sábado, 30 de diciembre de 2023

JENNY SAVILLE. GAGOSIAN EKKYKLEMA

 November 30, 2023–February 10, 2024

Davies Street, London


Gagosian is pleased to present Ekkyklema, an exhibition of new paintings and works on paper by Jenny Saville, opening at the Davies Street gallery in London on November 30. The project’s title refers to a wheeled platform that was used to move interior scenes into the audience’s view during antique productions of Greek tragic drama and alludes to the artist’s search for a pictorial language with which to confront our simultaneous occupation of material and screen-based worlds. Ekkyklema is also concerned with the moment and mystery of conception—a truly universal subject.

Saville’s new work was inspired in part by the giant digital display screens employed at stadiums and other major event venues, the scale and visual power of which generate an overwhelming, almost religious spectacle. Throughout the exhibition, the artist compartmentalizes body parts into angular screenlike panels whose hard edges and clustered arrangements recall desktop computing’s windows and menus and the boxed-in talking heads of news broadcasts. The artist evolved this pictorial system over the past year, focusing on our intersecting physical and electronic realities by combining figuration and abstraction. “I gave myself the challenge of feeling the ancient and digital worlds simultaneously,” she writes.

The reclining figures in Saville’s new paintings allude to the Greek mythological character of Danaë, whose child, it was prophesied, would kill his grandfather, Acrisius. Zeus visited the imprisoned Danaë in the form of a shower of gold, and from their union, Perseus was born—who later fulfilled the prediction. Rembrandt famously produced a monumentally scaled depiction of Danaë reclining on a bed and many other artists, including Titian, Artemisia Gentileschi, and Gustav Klimt, have also painted her. Saville drew the works’ palette from watercolor studies, produced over the past two years, of the changing light and colors of the Greek sky at sunset.

Finally, the works in Ekkyklema recall fragmented portraits by Pablo Picasso. The connection is an appropriate one since Saville made numerous studies in preparing the paintings—as Picasso did before working on paintings such as Guernica (1937). Her subjects are further complicated by active lines of intense color that suggest frenzied motion, while the compositions’ overlaid “screens” evoke the multiple perspectives characteristic of Cubism, interrupting her images of single and plural nude figures with partial views that offer fragmented glimpses of past, future, or alternative realities.

https://gagosian.com/exhibitions/2023/jenny-saville-ekkyklema/


LA MUSIQUE POUR PIANO DE CÉSAR FRANCK 3 CDS

 

Ce nouvel enregistrement est conçu pour donner un autre regard sur Grétry et mettre en évidence son Musée .

Le pianiste concertiste Patrick Dheur a choisi un répertoire surprenant .

Saviez-vous que Mozart et Beethoven avait utilisé de la musique de Grétry pour composer de magnifiques variations pour piano et que la constitution du Musée au début du  XXème siècle est l’œuvre du compositeur liégeois et Directeur du Conservatoire Royal Jean Théodore Radoux ?

Des univers musicaux  et des compositeurs bien différents cohabitent. Ils sont reliés par l’idée de composer des pièces qui  s’intègrent délicatement  dans l’atmosphère feutrées  des salons musicaux animés par des amateurs avertis.

Grétry est de tous les temps. Son destin le lie curieusement à notre actualité:  les  nombreux bouleversements de la  société, la perte de ses  3 filles victimes d’une épidémie meurtrière et  les nombreuses embuches d’une carrière artistique toujours incertaine.

Un CD qui témoigne de l’attachement de Patrick Dheur pour  l’univers musical  liégeois qui perpétue le souvenir de Grétry et invite à mieux découvrir l’homme et son œuvre.

https://www.dheur.org/musique-pour-piano-de-cesar-franck/

LAURENT LAFITTE, JENNIFER DECKER ET EMMANUEL DAUMAS DANS CYRANO DE BERGERAC : "ON A TOUS QUELQUE CHOSE DE CYRANO !"

 




PALABRAS DE VIAJEROS. EL VIAJE LITERARIO Y SU APORTACIÓN A LA CULTURA EUROPEA

 Del 20 de octubre de 2023 al 21 de enero de 2024

En el siglo XVIII el viaje adquiere cada vez más importancia y nuevas finalidades. Moverse, ver, aprender y volver para divulgar, componen un método empírico de instrucción y conocimiento que llega a ser una práctica común en las sociedades europeas, en muchos casos fomentada y financiada por las instituciones.


El viaje en época ilustrada es una experiencia formativa bajo el signo de lo "útil" y del placer, del aprendizaje y de la comparación. Los eruditos y los aristócratas "corren cortes" para conocer de primera mano las nuevas ideas que hierven en Europa. Muchos artesanos pasan largas temporadas en París o Londres para perfeccionarse y experimentar las novedades de sus oficios, aprender las "artes agradables" y las "artes útiles". Y a partir de la mitad del siglo algunos jóvenes artistas españoles ya pueden aspirar a una “pensión” de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para coronar su formación en Roma, definida por el exjesuita Juan Andrés cómo el emporio del buen gusto.

El creciente número de guías y libros dedicados al viaje, en forma de diario o epistolario, refleja la importancia de esta larga tradición cultural que tanto ha contribuido a la modernización del viejo continente.

El objetivo de la exposición es ilustrar los valiosos resultados de esta costumbre a través de los numerosos libros impresos y los importantes manuscritos conservados en la BNE, enriqueciéndola y completándola con las obras gráficas de aquellos artistas que viajaron fuera de España, principalmente a Italia, para forjar su vocación en un contexto cosmopolita.

La experiencia de Isidro González Velázquez (1765-1840) nos muestra, con sus trabajos juveniles, un típico itinerario de estudio, en pleno auge del nuevo clasicismo, alternando dibujos técnicos de las antiguas arquitecturas con paisajes de ruinas y hermosas vistas de la Campiña romana.

