miércoles, 31 de mayo de 2017

PORTRAITS DE CÉZANNE

 Paul Cézanne (French, 1839 - 1906 ), Boy in a Red Waistcoat, 1888-1890, oil on canvas, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, in Honor of the 50th Anniversary of the National Gallery of Art

Paul Cézanne
Le garçon au gilet rouge
© Courtesy National Gallery of Art, Washington, NGA Images

Paul Cézanne a peint près de deux cents portraits au cours de sa carrière, dont vingt-six autoportraits et vingt-neuf représentant son épouse, Hortense Fiquet.
L'exposition explore les particularités esthétiques et thématiques de Cézanne dans cet exercice particulier, notamment comment il instaure un dialogue entre des oeuvres complémentaires et réalise de multiples versions d'un même sujet.
Une approche chronologique du Cézanne portraitiste permet d'étudier son évolution, en s'attardant sur les variations qui apparaissent dans la continuité de son style et de sa méthode. Portraits de Cézanne pose également la question de sa conception de la ressemblance et de l'identité du modèle, ainsi que celle de l'influence qu'ont pu avoir certains d'entre eux dans ses choix et dans le développement de sa pratique.
Les oeuvres présentées, venues de collections privées et de prestigieux musées du monde entier, vont du remarquable portrait de l'oncle Dominique datant des années 1860, jusqu'aux ultimes représentations de Vallier, le jardinier de Cézanne à Aix-en-Provence, réalisées peu de temps avant la mort de l'artiste en 1906.

Cézanne est communément considéré comme l'un des artistes du XIXe siècle ayant le plus inspiré les générations suivantes. Sa façon unique de construire les formes à partir de la couleur, et son approche analytique de la nature, ont influencé les cubistes, les Fauves et les avant-gardes qui leur ont ensuite succédé. Matisse comme Picasso désignaient d'ailleurs Cézanne comme "notre père à tous". Face à ses portraits, nous sommes sans doute confrontés à l'aspect le plus personnel, et donc le plus humain de son oeuvre.
Commissariat général
John Elderfield, conservateur indépendant et historien de l'art
Commissaire
Xavier Rey, directeur des musées de Marseille

Exposition organisée par le musée d'Orsay, Paris, la National Portrait Gallery, Londres et la National Gallery of Art, Washington

Exposition également présentée à :
Londres, National Portrait Gallery, du 26 octobre 2017 au 11 février 2018
Washington, National Gallery of Art, du 25 mars au 1er juillet 2018


http://www.musee-orsay.fr/fr/evenements/expositions/au-musee-dorsay/presentation-generale/article/portraits-de-cezanne-46126.html?tx_ttnews%5BbackPid%5D=254&cHash=290fd499b0

CONCIERTO 22 DEL CICLO SINFÓNICO DE LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA. AUDITORIO NACIONAL DE MADRID


CICLO SINFÓNICO. ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA. AUDITORIO NACIONAL DE MADRID. 3 DE JUNIO, 2017.



Foto: Julio Serrano

...El Retablo de Maese Pedro (Manuel de Falla) (1876-1946)

ALFREDO GARCÍA, Don Quijote, barítono
JOSÉ MANUEL SÁNCHEZ, Maese Pedro, tenor
ELENA DE LA MERCED, Trujamán, soprano

...Concierto para acordeón y orquesta (J. Torres) (1965-)
IÑAKI ALBERDI, Acordeón

...Variaciones Enigma (E.Elgar (1857-1934)
 ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
JUANJO MENA Director


