sábado, 30 de marzo de 2024


Roma, 26 Marzo 2024 - Il Presidente della Repubblica, Sergio Mattarella, ha inaugurato questa mattina la mostra dal titolo: “Napoli Ottocento”, allestita alle Scuderie del Quirinale. Ecco le immagini. / Quirinale




LA ESFERA DE LOS LIBROS, S.L.- 9788413847924


Florencia, año 1743. A la princesa Anna Maria Luisa, última gobernante de la familia Medici en Toscana, le quedan pocos meses de vida. Los enemigos acechan y ella, con sus últimas fuerzas, lucha por evitar que el ingente patrimonio de su dinastía sea saqueado por el imperio austriaco.

En la epoca actual, Ann Carrington, una profesora americana, recibe el encargo de viajar a Lisboa y pujar en una subasta por un libro del siglo XVIII dedicado al famoso Fiorentino, el diamante de los Medici. De forma casual, entre sus páginas descubrirá unos extraños números que, claramente, esconden un mensaje cifrado. ¿Serán las coordenadas que conducen a los tesoros perdidos de la familia ducal?

Así da comienzo un trepidante thriller histórico que arrastra a sus protagonistas por media Europa, en una carrera en la que no todos son quienes dicen ser ni persiguen los mismos fines.


 Due out on 13 February 2024 for the PlayStation 5, Microsoft Windows, Xbox Series X and Series S consoles, Banishers: Ghosts of New Eden is an upcoming story driven action-RPG where player decisions have dramatic consequences. In the game, players assume the role of Antea Duarte and Red mac Raith who act as ‘Banishers’ – ghost-hunters who have to solve haunting cases whilst also protecting the living. At the same time, players are also able to unlock new gear and abilities, whilst uncovering ancient secrets and mysteries in a campaign that’s promised to be “between 20 and 30 hours, maybe more“.

I spoke to Philippe Moreau (Creative Director, Don’t Nod) and Karim Benfares (Executive Producer, Don’t Nod) about Banishers, and also got to ask them as to what it is about Don’t Nod that allows the studio to make games that are considered to be fairly unique in an increasingly formulaic market. Enjoy!

Phillipe Moreau: Well, we could say that it’s a story-driven action RPG that’s set in the haunting wilds of the 17th century in New England. We are in an alternate version of history where witches have real powers and ghosts exist. So you play as a couple of Banishers who are basically ghost hunters – named Red and Antea, a male and a female – and you are here to solve haunting cases. But the twist of the game is that one of the characters dies at the very beginning of the game, Antea, and so she comes back as a ghost herself. And so you will play this duo throughout the game, this couple, and you can switch from one character to another very seamlessly. And it’s a game centered around choices, because during the game you will have to make choices, and this will have an impact on how the couple will evolve throughout the game, and how the fate of the human beings will also be altered.

Your studio, Don’t Nod, has also done Life is Strange, and is therefore renowned for its story-driven games that are quite eclectic. Why do you think your studio makes the kind of games that it does, and what is it about your studio that you think makes it unique in an industry where so many other titles happen to be so formulaic. What is it about the creative process of Don’t Nod that separates it from other studios out there and their products?

Karim Benfares: I think that our unique way to do games is because we think about stories first. I’m sure that some other studios will think about gameplay first or art first. Of course we do think about those too, but first we think about stories first. We think about the fact that everything must be logical and make sense about its story first. That’s why I think our games are unique. The second thing is probably because we always try to use a realistic setting that we can then mix with a supernatural aspect. In Life Is Strange, it was about rewinding the time. In Banishers, it’s because ghosts exist. And thanks to that, we can create atmospheres where the players can immerse themselves easily, because we have the realistic aspect, but at the same time, we also have this supernatural aspect as a twist.

If I remember correctly, Remember Me was the first title that Don’t Nod did, so that must mean that you guys have been going for about 15 years. How long have both of you been with Don’t Nod?

Phillipe Moreau: So I started working at Don’t Nod 13 years ago on Remember Me as a Game Designer, more specifically as a Combat Designer. And then I worked on Vampyr as a Game Director. And now I’m working on Banishers.

And yourself, Mr Benfares?