El Cuaderno italiano de Goya, y de los jóvenes pintores españoles, reflejan sus progresos académicos al mismo tiempo que nos transmiten sus vivencias en la capital pontificia.

Las Cartas familiares del abad Juan Andrés y Morell (1740-1817) pueden considerarse como el primer libro de viaje sobre Italia impreso en castellano, un recorrido por las principales ciudades de la península y un viaje en el viaje entre sus ricas bibliotecas, mientras que los apuntes del itinerario europeo del dramaturgo Leandro Fernández de Moratín (1760-1828) muestran ya el tono franco del viajero partícipe y atento a la vida pulsante de los lugares que visita. 

Los paisajes de ruinas, las vistas de ciudades y monumentos nos acompañan en todo el trayecto histórico de la exposición, hasta trasportarnos en época romántica, cuando el viaje literario se transforma poco a poco en antecedente del turismo, en viaje de recreo, y se multiplican las crónicas de los nuevos itinerantes que relatan sus experiencias a través de nuevos reportajes y publicaciones periódicas, convertidas en importante herramienta de información y divulgación.

De la primera parte del siglo es muy relevante la experiencia formativa, en Roma, del pintor oscense Valentín Carderera y Solano (1796-1880), como reflejan los álbumes de sus dibujos y acuarelas. E igualmente significativos son los textos que Ángel de Saavedra, Duque de Rivas (1791-1865), dedica a la ascensión del Vesubio y a su excursión a los templos de Paestum (1844), impactantes por la elegancia del estilo y la vivacidad de la prosa.

Su accidentado periplo entre paisajes marinos y la sugerente visión del volcán humeante –en tren, con mulas, en barco, con ágil carretela−, nos hace comprender la dificultad y la belleza de un clásico itinerario del Grand tour. Pero en la imagen de las nuevas carrozas que se deslizan rápidamente sobre el recién inaugurado camino de hierro, en la llanura partenopea, podemos ya divisar, de forma emblemática, el final de una época y de una tradicional forma de viajar.

Comisario:

Paolo D'Alessandro

https://www.bne.es/es/agenda/palabras-viajeros-viaje-literario-su-aportacion-cultura-europea

STRONG WOMEN IN RENAISSANCE ITALY. MFA BOSTON

September 9, 2023–January 7, 2024 

When you think about Renaissance Italy, do the names Sofonisba Anguissola, Isabella d’Este, or Lavinia Fontana come to mind? These women, and many others whose names we may never know—artists, writers, patrons, entrepreneurs, healers, nuns, teachers, and more—influenced their time much more than history has generally recognized. 

Through more than 100 works from the 14th to the early 17th century, this exhibition explores the lives and experiences of women in Renaissance Italy and offers new perspectives on female creativity, power, and agency. Learn about Sofonisba Anguissola, who served at the court of King Phillip II of Spain and painted more self-portraits than any other artist in Renaissance Italy.

 One of her self-portraits shows her holding a large shield-like object inscribed with her signature, declaring she painted it. See Renaissance interpretations of historical figures, like a bronze bust of Cleopatra showing the Egyptian queen as pensive and noble rather than seductive and dangerous—a work likely commissioned by Isabella d’Este, one of Renaissance Italy’s most influential patrons of the arts. Get to know the story of Gracia Nasi, a Jewish woman from a powerful family, through the portrait medal cast to celebrate her marriage.

Women in Renaissance Italy faced challenges and barriers to equity, education, and influence. But they often found ways to work around or overcome the institutional structures of their time. The mix of sculpture, paintings, ceramics, textiles, fashion accessories, illustrated books, and prints in this exhibition reveals the material lives of Renaissance women and tells empowering and inspiring stories that have long gone untold.

https://www.mfa.org/exhibition/strong-women-in-renaissance-italy

L’ABITO DI MARIA CALLAS PER MANO DEI MAESTRI ARTIGIANI FIORENTINI

 

Nella Sala del Museo dedicata a Maria Callas ha preso finalmente posto la copia fedele dell’abito progettato da Franco Zeffirelli per la “Divina”. L’abito fu realizzato in occasione de “Il turco in Italia” del 1955 al Teatro alla Scala di Milano. Il rifacimento dell’abito è stato curato da Elena Puliti e Massimo Poli grazie alla generosa donazione dell’Associazione Firenze Donna.

L’abito è uno dei pezzi più cari al Maestro. Segna infatti un momento importante nella vita professionale e privata di Franco Zeffirelli confermando definitivamente  la sua attività di regista alla Scala e segnando l’inizio del sodalizio artistico con la grande Maria Callas. 

Zeffirelli e Callas: una storia di amicizia e intesa professionale

Con lei il Maestro stringe un’amicizia profonda di cui spesso racconta con affetto. Nella sua autobiografia il Maestro svela spesso e delicatamente la rispettosa e talvolta civettuola intimità che li legava:

“Con tutti i sacrifici che ho fatto per dimagrire, mi fai sembrare più grassa di prima con questi costumi.”


Fu questo il commento di Maria Callas la prima volta che indossò, in fase di prova, l’abito disegnato per lei da Franco Zeffirelli.

Gli abiti “erano semplicemente e graziosamente stile impero, 1810, con la vita appena sotto il seno. Sul fatto che non lasciavano vedere com’era diventata snella, a suo modo aveva ragione.

Maria cominciò ad andare di nascosto dalla sarta a chiederle di abbassare il punto vita; naturalmente, ci andavo anch’io subito dopo e lo facevo rialzare.

Alla fine avemmo una discussione pacata, in cui feci di tutto per spiegarle che con quei costumi semplici e attillati era un incanto. Ma quello che la convinse, fu quando le dissi che nessuna donna poteva permettersi una linea così alta senza sembrare goffa e impacciata.