Heterogénea propuesta la de este concierto 22 del Ciclo Sinfónico en el Auditorio Nacional. Lo que se ofrece es un abanico para todos los gustos: voz, gran orquesta y el disfrute escasamente incorporado en las veladas como ésta, de un instrumento acotado, el acordeón.
En el comienzo unos cuantos números del Retablo de Maese Pedro de Manuel de Falla, rico, colorista, ameno, pero que se quedó un poco escaso: cuando los cantantes tienen a punto la voz y el brío que produce el inevitable contacto con el público, tuvieron que dejarlo.
A pesar de ello estuvieron valientes y cálidos, esforzados y gozan todos de una historia vocal ya importante en su trayectoria artística. Mucho trabajo recorrido.  Elena de la Merced, una soprano con una voz angelical, que se preocupó porque su dicción a pesar de la rapidez aplicada a la partitura por el director Juanjo Mena fuera posible y se le entendiera el texto.  El tenor mallorquín José Manuel Sánchez, con una voz preciosa, de emisión fácil, aunque participó poco desgraciadamente. Lamento no haberlo felicitado cuando me lo encontré después en camerinos, espero que reciba ahora mis parabienes y el barítono Alfredo García, auténtico especialista ya en estas lides de caballeros y gigantes, donde siempre defiende las quimeras y a los buenos, dado que representa habitualmente al Quijote.
Alfredo García, en esa constante búsqueda que tiene de sí mismo en lo personal, lo teatral y lo vocal, siempre ofrece una visión diferente, puesta al día, del héroe manchego, aunque este siga siendo, esencialmente, esa figura caballerosa y gentil, como él mismo, con una tesitura que se adapta como una segunda piel a su condición de barítono con generosos agudos, bien timbrados, la potencia vocal y la expresividad y nobleza que suele exhibir en escena. Es importante recalcar la buena conexión entre los tres protagonistas del Retablo, pendientes unos de otros, aunque faltó y esto se comentó en el entreacto en todos los foros, que la orquesta diera un poco de aire  y sobre todo bajara los volúmenes, porque por momentos, el esfuerzo de los cantantes para hacerse oír era ímprobo y podría haberse disfrutado así, más del texto y de la música.
Interesante y sugerente el Concierto para acordeón y orquesta de Jesús Torres, “localizado entre el público” por el director Juanjo Mena, como éste último mismo refirió, ofreció una partitura donde también podría haberse oído con más especificidad el instrumento solista. Iñaki Alberdi, el acordeonista, de prometedor futuro eso es seguro, recibió muchos aplausos y bravos, sobre todo cuando ofreció como bis una pieza corta de Astor Piazzolla, acompañado del concertino, una viola y un violonchelo. El acordeón no es el bandoneón, pero los cuatro instrumentos mencionados, sobre todo el color del violín emparejado con el acordeón, consiguieron la ilusión del instrumento típico del tango y de Buenos Aires, además, es el territorio por excelencia de la obra de Piazzolla.
Las Variaciones “Enigma” de 1899 culminó la velada después de una pausa, con “pompa y circunstancia”. A toda orquesta. Ahora sí el director pudo demostrar a su gusto y sin otro compromiso que la exaltación de la Orquesta Nacional de España, su sonido, su calidad, las habilidades de los distintos grupos instrumentales para una partitura portentosa, imperial, que Elgar dedicó “a mis amigos aquí retratados”, para mayor gloria de, pongamos por caso, la reina Victoria en su ostentoso y conocido apogeo colonial.
Distintos climas van subrayando una obra que sin embargo presenta una ligazón evidente entre sus diferentes números, para crear unos clímax y anticlímax exultantes y exaltados hasta un final apoteósico esperado pero no por eso menos vibrante y orgiástico.
Mucho público y entusiasta, entre los que destacaban a ojos vistas, amigos, estudiantes de escuelas y conservatorios, compositores famosos y premiados, mecenas de postín y melómanos entregados a una nueva ceremonia musical, disfrutable, un verdadero  regalo de primavera, refrescante, perfumado.

Alicia Perris

CLONTARF 1014: BRIAN BORU AND THE BATTLE FOR DUBLIN.

The Battle of Clontarf was fought a thousand years ago – Good Friday (23rd April), 1014. The National Museum of Ireland - Archaeology is marking this anniversary with an exciting exhibition.


Clontarf is probably the best-known battle in Irish history, but also one of the least understood. Popular perception sees the battle as the great victory where the Christian king of Ireland, Brian Boru, defeated the pagan Vikings and drove them out of Ireland. But is this correct?


This ground-breaking exhibition explodes myths and presents the evidence we have for what actually happened at Clontarf, what led up to the battle and what resulted from it.
Viking and Irish weapons, typical of those used in the battle, feature alongside hoards of precious silver objects and religious treasures. Much more recent artefacts bring the story of Brian Boru and Clontarf right into modern times.
Whatever you think you know about Clontarf, this exhibition will give you something to think about – and enjoy.


http://www.museum.ie/Archaeology/Exhibitions/Current-Exhibitions/Clontarf-1014

EL ROTO GANA EL PREMIO MINGOTE

Viñeta de El Roto, publicada en «El País» el 23 de enero de 2016 y galardonada con el premio Mingote- ABC