Karim Benfares: My story is a bit different. I joined Don’t Nod 5 years ago after my previous project at Quantic Dream where I worked on Detroit: Become Human as the Senior Producer. And to be fair, I was also very interested in Vampyr, and thought that it was a great game, even if it did have some flaws. But in a sense, I really liked it. And I had the opportunity to join Don’t Nod, but only if I could join the Vampyr team. And this is exactly what happened, where I joined Philippe’s team just after Vampyr to create Banishers.

What’s the likelihood of Banishers coming to GamePass when it’s released, or anytime soon?

Karim Benfares: It’s not expected. We don’t know. I don’t think so.

What’s your opinion on GamePass and subscription services in general?

Karim Benfares: Well, my personal point of view is that I think it’s going to work. It’s working. I think it changes the way in how we consume games, if I can say…

In a healthy way, or in a bad way?

Karim Benfares: It depends… If we talk about customers, if we talk about players, I think it’s great for them. They have the opportunity to access a huge library of games, so I think it’s great for them. They can, with only a few bucks, play a ton of games easily, and probably have huge knowledge of video games. This is insane, and I think it’s great.

What about from an industry standpoint?

Karim Benfares: From an industry standpoint, it can be great because for some developers who may struggle to create games that make money, it can be great because they can have the opportunity to just have one game on GamePass. However, I think it can be dangerous at the same time. Because it can create a kind of “game-for-hire”, or “work-for-hire” system. Like the cinema industry and Netflix, where you can just have one game and you are paid for that, but you have no access to royalties or anything like that. You are just paid for one game, and then have to create another one. And I think that studios may become too dependent on Microsoft if it becomes too big. I think we have to keep both so as to make sure that studios and publishers can live together.

What’s the post-release strategy for Banishers? Any DLC or new characters?

Karim Benfares: We are thinking about it.

How long has the game been in development for?

Karim Benfares: Almost 5 years.

Last question… Going forward, you were able to make Life is Strange into some sort of a franchise. However, Remember Me and Vampyr were pretty much standalone games. What are your hopes for Banishers? Do you think we can expect more Banishers games in future, or is it going to be pretty much a standalone title? And after Banishers, what are your future plans as a studio?

Phillipe Moreau: I don’t think we can say too much about it because we’re still in the process of growing the project and wanting it to evolve. But one thing’s for sure is that we want to capitalize on Banishers. If the IP is good enough, and if the reception is good from the audience and players… For sure, we’d want to continue to make action RPGs because we want to iterate upon our strengths, and want to learn from our mistakes, and do even better games next time. So I think we are in a good place. For Vampyr, we learned a lot, and we fixed a lot of the issues that we had. But I think Banishers will be even better. And hopefully in the future, our next games, our next action RPGs will be in the same spirit… Always narrative driven games, but always trying to be better.

Thank you so much…


HÔTEL DE LA MARINE, PARIS: Conférence "D'or et d'argent : les arts du métal à la Renaissance" par Julie Rohou. MARLON BRANDO: HOLLYWOOD REBEL BY BURT KEARNS

Conférence "D'or et d'argent : les arts du métal à la Renaissance" par Julie Rohou

Dans le cadre de la nouvelle exposition Le Goût de la Renaissance. Un dialogue entre collections., présentée par la Collection Al Thani à l'Hôtel de la Marine, nous vous donnons rendez-vous pour une conférence consacrée aux arts précieux du métal à la Renaissance avec Julie Rohou. Orfèvrerie, joaillerie, armement d'apparat, ... vous découvrirez comment l’art de la Renaissance s’est incarné dans les œuvres en métal précieux, reflets du statut et du goût de leur propriétaire, collectionnées comme des œuvres d’art et thésaurisées comme des réserves monétaires par les princes du XVIe siècle. 

Julie Rohou est conservatrice du patrimoine au Musée national de la Renaissance - Château d'Écouen.

Mardi 23 avril à 18h30



Over the last eighty years, Marlon Brando has become such an object of fascination, buried under so many accreted layers of mythos and half-truth, that it is all but impossible to see the man behind the icon. As we approach the centennial of this undisputed American legend, Marlon Brando: Hollywood Rebel isa revelatory biography that tells its story the same way the man himself approached a role: from the inside.

Author, journalist, and pop culture authority Burt Kearns digs deep into the unexplored aspects of Brando’s career, interests, and singular personality, revealing how his roles on stage and screen, combined with his wild and restless personal life, helped to transform popular culture and society writ large. His influence was both broad and deep.