“Va bene” concesse “fa’ quello che vuoi, purché ci divertiamo.”

I Maestri artigiani fiorentini per l’abito del Turco in Italia

Pippo Zeffirelli ha commissionato il lavoro di ricostruzione dell’abito a due illustri rappresentanti dei “mestieri fiorentini” legati al mondo del teatro e del cinema, Massimo Poli e Elena Puliti.

Come dice Elena Puliti, stretta collaboratrice di Anna Anni, che si è occupata di definire l’impostazione del lavoro di ricostruzione, tra ricerca (difficilissima!) dei materiali e tecniche sartoriali: “si tratta di una ricostruzione vera e propria… che ha l’obiettivo di seguire il più possibile la visione iniziale… ”, visibile nelle foto di scena, eliminando tutte le  integrazioni e le modifiche fatte nel  tempo dalle sartorie che, come da tradizione, una volta prodotto l’abito, sono libere di modificarlo per affittarlo in altre produzioni.


Pillole di Spettacolo: L’abito di Maria Callas nel “Turco in Italia”

Un lavoro progettuale e di ricerca storica quindi che ha impegnato i due artisti-artigiani nella ricostruzione di un’opera della sartoria teatrale degli anni ’50.

Come dice Massimo Poli, ex titolare della nota Sartoria Teatrale Fiorentina, che per oltre 150 anni ha fornito a Firenze e al mondo dello spettacolo creazioni sartoriali uniche: “Il rifacimento dell’abito è un lavoro lungo e complesso, fatto di analisi sartoriale. Il primo passo è stato quello di analizzare i tipi di tessuto utilizzato, le modalità del taglio e dell’imbastitura” per giungere a ricostruire fedelmente un abito che è la sintesi di un periodo storico, di una fase della storia del teatro,  testimone di un legame artistico tra due personalità uniche, Franco Zeffirelli e Maria Callas.

https://www.fondazionefrancozeffirelli.com/pilloledispettacolo/l-abito-di-maria-callas-per-mano-dei-maestri-artigiani-fiorentini/

miércoles, 27 de diciembre de 2023

NEW YEAR'S CONCERT 2024 WITH CHRISTIAN THIELEMANN. CONCERTO CAPODANNO ALLA FENICE

 New Year's Concert 2019 with Christian Thielemann © Wolf-Dieter Grabner

The 2024 Vienna Philharmonic New Year's Concert takes place on January 1, 2024, under the baton of Maestro Christian Thielemann in the Golden Hall of the Musikverein in Vienna. Christian Thielemann enjoys a particularly close and productive artistic partnership with the Vienna Philharmonic. 

After 2019 the concert on January 1st marks the 2nd time, that Christian Thielemann conducts this prestigious concert event.

The 2024 New Year's Concert will be broadcast in over 90 countries and followed by millions of television viewers around the world.

The Programme of the New Year's Concert 2024

CONDUCTOR

Christian Thielemann

ORCHESTRA

Vienna
Philharmonic

Karl Komzák

Erzherzog Albrecht-Marsch, op. 136

Johann Strauß II.

Wiener Bonbons. Walzer, op. 307

Johann Strauß II.

Figaro-Polka. Polka française, op. 320

Josef Hellmesberger (Sohn)

Für die ganze Welt. Walzer

Eduard Strauß

Ohne Bremse. Polka schnell, op. 238

Johann Strauß II.

Overture to the Operetta "Waldmeister"

Johann Strauß II.

Ischler Walzer. Nachgelassener Walzer Nr. 2

Johann Strauß II.

Nachtigall-Polka, op. 222

Eduard Strauß

Die Hochquelle. Polka mazur, op. 114

Johann Strauß II.

Neue Pizzicato-Polka. op. 449

Josef Hellmesberger (Sohn)

Estudiantina-Polka aus dem Ballett "Die Perle von Iberien"

Carl Michael Ziehrer

Wiener Bürger. Walzer, op. 419

Anton Bruckner

Quadrille, WAB 121 (Orchestr. W. Dörner)

Hans Christian Lumbye

Glædeligt Nytaar! Galopp

Josef Strauß

Delirien (Deliriums), Waltz, op. 212


Christian Thielemann

Since the 2012/2013 season Christian Thielemann has been Principal Conductor of the Staatskapelle Dresden. Following engagements at the Deutsche Oper Berlin, in Gelsenkirchen, Karlsruhe, Hanover and Dusseldorf, in 1988 he moved to Nuremberg to occupy the post of Generalmusikdirektor. In 1997 he returned to his hometown of Berlin to direct the Deutsche Oper until 2004, when he became Music Director of the Munich Philharmonic, a post he held until 2011. In addition to his current position in Dresden, Thielemann has been Artistic Director of the Salzburg Easter Festival, where the Staatskapelle served as resident orchestra, from 2013-22. In September 2023, Christian Thielemann was appointed to succeed Daniel Barenboim as General Music Director of the Staatsoper Unter den Linden beginning in the 2024/25 season.

https://www.wienerphilharmoniker.at/en/newyearsconcert/newyearsconcert2024


A VENEZIA:

IL CONCERTO DI CAPODANNO ALLA FENICE IN DIRETTA TELEVISIVA SU RAI1

Concerto di Capodanno alla Fenice:  anche quest’anno sarà trasmesso da Raicultura in diretta televisiva su Rai1. 


La ventunesima edizione del prestigioso evento sarà Fabio Luis il direttore,  con l’Orchestra e il Coro del Teatro La Fenice – quest’ultimo preparato da Alfonso Caiani – e i due solisti, il soprano Eleonora Buratto e il tenore Fabio Sartori. 

