miércoles, 17 de abril de 2024

BRUEGEL TO RUBENS GREAT FLEMISH DRAWINGS. ASHMOLEAN

23 Mar – 23 Jun 2024

Showcasing over 100 exceptional Flemish drawings from the 16th and 17th centuries.

From Pieter Bruegel’s remarkable print designs and landscapes and Rubens’s first sketches to heartfelt friendship albums shared between artists, this major exhibition presents drawings from many of the Flemish masters, rarely seen in public.


The exhibition will show 120 drawings, with over 30 on display for the first time, including some which have only recently been discovered. These are some of the most exquisite drawings kept in Antwerp and Oxford collections by famous artists such as Pieter Bruegel, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck and Jacques Jordaens. The artworks will provide insights into how these artists honed their drawing skills throughout their careers.

'Bruegel to Rubens' is a once-in-a-lifetime opportunity to get close to these delicate and often intimate drawings and the objects they inspired.

https://www.ashmolean.org/exhibition/bruegel-to-rubens-great-flemish-drawings


VILLA BONAPARTE SITO INTERNET UFFICIALE PER LE VISITE CULTURALI DI VILLA BONAPARTE

 Apre le sue porte al pubblico Villa Bonaparte, sede dell’Ambasciata di Francia presso la Santa Sede.

Uno dei più celebri “luoghi segreti” di Roma, la Villa fu così descritta dalla scrittrice Lady Sydney Morgan, in viaggio a Roma nel 1820:

“Di tutte le ville che possiede la famiglia Borghese, una sola offre il fascino inglese, l´eleganza francese e il gusto italiano coniugati nella maniera più felice: la Villa Paolina Bonaparte“.


WILL SMITH CRASHES J BALVIN’S COACHELLA SET FOR SURPRISE ‘MEN IN BLACK’ PERFORMANCE


 Will Smith made a surprise appearance onstage at the final day of Coachella Weekend one. The 55-year-old actor performed ‘Men in Black’ from his hit 1997 movie of the same name alongside J Balvin during the Colombian singer’s Sunday set.


PIER FRANCESCO MAESTRINI RACCONTA LE VILLI. TEATRO REGIO TORINO

 Sapevi al Teatro Regio sta per arrivare l’opera giovanile che ha lanciato la carriera musicale di Giacomo Puccini? Il regista Pier Francesco Maestrini ti svela alcune curiosità su quest’opera e ti spiega perché non puoi perderti Le Villi, in scena dal 19 al 26 aprile.


Una giovane col cuore infranto si trasforma in una villi, leggendaria creatura maligna sovrannaturale, per vendicarsi dell’amante infedele: lo costringe dunque a partecipare a una danza infernale che lo lascerà senza vita. Questa è, in sintesi, Le villi, l’opera con cui Puccini esordì facendosi notare per l’intensità delle melodie e la forza della scrittura sinfonica.

Ideata inizialmente come un atto unico, pochi mesi dopo il debutto l’opera fu riveduta dall’autore in una versione ampliata, con nuove arie e un nuovo intermezzo orchestrale, che debuttò proprio al Regio nel 1884. Il pubblico apprezzò l’abile combinazione di tradizione italiana ed elementi wagneriani e l’accolse in trionfo. Per la prima volta dopo quel clamoroso successo, Le villi viene riproposta nel nostro Teatro, con la conduzione di Riccardo Frizza, specialista del repertorio operistico italiano.

La nuova produzione è curata da Pier Francesco Maestrini, animato dal desiderio di esplorare il mondo ultramondano e demoniaco. Il regista parte da un presupposto: non deve trarre in inganno che il compositore si sia ispirato al balletto Giselle di Adolphe Adam per comporre l’opera-ballo Le villi, perché nella musica Puccini riversa tutta la sua irruenza giovanile con l’intento, non mediato dalla prudenza della maturità, di scioccare lo spettatore.