 Brando’s intense approach to acting technique was emulated by his contemporaries as well as generations of actors who followed, from Nicholson and DeNiro to DiCaprio and Gosling. But his legacy extends far beyond acting. His image in The Wild One helped to catalyze a youth revolution, setting the stage for rock ‘n’ roll culture in a way that directly inspired Elvis Presley, the Beatles, Andy Warhol, and punk rock culture. 

Brando was also frank about his affairs with both sexes; a leader of the sexual revolution and a hero of gay culture, he defied stereotypes and redefined sexual boundaries in his life and the roles he played. But of all his passions, activism was even more important to Brando than acting: he was an early supporter of Israel, civil rights, the American Indian movement, Black Power, gay rights, and environmentalism.

Startlingly intimate and powerfully told, Marlon Brando: Hollywood Rebel shows how the greatest actor of the twentieth century helped lead the world into the twenty-first.



 10 Dec 2022 – 10 Aug 2025

This exhibition celebrates the power and diversity of the divine female in world culture and belief, from the ancient world to today.

Designed to inspire visitors to reflect on the diversity of the representation of women in world belief, this exhibition explores the glory of ancient goddesses and the growing significance of the divine female today.

Objects in the exhibition are drawn from across the world and across time, to emphasise the variety and ubiquity of the divine female throughout human existence.

From monumental sculpture from ancient Greece, Egypt and India, wall hangings from Japan and China, to Western fine art, this exhibition asks: what does female spiritual power mean for individuals and societies then and now?



 Exhibition / 15 Feb 2024 – 2 Jun 2024

Gems were the picture book of the ancient Mediterranean world.

Depicting deities, famous individuals, animals, objects, and scenes from myth or daily life, these small artworks have made a significant impression throughout history.

Classical gems have been highly prized by collectors from the Renaissance onwards, but never more so than in 18th-century Europe. Collected by royalty, aristocrats, artists and antiquarians, such as Charles Townley (1737–1805), their designs reflect – and serve as a record of – personal tastes and aesthetic preferences. Yet, their popularity meant they were widely reproduced and faked – and distinguishing between the two is still contentious.

Used as seals, worn as jewellery, or collected as objects of beauty in their own right, these miniature designs required phenomenal skill to carve and became sought-after luxury objects and status symbols. With a typical 18th-century gem cabinet, housing gems and impressions, as well as a collector's magnifying glass and drawings, this display captures the fascination that gems have inspired over the centuries. Michelangelo (1475–1564) is even thought to have based the figure of Adam in the Sistine chapel on a Roman cameo of Augustus on the capricorn.

Some of these remarkable objects have had a more difficult recent history. In August 2023 the Museum announced that a number of items from the collection had been stolen, were missing or damaged. It became apparent that the collection of engraved gems was among those to have been targeted. The British Museum is committed to recovering all the stolen items and to preventing thefts from happening again. Hundreds have already been recovered, and ten of these can be seen as part of this display.

A dedicated team within the Museum is working with the Metropolitan Police Service and with an international group of experts in gems, collection history and art theft, to recover missing items. The Museum has also embarked upon an ambitious five-year plan to complete the documentation and digitisation of the entire collection.


viernes, 29 de marzo de 2024


As the title suggests, I retrace the history of the famous Italian belcanto style from Rossini and Bellini's day back to its true originis in the baroque era. You will find the collection of my favourite recordings, as well as two unreleased pieces from Handel's Alcina.

In a very personal selection of arias and duets from mostly well-known operas, I also pay homage to some of the wonderful partners who accompanies and inspired me at various stages of my career, from Sir Bryn Terfel, Alessandro Corbelli and Sumi Jo to Juan Diego Florez and Luciano Pavarotti.

I hope you will have as much fun discovering them as I did!


Un festival d'opéra lyrique magistral à la Sainte-Chapelle de Paris

Du 28 mars au 1er mai 2024 

  • Vue de Paris Sainte-Chapelle, Opera FestivalVue de Paris Sainte-Chapelle, Opera Festival