Dibujante de formación autodidacta, Andrés Rábago (Madrid, 1947) empezó a publicar viñetas e ilustraciones, a finales de los años 60, bajo el seudónimo de OPS en las revistas «Triunfo» y «Hermano Lobo», y más tarde lo hizo en «Cuadernos para el Diálogo», «Cambio 16», «Tiempo» y «Madriz», entre otros medios. Ya con el nombre de El Roto, comenzó a realizar una viñeta diaria en «Diario 16», más tarde en «El Independiente» y, actualmente, en el periódico «El País». Autor de varios libros publicados en España, Francia e Italia, es también pintor y ha realizado numerosas exposiciones en nuestro país y en el extranjero. Entre otros galardones, Rábago ha recibido el Francisco Cerecedo de Periodismo (1993), el primer Premio Internacional de Dibujo en Prensa (Francia, 1999), el Julián Besteiro de las Artes y las Letras (2005), el Nacional de Ilustración (2012) y el premio Leyenda de los Libreros de Madrid (2015).


EL MUSEO ICO PRESENTA “GABRIELE BASILICO. ENTROPÍA Y ESPACIO URBANO“, LA PRIMERA GRAN RETROSPECTIVA EN ESPAÑA DE ESTE FOTÓGRAFO ITALIANO

La exposición de Basilico, conocido como “El fotógrafo de la ciudad“, explora su evolución estilística y conceptual a lo largo de su carrera, desde la mirada romántica de sus inicios a la que busca encontrar un orden visual en el aparente caos de las metrópolis posmodernas.
 Un total de 185 fotografías, una selección de los más de 70 libros publicados por el fotógrafo milanés y cuatro vídeos permiten conocer todos los aspectos de su trabajo a lo largo de su carrera fotográfica.


La muestra, enmarcada en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2017, está comisariada por Ramón Esparza.

Madrid 30 de mayo de 2017.- El Museo ICO inaugura la exposición “Gabriele Basilico. Entropía y espacio urbano“, primera gran retrospectiva en España del conocido como “El fotógrafo de la ciudad“. La muestra se enmarca en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2017 y podrá verse hasta el próximo 10 de septiembre.

Comisariada por Ramón Esparza y con la colaboración de Giovanna Calvenzi y el Studio Gabriele Basilico, “Entropía y espacio urbano“ explora la evolución estilística y conceptual de Basilico a lo largo de su carrera, desde la mirada romántica de sus inicios a la que busca encontrar un orden visual en el aparente caos de las metrópolis posmodernas. El título hace referencia a esa evolución conceptual de Basilico a lo largo de su carrera e intenta mostrar el cambio operado en ella.

La exposición muestra 185 fotografías, una selección de los más de 70 libros publicados por Basilico a lo largo de toda su carrera y cuatro vídeos sobre diversos aspectos de su trabajo para realizar un repaso general a toda su carrera fotográfica. La muestra parte de su primera serie centrada en el paisaje y la arquitectura, Milano, ritratti di fabbriche [Milán, retratos de fábricas], para concluir con las imágenes de algunas de las metrópolis contemporáneas, como Río de Janeiro o Shanghái.


La retrospectiva que se puede ver en el Museo ICO se divide en cinco series. La exposición comienza con la primera serie dedicada por Gabriele Basilico a la arquitectura, Milano, ritratti di fabbriche (1979), para la cual fotografió todos los edificios industriales de Milán. Tras ésta vino la invitación a participar en la Mission DATAR, en Francia, para la que captó la imagen de la costa de Normandía (Porti di mare). Su fama comenzó a extenderse y llegaron los encargos de toda Europa. En España participó en proyectos fotográficos en Madrid, Bilbao, Valencia, Barcelona, Lérida y Santiago. Siempre en ciudades que sufrían severos procesos de transformación económica y urbana. La idea de la pérdida, el sentimiento romántico de la ruina, es el eje de todos ellos, al tiempo que la búsqueda de criterios estéticos que permitan asumir esas transformaciones. Hay uno, sin embargo, que marca profundamente su visión y sienta las bases para el final de esta etapa, aunque ese fin llegara años más tarde. En 1991 es invitado, junto a otros fotógrafos, a visitar Beirut para documentar el centro de la ciudad tras veinte años de guerra. El resto del grupo lo formaban grandes nombres como Robert Frank, Josef Koudelka, Raymond Depardon, René Burri y el libanés Fouad Elkoury.

