lunes, 30 de septiembre de 2024

“CONSTELACIÓN BOULEZ “DE ALICIA PERRIS EN RADIO CLÁSICA (2015) VUELVE CON EL COMPOSITOR FRANCÉS CON SU LIBRO SOBRE KLEE DE LA EDITORIAL ACANTILADO

 Palabras preliminares (y finales)

Cuando me ofrecieron hacer un programa sobre Pierre Boulez en Radio Clásica, mientras salía un momento de una clase de francés que daba en Bachillerato, fue como un shock: era una gran oportunidad, pero me corrió un escalofrío por la espalda.

Había que concebir de cero una emisión de un compositor francés, del que no se había hablado en Radio Clásica (RNE) e iban a ser unos cuantos capítulos (el resultado fueron 17, un número raro).

Efectivamente, era un desafío y se me ocurrió pensar que se podría organizar su música en torno a compositores afines al músico francés, o bien con entrevistas a destacados integrantes del panorama artístico español o internacional.

Por toda la propuesta desfilaron compositores y directores de orquestra como Tomás Marco, Ramón Encinar, Pablo Heras-Casado, muy vinculado al maestro Boulez que, o había dirigido sus obras o estaban relacionados en una esfera colindante.

Entre autores más o menos conocidos y escuchados en audiciones en salas de concierto o los conservatorios, otros inesperados, incluso espectáculos teatrales como el ecuestre de los caballos del francés Bartabas, que dio como resultado un planteamiento en la radio de lo más curioso.

Quedaron en el tintero el de Patrice Chéreau, famoso y consagrado director cinematográfico de tantas películas, obras de teatro y óperas wagnerianas y otras, o una entrevista ad hoc en berlín con Daniel Barenboim (ya concertada) o con el director de La Seine musicale en París, también ya  apalabrada.

En pleno verano, con todos de vacaciones, grababa los programas en horarios que nadie quería, con calor y fue difícil y complicado conseguir el material para tantas emisiones. Hasta el Goethe Institut, antes de irse de vacaciones, contribuyó a la bibliografía para Boulez (son claras las implicaciones de la persona Boulez y su obra con el mundo alemán).

Siempre tuve claro que este creador, como demuestra ahora la traducción que realiza la Editorial Acantilado entre una vorágine literaria de traducciones y libros en cascada, fue un renacentista, un humanista global, que buceó en todas las vetas artísticas y humanas donde pudo descubrir esos tesoros que emergían de una sensibilidad y un cerebro privilegiados.

Y esa personalidad tan polifacética y fecunda me pareció a la vez una oportunidad y un descubrimiento, que terminó con la incorporación al corpus bouleziano de una búsqueda de correlaciones entre la música y la creación en otras artes.

Fruto de esta concepción tan antigua como el mundo pero igual de olvidada por épocas, fue la entrevista con Guillermo Solana, el director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Podría comentar mil anécdotas sobre los días de 14 horas de trabajo y un baño  entre la catatonia y la sobreexcitación (Boulez también era paradójico) de madrugada en la piscina para volver a empezar, temprano, al día siguiente, porque se hacían dos emisiones semanales en primer time (de 12 a 13) los sábados y domingos. Lo que se escuchaba en dos horas, llevaba detrás un esfuerzo ingente.   

Valió la pena. Fue duro, conflictivo y desigual. Pero lo sigo considerando un regalo y una experiencia única. Nadie como yo podría recomendar más este nuevo libro sobre la obra de Pierre Boulez, el incansable, el sorprendente maestro entre el afrancesamiento y el más puro germanismo electivo. EL compositor falleció muy poco después de finalizar “Constelación Boulez” en Radio Clásica.

Alicia Perris

Nota bene: los podcasts de estos 17 programas están siempre disponibles en los fondos de Radio Clásica y son fácilmente localizables. Ideal para fans de siempre y nuevos descubridores del maestro.

“EL PAÍS FÉRTIL. PAUL KLEE” (Pierre Boulez). Traducción de José María Sánchez Verdú

16 de octubre en librerías

Editorial Acantilado

Información sobre el libro de la editorial

«Toda una declaración de amor a Klee, este libro pone de relieve la gran influencia del pintor, cuya clarividencia sigue resultando fructífera a músicos y artistas por igual»

Res Musica

Pierre Boulez descubrió a Paul Klee en 1947, durante el primer Festival de Aviñón, y el posterior contacto con su obra y sus escritos no hizo sino reforzar su fascinación por el artista, cuyo método y reflexiones parecían reflejar sus propias inquietudes. Este libro es el testimonio de esta profunda y persistente admiración: dejando a un lado los lugares comunes sobre la influencia de la música en la obra de Klee, Boulez ofrece al lector un enriquecedor análisis de los diferentes enfoques teóricos que acompañan el proceso creativo en diversas artes y que pueden resultar provechosos a otros artistas. Una inestimable lección magistral que trasciende épocas y disciplinas, ilustrada con más de sesenta ejemplos de la fascinante obra del pintor.

Pierre Boulez (Montbrison, 1925 – Baden-Baden, 2016) fue un reconocido director de orquesta, compositor y teórico de la música francés. Tras licenciarse en Matemáticas, estudió en el Conservatorio de París con el compositor y organista Olivier Messiaen, discípulo de Schönberg. Impartió clase en el Collège de France y fue director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York y de la Orquesta Sinfónica de la BBC. Publicó asimismo numerosos ensayos, entre los que se cuentan, además del presente volumen, Pensar la música hoy (1963), Puntos de referencia (1981) y Las neuronas encantadas. El cerebro y la música (2014).

domingo, 29 de septiembre de 2024

CEREMONIA DE ENTREGA DEL PREMIO FORMENTOR DE LAS LETRAS 2024 A LÁSZLÓ KRASZNAHORKAI

 




#LETSBAROCK JAKUB JÓZEF ORLIŃSKI; ALEKSANDER DĘBICZ; WOJCIECH GUMIŃSKI; MARCIN UŁANOWSKI (INTÉRPRETE) FORMATO: CD DE AUDIO

#LetsBaRock es el nuevo y sorprendente proyecto artístico de Jakub Józef Orliński y Aleksander Dębicz, un álbum compuesto por "covers-versiones" de piezas barrocas, anclándolas en el siglo XXI. En palabras de Aleksander Dębicz: "En nuestra versión, las piezas barrocas suenan decididamente modernas, pero conservan su carácter, aunque hayamos cambiado algunos acentos.