Vue de Paris Sainte-Chapelle, Opera Festival
© Paris Sainte Chapelle


Alerte aux mélomanes ! La Sainte-Chapelle vous propose un festival insolite. Au sein du joyau gothique, dans cet écrin majestueux, vous pourrez assister aux concerts de la fine fleur de la musique lyrique. Un récital de baryténor, la voix céleste de Lauranne Oliva, les valses qui tournoient sur un solo de violon, un chœur d’enfants angélique sublimé par le lieu, Opera Gems in a Gothic Gem vous invite à une envolée poétique pleine de virtuosité. Le beau linge de la scène lyrique contemporaine ne manquera pas de vous séduire, et l’architecture rayonnante de la Chapelle palatine de vous époustoufler. L'Église, conçue comme une véritable pièce d'orfèvrerie, filtre la lumière de ses hautes verrières et rend l’expérience mystique. Le festival a réuni des voix venues du monde entier. L’éventail musical conjugue le style baroque, lyrique, le style de l’âge d’or de Broadway, à des mélodies parfois latino, perses, à des airs américains ou encore caribéens. L’alliage des grands noms de l’Opéra et le cadre somptueux parsèment de magie le moment vécu. Laissez les nymphes vous emporter de leur chant lyrique et la lumière crépusculaire de la Chapelle vous entourer de son halo vertueux. 

Du 28 mars au 1er mai 2024
4 Boulevard du Palais, 75001
Tarif : 40 - 60 €/ Pass 3 concerts : 120 €


Journées Européennes des Métiers d'Art

Jeudi 4 avril de 18h à 21h

Pour les Journées Européennes des Métiers d'Art 2024, le Musée Yves Saint Laurent Paris met à l'honneur le prodigieux savoir-faire des soyeux lyonnais, les fabricants d’étoffes transparentes qui ont accompagné l’expression du génie créatif d'Yves Saint Laurent tout au long de sa carrière.

À l’occasion des JEMA 2024, la Maison Bucol dévoile une partie de ses archives exceptionnelles illustrant les collaborations avec la maison de couture. Vous pourrez découvrir, sur le bout des doigts, les spécificités des étoffes transparentes. 

Des échantillons d’époque de différents types de Cigaline® et mousseline qui ont tant fasciné le couturier, feront l’objet d’une mise en exposition éphémère et tactile animée par l'équipe de la conservation du musée.

Parmi la quarantaine de pièces textiles présentées se retrouvent des créations iconiques de l’histoire de la révélation du corps féminin chez Yves Saint Laurent, telles que la première blouse seins nus, baptisée par la presse américaine la See-Through Blouse du printemps–été 1968 ou la Nude Dress, une robe de mousseline noire ceinturée de plumes d’autruche de la collection suivante. 

Des pièces plus inédites témoignent de la virtuosité du couturier pour proposer une figure de femme puissante et libérée. En regard, des éléments essentiels du processus créatif : croquis, patrons sur calque, photographies ainsi que des accessoires (chapeaux, bijoux, chaussures, ...), mais aussi une série de dessins d'Yves Saint Laurent inspirés par les peintures de Goya.



Des spectacles dignes du Roi-Soleil ? Le rêve devient enfin réalité. Le Château de Versailles se réveille ce week-end d'un long sommeil. Les fontaines s'animent et une musique baroque accompagne vos flâneries entre les bosquets. Vous avez le droit au même traitement que les membres de la cour de Louis XIV. > J'accours

miércoles, 27 de marzo de 2024


Ciclo Sinfónico 16. 24 de marzo de 2024 Orquesta Nacional de España. Directora Anja Bihlmaier. Mezzosoprano, Emily DAngelo. Sala Sinfónica.



 Alma Mahler (1879-1964)

Siete canciones para voz media y orquesta (orq. de David y Colin Matthews)

I.                   Die stille Stadt (La ciudad silenciosa)

II.                 Laue Sommernacht (Tibia noche de verano)

III.             Licht in der Nacht (Luz en la noche)

IV.              Waldseligkeit (Felicidad en el bosque)

V.               In meines Vaters Garten (En el jardín de mi padre)

VI.             Bei dir ist es traut (Contigo se está bien)

VII.            ENTERLIED (Canción de cosecha) 


Anton Bruckner (1824-1896) Sinfonía núm. 7 en Mi mayor, WAB 107, Cahis 13 (ed. de Leopold Nowak)

I.  Allegro moderato II. Adagio. III. Scherzo. IV. Finale

Es posible que Alma Mahler para algunos, sobre todo para las mujeres de su época y todavía, fuera y siga siendo un talento sin límites, resultado de una fuerza portentosa de la naturaleza y una educación exquisita. Para otros, un genio como los que circulaban por la Europa vienesa y centroeuropea de aquellos tiempos- La Viena fin- de- siècle y su “maladie”, Marie Bonaparte (discípula, paciente y salvadora del sabio Sigmund Freud) o Lou Andreas-Salomé, libérrimo personaje ruso cosmopolita también con memorias atractivas de leer, apabullantes.

