lunes, 31 de mayo de 2021


Descollante naranja, un punto desvengonzado

Blanco roto, casi rosa pálido

Un jardín botánico particular


  By Barry O'Rourke

RTE LifeStyle Journalist.

Set in a monstrous Transylvanian world, Resident Evil Village is an expertly crafted game packed full of survival and horror which will delight and terrify you in equal measure.

If Resident Evil Village can be summarised in one word, it would be tense.

Taking place 3 years after RE7, Ethan Winter's attempts at a subtle, family life comes crashing to a halt one night. There’s suddenly gunfire, a kidnapping, Chris Redfield, and suddenly Ethan finds himself in the village; a deserted place ravaged by werewolf mutants. Lovely.

Ethan’s mission to rescue his daughter (and himself) seems almost impossible when faced with the four local lords and their enigmatic leader, Mother Miranda.

Immersive gameplay teaches you to 'fear everything’

I’m only 10 minutes into playing Resident Evil Village, and Ethan Winters has already lost half his left hand. I sigh deeply and agree to the game’s terms – expect anything.

From then on, every darkened room is entered under the sights of a gun. Every door opened with bated breath, and my nearest escape route committed to memory.

In one instance, I spent an enormous amount of time, sneaking across an abandoned farmyard, tip-toeing through the corn only to discover I was alone. It so happens most of the fear (and fun) of playing Village stems not from the game’s actual content, but my imagination.

It is a game that relishes off your paranoia, constantly threatening what could be in the next room.

This unfounded fear is heightened by the game’s first-person perspective, which gives you a front-row ticket to every horrifying enemy, every bloody dispatch and every empty path.

The highly detailed graphics are both a blessing and a curse. Every lighting effect, every shadow cast and the faintest sign of humanity is in and of itself a storytelling device. Sound is also an effective medium, where a creaky door or gnarl from above, below or behind you will stop you in your tracks.

Resident Evil is a franchise enamoured with iconic, memorably boss fights. Village is no exception to this. Each of the four lords you’ll face, along with Mother Miranda herself, are more absurd than the last.

Undoubtedly, the breakout star is Lady Dimitrescu, a 9ft 6" vampire. Equipped with retractable claws (as any good vampire should), and with 3 doting vampire daughters by her side, Dimitrescu engages in an iconic cat-and-mouse chase with Ethan around her gothic castle. He may lose a hand along the way.

She has become a bona fide gaming legend, with several mods already being produced to celebrate, parody and otherwise expand upon the most iconic vampire character in recent years.

And whilst I won’t spoil the specifics of what else Village has in store for you, suffice to say the vampires are the least of your worries.

Nothing wrong, but nothing new

For players who haven’t played prior instalments, an effective introduction video will fill in all blanks. For veteran players of the franchise, Village plays on past strengths and doesn’t rock the boat tremendously with any new features.

Like all Resident Evil games, ammo is scarce. If you enjoy rationing supplies and counting every bullet, you will relish what Village has to offer.

Ethan can carry and craft a variety of weapons, ranging from handguns to shotguns, a sniper rifle and more. Gameplay sticks to familiar territory, which is hardly a criticism given RE7’s calibre.

The game’s merchant and pseudo guide ‘The Duke’ appears frequently throughout, selling a multitude of upgrades. Invest accordingly and the game won’t be unreasonably difficult to complete.

That said, you can increase the chaos, carnage and cruelty of your playthrough with the game’s four difficulty modes. The latter of which you can unlock by completing the game or buying the DLC, and is aptly described as ‘survive the unsurvivable’.

A fitting addition to a gaming legacy

The Resident Evil franchise is over 25 years old and on the whole, has frequently experimented with its formula. Whilst Village doesn’t do anything genre-defining, it is still a beautifully executed game that you’ll relish playing (and replaying).

From visceral gore and haunting sounds, the atmosphere is always tense; you’re never more than a few steps away from a frightening moment, and help ground an otherwise bonkers plotline.