 Por ejemplo, "Oblivion", basada en "Oblivion soave" de L'Incoronazione di Poppea de Monteverdi, sigue siendo una especie de canción de cuna, pero en nuestra versión tiene las cualidades de un tema de club onírico y de trance."

 Para la grabación de este álbum se han rodeado de músicos estupendos de la escena pop polaca como: Marcin Ułanowski (batería) y Wojciech Gumiński (bajo), con los que han desarrollado un sonido único del "nuevo barroco". Aleksander Dębicz ha estado a cargo de los arreglos y ha compuesto 3 obras originales. Además, el repertorio cuenta con obras muy queridas de grandes compositores como Purcell, Monteverdi, Vivaldi, Handel. Tracklist: Aleksander Dębicz 1.

 Intro Francesco Nicola Fago 2. Alla Gente, after “Alla Gente a Dio diletta”, from Il Faraone Sommerso Henry Purcell 3. Strike The Viol, after “Strike the viol, touch the lute” from Come Ye Sons of Art Z.323 (Ode for Queen Mary's Birthday) 4. Fairest Isle, after “Fairest Isle”, from King Arthur Z.628 Claudio Monteverdi 5. Oblivion, after “Oblivion soave”, from L’incoronazione di Poppea SV 308 Henry Purcell 6. Sound the Trumpet, after “Sound the trumpet”, from Come Ye Sons of Art Z.323 (Ode for Queen Mary's Birthday) Georg Friedrich Handel 7. Pena Tiranna, after “Pena tiranna io sento al core”, from Amadigi di Gaula HWV 11 Aleksander Dębicz 8. Toccata 1 Henry Purcell 9.

Music For a While, after “Music for a While”, from the Incidental music to Oedipus Z.583 Claudio Monteverdi 10. Zefiro Torna, after Zefiro Torna e di soave accenti - Scherzi Musicali SV 251 Antonio Vivaldi 11. Vedrò, after “Vedrò con mio diletto”, from Il Giustino RV 717 Aleksander Dębicz 12. Finale Piotr Banach 13. Moja i Twoja Nadzieja

AUTOPSIA DEL ESPECTÁCULO’. WEEGEE. FUNDACION MAFRE, UNA VIVENCIA CINEMATOGRÁFICA, INDISPENSABLE

Comisario Clément Chéroux, director de la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025

La obra de Arthur H. Fellig, Weegge (Zólochiv, Ucrania 1899-Nueva York, 1968), encierra en cierto sentido un enigma que esta exposición pretende desentrañar. Sus fotografías del hampa y los círculos marginales de la noche neoyorquina de los años 1930 y 1940 alcanzaron en seguida un amplio reconocimiento internacional.

 Pero no ocurrió lo mismo con las fotografías que realizó tras instalarse en Hollywood en 1948: imágenes de la alta sociedad californiana y la vida social de las grandes celebridades del cine, a quienes retrata de forma casi siempre marcadamente irónica o satírica, a veces (es el caso las “fotocaricaturas”) como resultado de su trabajo posterior en el laboratorio.

 En su momento, la crítica recalcó la radical oposición entre uno y otro periodo, en un juicio que abiertamente ensalzaba al primero y desdeñaba las imágenes del segundo. En esas fotografías de su experiencia californiana (1948-1951) 

Weege expresaba su visión crítica de la sociedad y la cultura desde una perspectiva que se adelantaba a los conocidos análisis culturales y sociales en torno “la sociedad del espectáculo” (Guy Debord).

Weegee. Autopsia del espectáculo pretende mostrar la profunda coherencia que, más allá de sus diferencias estilísticas y temáticas, enlaza esas dos etapas, así como poner de relieve la actualidad de la mirada crítica desde la que las imágenes de Weegee muestran los rasgos y mecanismos de nuestro tiempo como “sociedad del espectáculo”.

Arthur H. Fellig (Zolochiv, 1899- Nueva York, 1968), conocido bajo el seudónimo de Weegee, alcanzó un amplio reconocimiento internacional por sus fotografías del hampa y los círculos marginales de la noche neoyorquina de los años 1930 y 1940. En 1948, tras instalarse en Hollywood, empezó a fotografiar a la alta sociedad californiana y la vida social de las grandes celebridades del cine, a quienes retrató de forma casi siempre marcadamente irónica o satírica.


La exposición organizada por Fundación MAPFRE, cuyas obras se recogen en este catálogo, se centra en este periodo en el que la obra de Weegee no se valoró como merecía, con el objetivo de mostrar la coherencia del conjunto de su trabajo.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/weegge-exposicion-autopsia-espectaculo/

INFORMACIÓN, FUNDACIÓN MAPFRE, MADRID

(Agradecimiento especial a la generosa colaboración con este medio de su Departamento de Prensa y Comunicación).

Compilación de información, Alicia Perris y Julio Serrano(webmaster)

PAUL DURAND-RUEL Y LOS ÚLTIMOS DESTELLOS DEL IMPRESIONISMO. FUNDACION MAPFRE: LA DULZURA DE LA NSOPTALGIA. NO SE LA PIERDAN

Comisaria: Claire Durand-Ruel Snollaerts. 

Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025

Además de galerista y coleccionista, Paul Durand-Ruel (París, 1831-1922) fue uno de los marchantes más relevantes de la escena cultural francesa que dedicó gran parte de su vida a la protección y defensa del arte moderno. 

En esta publicación, además de una introducción a la figura de Paul Durand-Ruel y sus innovadores métodos de trabajo (compra en bloque de la producción de los artistas, mensualización de sus ingresos y apoyo en las subastas y a través de la organización de exposiciones individuales y colectivas en sus galerías), se aborda la relación profesional y personal con los cinco creadores protagonistas: Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d’Espagnat y Albert Andrè.



En 1865, Paul Durand-Ruel (1831-1922) se hizo cargo de la galería que había fundado su padre Jean. Con los años, se convirtió en uno de los marchantes más conocidos de París. Dedicó gran parte de su vida a la protección y defensa del arte moderno frente a aquellos que abogaban por una pintura de carácter académico.