Il programma musicale si comporrà di due parti: una prima esclusivamente orchestrale con l’esecuzione della Sinfonia n. 2 in re maggiore op. 73 di Johannes Brahms, e una seconda parte dedicata al melodramma, con una carrellata di arie e passi corali dal repertorio operistico più amato che si concluderà con «Va, pensiero, sull’ali dorate» dal Nabucco e con il brindisi «Libiam ne’ lieti calici» dalla Traviata di Giuseppe Verdi. 

È previsto anche un Omaggio ai settant’anni della televisione italianaChe spettacolo la TV, con un medley musicale delle sigle più amate del palinsesto. 

La seconda parte del programma sarà trasmessa in diretta televisiva da Rai1 alle ore 12.20 del giorno di Capodanno e sarà poi riproposta in differita su Rai5 alle ore 17.15. Il concerto, in programma in quattro repliche venerdì 29 dicembre 2023 ore 20.00, sabato 30 dicembre 2023 ore 17.00, domenica 31 dicembre 2023 ore 16.00 e lunedì 1 gennaio 2024 ore 11.15, sarà trasmesso in versione integrale su Rai Radio3 lunedì 1 gennaio 2024 alle ore 20.30 e su Rai5 giovedì 8 febbraio 2024. L’evento è realizzato in coproduzione con Rai Cultura e in collaborazione con Regione del Veneto, Arte e wdr, con il contributo di Cipriani e Zafferano. È previsto inoltre un live streaming sulla piattaforma digitale SigmArt (https://www.sigmart.net/) che trasmetterà il concerto in tutto il resto del mondo. L’evento verrà raccontato e seguito sui canali social con l’ hashtag #capodannofenice.

Si aprirà con la Seconda Sinfonia in re maggiore op. 73 di Johannes Brahms: composta quasi di getto, nell’estate del 1877 durante il felice periodo di vacanza trascorso a Pörtschach, in Carinzia, e poi completata a Lichtental, nei pressi di Baden-Baden, dove Brahms si era recato per il compleanno di Clara Schumann, questa pagina sinfonica di assoluta bellezza debuttò il 30 dicembre 1877 nell’esecuzione dei Filarmonici di Vienna diretti da Hans Richter, ottenendo fin da subito un immediato e sincero successo.

La seconda parte della scaletta proporrà una serie di brani amatissimi del repertorio lirico firmati Verdi, Puccini e Ponchielli, ma non solo. Prenderà il via dal coro di Giuseppe Verdi tratto dai Due Foscari: «Alla gioia… Tace il vento, è queta l’onda». 

Dopo, l’intermezzo orchestrale dalla Manon Lescaut di Puccini farà da introduzione a due pagine celeberrime dalla Tosca, interpretate rispettivamente dal tenore e dal soprano: «E lucean le stelle» e «Vissi d’arte». Ancora il Coro del Teatro La Fenice sarà protagonista nel brano della Traviata di Giuseppe Verdi «Di Madride noi siam mattadori». 

Dopo continua un omaggio alla televisione italiana in occasione del suo settantesimo compleanno, con un medley delle sigle più celebri del suo storico palinsesto: dall’apertura della trasmissione Guglielmo Tell alla sigla dell’Eurovisione, passando per le musiche divenute iconiche di Tg1, Carosello, Che tempo fa, Studio Uno, Pinocchio e Gian Burrasca. ecc. 

E finalmente i grandi classici del repertorio melodrammatico: di Puccini  il coro a bocca chiusa e «Un bel dì vedremo» da Madama Butterfly; e «Nessun dorma» da Turandot; di Ponchielli la conosciuta Danza delle ore dalla Gioconda. E dopo tutto saranno, come ormai consuetudine,  tre brani corali di grandissima presa: «Va, pensiero, sull’ali dorate» dal Nabucco di Verdi, «Padre augusto» dalla Turandot di Puccini e il famoso brindisi «Libiam ne’ lieti calici» sempre dalla Traviata.





sábado, 23 de diciembre de 2023

SPINA ETRUSCA A VILLA GIULIA UN GRANDE PORTO NEL MEDITERRANEO. MUSEO NAZIONALE ETRUSCO DI VILLA GIULIA

 10.11.2023 | 07.04.2024

Un grande porto nel Mediterraneo”, terza e ultima tappa delle celebrazioni per il Centenario della scoperta di Spina, la più importante città etrusca e porto dell’Adriatico scoperta nel 1922 nei pressi di Comacchio.

Adriatico e Tirreno, Spina e Pyrgi, porti strategici che intrecciano le loro vicende con le dibattute origini degli Etruschi. Immaginario mitico e storia condivisa si uniscono quindi e si raccontano attraverso oltre 700 opere in mostra, provenienti da istituti culturali italiani ed esteri, in dialogo con gli oggetti delle collezioni permanenti e dei depositi del Museo.

Il percorso espositivo, coordinato dal direttore del Museo Valentino Nizzo, mira infatti a calare la parabola dei tre secoli in cui visse Spina nel quadro più ampio della storia etrusca e della dialettica che scandì i rapporti culturali, economici e politici delle città e dei popoli che convergevano sul Tirreno e sull’Adriatico: Greci, Fenici, Latini, Celti e gli altri popoli Italici che, come le tessere di un grande mosaico, componevano il quadro etnico della nostra Penisola prima dell’avvento di Roma.

Fino al momento della scoperta della città, Spina era poco più di una leggenda, persa nel tempo nonostante diverse fonti letterarie ne avessero testimoniato la grandezza e la fama che la rese, tra la fine del VI e il principio del III secolo a.C., il più importante porto etrusco sull’Adriatico e uno dei più influenti dell’intero Mediterraneo preromano.