Whether it’s the village itself, or the castles and labyrinths beyond, it’s a game begging to be explored, and yet will punish your curiosity at every corner. A cast of campy, chaotic villains will entertain and horrify in equal measure, and leave a lasting impression long after the ending credits roll.

With Resident Evil Village, you’ll shoot, sneak and survive your way through 10+ hours of terror, most of which will be from your imagination.

Resident Evil Village is available to play on PS5, PS4, Xbox Series X|S, One, PC and Google Stadia. Reviewed on PlayStation 5. Rated 18s.


 Empathy Revisited: Designs for more than one

October 15 - November 15, 2020

Pera Museum hosted the 5th Istanbul Design Biennial, organized by Istanbul Foundation for Culture and Arts (İKSV). For the 5th Istanbul Design Biennial, organised with the support of Republic of Turkey Ministry of Culture and Tourism and under the sponsorship of VitrA, curator Mariana Pestana teamed up with Sumitra Upham (Curator of Programmes) and Billie Muraben (Assistant Curator & Deputy Editor).


Today, we understand empathy to be a way of connecting with other people. But empathy’s original meaning encompassed the transference of feelings into objects and the natural world. The 5th Istanbul Design Biennial took empathy back to its roots to explore how design might equip us to feel into territories, landscapes, microorganisms, other species, and also one another.

With the aim of carving out a space of responsibility and developing a culture of attachment towards the more-than-human, this Biennial put forward a proposition: designs for more than one. Working collaboratively with designers, artists, architects, activists and thinkers, the biennial explored designs for multiple bodies, dimensions, and perspectives. The projects that the biennial presented encourage us to rethink practices of care and civility at this critical moment in time, and to collectively build new systems and structures for re-connecting.


Pera Museum hosted a part of the biennial’s generative programme comprising three main axes: two projects from the series of interventions titled New Civic Rituals, and a video series titled Critical Cooking Show. Kyriaki Goni’s Networks of Trust and the design studio The Rodina’s Map of Empathic Society could be experienced on the collection floors as part of the series of interventions titled New Civic Rituals. A parallel film program titled Empathy Sessions could be watched at the auditorium.



Durante su investigación sobre el monasterio de El Escorial, David Bestué comprobó, al explicar a otras personas aspectos que iba descubriendo, que pocas lo habían visitado y que quienes lo habían hecho tenían recuerdos confusos. O bien parece que no haya nada que decir, o bien se cae en la exaltación patriótica y en el relato de sus anécdotas y curiosidades. En ocasiones, es visto como una maldición, el residuo de algo que no termina de desaparecer; en otras, sin embargo, como una suerte de despensa de las esencias vivas de España.

Este texto pone en duda los valores invariables que sustentan el «macizo de la raza». Se habla del gobierno belicoso y autoritario de Felipe II, de la sustracción americana, de la deuda, de los periodos de gloria y abandono del edificio, de sus sucesivos incendios, saqueos y reconstrucciones. Como un cáliz que se llena o se vacía acorde a la situación de España y a la consideración cambiante hacia la religión, el ejército y la monarquía. Más que una piedra lírica, eterna, muda e imperturbable, el monasterio es la caja negra del país, un mecanismo que registra sus sacudidas, aunque estas intenten ser ocultadas; el símbolo de algo que se cree permanente, central, hegemónico; una estructura física e ideológica.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista que trabaja la escultura y la escritura. Entre sus exposiciones individuales destacan Realismo, La España moderna y, en el Museo Reina Sofía, Rosi Amor, una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, así como en el monasterio de El Escorial, escenario recurrente de sus intereses en los últimos años. En Caniche ha publicado Historia de la fuerza (2017), un repaso visual por la evolución técnica, material y estructural en España, a partir de la historia moderna de su ingeniería.