Estas señoras escribieron la Historia, mucho antes que las sufragistas incluso y sobre todo que las actuales reivindicadoras de la igualdad de derechos para los sexos. Ellas no pedían libertades, se las tomaban sin alharacas con una fertilidad en la creación, los roles y las artes, la literatura y la filosofía, modelando una especie de círculo de cerebros como no ha vuelto a producirse hasta hoy.

En aquella época, atormentada y compleja, multiforme pero brillante se produjo una especie de benéfica conjunción planetaria.  

Alma María Schindler nació en Viena, Austria, hija de la cantante Anna von Bergen y del pintor Emil Jakob Schindler, creció en un entorno privilegiado que frecuentaban grandes artistas. Comenzó a estudiar música siendo una niña y con 9 años ya componía y tocaba el piano.

De joven, Alma tuvo una serie de escarceos amorosos, entre ellos uno con Klimt, otro con el director teatral Max Burckhard y también con el compositor Alexander von Zemlinsky. Y además se casó con personajes notables del siglo xx: el compositor Gustav Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel. Según relata Susanne Keegan en su biografía Alma Mahler “ La novia del viento”, la muerte de su padre fue un duro golpe para ella y "del dolor de esa pérdida nació su faceta más independiente y firme". (Otra vez, freudianamente buscad al padre)

Conoció al compositor y director de orquesta Gustav Mahler y le comentó: "Tu música no me gusta, no tiene estructura, le falta orden". Tras un rápido noviazgo se casaron el 9 de marzo de 1902, en una ceremonia privada, pese a las diferencias de edad (él era casi 20 años mayor) y la sorpresa familiar y del entorno. Mahler la amó profundamente y el famoso Adagietto de la Sinfonía nº 5, del segundo tema de la Sexta y de pasajes similares en la Octava, se dice que son retratos musicales de ella.

  El requisito de Mahler de que su vida matrimonial estuviera organizada en torno a sus actividades creativas generó tensiones y precipitó la rebelión por parte de su esposa. El compositor judío moriría relativamente pronto. Y Alma reorganizó su vida con Gropius, Werfel (con quienes se casó) y el pintor Kokoschka. Con este último escaparon del Nazismo a Estados Unidos y también en 1911, tras la muerte de Mahler, Alma fue asistente por un tiempo del biólogo y músico vienés Paul Kammerer (1880-1926). Siempre estuvo bien acompañada por galanes notables, entre los que hubo incluso un sacerdote.

Tan ajetreada existencia no impidió que Alma fuera también compositora, aunque escribió muy poco, ya que la insistencia de Gustav para que ella no se dedicase a la composición fue tanta, que optó por abandonar la composición, "El papel del compositor, el papel del trabajador, me corresponde a mí, el tuyo es el de un compañera cariñosa y comprensiva ...Estoy pidiendo mucho, y puedo y se me es permitido hacerlo porque sé lo que tengo para entregar y eso lo que daré a cambio”.

Debido a que escribió poco es considerada por algunos nada más que una figura menor, sólo 16 lieder prevalecen hasta hoy, que compuso antes de cumplir los 20 años, 7 de ellos se han podido escuchar en la voz de la mezzosoprano Emily d´Angelo, que no dio propina.

La cantante canadiense, ajustada, segura y contenida, estableció una buena conexión con la directora a cargo de la OCNE (ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA), que sonó como un solo instrumento en la coherencia y la homogeneidad, la compenetración sonora. La directora, gesto amplio para indicar entradas sectoriales de las secciones instrumentales, dinámicas y actuaciones, con un amplio espectro curricular en salas y colaboraciones, dejó muy claro que no hace falta hablar de directoras mujeres, sino, simplemente de excelencia, saber hacer y sabiduría musical.

Vestimenta típicamente alemana, traje de chaqueta entallada azul pálido y zapatos plateados para Bilhmaier, y vestido-túnica de gasa negra, con potentes botas de media caña para la mezzo. Corte de cabello corto las dos. Todo un estilo.