La clave para la “desromantización” de su fotografía vino con el proyecto que, junto al arquitecto Stefano Boeri, presentó en 1997 en la Bienal de Arquitectura de Venecia. En Sezioni del paesaggio italiano, Boeri planteó una forma muy distinta de aproximación al territorio, más cercana a lo topográfico que a lo emocional. Seis franjas de cincuenta por doce kilómetros surcadas por una gran vía de comunicación, fueron el escenario fotografiado por Basilico: espacios sin memoria, sin identidad. La verdadera esencia de lo periurbano. A partir de este proyecto, la mirada de Basilico cambia radicalmente. Sustituye la visión del viajero romántico por la del viajero moderno que se desplaza en automóvil y su búsqueda estética se centra en la articulación de una nueva mirada, desprovista ya de toda carga romántica, que se centra en la aceptación de los espacios urbanos y periurbanos y la formulación de un orden visual que sea capaz de posibilitar su apreciación, tanto en lo sociológico como en lo estético. Una búsqueda que le lleva a centrarse en la ciudad, marcándose siempre itinerarios centro-periferia, o en las afueras, y evolucionando, poco a poco, hacia la figura de la metrópoli y la ciudad interrumpida.


http://www.fundacionico.es/noticia/el-museo-ico-presenta-gabriele-basilico-entropia-y-espacio-urbano-la-primera-gran-retrospec-1.html

THESE ARE THE MET’S NASTIEST WOMEN

BY ALEXXA GOTTHARDT
“Do women have to be naked to get into the Met Museum?” That’s the pointed question that the feminist art collective Guerilla Girls printed on a poster in 1989 to expose the dearth of female artists—compared to the bounty of naked female subjects—on the walls of New York’s Metropolitan Museum.



“Less than 5% of the artists in the Modern Art Section are women, but 85% of the nudes are female,” read the poster’s potent subhead.

While gender imbalance remains a deep-seated issue in museum collections across the globe, one New York art historian is broaching the topic from a different angle: by spotlighting the influential women who are represented across the Met’s lofty corridors.

Professor Andrew Lear specializes in gender and sexuality in art, and on a recent Friday night he stands in the Met’s towering lobby holding a small sign that read simply: “Nasty Women.”

“There are so many feisty, tough women artists and subjects at the Metropolitan,” says Lear as a group gathers around him. “So when a certain unappealing man used the phrase ‘nasty woman’ on television last fall, I thought ‘God damnit, I’m going to organize a tour showing that these women exist in art—and how powerful they were in life.”
Lear spent many years working as a university art history professor, but more recently turned his focus to organizing thematic tours at the Met. His first series, “Gay Secrets of the Metropolitan,” explored motifs of homosexuality across the museum’s collection. “Shady Ladies,” a guided excursion past sculptures and paintings of courtesans, followed. And last year, as Americans began to organize in response to soon-to-be-president Donald Trump’s derogatory comments towards women, Lear introduced “Nasty Women.”

The new tour has been sold out for months in advance since it launched. The evening I finagle a spot, he preps our group for the three-hour journey through the Met with an enticing teaser: “There’s a surprising amount of proto-feminism in many corners of history. We’ll see that tonight.”

Lear begins the journey in Ancient Egypt. I half expect him to lead us to a statue of Cleopatra, but as will be the case many times throughout the tour, we land in front of an unfamiliar figure: Hatshepsut, an “enormously powerful” pharaoh who ruled for 21 years, from 1478–1458 B.C. While she was officially only regent to her stepson, he was deemed too young to rule and her reign is widely recognized as one of the most successful of Ancient Egypt.

“She started trade relations that led to the prosperity of the entire New Kingdom period; not to mention she built the first mortuary temple in the legendary complex we now call the Valley of the Kings,” says Lear, as he indicates a group of massive granite and limestone statues depicting Hatshepsut. In some, she is represented as a Sphinx, complete with a rippling lion’s body and royal beard. In others, she is represented as the woman that she was, with breasts and a pharaoh’s headdress. We pass likenesses of other history-shaping female rulers, too. Like Hatshepsut, Julia Avita Mamaea ruled Ancient Rome as regent and retained authority even after her son, Emperor Severus Alexander, took power. Mamaea set up the principles of his rule, advised him on military campaigns, and was the first woman in Ancient Rome to be named consors imperii, or the Emperor’s “partner in rule.”

While Ancient Roman women were often granted great power, especially in the Severan dynasty, Ancient Greece operated quite differently, preferring a more oppressive approach. There are staggeringly few women with any power or personality represented in Ancient Greek art. They did, however, pay homage to mighty female goddesses like Athena, who advised men, and scare figures like Medusa and the Amazons, who were the Greeks’ most tenacious foe.