Grazie all’avvio dei lavori di bonifica della Valle Trebba e poi agli scavi di Valle Pega, nell’arco di pochi decenni Spina tornava finalmente alla luce con oltre quattromila sepolture per lo più intatte e uno dei più importanti nuclei al mondo di ceramiche di importazione attica.

Le celebrazioni dei cento anni da questa straordinaria scoperta archeologica hanno preso avvio lo scorso anno presso il Museo del Delta Antico di Comacchio con la mostra “Spina 100: dal mito alla scoperta”, per proseguire al Museo Archeologico Nazionale di Ferrara con l’esposizione “Spina etrusca. Un grande porto nel Mediterraneo”, e chiudersi nello straordinario contesto del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia con un percorso espositivo multimediale, arricchito da opere provenienti da importanti istituzioni italiane ed estere che racconteranno l’eccezionale contributo scientifico che gli scavi di Spina hanno dato alla conoscenza dell’archeologia e della storia del Mediterraneo e mireranno a riannodare i fili della conoscenza attorno agli Etruschi e alle loro relazioni culturali, commerciali e sociali, allargando lo sguardo alle città dell’Etruria tirrenica.

La storia di Spina, la storia di tutta l'Etruria.

E' riemerso dalle sabbie di Spina durante i lavori di bonifica della Valle Trebba nel 1922 il cratere con la scena mitica dei Sette contro Tebe proveniente dal Museo del Delta Antico del Comune di Comacchio e in mostra fino al 7 aprile 2024 per la mostra SPINA ETRUSCA A VILLA GIULIA. UN GRANDE PORTO NEL MEDITERRANEO.

A Villa Giulia lo troverete per la prima volta in assoluto in dialogo con l'altorilievo di Pyrgi, un’opera di straordinaria rilevanza, sia per il luogo in cui è stata rinvenuta, il santuario del porto di Cerveteri, sia per il soggetto raffigurato.

Una installazione multimediale permanente vi aspetta nelle sale dedicate a Pyrgi per conoscere l'intreccio dei popoli che si sono affacciati nel Mediterraneo, per raccontare la Storia e i suoi miti.

https://spina100.museoetru.it/



LES RETROUVAILLES DE JULIETTE BINOCHE & BENOÎT MAGIMEL - C À VOUS - 01/11/2023. LE THÉÂYRE DSES CHAMPS-ELYSÉES

 




Le Théâtre des Champs-Elysées

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Théâtre des Champs-Elysées
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Inauguré en 1913, le Théâtre des Champs-Elysées s’est immédiatement imposé comme l’un des hauts-lieux culturels de Paris. Dès ses premiers spectacles, les intuitions visionnaires de son fondateur Gabriel Astruc se confirmaient.
Au fil des saisons, le Théâtre est resté central dans le paysage musical parisien et d’importantes pages d’Histoire s’y sont écrites.

JAMES BOND DESTINATIONS BOOK BY ASSOULINE EXPLORE OVER 60 YEARS OF 007 LOCATIONS IN NEW BOOK


 James Bond Destinations, a new book chronicling the iconic locations of 007’s adventures, has been published by luxury lifestyle publisher Assouline.

 Written by Daniel Pembrey, James Bond Destinations explores many of the Bond franchise’s stunning settings that feature in 007’s international itineraries. As the cinematic standard was set with Bond’s debut in 1962’s Dr. No, 007 forever became the quintessential travelling secret agent, journeying from monasteries in Meteora and baroque Venetian palazzos to marble palaces in India and ancient Egyptian temples. The 25 Bond films have included more than a hundred incredible locations. 

 “These destinations are not just backgrounds, or even backgrounds that simply inform characters. In our movies, they are characters,” said producers Michael G. Wilson and Barbara Broccoli.


 The franchise has established itself as inspiration for international travel, showcasing unspoilt beaches, mystical mountains and glamorous cityscapes. “You have to find places that haven’t been seen, or you have to think of doing something spectacular in a well-known place, as we did with the chase through Rome in 2015’s Spectre,” added producer Michael G. Wilson. Each chapter is filled with on-set stories, memorable scenes and production photography that captures the craft of making a Bond film. James Bond Destinations is the perfect travel companion to look back on six decades of 007.

https://www.007.com/james-bond-destinations-book-released-by-assouline/



YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND. TATE MODERN

 


Yoko Ono with Glass Hammer 1967 from HALF-A-WIND SHOW, Lisson Gallery, London, 1967. Photograph Clay Perry © Yoko Ono

In February 2024, Tate Modern will present the UK’s largest exhibition celebrating the ground-breaking and influential work of artist and activist Yoko Ono (b.1933, Tokyo). Ono is a trailblazer of early conceptual and participatory art, film and performance, a celebrated musician, and a formidable campaigner for world peace. Spanning seven decades of the artist’s powerful, multidisciplinary practice from the mid-1950s to now, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND will trace the development of her innovative work and its enduring impact on contemporary culture. Conceived in close collaboration with Ono’s studio, the exhibition will bring together over 200 works including instruction pieces and scores, installations, films, music and photography, revealing a radical approach to language, art and participation that continues to speak to the present moment. 

Ideas are central to Ono’s art, often expressed in poetic, humorous and profound ways. The exhibition will start by exploring her pivotal role in experimental avant-garde circles in New York and Tokyo, including the development of her ‘instruction pieces’ – written instructions that ask readers to imagine, experience, make or complete the work. Some exist as a single verb such as FLY or TOUCH. Others range from short phrases like ‘Listen to a heartbeat’ and ‘Step in all the puddles in the city’ to tasks for the imagination like ‘Painting to be Constructed in your Head’. Each word or phrase aims to stimulate and unlock the mind of the reader. Previously unseen photographs will show Ono’s first ‘instruction paintings’ at her loft studio 112 Chambers Street in New York – where she and composer La Monte Young hosted experimental concerts and events – and in her first solo exhibition at AG Gallery in 1961. The typescript draft of Ono’s ground-breaking self-published anthology Grapefruit, compiling her instructions written between 1953 and 1964, will be displayed in the UK for the first time. Visitors will be invited to activate Ono’s instructions, concealing themselves in the interactive work Bag Piece 1964 – first performed by Ono in Kyoto, in the same concert in which she performed her iconic work Cut Piece 1964 – and bringing their shadows together in Shadow Piece 1963.