Durand-Ruel apoyó primero a pintores como Eugène Delacroix y Gustave Courbet, así como a la llamada «Escuela de Barbizon» (Camille Corot, Charles-François Daubigny o Jean-François Millet, entre otros), para emprender poco después su empresa más afamada: la promoción de los artistas impresionistas, entre ellos, Claude Monet, Auguste Renoir y Camille Pissarro

En la última década del siglo XIX Durand-Ruel se embarcó en una nueva (y menos conocida) aventura: dar apoyo y difusión a una nueva generación de pintores, la formada por Albert André, Georges d’Espagnat, Gustave Loiseau, Maxime Maufra y Henry Moret.

Herederos del impresionismo, trabajaron en un contexto artístico agitado y estimulante, en que convivían las personales propuestas de Van Gogh y Cézanne, la experimentación neoimpresionista de Georges Seurat y Paul Signac o las investigaciones sintetistas de Paul Gauguin. 

Aunque han sido tradicionalmente catalogados como ‘generación postimpresionista’, su obra muestra diversas tendencias, desde la afinidad al impresionismo de los paisajistas Moret, Maufre y Loiseau a la preferencia por las escenas de género, los retratos y la pintura decorativa de D’Espagnat y André.

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo quiere, por un lado, dar a conocer la figura de este extraordinario marchante y mecenas; por otro, contextualizar y poner en valor la obra de los cinco artistas “postimpresionistas” por los que apostó y otorgarles el puesto que merecen en la historia del arte.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/paul-durand-ruel-impresionismo/

INFORMACIÓN, FUNDACIÓN MAPFRE, MADRID

(Agradecimiento especial a la generosa colaboración con este medio de su Departamento de Prensa y Comunicación).

Compilación de información, Alicia Perris y Julio Serrano(webmaster)

EN FUNDACIÓN MAPFRE, 31 MUJERES. UNA EXPOSICIÓN DE PEGGY GUGGENHEIM, UNA MUJER ADELANTADA A SU ÉPOCA, VIVA

Patricia Mayayo, comisaria de ‘31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim’

Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025

Conoce la exposición de 31 Mujeres organizada por Peggy Guggenheim

¿Qué lugar ocupaban las mujeres artistas en las corrientes vanguardistas del siglo XX como el dadaísmo o el surrealismo? Frecuentemente, su trabajo quedaba silenciado por las trayectorias de sus propias parejas, también artistas. 

La célebre coleccionista de arte Peggy Guggenheim quiso cambiar esa situación y para ello organizó en su galería neoyorkina “Art of This Century” la muestra Exhibition by 31 Women (1943). Nacía así una de las primeras exposiciones en Estados Unidos, y en el mundo, en la que se exponían obras realizadas exclusivamente por mujeres, europeas y norteamericanas.

31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim es un reconocimiento a su labor de mecenazgo y un homenaje al trabajo de las 31 mujeres a las que dedicó esta histórica exposición.



Mujeres artistas que transformaron la historia del arte

Si algo caracterizó a las creadoras que participaron en The 31 Women Collection fue su necesidad de escapar de la etiqueta de “mujer artista” que, en aquel periodo, suponía un cliché cargado de limitantes tópicos.

La actitud de estas mujeres ante la vida era toda una declaración de principios en contra de las expectativas sociales y de los roles de género que dictaba la ideología burguesa. Rebeldes, independientes y comprometidas, cada una de ellas supo cuestionar y evidenciar los presupuestos patriarcales en los que se asentaban movimientos como el surrealismo y el expresionismo abstracto.

Fechas, obras y mujeres artistas en la exposición

Del 19 de septiembre al 5 de enero de 2025, la exposición sobre Peggy Guggenheim y su exposición de 31 mujeres de Fundación MAPFRE rememorará la histórica muestra organizada por esta mujer, coleccionista y mecenas, en 1943. Algunas de las obras que el público podrá admirar en Madrid son:

¡Olvidada, como este paraguas a tu lado estoy, infiel Berenice! (1923-1924), de la artista alemana Elsa von Freytag-Loringhoven. Elsa fue la primera artista del Dadaísmo. Esculpía, escribía poesía vanguardista -en ocasiones ilustrada con dibujos- y realizaba performances callejeras.

Mujer con armadura I (1938), de la argentina Leonor Fini. Esta artista fue prácticamente autodidacta y a través de la pintura, el teatro, las ilustraciones para libros y el diseño de objetos y vestuario, exploró lo masculino y lo femenino, el dominio y la sumisión, el erotismo y el humor.

Juno y Vulcano (1936), de la artista serbia Milena Pavlovic-Barilli. Su obra es muy variada y abarca desde retratos a interpretaciones imaginativas de historias bíblicas. Las temáticas a menudo incluyen situaciones de ensueño, velos, ángeles y estatuas de la diosa Venus.

Los catorce puñales (1942), de Kay Sage. Formas ovales, geométricas, paisajes desiertos y formas humanas envueltas en telas drapeadas, composiciones resueltas en líneas diagonales… las creaciones surrealistas de Kay Sage son tan subyugantes como enormemente desconocidas.

La Vía Media/La Gran Madre gobierna el cielo de Buffie Johnson; Espera de espuma de Sonja Sekula; Roxbury, astros, de Jacqueline Lamba; Día gris, de Aline Meyer Liebman; o Costumbres españolas, de Dorothea Tanning, son algunas de las muchas obras que se exponen en Fundación MAPFRE. 

Peggy Guggenheim: el impulso a las mujeres en el arte

Peggy Guggenheim fue una apasionada defensora de las mujeres en el arte, un ámbito que, tradicionalmente, les había cerrado sus puertas. El hecho de incluir en su colección obras de mujeres pintoras ayudó a visibilizar y a cambiar la percepción que se tenía del talento artístico femenino. 

Peggy Guggenheim fomentó las redes de colaboración, la solidaridad y la amistad entre muchas artistas de la época que, hasta entonces, no habían tenido la oportunidad de mostrar su trabajo o de compartir sus inquietudes artísticas en público debido a las convenciones sociales.