Over the course of his research into the royal monastery of El Escorial, David Bestué came to realise, when discussing his findings with others, that not many people had actually been there. As for those who had, they were now left with somewhat hazy memories of it. It seems that people are either indifferent about the place, or else they celebrate it patriotically, revelling in all its anecdotes and curiosities. For some, this monastery complex is a curse, the vestige of something that just won’t go away; others, though, see it as a kind of hallowed storeroom, packed with the living essence of Spain.

This text calls into question the unchanging values which still feed into the idea of staunch and robust Spanish greatness. It talks about the war-hungry and authoritarian government of King Felipe II, about the plundering of America, about the building’s different periods of glory and decay, and about its many fires, lootings and reconstructions. The monastery is like a chalice, one which is either full or empty, depending on the situation in Spain and the shifting perceptions of religion, the army and the monarchy. More than just a poetic, eternal, silent and unshakeable rock, the monastery is Spain’s black box: it records all the country’s shocks and upheavals, regardless of attempts to cover them up. It is the symbol of something which is thought to be permanent, central, hegemonic; it is both a physical and an ideological structure.

David Bestué (Barcelona, 1980) is an artist who works in sculpture and writing. Of his individual exhibitions, highlights include Realismo, La España moderna and, at the Reina Sofía Museum, Rosi Amor, a material and formal investigation, inspired by the Madrid neighbourhoods of Las Tablas and Vallecas, as well as El Escorial, a setting which has been an ongoing source of interest for him over the past few years. With Caniche, he has published Historia de la fuerza (2017), a visual study of the technological, material and structural evolution in Spain, based on the modern history of its engineering.


Want to hear more from your favourite finalists of this unprecedented Piano session? Be it still via live stream, or in the presence of a small audience, we are happy to announce that quite a few concert organisers decided to present the laureates, despite of the complex situation.

Laureates' concert, with Tomoki Sakata, Vitaly Starikov and Dmitry Sin

We kick off with the laureates’ concert, with the 4th, 5th and 6th laureates; this year exceptionally a digital concert, streamed from the Queen Elisabeth Hall in Antwerp, in collaboration with the Antwerp Symphony Orchestra, conducted by Jonathon Heyward. This stream can be followed live on Monday 7 June at 8 pm on Radio Klara and on the website of the orchestra, on our own website and on

Closing concert, with Jonathan Fournel, Sergei Redkin and Keigo Mukawa

The closing concert with the 1st, 2nd and 3rd laureates and Brussels Philharmonic conducted by Stéphane Denève will take place on Wednesday 9 June at 8 pm in the Brussels Center for Fine Arts, in the presence of a limited audience, consisting of the persons and companies who made possible the organisation of this exceptional Piano Competition 2021. The concert will be broadcast live on Ketnet, Klara, and on our website. The first three laureates will also perform at the Bruges Concertgebouw, on Saturday 12 June.

Jonathan Fournel

The first laureate has won both prizes of the public as well. As the Musiq3 Prize, he will give a recital at the Festival Musiq3 in Flagey on Saturday June 26th. In September, he will perform at the prestigious Rheingau Festival in Germany, followed by a tour in Korea (together with Sergei Redkin). In December he will give a concert with the Orchestre Philharmonique du Luxembourg and a recital at the Centre for Fine Arts in Brussels. An extensive tour for Steinway & Sons is scheduled for the 22/23 season.

sábado, 29 de mayo de 2021



Nueva exposición: GOYA: LA TIRANA. Información de la F.March

EL viernes 28 de mayo por la tarde se estrenó Goya: La Tirana, la primera exposición presencial desde el inicio de la pandemia. Con ella recobramos el modelo de muestras de pequeño formato, como las dedicadas a Giandomenico Tiepolo o Giuseppe Arcimboldo. En esta ocasión, el protagonista es un retrato de la célebre actriz María del Rosario Fernández –apodada “La Tirana”– realizado por Francisco de Goya en 1794. Debido a la limitación de aforo, se recomienda acudir en horarios menos concurridos.