Anna - Roberta Mantegna, Laura Giordano

Roberto - Martin Muehle, Azer Zada

Guglielmo Wulf - Simone Piazzola, Gëzim Myshketa

Direttore d'orchestra - Riccardo Frizza

Regia - Pier Francesco Maestrini

Scene - Guillermo Nova

Costumi - Luca Dell'Alpi

Coreografia - Michele Cosentino

Luci - Bruno Ciulli

Maestro del coro - Ulisse Trabacchin

Orchestra e Coro Teatro Regio Torino

Nuovo allestimento Teatro Regio Torino



SE PRESENTÓ EL MONOGRÁFICO SOBRE FRANZ KAFKA, EN LA REVISTA TURIA, EN LA BIBLIOTECA NACIONAL


Con motivo del centenario de la muerte de Franz Kafka, la revista cultural Turia ha preparado un número monográfico que contiene textos y colaboraciones de autores nacionales e internacionales. Lo más destacado es el artículo inédito de la escritora austriaca Elfriede Jelinek, premio nobel de literatura.

 Además, el monográfico cuenta con aportaciones del gran experto en la obra de Kafka Reiner Stach; escritores como Leopold Federmair, Luis Landero o Gonzalo Hidalgo Bayal; traductores como Carlos Fortea o Adan Kovacsis; y críticos literarios como Ignacio Echeverría. 

La publicación ha sido coordinada por Isabel Hernández, catedrática de Filología Alemana y Eslava de la Universidad Complutense de Madrid, con el apoyo del Foro Cultural de Austria.


La presentación tuvo lugar el 16 de abril a las 18:30 h en el salón de actos de la Biblioteca Nacional y en ella participaron la escritora Marta Sanz, junto con algunos representantes de las instituciones que apoyan la revista.

Al finalizar el acto se obsequió a los asistentes con un ejemplar. La entrada fue libre hasta completar el aforo.



El acto lo cerró cumplidamente el Excmo. Embajador de Austria en España y Andorra, Enno Drofenik, que, brevemente supo resumir de una manera muy clara, la figura de Kafka, sus características personales y la importancia que tienen para las culturas de varios países, ya que había nacido en Bohemia, antiguo territorio del Imperio Austro-Húngaro, escribía en un alemán peculiar, era judío y dio nacimiento a una renovación de la literatura universal. 



AUDIO DE LA PRESENTACIÓN, SELECCIÓN DE INTERVENCIONES

lunes, 15 de abril de 2024

EINSTEIN ON THE BEACH ÓPERA DE ROBERT WILSON Y PHILIP GLASS. TETRO COLON

 Sinopsis

Einstein On The Beach (Einstein en la playa) es la primera y más famosa ópera del minimalismo, que irrumpió en el género con una experiencia escénica y musical radicalmente nueva. Su estreno en 1976 causó sensación y su impacto no disminuyó desde entonces, algo que pudo comprobarse con el éxito de esta versión creada para el Teatro Colón en 2023, con Martín Bauer liderando un “dream-team” creativo. Tres narradores e intérpretes, una docena de bailarines,  una soprano solista, un coro y un ensamble amplificados y los equipos de cine y de ópera despliegan un verdadero “tour de force” de más de tres horas sin interrupciones.

La repetición al poder

Por Rodolfo Biscia

Einstein on the Beach logró redefinir las convenciones del teatro musical hasta volverlo casi irreconocible. La coreografía de Lucinda Childs se acoplaba al trance sonoro que proponía Philip Glass y al abordaje que Bob Wilson desplegaba mediante el vestuario, la escenografía, la iluminación, y la economía expresiva de movimientos y gestos.

La obra exhibe poco en común con lo que identificamos como una “ópera”. Los actores monologan, los bailarines ejecutan coreografías muy austeras, y los intérpretes vocales cantan una letanía de números o el nombre de las notas que profieren. Glass recurre a los instrumentos electrónicos, prescinde de las voces impostadas de gran proyección, y recurre a la amplificación vocal e instrumental.