A stone statue of a wounded Amazon commands one room of the Met’s Ancient Greek Hall. As Lear points out, she is represented simultaneously with strength, female features, and rich emotions. She is not shoehorned into a single role, as most women in Ancient Greece were, but is represented as a complex figure.

All of the women Lear highlights across his tour resisted or transcended the limitations that traditional gender roles have enforced across centuries. And some of them actively fought the gender inequalities of their times.

Adélaïde Labille-Guiard, represented in an imposing self-portrait in the museum’s 18th-century French galleries, actively campaigned for more women to be admitted into the French Académie Royale, where she studied painting. When she attended on the dawn of the French Revolution, only four women were allowed into the school at a given time. Lear notes that this painting likely doubled as propaganda for her crusade. It shows Labille-Guiard at her easel, accompanied by two female students eager to absorb her expertise.


Mary Cassatt, Lady at the Tea Table, 1883-85. Courtesy of the Met.

John Singer Sargent, Mr. and Mrs. I. N. Phelps Stokes, 1897. Bequest of Edith Minturn Phelps Stokes. Courtesy of the Met.
As the tour comes to a close, Lear leads us to two portraits where the female subjects are joined by men. But in both, the women are foregrounded—and the deferential position of their male partners emphasizes Marie Anne Pierrette Paulze’s and Edith Minturn Stokes’s strength.

In Jacques Louis David’s monumental portrait of Pierrette Paulze, she looks directly at the audience while her husband gazes up at her entreatingly, as if waiting for guidance. He is the famed chemist Antoine-Laurent Lavoisier, who is remembered for founding modern chemistry and identifying elements like oxygen and hydrogen. Most history books only attribute these scientific discoveries to Lavoisier, but this piece underlines Pierrette Paulze’s considerable influence on her husband, as she leans over his shoulder.

John Singer Sargent’s painting of Minturn Stokes makes a similar point—the wife wears the pants. Here, the New York philanthropist takes center stage while her husband stands behind her, fading into the background with his face half-obscured.

Originally, Minturn Stokes’s great dane was meant to take her side in the painting, “but the dog was replaced by her husband at the last minute,” Lear says, delivering his final line of the night, one chock-full of wildly intelligent, headstrong—and yes, damn nasty—women.


martes, 30 de mayo de 2017

IMPERDIBILE MARILYN, APRE LA MOSTRA A ROMA SUL MITO DELLA MONROE

 TANTI OGGETTI E FOTO INEDITE IN ESPOSIZIONE A PALAZZO DEGLI ESAMI FINO AL PROSSIMO 30 LUGLIO
ROMA - La diva oltre il glamour, la ragazza insicura che si innamorò del campione di baseball ma anche l'artista di piglio che correggeva copioni e contratti e voleva diventare produttrice. La stella più bionda di Hollywood, indimenticata star de Il principe e la ballerina o A qualcuno piace caldo, debutta a Roma con Imperdibile Marilyn.



Donna, mito, manager, mostra a Palazzo degli Esami fino al 30 luglio per raccontare il lato più intimo di Norma Jeane Montenson.

Un viaggio tra più di 300 oggetti personali (500 con le foto), a cura di Fabio Di Gioia di Da Vinci Grandi Eventi e del collezionista Ted Stampfer, dall'abito bianco di Quando la moglie è in vacanza alla vestaglia in seta color crema che sfoggiò in un celebre servizio fotografico. E poi gli oggetti da toilette, lo Chanel n.5, copioni, gli appunti d'amore di Arthur Miller, la targa del David di Donatello vinto nel '59, persino la porta della casa a Los Angeles e per la prima volta la scarpa in satin indossata nel '55 per lanciare la sua casa di produzione.


http://www.corrieredellosport.it/news/inroma/eventi/2017/05/16-25825303/imperdibile_marilyn_apre_la_mostra_a_roma_sul_mito_della_monroe/?cookieAccept

ARTISTI E ARTIGIANI D'ECCELLENZA – MOSTRA DEI COSTUMI DI SCENA DEL TEATRO MASSIMO

Sala Pompeiana, dall'11 maggio all'11 giugno 2017
La mostra, presentata dall'associazione Amici del Teatro Massimo, a cura di Gloria Martellucci con la collaborazione di Anna Tedesco, è un tributo alla grande tradizione artigianale e artistica del teatro.
Parteciperanno Leoluca Orlando, Francesco Giambrone, Gloria Martellucci, Dada Saligeri e Francesco Zito.