La Tirana

María del Rosario Fernández, “La Tirana” (1746-1828) fue una de las principales actrices de la escena madrileña en las últimas décadas del siglo XVIII. Fue una actriz versátil, que supo incorporar a la forma de representación tradicional española la declamación “a la francesa”, más natural y pausada. Goya la representó en dos ocasiones, en 1794 y ca. 1799. En esta exposición se podrá ver el primero de esos retratos, más íntimo, realizado en el momento en el que la actriz acababa de retirarse tras 14 años sobre los escenarios.

El retratista

El año que pinta ese cuadro, en 1794, Francisco de Goya es ya uno de los retratistas más cotizados entre la realeza, la aristocracia y la nueva burguesía ilustrada, gracias a novedad de sus planteamientos estéticos y artísticos y su habilidad para captar la esencia interior de los personajes. De hecho, debió conocer a “la Tirana” precisamente a través de dos destacados miembros de esos círculos: la duquesa de Alba y Leandro Fernández de Moratín.

El cuarteto

Frente al cuadro se proyecta el vídeo de la interpretación por parte del Cuarteto Quiroga de un cuarteto que Luigi Boccherini titula “La Tirana”, jugando con la doble alusión a la famosa actriz y a la obra inspirada en esta popular danza. El pasado 10 de febrero el Cuarteto Quiroga interpretó esa obra junto a otras de la época en un concierto extraordinario que invitaba a descubrir las analogías entre el género de cuerda y el retrato.

El montaje

El cuadro se presenta en un elegante montaje expositivo elaborado por las arquitectas Ángela Juarranz y Sara Miguélez, que ya orquestaron la museografía de Los irascibles y que esta vez presentan a la Tirana en un escenario inspirado en lo teatral y que reutiliza el fondo de la otra Tirana, también de Goya, pintada en torno a 1799 y expuesta en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El videoensayo…

En otra sala se podrá disfrutar de Un estreno para La Tirana, el nuevo episodio de la serie "La cara B". Este videoensayo, dirigido por Adriano Morán y María Zozaya, documenta en 25 minutos la reciente restauración del cuadro de Goya por parte de un equipo de especialistas y cuenta con la participación, entre otros, de Rafael Álvarez, el Brujo, que conversa con la Tirana en un diálogo improvisado frente al cuadro y le recita un extracto de Romeo y Julieta y la oda de su amigo Moratín, que puedes encontrar aquí. En este enlace puedes ver un adelanto del documental, que está dedicado a la memoria de Roberto Fraile, uno de los operadores de cámara de la película.

…y el evento

El viernes a las 16:00h se abrió la muestra, y a las 18:30h se celebró también un evento  que indagandos en el retrato y en la retratada, de la mano de los expertos Joaquín Álvarez Barrientos y José Máximo Leza. Durante la conversación, moderada por el periodista Ramón González Férriz, se proyectó el videoensayo ya mencionado. El acto se pudo seguir en directo por Canal March.

Un catálogo-joya, fino, accesible pero erudito, exhaustivo. Papel que ya no se ve, ni se imprime, color, textura y aroma a conocimiento y disfrute...

Como complemento a la exposición La Fundación  ha elaborado un pequeño catálogo en el que se pueden encontrar textos de la experta María Zozaya, el jefe de proyecto expositivo de la Fundación Juan March, Manuel Fontán del Junco, Joaquín Álvarez Barrientos, profesor de investigación del CSIC, y el musicólogo y director de nuestro departamento de Música, Miguel Ángel Marín. 

Contiene además un apéndice técnico sobre materiales, ejecución, estado de conservación y restauración de la obra. El catálogo lo podrás comprar en nuestra Tienda, que reabrimos después de más de un año cerrada por la pandemia (9 euros).

Fundación Juan March, 2021. Castelló 77. 28006 Madrid


Alicia Perris 



Le Scuderie del Quirinale riaprono con una mostra di grande rilievo culturale e simbolico “Tota Italia. Alle origini di una nazione”, realizzata con la Direzione Generale Musei del Ministero della Cultura, e curata da Massimo Osanna e Stéphane Verger.