Aunque todo gira en torno a la figura de Albert Einstein sólo se asoma en calidad de ícono histórico, deambulando en contextos afines o incongruentes: de un tren a una nave espacial, pasando por un tribunal que de manera surreal puede alojar una cama o convertirse en una prisión. Inútil buscar precisiones biográficas, o una trama o libreto en sentido habitual.

Lo redundante y lo inesperado

El minimalismo musical suele disponer conjuntos de instrumentistas e intérpretes a la manera de una “instalación sonora”, y a menudo aspira a la literalidad del sentido, antes que a toda evocación simbólica o programática. Se circunscribe a un material melódico limitado y a una pulsación rítmica constante, y propone un inesperado retorno a la consonancia y el diatonismo. El rasgo más notorio de esta música es, al fin y al cabo, la presencia de la repetición como elemento estructurante.

Las escenas se suceden ceremoniosamente, construidas mediante progresiones armónicas sencillísimas o módulos aditivos –o sustractivos– repetidos con exasperación (los detractores dirán: hasta la náusea). Aunque siempre escuchamos los mismos patrones y matrices, no dejan de ser objeto de una transformación incesante.

Entre otras cosas, esta organización novedosa del discurso musical supuso una reacción frente a las complejidades de la estética serial de posguerra. Una idea fundamental en la construcción de una serie dodecafónica es la de que no se repita, bajo ningún concepto, ninguna de sus doce notas antes de que todas ya hayan aparecido, de manera simultánea o sucesiva. La oposición de principios es evidente: mientras que el serialismo elude la repetición, el minimalismo la celebra, con goce y compulsión.

A pesar de su aparente simplicidad, esta corriente representaría una ruptura mayor con la tradición que la que produjo el serialismo dodecafónico. El minimalismo habría logrado poner en crisis el equilibrio usual entre la identidad y la diferencia: ese balance entre lo redundante y lo inesperado que caracteriza buena parte de la música a la que se considera valiosa.

La paradoja es que, al entronizar la repetición, esta propuesta acaba exigiendo más del oyente aun cuando parezca exigirle menos. En otras palabras, demanda un aumento de la sensibilidad ante los cambios en un contexto de redundancia extrema.

Al igual que otras piezas mayores de esta tendencia musical, la obra desafía a agudizar la percepción. Puede que, para el oído atento, discretas transiciones a veces se agiganten como cambios radicales: en esos umbrales habrá que buscar las epifanías que el minimalismo –mínimamente– promete.

https://teatrocolon.org.ar/produccion/einstein-on-the-beach/

ALAIN CHAMFORT - LA GRÂCE (CLIP OFFICIEL). ARIAS FOR ANNA RENZI, THE FIRST OPERA DIVA

"L'IMPERMANENCE", l'album ultime d'Alain Chamfort. Disponible en Vinyle et CD ici 👉 https://Alain-Chamfort.lnk.to/LImperm...

CREDITS CLIP "La Grâce"

Réalisé par François Goetghebeur sur une idée de Pierre Dominique Burgaud.

Avec : Dominique A, Adamo, Juliette Armanet, Jean-Louis Aubert, Bertrand Belin, Benjamin Biolay, Francis Cabrel, Barbara Carlotti, Jeanne Cherhal, Chloé, Julien Clerc, Etienne Daho, Vincent Delerm, Keren Ann, Maissiat, Miossec, Serge Rezvani, Véronique Sanson, Alain Souchon, Laurent Voulzy.

