verano de 1914, justo después
del estallido de la Primera Guerra Mundial, escribió que había tenido una idea para
"un tema encantador". En otoño de 1914 escribió una profecía a su
amigo Axel Carpelan: "Otra profundidad de miseria. Pero ya puedo
vislumbrar la montaña a la que ascenderé (...) Dios está abriendo sus puertas
por un momento, y su orquesta está tocando la quinta sinfonía."
El compositor recibió por parte del gobierno finlandés el
encargo de escribir una sinfonía para celebrar su quincuagésimo cumpleaños, que
fue declarado día de fiesta nacional en Finlandia. La tercera y última versión
de esta partitura fue estrenada el 24 de noviembre de 1919 por el propio
compositor junto con la Filarmónica de Helsinki. Es la más conocida e
interpretada en la actualidad.
Contrariamente a la tradición, la sinfonía consta de tres movimientos: el primero Tempo molto moderato, está escrito en la tonalidad de mi bemol mayor, en compás de 12/8 y sigue la forma sonata. Aquí el compositor no se limitó a replantear sus materiales básicos. Sibelius tenía la intención de dividir el primer movimiento en dos partes separadas, pero logró unirlas. Así, el movimiento se inicia con una llamada de las trompas que contiene gran parte del material musical de la obra.
El segundo movimiento, Andante mosso, quasi allegretto, está
en sol mayor y en compás de 3/2. Estructuralmente es tan simple como complejo
es el movimiento inicial, pero en absoluto simplista. El tercer y último
movimiento, Allegro molto, retoma la tonalidad inicial y el compás es 2/4.
Arranca con una melodía rápida interpretada por las cuerdas en tremolando, una
especie de zumbido. Este motivo balanceante en las trompas se dice que fue
inspirado por el canto de los cisnes. Como escribe un especialista, “Sibelius
asigna a las flautas y cuerdas una de sus más famosas melodías. El ímpetu se
mantiene mientras los dos temas siguen un curso complejo a través de varias
tonalidades y disonancias masivas… hasta que Sibelius decreta el silencio,
seguido de seis acordes que llevan su odisea a un puerto seguro y feliz”.
Según Roger Dettmer, es un triunfo del ingenio estructural y una validación de la música no programática cuando los lisztianos de todo orden -sobre todo Richard Strauss y Gustav Mahler- estaban deconstruyendo el arte "absoluto".
El concierto no podía terminar sin la última ofrenda fuera de programa de la LPO, con la Valse triste, de Sibelius, que cerró una velada extraña, enlutada, aunque magníficamente iluminada por los rayos de una música que la formación británica supo individualizar y destacar en planos elegantes, nada pretenciosos ni efectistas, pero clarísimos en su estructura expresiva y en una geografía sembrada de emociones.
Al comienzo de la velada Jordi Pardo, director
general de la Fundación Pau Casals asimismo, había señalado que: «Este
concierto es uno de los actos destacados de la conmemoración del 150.º
aniversario del nacimiento de Pau Casals y nos brinda una oportunidad para
reivindicar su extraordinario legado musical y humanístico. Madrid fue una
ciudad importante en su formación y trayectoria, y es especialmente emotivo
volver a ella a través de su música. Un legado que nos recuerda el compromiso
de Casals con la paz, la libertad, la democracia y los derechos humanos».
Esas ideas y esa transmisión son justamente las que se han
desgranado y se percibieron durante toda la conmemoración. Toda una
arquitectura de convicciones y afectos, de gracia. Gracias a todos por este
recordatorio, en estos tiempos de inmisericordes, un verdadero “must”0..
Alicia Perris
Fotos: © Rafa Martín | Ibermúsica