La colección Peggy Guggenheim

Ubicada en el Palacio Venier dei Leoni en Venecia, la colección Peggy Guggenheim es una cita obligada para todos los amantes del arte. Con más de 300 obras, incluyendo pinturas, dibujos y esculturas, la colección abarca una amplia gama de movimientos artísticos -desde el surrealismo hasta el arte abstracto-, y refleja su pasión y compromiso con la vanguardia y las nuevas formas de expresión, así como el desafío de las convenciones.

El museo, inaugurado en 1951 a orillas del Gran Canal, también ofrece una mirada a la propia vida de Peggy y su estilo de vida bohemio, adelantado a su tiempo. Pasión, creatividad y valentía vertebran este espacio que exhibe grandes obras maestras de genios como Ernst, Dalí, Mondrian, Giacometti, Pollock o Masson. 

La influencia de Peggy Guggenheim en el arte moderno

Como coleccionista, Peggy Guggenheim no sólo contribuyó a visibilizar el talento femenino artístico del siglo XX, sino que bajo su mecenazgo también impulsó la obra de artistas tan destacados como Jackson Pollock, Salvador Dalí y Max Ernst. Muchos artistas emergentes de la época, especialmente surrealistas y expresionistas, encontraron en ella compresión, apoyo financiero y un inigualable escaparate para mostrar su obra.

Este espíritu perdura aún en nuestros días: su museo en Venecia, sede de la Fundación Peggy Guggenheim, es un destacado centro de arte contemporáneo encargado de preservar y exhibir creaciones que reflejan esta visión innovadora y el compromiso con la vanguardia artística.

La mujer en la historia del arte: obras y artistas que dejaron huella

El papel de la mujer en la historia del arte no ha sido, ni mucho menos, fácil. Su camino ha estado marcado por barreras significativas contra las que muchas artistas mujeres han luchado, desafiando normas culturales y sociales que negaban su voz y su forma de entender y representar el mundo:

Sofonisba Anguissola fue una destacada artista del Renacimiento, nacida en Italia en 1532. Su vida y obra son un testimonio de la lucha por la igualdad en el arte. Su talento y perseverancia la llevaron a destacar y ser reconocida hasta convertirse en la pintora de la corte del rey Felipe II.

Artemisia Gentileschi, una pintora del siglo XVII, es una destacada representante de resistencia femenina. Gentileschi, que sufrió una violación y luchó por su reconocimiento en un entorno hostil, utilizó su arte para expresar y tratar de aliviar su dolor. Además de un ejemplo magistral del tenebrismo, su obra es ya un símbolo de la lucha de las mujeres en el arte.

Berthe Morisot, artista francesa del siglo XIX, se convirtió en una figura clave del impresionismo aportando una perspectiva única sobre la vida cotidiana e íntima de la mujer. Fue la primera en unirse al grupo impresionista y su estilo, caracterizado por pinceladas sueltas y una paleta suave, influyó en muchos de sus contemporáneos.

Frida Kahlo, artista del siglo XX, es un gran ejemplo de cómo el arte puede ser un medio para expresar el dolor desde una perspectiva femenina. Convertida en un ícono feminista, su obra ha inspirado a muchas mujeres a la hora de explorar su propia identidad a través del arte.

Georgia O’Keeffe, famosa por sus representaciones de flores y paisajes del suroeste estadounidense, desafió las convenciones de género al convertirse en una de las primeras artistas en ser reconocidas en el ámbito del arte moderno.

Mujeres en las artes visuales: escultura, pintura y más

Más allá de la estética, el arte es un vehículo de expresión y una poderosa herramienta de cambio. La historia de las mujeres en el ámbito de las artes visuales así lo demuestra: muchas artistas han utilizado su creatividad, no solo para expresar su visión del mundo, sino también para desafiar las normas establecidas y reivindicar su lugar en una sociedad que a menudo las ha silenciado.

Desde las pintoras renacentistas que lucharon por ser reconocidas en un campo dominado por hombres, pasando por las mujeres artistas revolucionarias en la historia del arte, hasta las artistas surrealistas y las creadoras contemporáneas que abordan temas de identidad, género y justicia social, el arte femenino ha sido un grito de resistencia. Con cada cuadro, dibujo, escultura o performance, estas mujeres artistas han dado un paso al frente para visibilizar luchas a menudo ignoradas. En definitiva, un acto de valentía para provocar una reacción y lograr cambios en la sociedad.

Obras más icónicas de la historia

Más allá de la maestría artística, cada una de ellas refleja, además, la necesidad de expresar un sentimiento que la sociedad trataba de acallar. Esta es una selección de algunas de las obras más icónicas de las mujeres en las artes visuales:

“Autorretrato”, Sofonisba Anguissola: con la cabeza alta, Sofonisba sostiene la mirada desafiando a un mundo que en el siglo XVI no veía con buenos ojos que una mujer se dedicara al arte. Además, la autora se autorretrata pintando un cuadro de temática religiosa. Todo un “escándalo” para la época.

“Judith y Holofernes”, de Artemisia Gentileschi no sólo es un ejemplo magistral del tenebrismo, sino que también es una poderosa representación de la resistencia femenina. Víctima de una violación, a través de este cuadro Artemisia Gentileschi desahogó su ira, ya que el violador nunca fue castigado y ella fue sometida a un denigrante juicio público.

“Retablo nº1”, de Hilma Af Klimt. Cuando pensamos en arte abstracto se nos viene a la cabeza el nombre de Wassily Kandinsky, pero la realidad es que fue esta artista sueca la que inauguró esta corriente. Gran incomprendida, Af Klimt mantuvo su trabajo en secreto, y este sólo pudo ser conocido a partir de 1986, veinte años después de su muerte. Aún así, la historiografía oficial no acepta que una mujer fuera la creadora del arte abstracto.

“Autorretrato en un Bugatti verde”, de Tamara de Lempicka, todo un símbolo del Art Déco y un referente para el feminismo, ya que la intensa mirada de la propia artista desafía el mundo masculino en el que vive.

“Un día de verano”, de Berthe Morisot. Una de las cinco pintoras que consiguieron entrar en el exclusivo círculo de los impresionistas. La armonía de la composición, la bella luz, la delicadeza de la imagen y la frescura del resultado son algunos de los rasgos de un cuadro que muestra pinceladas tan gruesas como libres.