The heart of the exhibition will chart Ono’s radical works created during her five-year stay in London from 1966. Here she became embedded within a countercultural network of artists, musicians and writers, meeting her future husband and longtime collaborator John Lennon. Key installations from Ono’s influential exhibitions at Indica and Lisson Gallery will feature, including Apple 1966 and the poignant installation of halved domestic objects Half-A-Room 1967. Ono’s banned Film No. 4 (Bottoms) 1966-7 which she created as a ‘petition for peace’ will be displayed alongside material from her influential talk at the Destruction In Art Symposium, in which she described the fundamental aspects of her participatory art: event-based; engaged with the everyday; personal; partial or presented as unfinished; a catalyst to creative transformation; and existing within the realm of the imagination. Visitors will be able to participate in White Chess Set – a game featuring only white chess pieces and a board of white squares, with the instruction ‘play as long as you can remember where all your pieces are’ – a work first realised in 1966 that demonstrates Ono’s anti-war stance.

Key themes that recur throughout Ono’s work will be explored across decades and mediums. This includes the ‘sky’ which appears repeatedly as a metaphor for peace, freedom and limitlessness. As a child fleeing Tokyo during World War II, it was in the constant presence of the sky that Ono found solace and refuge. It appears in the instruction piece Painting to See the Skies 1961, the 1966 installation SKY TV, broadcasting a live video feed of the sky above Tate Modern, and the moving participatory work Helmets (Pieces of Sky), first realised 2001, inviting visitors to take away their own puzzle-piece of the sky. The artist’s commitment to feminism will be illustrated by key films including FLY 1970-1, in which a fly crawls over a naked woman’s body while Ono's vocals chart its journey, and Freedom 1970, depicting Ono as she attempts and fails to break free from her bra. In a section devoted to Ono’s music, feminist anthems such as Sisters O Sisters 1972, Woman Power 1973 and Rising 1995 embolden women to build a new world, have courage and rage, amplifying Ono’s works that denounce violence against women.

Ono has increasingly used her art and global media platform to advocate for peace and humanitarian campaigns, initially collaborating with her late husband John Lennon. Acorns for Peace 1969 saw Ono and Lennon send acorns to world leaders, while the billboard campaign ‘WAR IS OVER!’ (if you want it) 1969 used the language of advertising to spread a message of peace. The film BED PEACE 1969 documents the second of the couple’s infamous ‘bed-in’ events staged in Amsterdam and Montreal, during which they spoke with the world’s media to promote world peace amid the Vietnam War. Tate Modern will also stage Ono’s recent project Add Colour (Refugee Boat), first activated in 2016, inviting visitors to add paint to white gallery walls and a white boat while reflecting on urgent issues of crisis and displacement.

The exhibition will culminate in a new iteration of Ono’s participatory installation My Mommy Is Beautiful, first realised 2004, featuring a 15-metre-long wall of canvases to which visitors can attach photographs of their mother and share personal messages. Moving beyond the exhibition space, Ono’s work will also extend across Tate Modern’s building and landscape. Gallery windows overlooking the River Thames will feature the artist’s powerful intervention, PEACE is POWER, first shown 2017, translated into multiple languages, while the interactive artwork Wish Tree, first realised 1996, will greet visitors at the entrance to Tate Modern, inviting passers-by to contribute individual wishes for peace.

https://www.tate.org.uk/press/press-releases/yoko-ono-music-of-the-mind

MOSTRA ALDO FALLAI PER GIORGIO ARMANI. 1977-2021. MILANO

 


5-12-2023 al 11-8-2024

LA MOSTRA

Il racconto, coniugato al tempo presente, di quasi trent’anni di ininterrotto dialogo artistico tra Giorgio Armani e Aldo Fallai, esplora i confini di una collaborazione unica, che ha definito l’essenza stessa di un’estetica che ha fatto breccia nell’immaginario collettivo.


IL FOTOGRAFO

Nato a Firenze nel 1943, Aldo Fallai vive e lavora tra la città natale e Milano. Diplomatosi all’Istituto d’Arte fiorentino, nel quale in seguito sarà docente, apre uno studio di grafica col fotografo Mario Strippini. A metà degli anni Settanta, l’incontro con Giorgio Armani, agli esordi della sua vicenda di stilista e agli albori del Made in Italy, cui Falli darà un apporto essenziale con la propria fotografia. Dopo il primo incarico ricevuto da Armani, si inaugura una stretta collaborazione protrattasi per quasi un trentennio.

Fallai si fa conoscere come fotografo di moda per il stile disincantato e anticonformista. Raggiunta la fama internazionale, Fallai lavora per altre case di moda e i suoi servizi fotografici appaiono regolarmente su riviste italiane e internazionali. 

Negli anni Ottanta Fallai inizia a confrontarsi con le icone della storia dell’arte e col genere del ritratto, legato in una personalissima sintesi alla moda. Tra i riferimenti artistici di Fallai la critica ha segnalato il Manierismo toscano, Caravaggio, i preraffaelliti e l’esotismo degli orientalisti francesi. Ha pubblicato i libri fotografici Almost One Year (1993), In fabbrica (2007) e From Giorgio Armani to Renaissance (2014).