Accesso gratuitamente all'inaugurazione, la mostra sarà visitabile dal lunedì alla domenica, dalle ore 9:30 alle ore 18:00 (ultima visita ore 17:30) nel circuito delle visite guidate del Teatro e in coincidenza con gli spettacoli.


http://www.teatromassimo.it/calendario/altro/artisti-e-artigiani-d-eccellenza-mostra.html

ART ET MAÎTRISE : LES MÉTIERS DE L'OPÉRA


Des ateliers couture au maquillage, de la tapisserie au génie scénique… plongée dans les arcanes des métiers de l’Opéra à la découverte des savoir-faire uniques des artisans de la Maison.
https://www.operadeparis.fr/magazine/art-et-maitrise-les-metiers-de-lopera



JOIN US FOR TRACEY EMIN AND WILLIAM BLAKE IN FOCUS AND DISCOVER SURPRISING LINKS BETWEEN THE TWO ARTISTS

TRACEY EMIN AND WILLIAM BLAKE IN FOCUS
UNTIL 3 SEPTEMBER 2017

Continuing our In Focus series, this free exhibition compares important works from the Tate collection, demonstrating a shared concern with birth, death and spirituality in both artists’ work.
 At the heart is one of Britain’s most renowned artworks of the past 20 years, Tracey Emin’s (b.1963) My Bed 1998. This will be the first time My Bed has been displayed in the north of England. Featuring Emin’s own bed, it offers an unflinching self-portrait in which the artist herself is absent.


My Bed, along with drawings by Emin from the Tate collection, will be shown alongside those of the visionary British poet and artist, William Blake (1757–1827). Presented in the context of Emin’s empty bed, and symbolising the absent figure, highlights include Pity c.1975 and The Crucifixion: ‘Behold Thy Mother’ c.1805.

Blake stood against the hypocrisies of his age championing liberalism, sexual freedoms and above all freedom of expression. This new display affirms Blake’s Romantic idea of artistic truth through existential pain and the possibility of spiritual rebirth through art, shared in the work of Tracey Emin.


http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/tracey-emin-and-william-blake-focus

35 ANS APRÈS SA MORT, UNE EXPOSITION FÊTE ROMY SCHNEIDER

Toutes les Nouvelles (Rambouillet / Chevreuse)24 May 2017
L’exposition aura pour thème : une comédienne embarquée dans l’histoire.
À l’occasion du 35ème anniversaire du décès de Romy Schneider, l’amicale Romy Passion organise, du 25 au 28 mai à la maison Jean-monnet, une exposition photographique autour du thème : une comédienne embarquée dans l’histoire. Elle retracera sa carrière professionnelle influencée par le contexte historique et sa nationalité. Une femme impliquée dans son époque
« Romy Schneider a marqué le cinéma européen. Elle a pris soin d’interroger son parcours. Les rôles qu’elle a joués ont mis en lumière une mémoire vive des événements mondiaux ainsi que certains aspects de l’évolution de la société. Elle est devenue une femme impliquée dansson époque », explique Sylvie Amédro, présidente de l’amicale Romy Passion.


Les jeunes années de cinéma de l’actrice ont été marquées du sceau royal ou impérial : elle a interprété Victoria, jeune fille insouciante jusqu’au jour où la mort de son père, le roi Guillaume, la fit monter sur le trône d’angleterre. Elle fut bien sûr l’incarnation d’un mythe, Sissi, grâce à la trilogie réalisée par Ernst Marischka dans les années 50. Pour Luchino Visconti, elle fut une interprète enthousiaste de Ludwig en 1972 qui lui permit d’aborder d’autres facettes plus subtiles de ce même personnage.
« Romy Schneider devint aussi une femme impliquée dans son époque. Elle appartenait à la nouvelle génération qui arrive à l’âge adulte dans les années 60. Le cinéaste Claude Sautet lui a créé des personnages féminins, des êtres aux facettes multiples, complexes, des portraits de femmes qui se battent pour leur émancipation et qui subissent des préjugés que leur impose leur condition », analyse Sylvie Amédro.
Son passé personnel et national l’a marqué à jamais dans sa vie et dans ses choix professionnels. Rejetant, au début des années 1960, l’image passéiste et idéalisée d’une Sissi dans laquelle elle ne se reconnaissait pas, elle s’est alors engagée dans un cinéma où il était encore question d’histoire, de faits les plus sombres du XXE siècle, et plus particulièrement de la Seconde Guerre mondiale. Elle a joué, entre autres, dans Le train (1973), Le vieux fusil (1975) et
La passante du sans souci (1982) dont le réalisateur Jacques Rouffio est décédé en juillet dernier.
Romy Schneider a enthousiasmé les publics européens en privilégiant la France. Elle s’est doublée elle-même, dans les langues allemande, française et anglaise. « Sa maîtrise de plusieurs langues a alimenté sa soif de défis. Son voisinage, le temps d’une exposition, avec la personnalité de Jean Monnet, considéré comme un des pères de l’europe fait écho à celle de la comédienne »,