“Lirio blanco nº7”, de Georgia O’Keeffe. La conocida como “madre del arte moderno estadounidense”, O’Keeffe fue conocida sobre todo por sus pinturas de gran formato de formas naturales, especialmente flores y huesos, y por sus representaciones de rascacielos de Nueva York. Creadora de un estilo propio, su espíritu independiente abrió muchas puertas a muchas artistas inspiradas por su obra.

El arte feminista: mujeres rompiendo barreras en el siglo XX

Aunque el concepto de arte feminista podría aplicarse a muchas pintoras famosas de la historia, el verdadero movimiento reivindicativo del papel de la mujer en la historia del arte comienza en los años 60 poniendo de manifiesto las desigualdades de género y la injusticia del sistema patriarcal.

No había tiempo que perder, por lo que no había espacio para la sutilidad en sus creaciones. De ahí que estas pintoras hablaran sin tapujos, de manera transparente en sus obras -a veces de forma descarnada-, llevando al debate datos, hechos, nombres y realidades a transformar.

Qué es el arte feminista y su evolución histórica

Conforme avanza el siglo XX, el movimiento feminista de los años 60 y 70 impulsa a muchas artistas a cuestionar las representaciones de la mujer en el arte y la sociedad. 

Las mujeres artistas querían obtener los mismos derechos que los hombres dentro del mundo del arte establecido.

Esta exigencia de igualdad en la representación fue introducida en la Art Workers’ Coalition’s (AWC) Statement of Demands, una declaración que se desarrolló en 1969 y que instó a los museos a que la entrada fuera gratuita, horarios más amplios, mejor representación de las minorías étnicas y una exigencia para que alentaran a las artistas femeninas a superar siglos de daño causado a la imagen de la mujer como artista estableciendo una representación equitativa de los sexos en las exposiciones, las compras en museos y en los comités de selección.

Artistas feministas que definieron el movimiento del siglo XX

Aunque se considera que Louise Bourgeois y Eva Hesse fueron algunas de las primeras artistas feministas a comienzos del siglo XX, Judy Chicago, con su obra The Dinner Party, marca el inicio de esta nueva forma de entender el arte como plataforma de reivindicación para las mujeres.

Otras pintoras famosas fueron Barbara Kruger, que utilizaba el lenguaje de la cultura pop y la fuerza de las imágenes para transmitir sus mensajes; Carolee Schneemann y su arte experimental visual, que fue toda una referencia respecto a la exploración del cuerpo femenino; Ringgold, al igual que otras mujeres artistas negras, que persiguieron una conciencia cultural negra basada en la recuperación de la memoria histórica negra y la espiritualidad panafricana.

Otras exposiciones relevantes en Fundación MAPFRE

El compromiso de Fundación MAPFRE con la mujer y el arte es ya una constante en la programación de sus exposiciones.  Destaca la exposición Amazonas del arte nuevo (2008) en la que se reinvindicó el papel desempeñado por la mujer en el desarrollo del arte moderno a través de la obra de cuarenta y una autoras representativas de distintos movimientos y estilos entre 1880 y 1950. Grandes nombres como Leonora Carrington, Ilse Bing, Anastasya Samoylova, o recientemente, el trabajo de Consuelo Kanaga, una de las primeras fotoperiodistas de la historia o la obra de la chilena Paz Errázuriz, son sólo una pequeña muestra de hasta qué punto la voz femenina está presente en Fundación MAPFRE

Mujeres y el arte: exposiciones que no puedes perderte

En la actualidad, otra de las exposiciones de arte que acoge Fundación MAPFRE es la muestra “Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo”. Esta exhibición, que muestra la labor de este gran marchante y mecenas, protector del arte de su época, guarda una curiosa relación con una de las grandes pintoras del impresionismo: Morisot. 

Paul Durand-Ruel fue un ferviente defensor y promotor del trabajo de los impresionistas, a los que no sólo apoyaba económicamente, sino emocionalmente. Además del trabajo de Berthe Morisot, este mecenas también representó a la pintora Mary Casatt y apoyó el trabajo de ambas con gran empeño.

https://www.fundacionmapfre.org/blog/exposicion-31-mujeres-peggy-guggenheim/

INFORMACIÓN, FUNDACIÓN MAPFRE, MADRID

(Agradecimiento especial a la generosa colaboración con este medio de su Departamento de Prensa y Comunicación).

Compilación de información, Alicia Perris y Julio Serrano(webmaster)

viernes, 27 de septiembre de 2024

STOP CULTURAL CUTBACKS – #BERLINISTKULTUR

 Berlin’s opera houses and concert halls, orchestras and choirs as well as the Staatsballett call on Berlin politicians not to implement the planned budget cutbacks in the cultural sector. The latter currently accounts for 2.1% of Berlin's total budget – a small investment that generates maximum reputational benefits for the city of Berlin. Cutbacks in culture – the city’s most important unique selling point – will drastically diminish Berlin’s image.

 

It cannot be in the interests of those politically responsible to reduce the quality of life in the metropolis of Berlin by making significant cuts in the cultural sector.

Culture is also an important economic factor, not only through employment creation in the creative industries but also as an attractive aspect of tourism: studies have shown that more than half of Berlin’s visitors come to the city because of its cultural and artistic attractions. Cutbacks in culture would cause a severe negative impact in these areas, and would result in a massive loss of revenue for the entire city of Berlin.

 Cuts would also threaten the livelihoods of many independent artists, groups and theatres that have helped to shape the cultural life of this city in a way that is unique in the world, and without whose participation major productions in concert halls and opera houses could not be realised.

The cultural professionals in this city stand together in solidarity to call for a decisive end to plans for cuts in the cultural sector as a whole, and have no desire to be forced into competition with each other over the distribution of funding.

Joana Mallwitz, chief conductor and artistic director of the Konzerthausorchester: “We should all realise by now that we need to strengthen the core of our society and its cohesion, and that we need to give our cultural identity a positive image. So our aim must be to make it even easier to have access to music and culture. The damage that would be caused by cuts to the cultural budget would be immense and would not only severely affect us as a cultural organisation, but also jeopardise the cohesion of our society as a whole.”