“Lavorare con Aldo mi ha permesso, fin da subito, di trasformare in immagini reali la fantasia che avevo in mente: che i miei abiti non erano soltanto fatti in una certa maniera, con certi colori e ma- teriali, ma rappresentavano un modo di essere, di vivere. Perché lo stile, per me, è un’espressione totale. Insieme, in un dialogo sempre fluido e concreto, abbiamo creato scene di vita, evocato atmosfere, tratteggiato ritratti pieni di carattere. E rivedendo oggi tutto il lavoro realizzato, sono io stesso colpito dalla forte suggestione che questi scatti sanno ancora emanare, e dalla grande capacità di Aldo di cogliere le sfumature della personalità.” – Giorgio Armani

GLI SCATTI

Il percorso narrativo si snoda su due piani e raccoglie circa duecentocinquanta scatti, apparsi sulle riviste o trasformati in affissioni dal forte impatto mediatico.

La mostra accosta immagini prodotte per diverse linee: la foto con il tigrotto, realizzata a Palermo, quando la troupe si rifugia in un giorno di pioggia al circo Togni; la donna in carriera, impersonata da Antonia Dell’Atte, ritratta, sguardo dritto verso un radioso futuro, in mezzo alla folla in via Durini, sotto gli uffici Armani. E, ancora, la laguna veneta evocata in studio, e le statue del Foro Italico, tradotte in un gioco di ombre nette e grafiche. Sono foto familiari e sorprendenti, realizzate con inventiva e intelligenza.

“Il lavoro con Giorgio è stato il frutto di un dialogo naturale e continuo, e di grande fiducia da parte sua. Entrambi eravamo interessati a mettere in luce un aspetto dello stile legato al carattere e alla personalità, e questo si è tradotto in immagini che appaiono attuali oggi come ieri: una qualità resa evidente dall’allestimento della mostra, che non segue una sequenza cronologica. Dei trent’anni della nostra collaborazione ho ricordi vividi. Le produzioni erano sempre agili, snelle: si otteneva il risultato con pochi mezzi e senza effetti speciali. Questo, penso, ha fatto breccia nel pubblico.” – Aldo Fallai

https://www.armanisilos.com/it/mostra/aldo-fallai-per-giorgio-armani/

miércoles, 20 de diciembre de 2023

LA PRIMERA EDICIÓN DEL CONCURSO BILINGÜE DE MICRORRELATOS (FRANCÉS) ALICIA PERRIS, ENTRE LOS PREMIADOS



 La primera edición del Concurso bilingüe de microrrelatos (francés/español) ya tiene a sus ganadores que se dieron a conocer en un acto celebrado el pasado jueves 14 de diciembre a las 19h en la Mediateca del Institut français de Madrid.



LES CAUCHEMARS REVENAIENT SOUVENT DANS SES RÊVES


« On dirait des vrais zombies… », mais ils étaient bien vivants, ces monstres. Apparemment ils dorlotaient la fillette mais tuaient ses animaux l´un après l´autre. Méline les adorait : la poule pygmée, le lapin blanc, un poney, deux canards et un mouton. La famille les avait mangés ou vendus sans aucune justification. Ils simplement disparaissent.


Sa mère a enfin dévoilé le mystère. Brutales horreurs gratuites d´enfance. Ces pertes, cette barbarie inoubliables. Une haine sans fin pour ces pourris et leur sanglant héritage. Malades, les victimes ne vous laisseront pas de repos.




HAY UNA VISITA IMPRESCINDIBLE EN PARÍS: EL PANTHÉON Y LA EXPOSICIÓN “OSER LA LIBERTÉ”, SOBRE LA ESCLAVITUD

 

El Panteón (en francés: le Panthéon) de París es un monumento de estilo neoclásico situado en el V distrito de París. Erigido en el corazón del Barrio Latino, en la montaña Santa Genoveva, está en el centro de la plaza del Panteón y rodeado por el ayuntamiento del V distrito, el Henri-IV, la iglesia Saint Étienne du Mont, la biblioteca de Santa Genoveva, la Universidad de París I (Panthéon-Sorbonne) y la Universidad de París II (Panthéon-Assas). La calle Soufflot le dibuja una perspectiva hasta el jardín de Luxemburgo.

El nombre del monumento, Panteón, proviene de pántheion (en griego: πάνθειον), que significa «de todos los dioses».​ Inicialmente previsto en el siglo xviii para ser una iglesia que albergaría el relicario de santa Genoveva, este monumento está destinado a honrar a los grandes personajes que han marcado la historia de Francia a excepción de las carreras militares normalmente honradas en el Panteón militar de los Inválidos. ​

La arquitectura también retoma la fachada del Panteón de Roma, construido en el siglo I a. C., rematado por una cúpula inspirada en el tempietto de la iglesia de San Pietro in Montorio.

En 1791, la Asamblea Nacional Francesa votó que el edificio, que aún no había sido consagrado como iglesia, sirviera de templo para albergar los cuerpos de los hombres ilustres de la patria. De 1791 a 1793, el edificio fue remodelado por Quatremère de Quincy y adquiere su aspecto actual. En el frontispicio se graba la inscripción Aux grands hommes la patrie reconnaissante («A los grandes hombres, la patria agradecida»).

Bajo el Primer Imperio francés, el Panteón mantuvo su función de mausoleo pero fue también lugar de culto a partir de 1806. Cuando tras la caída de Napoleón I se restaura el Antiguo Régimen, se restringe su uso al de iglesia consagrada a Santa Genoveva y se borra la inscripción del frontón.

En 1885 el entierro de Victor Hugo pone en práctica la ley de 19 de julio de 1881 que devolvía al edificio su función de panteón. Se retiró el mobiliario religioso y se puso sobre la entrada la inscripción Aux grands hommes la Patrie reconnaissante ("A los grandes hombres, la Patria agradecida"). 