La mostra nel titolo riprende la famosa formula del giuramento di Augusto, l’uomo che per la prima volta unificò l’Italia in un territorio omogeneo. Un’unificazione sotto il segno di Roma, ma che al tempo stesso manteneva quella divisione in regioni che ancora oggi testimonia la ricchezza e la varietà delle nostre tradizioni.

La mostra racconterà questo complesso processo di unificazione - che fu scontro, incontro e ibridazione tra culture - attraverso i reperti e gli oggetti più significativi, partendo dalla straordinaria ricchezza dell’Italia preromana, affascinante mosaico di genti e di tradizioni, e ripercorrendo le tappe che, dal IV secolo all’età giulio-claudia, la condussero a essere unica sotto le insegne di Roma. Con una narrazione coerente e unitaria, libera sia dall’assoluta centralità di Roma sia dal rischio di una visione regionale, sarà possibile ammirare nella stessa sede espositiva le opere più significative di quella varietà espressiva che concorse alla formazione dell’Italia augustea e dell’Impero.

Gli eccellenti prestiti che costituiscono il corpus della mostra testimoniano l’importante patrimonio dei Musei Nazionali presenti sul territorio e racconteranno il costituirsi della nostra identità culturale, le radici del nostro Paese rievocandone anche la ricca pluralità sociale, etnica e culturale


 Par Anne-Marie Rocco 

Entièrement rénové et repensé, le musée historique de la Ville de Paris rouvre ses portes le 29 mai après plus de quatre ans de fermeture. Dirigé par Valérie Guillaume, l’ancien hôtel de Madame de Sévigné entretient de nombreux liens avec les Parisiennes.

C’est le plus ancien et le plus emblématique des quatorze musées de la Ville de Paris : fermé depuis 2016, Carnavalet rouvre ses portes ce samedi 29 mai, après d’importants travaux de rénovation conduits par le cabinet Chatillon Architectes associé à Snohetta et à l’agence NC Nathalie Crinière. Rebaptisé "musée Carnavalet – Histoire de Paris", il retrace l’histoire de la capitale depuis les temps les plus anciens de la préhistoire, dont témoigne une impressionnante pirogue en chêne du Néolithique, exposée dans de nouveaux espaces créés en sous-sol, jusqu’à la période la plus récente, avec une salle qui évoque les attentats de 2015. Une destination très familiale, avec 10% des 3.800 œuvres exposées présentées à hauteur d’enfant tout au long du parcours. 

"C’est un projet participatif et collaboratif, avec une conception globale complexe", souligne Valérie Guillaume, la directrice du musée, historienne passée par le Centre Pompidou, où elle a notamment travaillé sur l’architecture, l’urbanisme, le design et les perspectives industrielles. Installé dès sa création en 1880 par le baron Haussmann, préfet de la Seine, dans l’hôtel particulier où habita la marquise de Sévigné entre 1677 et 1696, il a été relié en 1989 à l’hôtel voisin Le Peletier de Saint-Fargeau. On peut toujours y admirer les célèbres collections de la Révolution française, qui ont fait la réputation du musée, mais aussi des pièces du Moyen-Âge ou de la période classique.

Ambiances parisiennes

Les appartements de Madame de Sévigné, connue pour les quelque 700 lettres écrites à sa fille, Madame de Grignan, dans lesquelles elle chroniquait la vie à Paris et à Versailles, ont été reconstitués et ornés du portrait l’épistolière par Claude Lefèbvre. Dans un auditorium, on peut d’ailleurs s’assoir pour écouter en toute tranquillité certains de ces petits chefs d’œuvre écrits pour sa fille exilée loin de Paris. Différentes ambiances parisiennes sont proposées au fil du parcours. On découvrira ainsi la chambre de Marcel Proust, ou encore la spectaculaire salle de bal Wendel du XIXe siècle donnant sur l’escalier monumental (photo ci-dessous). Après toutes ces années de restauration du patrimoine, de mise aux normes et de création d’un nouveau parcours de visite, cette salle n’est volontairement pas tout à fait terminée : la deuxième phase de restauration se déroulera à l’automne, sous les yeux du public, qui pourra suivre en direct les coulisses de ces interventions.