Kirill Petrenko, chief conductor and artistic director of the Berliner Philharmoniker: “If we want to maintain Berlin’s extremely important cultural diversity and continue to attract the best in their field from all disciplines, we must not tamper with the financial foundations of our institutiuons, let alone call their very existence into question.”

Christian Thielemann, general music director of the Staatsoper Unter den Linden: “Berlin’s classical music scene is unrivalled, and has a worldwide reputation. In addition to concerts in the city, we all contribute to making Berlin synonymous with cultural excellence through our tours and media broadcasts. Do the politicians really want to allow such a devastating message to be sent out from Berlin to the rest of the country?”

Joint statement by the artistic directors and general managers: “Culture is the heart of Berlin – it attracts people from all over the world, is an important economic factor, creates jobs and makes our city worth living in. Our city’s cultural institutions are not only places of art with international appeal, but are also urgently needed to maintain Berlin’s reputation as a location for business. One thing is clear: cuts in the cultural sector would massively damage the city of Berlin in the long term.”

Philip Bröking, artistic director and opera director, Komische Oper Berlin

Susanne Moser, artistic director and managing director, Komische Oper Berlin

Sebastian Nordmann, director of the Konzerthaus Berlin

Anselm Rose, managing director of ROC Berlin – Rundfunk Orchester und Chöre GmbH

Dietmar Schwarz, general manager, Deutsche Oper Berlin

Elisabeth Sobotka, artistic director, Staatsoper Unter den Linden

Christian Spuck, artistic director, Staatsballett Berlin

Georg Vierthaler, general director, Stiftung Oper in Berlin

Andrea Zietzschmann, general manager, Berliner Philharmoniker Foundation

In a petition, the Deutsche Bühnenverein is calling for Berlin's culture to be protected in the budget crisis. Sign now!

https://www.berliner-philharmoniker.de/en/news/berlinistkultur/

NOVEDADES DE LA GESTIÓN DEL T. COLÓN DE BUENOS AIRES. OPÉRA, FAUST. CHARLES GOUNOD À L´OPÉRA BASTILLE

SE COMPLETA EL ELENCO DE GESTIÓN DEL TEATRO COLÓN DE BUENOS AIRES

El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires anunció ayer a Andrés Rodríguez como nuevo responsable de la Ópera del Teatro Colón de Buenos Aires. Rodríguez se unirá a Julio Bocca, que estará al frente del ballet, y Gerardo Grieco, director general del coliseo. 


ET AUSSI...

FAUST, GOUNOD, BASTILLE

du 26 septembre au 18 octobre 2024

Vendre son âme au diable contre la jeunesse éternelle, tel est le pari, forcément risqué, de Faust. En s’alliant au diabolique Méphistophélès, le vieux savant retrouve une verdeur qui lui permet de conquérir la belle Marguerite, mais à quel prix ?


Quand Charles Gounod s’attèle au mythe rendu célèbre par Goethe, il n’a encore connu aucun vrai succès. L’invention mélodique et l’intensité dramatique de son Faust, créé en 1859 au Théâtre Lyrique, changent la donne.

Si le livret de Carré et Barbier insiste plus sur la chute et la rédemption de Marguerite que sur la dimension métaphysique du héros, cela n’a pas empêché l’œuvre de devenir un monument national, jusqu’à inspirer Hergé dont la Castafiore chante le fameux « Air des bijoux ».

Dans sa mise en scène aux vidéos spectaculaires, Tobias Kratzer convoque un Paris contemporain, cadre grandiose et lieu de perdition pour une jeunesse aux prises avec ses peurs intérieures.

Vendre son âme au diable contre la jeunesse éternelle, tel est le pari – forcément risqué – de Faust. En s’alliant au diabolique Méphistophélès, le vieux savant retrouve une verdeur qui lui permet de conquérir la belle Marguerite, mais à quel prix ? Quand Charles Gounod s’attèle au mythe rendu célèbre par Goethe, il n’a encore connu aucun vrai succès.

L’invention mélodique et l’intensité dramatique de son Faust, créé en 1859 au Théâtre Lyrique, changent la donne. Si le livret de Carré et Barbier insiste plus sur la chute et la rédemption de Marguerite que sur la dimension métaphysique du héros, cela n’a pas empêché l’œuvre de devenir un monument national, jusqu’à inspirer Hergé dont la Castafiore chante le fameux « Air des bijoux ».

Dans sa mise en scène aux vidéos spectaculaires, Tobias Kratzer convoque un Paris contemporain, cadre grandiose et lieu de perdition pour une jeunesse aux prises avec ses peurs intérieures.

https://www.operadeparis.fr/saison-24-25/opera/faust

MOSTRA PENELOPE . FORO ROMANO, PALATINO. PABLO HERAS-CASADO, "DIRECTOR OF THE YEAR"

19 Settembre 2024 - 19 Gennaio 2025

Il Parco archeologico del Colosseo promuove la mostra Penelope, a cura di Alessandra Sarchi e Claudio Franzoni, con l’organizzazione di Electa.

Aperta negli spazi delle Uccelliere Farnesiane e del Tempio di Romolo, l’esposizione  ̶  attraverso circa cinquanta opere  ̶  ripercorre il mito e la fortuna della figura di Penelope che giunge a noi, dalla remota età in cui affondano i poemi omerici, attraverso due tradizioni ugualmente potenti: quella letteraria e quella legata alla rappresentazione visiva.

Il suo personaggio ha attraversato i millenni e popolato il nostro immaginario legandolo a un ideale normativo della donna, fedele al marito Ulisse e saggia custode della sua dimora-reggia a Itaca, ubbidiente perfino al figlio Telemaco appena ventenne. Ma a renderla affascinante sono la sua determinazione, la sua resistenza e capacità di sognare.

All’interno del percorso espositivo anche un omaggio a Maria Lai, artista che ha messo al centro del suo lavoro le materie tessili, in collaborazione con l’Archivio e la Fondazione Maria Lai.

Alla mostra si accompagna il catalogo pubblicato da Electa, concepito, per la ricchezza dei contributi affidati ai maggiori specialisti con focus su vari aspetti e cronologie, come un volume esauriente  ̶  e ancora mancante nel panorama editoriale  ̶  sulla figura mitica eppure così attuale di Penelope e sulla sua fortuna nella cultura occidentale fino ai giorni nostri.