https://www.pressreader.com/france/toutes-les-nouvelles-rambouillet-chevreuse/20170524/281874413349452

WHERE WE ARE: SELECTIONS FROM THE WHITNEY’S COLLECTION, 1900–1960

Herman Trunk, Jr., (18941963).  Mount Vernon, 1932.  Oil on canvas, 34 1/4 × 46 1/16in. (87 × 117 cm).  Whitney Museum of American Art, New York; purchase  33.26.  With Permission of The Herman Trunk, Jr. Foundation

Focusing on works made from 1900 to 1960, Where We Are traces how artists have approached the relationships, institutions, and activities that shape our lives. Drawn entirely from the Whitney’s holdings, the exhibition is organized around five themes: family and community, work, home, the spiritual, and the nation. During the six decades covered here, the United States experienced war and peace, economic collapse and recovery, and social discord and progress. American artists responded in complex and diverse ways, and a central aim of the exhibition is to honor each artist’s efforts to create her or his own vision of American life. The artists and their works suggest that our sense of self is composed of our responsibilities, places, and beliefs.

Where We Are, as well as each of its sections, is titled after a phrase in W. H. Auden’s poem “September 1, 1939.” Auden, who was raised in England, wrote the poem in New York shortly after his immigration to the United States and at the very outset of World War II. The title of the poem marks the date Germany invaded Poland. While its subject is the beginning of the war, Auden’s true theme is how the shadow of a global emergency reaches into the far corners of everyday life. Although mournful, the poem concludes by pointing to the individual’s capacity to “show an affirming flame.” Where We Are shares Auden’s guarded optimism, gathering a constellation of artists whose light might lead us forward.

Where We Are is organized by David Breslin, DeMartini Family Curator and Director of the Collection, with Jennie Goldstein, assistant curator, and Margaret Kross, curatorial assistant.


http://whitney.org/Exhibitions/WhereWeAre

JOHN COCKERILL, 200 ANS D'AVENIR. LA BOVERIE

02.06.2017 > 17.09.2017:
“John Cockerill, 200 ans d’avenir” retrace l’épopée de la révolution industrielle en Wallonie. L’exposition propose un parcours à la découverte des inventions qui ont marqué l’histoire. On y évoque les défis urbanistiques, sociologiques, démographiques et environnementaux mais aussi l’histoire des hommes et de ces femmes qui les ont portés.
 Rencontre avec John Cockerill, carte interactive de l’évolution du paysage de la région à travers les époques, immersion dans la locomotive mythique T12, regard sur ce qui a fait la renommée de l’industrie d’hier, d’aujourd’hui et de demain … autant d’occasions pour le visiteur de se plonger dans ces 200 ans d’aventure industrielle et de découvrir ce formidable héritage.


Conçue comme une véritable expérience à vivre, l’exposition rassemble un patrimoine riche en objets techniques, en images et témoignages. Elle fait aussi la part belle aux outils qui permettent au visiteur d’interagir, de questionner et d’expérimenter : carte, jeux, projections, reconstitution 3D, …

Visiter l’exposition “John Cockerill, 200 ans d’avenir”, c’est porter un regard sur le passé pour mieux se projeter dans le futur.


http://www.laboverie.com/expos-evenements/les-prochaines-expos/02-06-2017-17-09-2017-john-cockerill-200-ans-davenir/02-06-2017-17-09-2017-john-cockerill-200-ans-davenir

lunes, 29 de mayo de 2017

TEATRO REGIO DI TORINO 27 MAGGIO 2017 IL FLAUTO MAGICO - DIE ZAUBERFLÖTE



Singspiel in due atti
di Emanuel Schikaneder
Musica di Wolfgang Amadeus Mozart 
Personaggi
Interpreti
Pamina, figlia di
Astrifiammante soprano
Ekaterina Sadovnikova 
Tamino tenore
Alessandro Scotto di Luzio 
Regina della Notte
(Astrifiammante) soprano