Place des femmes

"Ce n’est pas un musée, c’est une maison", considère François Chatillon, l’architecte de cette rénovation. Et dans cette maison si longtemps habitée par une femme de lettres, la place des femmes n’a pas été oubliée. "La contribution des femmes à l’histoire de Paris est présente dans de nombreuses salles, explique Valérie Guillaume. En particulier celles qui sont consacrées à la Révolution, avec l’instauration du divorce." Mais ce n’est pas tout. Après une première exposition temporaire consacrée à Henri Cartier-Bresson et Paris, à partir du mois de juin, suivie d’une exposition sur Proust en décembre, les femmes tiendront le haut du pavé en 2022. "Nous programmons pour l’année prochaine une exposition sur l’évolution des droits civiques et civils des femmes à Paris", révèle Valérie Guillaume. Celle-ci mettra en valeur des femmes d’exception comme Olympe de Gouges et Théroigne de Méricourt ainsi que la contribution des femmes à la Commune de Paris, avec Louise Michel". Une exposition "nécessaire", souligne la directrice du musée Carnavalet-Histoire de Paris.[ChaActu10h]-20210529



Exhibition / 27 May 2021 - 24 Oct 2021

Nero is known as one of Rome's most infamous rulers, notorious for his cruelty, debauchery and madness.

The last male descendant of the emperor Augustus, Nero succeeded to the throne in AD 54 aged just 16 and died a violent death at 30. His turbulent rule saw momentous events including the Great Fire of Rome, Boudicca’s rebellion in Britain, the execution of his own mother and first wife, grand projects and extravagant excesses.

Drawing on the latest research, this major exhibition questions the traditional narrative of the ruthless tyrant and eccentric performer, revealing a different Nero, a populist leader at a time of great change in Roman society.

Through some 200 spectacular objects, from the imperial palace in Rome to the streets of Pompeii, follow the young emperor’s rise and fall and make up your own mind about Nero. Was he a young, inexperienced ruler trying his best in a divided society, or the merciless, matricidal megalomaniac history has painted him to be?

viernes, 28 de mayo de 2021


 Experience some of the largest paintings ever created by Edvard Munch in a dedicated double-height space. These enormous artworks are versions of the paintings made by Munch for the University of Oslo’s Ceremonial Hall in connection with the university’s centenary in 1911.

Munch and several other artists were invited to compete for the commission and Munch worked tirelessly for years, producing several hundred preparatory works and sketches. In order to work on this massive scale, he built a series of outdoor studios at his home where he created several versions of each motif in different sizes.

We invite visitors to take an inside look at Munch’s creative process for his first major project for a public space, showing how he succeeded in realizing these works through an extraordinary combination of energy, resourcefulness and persistence.

We present The Sun as a new departure in Munch’s career, symbolizing the power and ingenuity of life, and as a work that encompasses a number of narratives linked to the natural sciences, religion and the birth of the universe.


La Casa Encendida de Fundación Montemadrid y la Wellcome Collection de Londres presentan “Un encuentro vegetal”, exposición que examina nuestra relación simbiótica con las plantas a través de las obras de Patricia Domínguez (1984, Santiago de Chile), Ingela Ihrman (1985, Kalmar, Suecia) y Eduardo Navarro (1979, Buenos Aires).

·     Concebida como un diálogo, muestra las prácticas de estos tres artistas cuyo trabajo descompone lentamente el muro artificial que separa a los seres humanos de la naturaleza.