Electa, inoltre, riedita nella collana Pesci Rossi Le ragioni dell’arte (2002), dialoghi tra Giuseppina Cuccu e Maria Lai nati da temi e argomenti che l’artista aveva proposto come materia didattica per l’infanzia.

In occasione della mostra il Parco archeologico del Colosseo promuove il programma di incontri Esistere come Donna. Dialoghi e lezioni su donne, artiste, battaglie e archetipi femminili ideato e realizzato da Electa con Fondazione Fondamenta e con Alessandra Sarchi e Claudio Franzoni. Gli incontri si terranno nel Foro Romano presso la Curia Iulia, a partire dal 21 settembre, e fino a dicembre.

PROGRAMMA DI INCONTRI

Tutti gli incontri si svolgeranno alla Curia Iulia nel Foro Romano con ingresso da Largo della Salara Vecchia, lungo Via dei Fori Imperiali, altezza Largo Corrado Ricci

L’ingresso è gratuito fino a esaurimento posti con prenotazione obbligatoria da effettuarsi su eventbrite.it


https://colosseo.it/evento/penelope/



AND...


Bayreuther Festspiele GmbH

Festspielhügel 1-2

95445 Bayreuth



News

Pablo Heras-Casado is ‘Conductor of the Year’!

The critics of the specialist magazine ‘Opernwelt’ praised his ‘rhetorically and poetically 


impressive’ interpretation of ‘Parsifal’ at the Bayreuth Festival. We congratulate him warmly and 


look forward to his conducting of ‘Parsifal’ in 2025!

ACTING LEGEND DAME MAGGIE SMITH DIES AT 89

Helen Bushby & Ian Youngs

Actress Dame Maggie Smith, known for the Harry Potter films and Downton Abbey, has died at the age of 89, her family has said.

A legend of British stage and screen, she won two Oscars during her career - for The Prime of Miss Jean Brodie in 1970 and California Suite in 1979.

She had four other nominations, and received seven Bafta awards.

Leading the tributes, Prime Minister Keir Starmer said Dame Maggie "was beloved by so many for her great talent, becoming a true national treasure whose work will be cherished for generations to come".

In the Harry Potter films, Dame Maggie played the acerbic Professor Minerva McGonagall, famous for her pointed witch's hat and stern manner with the young wizards at Hogwarts.

In hit ITV drama Downton Abbey, she played Violet Crawley, the Dowager Countess of Grantham, the grand matriarch who excelled at withering one-liners through the show's six series.

Follow live: Tributes to Dame Maggie Smith

Obituary: A formidable star on stage and screen

A statement from her sons Toby Stephens and Chris Larkin said: "It is with great sadness we have to announce the death of Dame Maggie Smith.

"She passed away peacefully in hospital early this morning, Friday 27th September.

"An intensely private person, she was with friends and family at the end. She leaves two sons and five loving grandchildren who are devastated by the loss of their extraordinary mother and grandmother."

They thanked "the wonderful staff at the Chelsea and Westminster Hospital for their care and unstinting kindness during her final days".

They added: "We thank you for all your kind messages and support and ask that you respect our privacy at this time."

Tributes were also paid by her co-stars.

Hugh Bonneville, who appeared in Downton Abbey, said: “Anyone who ever shared a scene with Maggie will attest to her sharp eye, sharp wit and formidable talent.

"She was a true legend of her generation and thankfully will live on in so many magnificent screen performances. My condolences to her boys and wider family."

Dame Maggie also reprised her role for the two Downton Abbey films.

In 2022's Downton Abbey: A New Era, her character died of the illness she revealed at the end of the 2019 film, to the huge upset of her family and friends.

Downton followed the success of 2002 period drama Gosford Park, which earned Dame Maggie both Oscar and Bafta nominations for playing Dowager Countess of Trentham.

In his statement on Friday, the prime minister said Dame Maggie "introduced us to new worlds with the countless stories she acted over her long career".

"Our thoughts are with her family and loved ones. May she rest in peace," he wrote.

Dame Kristin Scott-Thomas, who starred alongside Dame Maggie in 2005's Keeping Mum and 2014's My Old Lady, said she "took acting very seriously but saw through the nonsense and razzmatazz".

"She really didn’t want to deal with that," Dame Kristin added.

"She had a sense of humour and wit that could reduce me to a blithering puddle of giggles. And she did not have patience with fools. So you had to be a bit careful. I absolutely adored her.

"The last time I saw her, she was very cross about being old. 'Maddening' I think she said. Much loved, much admired and irreplaceable."

A National Theatre spokesperson said her career "spanned the theatrical, film and television world without equal".

Praising her stage performances, the statement added: "She will forever be remembered as one of the greatest actors this country has had the inestimable pleasure of witnessing.

"Her deep intelligence, effortless dexterity, sublime craft and sharp wit were simply legendary."

Bafta added that she was a "legend of British stage and screen", praising her five competitive Bafta wins, plus the special award and fellowship she received from the organisation.

Dame Maggie's career spanned eight decades, with early acclaim coming when she gained her first Bafta nomination for Nowhere to Go in 1958.

In 1963, she was offered the part of Desdemona in Othello at the National Theatre by Laurence Olivier, and two years later it was made into a film and Smith was nominated for her first Oscar.

The actress's other memorable roles included 1985 Merchant Ivory film A Room With a View, in which she played the chaperone Charlotte Barlett, accompanying Helen Bonham Carter's Lucy Honeychurch to Italy.

The role earned her another Oscar nomination and a Bafta.

And along with another national treasure, Dame Judi Dench, she appeared as an English woman living in 1930s Italy in the film Tea with Mussolini, which was released in 1999.

The two dames also shared screen time in A Room With a View and The Best Exotic Marigold Hotel.

Dame Maggie played the firm but fair Reverend Mother in the two Sister Act films, starring Whoopi Goldberg as nightclub singer Doloris Wilson, who takes refuge from the mob in San Francisco by posing as a nun in a local convent.

Goldberg called Dame Maggie "a great woman and a brilliant actress", adding: "I still can’t believe I was lucky enough to work with the 'one-of-a-kind'."