La Sinfonía n.º 7 (WAB1 107) es una de las sinfonías más conocidas de Anton Bruckner. Fue escrita entre 1881 y 1883, y revisada en 1885. Está dedicada al rey Luis II de Baviera, otra leyenda. El estreno tuvo lugar en la ópera de Leipzig, en 1884, fue dirigido por Arthur Nikisch y constituyó el mayor éxito de toda la carrera de Bruckner.

Los fondos recaudados se destinaron a sufragar un monumento en memoria de Richard Wagner, fallecido el año anterior mientras Bruckner componía esta sinfonía. La calidad de sus temas y su genial orquestación, hacen de la Séptima uno de los hitos en el repertorio sinfónico. “La arquitectura de esta obra maestra sugiere- opinan críticos consagrados- la imagen de una catedral y su Adagio, ya que es la culminación de la escritura musical del maestro. Junto a la Cuarta, conocida como Romántica, la Séptima Sinfonía es la obra más interpretada del músico”.

La influencia de su admirado Richard Wagner es incuestionable y demoledora y ha sido reiteradamente descifrada. El segundo movimiento es, al lado de la marcha fúnebre de la 3ra. Sinfonía de Beethoven (Heroica) y la marcha fúnebre por el difunto Siegfried del Götterdämmerung de Wagner, una de las músicas fúnebres más conmovedoras del siglo XIX.

El Scherzo por ejemplo, rítmicamente conciso en La menor (tiempo de 3/4) tiene un carácter demoníaco. Una llamada de trompeta, que sube y baja de nuevo, comienza inmediatamente después de cuatro compases preparatorios de color oscuro en la sección de cuerdas. El primer compás forma el motivo rítmico básico de este movimiento. A la manera de un ostinato, pulsa a través de las dos secciones de scherzo que enmarcan el trío, en el que los motivos presentados se transforman y procesan repetidamente en términos contrapuntísticos. El trío en fa mayor (ligeramente más lento) dibuja un estado de ánimo líricamente contemplativo. El ritmo de la sección da capo scherzo, que vuelve a salir como una tormenta, es anunciado pianissimo por los timbales en los últimos cuatro compases del trío. Se trata de una música subyugante e hipnótica, que permite integrarse al intérprete y al oyente en una atmósfera compartida que raya en lo onírico.

El cuarto movimiento: Finale, movido, pero no rápido presenta tres grupos de temas. Al final, para darle a la sinfonía un cierre potente, comienza tranquilamente hacia un clímax con el principal final algo ampliado, que luego deriva hacia el poderoso sello del primer movimiento, ya resolviéndose en un fortissimo orquestal completo.

Como detalle histórico más o menos inevitable en la constelación wagneriana, en su libro Hitler and the Power of Aesthetics, Frederic Spotts escribe que el Führer comparó repetidamente esta sinfonía con la Novena de Beethoven. Por orden suya, el Adagio de la Séptima Sinfonía se transmitió en Reichsrundfunk el 1 de mayo de 1945, después de que el almirante Karl Dönitz anunciara la noticia de su suicidio en el bunker. Probablemente fue en la grabación del director de orquesta Wilhelm Furtwängler del 7 de abril de 1942. Genios y figuras, la historia y las historias se repiten en un inquietante mito del eterno retorno.

Hubo muchos aplausos de la audiencia, en una sala que no estaba al completo, porque empezaban para muchos el momento de volar hacia otros derroteros, con el advenimiento de la Semana Santa española. Pasión, recogimiento y vacaciones para muchos…

Alicia Perris

martes, 26 de marzo de 2024


14 Nov 2023  26 May 2024

The exhibition explores contemporary issues linked to the relationship between hallucinogenic images and iconographic production, using ayahuasca as a case study.

While ayahuasca literally ‘vine of the dead’ in Quechua has fascinated the Western world for just half a century, after it was popularised by the Beat Generation, this hallucinogenic beverage occupies a central place in the social life of many indigenous societies in the Western Amazon.

Traditionally ingested in a shamanic context, mainly for therapeutic or divination purposes, this ‘psychedelic’ substance is also closely linked to artistic creation. The ‘visions’ or hallucinations it induces are often cited as a leading source of inspiration by indigenous artists in the Peruvian Amazon.

The exhibition presents a panorama of the different ways in which these ayahuasca-induced ‘visionary images’ are represented today. From the refined, geometric iconography of the Shipibos-Konibos to the literary (William S. Burroughs, Allen Ginsberg) and audiovisual (Jan Kounen) productions of the 20th and 21st centuries, it offers a veritable dive into art under its influence.