·     Patricia Domínguez presenta cinco tótems futuristas con reproducciones de las colecciones etnobotánicas de la Wellcome Collection de Londres y el Museo de América de Madrid, y piezas del Real Jardín Botánico y la Real Academia de La Historia de Madrid; Ingela Ihrman muestra una instalación de algas corporales que alude a los vínculos entre la flora de su intestino y la de los océanos; y los dibujos expansivos y contemplativos de Eduardo Navarro se sirven de sobres biodegradables que contienen semillas de árbol que, al finalizar la exposición, serán devueltas a la naturaleza.

·     “Un encuentro vegetal” es también un amplio programa de actividades relacionadas como los cursos 'Cómo contar la historia de nuestras plantas’, 'Lobos, delfines y zamioculcas: investigación y arte sonoro' o el taller y las conversaciones ’La ecología del alma’ enmarcadas en el ciclo dedicado a la escritora brasileña Clarice Lispector.

·     La Terraza Magnética, el ciclo de cine y conciertos al aire libre de La Casa Encendida durante julio y agosto, se dedica de igual manera a explorar nuestra relación con lo vegetal desde el cine y la música.

El mundo vegetal representa el 85% de la vida que conocemos y sostiene a todos los organismos vivos del planeta mediante la fotosíntesis, proceso por el que -vale la pena recordarlo- convierten sustancias inorgánicas -carbono y agua-, en orgánicas -hidratos de carbono-, desprendiendo además el oxígeno que respiramos los animales. Las plantas son seres sensibles, atentos a los elementos y a las formas vivas que los rodean, enraizados, pero en constante evolución, capaces de construir anatomías alternativas para sobrevivir y florecer; respirando, percibiendo, alimentándose y reproduciéndose a través de todo su organismo. Tienen memoria, se comunican entre sí, crean comunidades simbióticas e influyen en el clima del planeta. Pese a nuestra percepción común, han transformado más a los humanos de lo que estos han hecho con ellas. Y seguramente alberguen la solución para nuestra prosperidad y supervivencia.

Nuestras compañeras las plantas abandonaron el agua y colonizaron tierra firme hace 450 millones de años. El Homo sapiens surgió hace 300 mil años y hoy los humanos tan solo representan el 0,01% de la biomasa de la Tierra. Aunque los humanos también somos criaturas de la tierra (“humano”, del latín humus: tierra), hemos cortado nuestros vínculos con la tierra y la naturaleza; hemos regulado su utilización como recursos a la vez que negamos esos vínculos tan vitales como frágiles que conectan todas las formas de vida, humana y no humana. Para la muestra Un encuentro vegetal, los tres artistas han tenido el novedoso encargo de repensar nuestra relación con las plantas y poner en relieve la importancia de su acción en la naturaleza”, señala la comisaria de la exposición Bárbara Rodríguez Muñoz.

Vivimos en un planeta vegetal. Así, esta exposición y ciclo de actividades reconsidera las plantas más allá de su uso para el consumo humano y muestra su complejidad y sensibilidad. A la vez, propone una reflexión meditativa sobre el mundo vegetal y lo que de él se puede aprender.


Du 19 mai au 18 juillet 2021, la Maison présente Joséphine & Napoléon, une histoire (extra)ordinaire dans son hôtel particulier du 12 Vendôme, à Paris.

Gratuite et ouverte à tous sur réservation, l’exposition retrace les temps forts de la vie de ce couple mythique à travers des pièces exceptionnelles, dont certaines sont révélées au public pour la première fois.


Joséphine, Napoléon, Chaumet : trois destins hors du commun étroitement liés. L’ascension aussi fulgurante qu’exceptionnelle du couple Bonaparte signera le triomphe de la Maison et le début de la légende de Chaumet. Son fondateur, Marie-Étienne Nitot, a été non seulement un témoin privilégié mais surtout un acteur de cette épopée.