Rob Lowe, who starred with Dame Maggie in 1993's Suddenly, Last Summer, recalled "the unforgettable experience of working with her".

"Sharing a two-shot was like being paired with a lion," he said.

"She could eat anyone alive, and often did. But funny, and great company. And suffered no fools.

"We will never see another. God speed, Ms Smith!"

The veteran actress also played the old woman who spent 15 years living in a van outside Alan Bennett’s house in a film adaptation of the writer’s The Lady in the Van in 2015.

Her final roles included 2023’s The Miracle Club, which follows a group of women from Dublin who go on a pilgrimage to the French town of Lourdes, co-starring Kathy Bates and Laura Linney.

https://www.bbc.com/news/articles/cgk7375ngkxo

"SANTIAGO SIERRA HABLA EN DIALECTO CA2M. "OBSTRUCCIÓN DE UNA VÍA CON UN CONTENEDOR DE CARGA", 1998.

Con ocasión de la exposición "Dialecto CA2M" inaugurada en 2021 en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Santiago Sierra nos habla de su pieza "Obstrucción de una vía con un contenedor de carga", 1998, que forma parte de la Colección del Museo CA2M.



jueves, 26 de septiembre de 2024

CUARTA EDICIÓN SOBRE SOSTENIBILIDAD DE LA NORMAN FOSTER FOUNDATION (Vídeo de todo el acto en inglés y textos inglés y español)

 


CUARTA EDICIÓN DE LOS DEBATES PÚBLICOS SOBRE SOSTENIBILIDAD DE LA NORMAN FOSTER FOUNDATION

THE FOURTH EDITION OF THE NORMAN FOSTER FOUNDATION’S PUBLIC DEBATES ON SUSTAINABILITY TOOK PLACE ON TUESDAY 24 SEPTEMBER 2024 IN PARTNERSHIP WITH ROLEX.

La cuarta edición de los debates públicos sobre Sostenibilidad de la Norman Foster Foundation, martes 24 de septiembre , destacará cinco casos de éxito en el desarrollo urbano sostenible.


Comentarios a vuela pluma de la experiencia, una gran tarde-noche en la Fundación.


Norman Foster y Elena Ochoa
, su esposa, llegaron momentos antes de comenzar el acto y el arquitecto se reservó prácticamente el cierre de un encuentro del que fue el gran inspirador y convocante. En gran forma, la lucidez y la concreción, así como el humor y la capacidad de comunicar fueron en ese enclave y en toda su trayectoria posiblemente las claves de su saber estar, saber vivir y crear.

Más de 400 personas se quedaron sin poder entrar debido a la falta de aforo y a la respuesta a una convocatoria de excelencia.

Sumamente interesantes los "must" de las exposiciones que se señalan: conectividad, elasticidad, implicación social con los proyectos, naturaleza, ajardinamientos, agua, porcentaje de viviendas sociales. 

Muy interesante el caso de Beirut, concebido seguramente antes de que volviera a ser blanco de los últimos conflictos bélicos con Israel. (Líbano tiene una tradición desgraciada de estar en medio de intereses contrapuesto que no siempre los suyos).


Junto con la de Viena, probablemente las propuestas más generalizables a otros entornos y países. La concepción del habitat como un ente vivo, cambiante y complejo del que todos- naturaleza, personas, animales y construcciones ad hoc- formamos parte. 

A tener en cuenta las aportaciones estatales a la resolución de problemas vinculados a las viviendas del Estado, un 80% (caso Viena).

Y a tener en cuenta: casi todos los ponentes no eran originarios directamente del lugar que estaban describiendo y donde habían dejado su huella: no se aludió al hecho pero es probable que provinieran de otros territorios y épocas, originarios de la inmigración (se podría comprobar pasando revista a los nombres y apellidos de estos conferenciantes). Y un detalle curioso y superfluo pero a reseñar: magnífica "tenue" en negro y de última hora de la representante de Beirut. El resto, presencia muy cuidada y actualísima, aunque idiosioncrática (cada uno/a en su estilo) y chaqueta obligatoria para los señores.

Alicia Perris/ Webmaster, Julio Serrano
(con el agradecimiento por habernos facilitado la asistencia e información sobre el acto, siempre)

Estos debates pretenden inspirar mostrando cómo la planificación y el diseño con visión de futuro pueden tener efectos positivos y duraderos en nuestras ciudades, fomentando un futuro más resistente y sostenible.



Los debates públicos estarán moderados por Luis Bettencourt, Catedrático de Ecología, Evolución y Sociología de la Universidad de Chicago, Illinois, Estados Unidos.



Con un discurso de apertura de cinco minutos y un debate entre los siguientes expertos:

Lina Ghotmeh, Fundadora y Directora, Ghotmeh-Architecture, París, Francia

Nirmal Kishnani, Codirector del Programa, Director del Máster en Ciencias, Diseño Sostenible Integrado, Escuela de Diseño y Medio Ambiente, Universidad Nacional de Singapur (NUS), Singapur



Pablo Urango, Codirector y Senior Partner, Foster+Partners, Madrid, España

Maria Vassilakou, Fundadora, Vienna Solutions; Ex Vicealcaldesa,Viena, Austria

 



The event highlighted five exemplary cases of success in sustainable urban development. These debates aimed to inspire and educate by showcasing how forward-thinking planning and design can lead to lasting, positive impacts on our cities, fostering a more resilient and sustainable future.

The Public Debates were moderated by Luis Bettencourt, Professor of Ecology, Evolution and Sociology, University of Chicago, Illinois, United States.

With a five-minute keynote and debate between the following experts:

Lina Ghotmeh, Founder and Director, Ghotmeh—Architecture, Paris, France

Nirmal Kishnani, Co-Programme Director, Programme Director of the Master of Science, Integrated Sustainable Design, School of Design and Environment, National University of Singapore (NUS), Singapore

Pablo Urango, Co-Director and Senior Partner, Foster + Partners, Madrid, Spain

Maria Vassilakou, Founder, Vienna Solutions; Former Vice Mayor, Vienna, Austria

NORMAN FOSTER INTERVINIENDO EN EL TURNO FINAL DE REFLEXIONES


SUSTAINABILITY PUBLIC DEBATES 2024 | NORMAN FOSTER FOUNDATION