En 1927 se fijó una placa con nombres de escritores muertos por Francia entre 1914 y 1918, y se instalaron dos monumentos en el transepto (véase lista de personas citadas en el Panteón de París).

El Panteón de París es clasificado como monumento histórico de Francia desde 1920. El Panteón alberga los féretros de 75 hombres y 6 mujeres​ que han destacado especialmente en la historia de Francia. Entre los enterrados en el Panteón se encuentran Voltaire, Rousseau, Victor Hugo, Émile Zola, Jean Jaurès, Jean Moulin, Louis Braille, Jean Monnet, Sadi Carnot, Pierre y Marie Curie, André Malraux y Soufflot, su arquitecto.

Entre los últimos homenajeados, los restos de Alejandro Dumas, el autor de Los Tres Mosqueteros, que habían descansado hasta ese momento en el cementerio de Villers-Cotterêts (departamento de Aisne, Francia) fueron trasladados al Panteón el 30 de noviembre de 2002 para, según el entonces presidente de la República francesa Jacques Chirac, corregir la injusticia cometida con uno de los grandes escritores franceses. 

Los resistentes de la Segunda Guerra Mundial Germaine Tillion, Geneviève de Gaulle-Anthonioz, Jean Zay y Pierre Brossolette fueron enterrados el 27 de mayo de 2015; Simone Veil, junto con su marido, en julio de 2018, y el 30 de noviembre de 2021, Joséphine Baker, la cuarta personalidad de origen africano tras Félix Éboué, Aimé Césaire y Alexandre Dumas. ​Marat y Mirabeau fueron retirados en 1794.


En 1851 Léon Foucault instaló en el Panteón su famoso péndulo, conocido como péndulo de Foucault, debido a que la gran altura del edificio facilitaba el experimento. Mediante este experimento se consiguió demostrar la rotación de la Tierra y la existencia de la fuerza de Coriolis. Desde 1995 está instalada en el Panteón una réplica de dicho péndulo.

Mujeres en el Panteón

El 30 de noviembre de 2021 Joséphine Baker fue la sexta mujer que entró en el Panteón.6​

Joséphine Baker (1906-1975) – entrada en 2021

Simone Veil (1927-2017) - entrada en 2018

Geneviève De Gaulle-Anthonioz (1920-2002) – entrada en 2015

Germaine Tillion (1907-2008) – entrada en 2015

Marie Curie (1867-1934) – entrada en 1995

Sophie Berthelot (1837-1907) - entrada en 1907


EXPOSITION EN COURS

Découvrez l'exposition "Oser la liberté" au Panthéon, à travers un nouveau regard sur l'histoire des combats contre l'esclavage.

PRÉSENTATION

Proposée à l’initiative du Centre des monuments nationaux et de la Fondation pour la Mémoire de l'Esclavage, l’exposition Oser la Liberté retrace l’histoire d’un combat : celui de la liberté contre l’esclavage dans l’histoire de France, une marche qui s’est déployée sur quatre siècles et trois continents, scandée de moments de ruptures, de régressions, de temps forts et de bascules. 

En mêlant cette histoire foisonnante à celle de la modernité française dont elle est une page majeure, et en convoquant la mémoire des femmes et des hommes qui l’ont écrite, l’exposition montre comment le système colonial esclavagiste a toujours suscité résistances et oppositions, et combien le souffle des figures héroïques qui les ont portées continue d’inspirer les combats d’aujourd’hui.


Oser la liberté

L’expression évoque l’audace de ces femmes et de ces hommes, illustres ou méconnus, qui ont osé se dresser contre l’esclavage, dans les colonies comme en métropole. Elle raconte comment, dans le premier empire colonial français, l’irrépressible volonté de liberté des esclaves révoltés et les idéaux universels des Lumières se sont rencontrés. 

Après 1789, c’est en effet dans les colonies françaises en révolution que la réalisation d’un programme de « Liberté générale » a été poussée le plus loin, quand l’insurrection générale du 23 août 1791 dans la colonie de Saint-Domingue (aujourd’hui Haïti) a provoqué cet événement inédit dans l’histoire humaine : le premier soulèvement d’esclaves qui parvient à imposer l’abolition de l’esclavage. Rien n’effacera la puissance de ce moment, pas même la décision de Napoléon Bonaparte de rétablir l’esclavage en 1802, et l’exposition montre comment le combat pour l’abolition sera finalement gagné, et prolongé jusqu’à nos jours dans le projet d’une société qui œuvre à l’idéal de liberté, d’égalité et de fraternité. Exposition incarnée.

Au Panthéon

Dans le temple des héros et des héroïnes de la République, l’exposition « Oser la Liberté » raconte cette histoire en l’incarnant. A travers la présence de celles et ceux qui y sont déjà honorés – comme l’abbé Grégoire et Condorcet, Toussaint Louverture et Louis Delgrès, Victor Schœlcher et Félix Éboué, Aimé Césaire et Joséphine Baker… – mais aussi à travers l’évocation de figures moins connues dont elle fait revivre le souvenir (Olympe de Gouges, Makandal, Julien Raimond…), pour un récit plus juste, plus ouvert, plus complet.

Cette exposition les réunit toutes et tous pour la première fois au Panthéon, à travers un dispositif inédit mêlant archives, œuvres et dispositif sonore et visuel, construit en un parcours en quatre séquences : La traite esclavagiste, une première mondialisation - Marronnages, Lumières et Révolution (1750-1802) - D’une abolition à l’autre (1802-1848) - Contre l’oubli : commémorer et combattre (depuis 1848).

Fotos: Julio Serrano