Lorsque Napoléon accède au pouvoir, il souhaite donner au nouveau régime toute sa grandeur et son faste. Ancien collaborateur du joaillier de Marie-Antoinette à la cour de Versailles, Marie-Étienne Nitot devient rapidement joaillier du Premier Consul et futur Empereur des Français. À sa demande, Nitot sertit le Régent, diamant légendaire de 140,5 carats, sur l’Épée du Sacre.


Le 2 décembre 1804, Napoléon et Joséphine sont couronnés Empereur et Impératrice au cours d’une cérémonie somptueuse dans la cathédrale Notre-Dame de Paris. Cet instant est rendu éternel grâce au célèbre tableau de Jacques-Louis David où Napoléon s’apprête à couronner Joséphine.

Alors qu’il avait choisi de représenter Napoléon se couronnant lui-même – comme l’atteste les croquis du tableau, le peintre décide finalement d’immortaliser le couronnement de Joséphine, qui rentre ainsi dans l’Histoire en majesté.

Pour remercier le Pape Pie VII de sa présence au Sacre, Napoléon souhaite lui offrir un présent sans pareil. En tant que joaillier de l’Empereur, Marie-Étienne Nitot participe à la réalisation de la tiare papale.

Alors que son fils, François-Regnault, est chargé d’apporter le somptueux cadeau au Pape, il fait halte à Milan où il fait la rencontre de l’Impératrice. Joséphine tombe immédiatement sous le charme des créations de l’atelier Nitot, qui devient alors son joaillier attitré.


Née à la Martinique, Joséphine garde de son île natale son amour pour l’exotisme et une nature luxuriante. Au Château de Malmaison dont elle fait son havre de paix, l’Impératrice cultive sa passion pour la botanique. La serre du Château réunit grâce à elle la plus grande collection d’espèces végétales du Paris de l’époque.

Les bijoux aux inspirations naturalistes de Marie-Étienne Nitot sont chers à son cœur. Elle commande notamment au joaillier un diadème orné d’épis de blé sertis de diamants. La collection de bijoux de Joséphine est immense. Elle se pare de perles, d’intailles et accorde même ses parures au ton de la pièce dans laquelle elle se trouve.

Impératrice de style, Joséphine réinvente la mode. Pour parachever son allure de souveraine, elle remet au goût du jour les diadèmes, symbole de pouvoir et de majesté. Bientôt toutes les dames de la cour l’imitent et l’atelier de Marie-Etienne Nitot croule sous les commandes de ces précieux bijoux de tête qui sont, encore aujourd’hui, la spécialité de la Maison.


Malgré l’amour qu’il lui porte et poussé par sa famille et ses ministres, Napoléon divorce de Joséphine en 1809. Marie-Étienne Nitot décède quelques mois plus tôt. Son fils, François-Regnault, reprend les rênes de l’atelier qui se surpasse pour honorer les commandes de l’Empereur et de sa nouvelle épouse, Marie-Louise.

Bien qu’elle ne lui ait pas donné d’héritier, c’est par la descendance de Joséphine que l’Empire continuera avec son petit-fils, Napoléon III. Aujourd’hui, pas moins de cinq monarques européens descendent directement de l'Impératrice Joséphine: la famille royale de Suède, la Reine du Danemark, le Grand Duc du Luxembourg ainsi que les Rois de Norvège et de Belgique. Joséphine mérite ainsi amplement son surnom de « grand-mère de l’Europe ».


À la fin de l’Empire en 1815, François-Regnault Nitot cède la Maison à son chef d’atelier, Jean-Baptiste Fossin, qui continue de la faire rayonner. Loin de s’arrêter là, l’histoire extraordinaire commencée lors de la Révolution s’écrit encore aujourd’hui.

Joaillier de Napoléon et de Joséphine, les bijoux Chaumet ont fait briller encore davantage la majesté napoléonienne. Grâce à eux, la passion amoureuse et le destin exceptionnel de l’Empereur et de l’Impératrice sont devenus éternels, à l’instar des pierres qui sertissent leurs joyaux.