Olga Pudova
Sarastro, gran sacerdote basso
Antonio Di Matteo

Papageno, uccellatore baritono
 Thomas Tatzl 
Una vecchia (Papagena)
soprano

Elisabeth Breuer
Prima dama della regina
soprano

Sabina von Walther
Seconda dama della regina
mezzosoprano

Stefanie Irányi
Terza dama della regina
mezzosoprano

Eva Vogel
Monostatos, un moro tenore
Cameron Becker
Primo fanciullo voce bianca
Valentina Escobar 
Secondo fanciullo voce bianca
Lucrezia Piovano 
Terzo fanciullo voce bianca
Giorgio Fidelio 
Oratore
e Primo sacerdote basso

Roberto Abbondanza
Secondo sacerdote e
Primo armigero tenore
Cullen Gandy 
Una voce e Secondo armigero basso
Luciano Leoni


Direttore d'orchestra
Asher Fisch
Regia
Roberto Andò
ripresa da
Riccardino Massa
Scene e luci
Giovanni Carluccio
Costumi
Nanà Cecchi
Maestro del coro
Claudio Fenoglio

Orchestra e Coro del Teatro Regio
Solisti del Coro di voci bianche del Teatro Regio
e del Conservatorio “G. Verdi” 
Allestimento Teatro Regio [Produzione originale: Teatro Massimo di Palermo] 
L’eterno duello tra il bene e il male nella favolistica opera mozartiana.


La  realizzazione semplice ed al tempo stesso imponente del regista Roberto Andò efficenta la narratività con qualche effetto ‘magico’ che stupisce e attrae anche lo spettatore più evoluto. Ripresa da Riccardino Massa, la regia diventa ancor più movimentata, grazie alle frequenti e gioiose  intrusioni tra il pubblico, coinvolto da tutto il cast, mentre Papageno si limita a ‘disturbare’ il direttore d’orchestra.
Le scene di   Giovanni Carluccio, che disegna anche le luci e con le quali gioca a nascondino con gli interpreti ed il pubblico, sono quasi frutto dell’immaginario infantile o collettivo, rendendo il tutto di facile approccio. I  costumi firmati da Nanà Cecchi sono pienamente in linea con lo spirito dell’intera messa in scena, che, seppur la ricordiamo dal 2014, risulta ancora gradevole e permette una rilassante serata all’opera.

Asher Fisch dirige con sobrietà di gesto, ma resta molto concentrato e con i professori in buca crea un bel momento di musica ricco di atmosfere ed esaltazione delle ben note arie.
Tamino incontra Alessandro Scotto di Luzio, che risulta gradevolmente ascoltabile, grazie ad un bel tono ed al rispetto dimostrato per lo spartito.
Ekaterina Sadovnikova, in Pamina, è piaciuta per la  brillante voce dai toni morbidi, che sanno innalzarsi con facilità, mantenendo vividezza e colore.
Sarastro ha la voce superba e coinvolgente di Antonio di Matteo, dalla forte presenza scenica.

La regina della Notte è interpretata da Olga Pudova che affronta le coloriture con sicura definizione e fascinosa cristallinità.
All’inizio dell’opera un cerchio si compone, scompone e ricompone   divenendo geometrico simbolo quasi esoterico, così come sarà poi per tutta la simbologia egizia.

Le tre dame ed i tre fanciulli, sono ben equilibrati vocalmente tra di loro e risultano gradevoli. Ancora interessante la scena dei fanciulli sospesi nella barca mentre  indicano la strada verso il palazzo di Sarastro ed apprezzabili tutti gli interpreti
Il moro Monostatos è  vivacemente interpretato da Cameron Becker, simpaticamente impegnato nella seduzione di Pamina, mentre Roberto Abbondanza da voce e prestanza al primo sacerdote.

Papagena è interpretata da Elisabeth Breuer con l’agilità che il ruolo impone, sia
vocalmente che ginnicamente in scena, soprattutto nella parte delle vecchina invadente.
Thomas Tatzl interpreta Papageno (come già nel 2014) e mantiene la stessa convinzione di allora: prestante e atletico è buon attore e buon interprete, che sa far riamare le ben note arie de “l’uccellatore”. Riserva voce ferma e sicura che usa con i bei colori ed accattivante gestualità, con fraseggio chiarissimo.
Il coro diretto da Claudio Fenoglio, si riconferma tra i migliori del panorama operistico italiano.

La Musica vince sempre.


Renzo Bellardone.