(C)(P) 2024 Tessland sous licence exclusive BMG Rights Management (France) SARL

CREDITS CHANSON "La Grâce"

Artiste, compositeur : Alain Chamfort

Auteur : Pierre-Dominique Burgaud

(C)(P) 2024 Tessland sous licence exclusive BMG Rights Management (France) SARL


PAROLES

ne serait-ce qu’une fois hélas

ne serait-ce qu’un instant fugace

les mains sales, les ongles plein de crasse

aurai-je su toucher la grâce

ne serait-ce même qu’en surface

avec le bout de la godasse

comme on pousse une vieille carcasse

aurai-je su toucher la grâce

aurais-je su toucher les gens

autant que ceux qui m’ont touché

aurais-je sans l’avoir cherché

parlé d’eux en parlant de moi

aurais-je su toucher les gens

autant que ceux qui m’ont touché

trouver la part d’humanité

qu’on a tous indifféremment

ne serait-ce que de guerre lasse

sans ne plus y croire des masses

tabassé par la vie qui tabasse

aurai-je su fondre la glace

trouver une voie dans les congères

jusqu’au cœur de mes congénères

avant que je tombe en disgrâce

aurai-je effleuré cette grâce

aurai-je su toucher les gens

autant que ceux qui m’ont touché

aurai-je sans l’avoir cherché

parlé d’eux en parlant de moi

aurai-je su toucher les gens

autant que ceux qui m’ont touché

trouver la part d’humanité

qu’on a tous indifféremment


AND ALSO



Arias for Anna Renzi the First Opera Diva

offer,Arias for Anna Renzi the First Opera Diva

Roberta Invernizzi (soprano), Ensemble Sezione Aurea

CD

Original price(€12,60) Reduced price€10,08

Usually despatched in 3 - 4 working days

Contents

Monteverdi: Disprezzata regina (L'incoronazione di Poppea)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Cesti: L’Argia: Sinfonia

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Cesti: S’un guardo mi vines (from L’Argia)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Rossi, Luigi: Passacaglia del signor Luigi

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Cima, G: Sonata a due, violino e violone

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Laurenzi: Oh, cara libertà

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Frescobaldi: Canzon prima Basso solo (1634)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Ceresini: Simulacro d’amor

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Cesti: Ecco l’alba che ridente (from L’Argia)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Laurenzi: Spero, aspetto e non viene (from La finta savia)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Laurenzi: Per far nascere un chirone (from La finta savia)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

Laurenzi: Stolta melanto ignuda (from La finta savia)

  • Roberta Invernizzi (soprano)
  • Ensemble Sezione Aurea

MASTERPIECES FROM THE HEIDI HORTEN COLLECTION

 The exhibition features a selection of high-caliber artworks from the Heidi Horten Collection, curated in three thematic categories that represent the collection's principal content areas: Expressionism, especially in its German variant; art from the 1960s and 1970s, with a specific emphasis on U.S., Italian, and German positions and painting and sculpture in the field of tension between figuration and abstraction.

 Visitors of the museum will play a significant role in the exhibition concept. They will have the opportunity to select around twenty artworks from the collection, either on-site or through social media, which will then then be permanently displayed in a special area of the museum. We is inherently linked to the WOW! exhibition that took place in 2018. Following its successful presentation at the Leopold Museum in Vienna, Heidi Goëss-Horten decided to build a museum to permanently house the collection, with the goal of making it accessible to a broader audience and creating an art experience for anyone to enjoy.

#ARTfluence

In an era where digital engagement is reshaping our experiences, the Heidi Horten Collection introduces the groundbreaking #ARTfluence initiative. This avant-garde concept puts the museum visitors at its heart: their voices shape the museum of tomorrow. Both on-site and through social networks, they have the opportunity to vote for their favorite pieces from the collection, determining which artworks will secure a permanent spot in the exhibition come Autumn 2024. 

This participatory approach transforms the traditional museum experience from a purely observational act into an interactive journey, blurring the lines between traditional curatorial roles and audience participation. #ARTfluence not only fosters a deeper connection to the artworks but also intriguingly redefines the boundary between the museum and its community. A bold move that demonstrates how the Heidi Horten Collection bridges the gap between tradition and contemporary art appreciation.

An exhibition guide for the Heidi Horten Collection will be released to coincide with the show.

HEIDI HORTEN COLLECTION: WE LOVE - Director's cut


Sie haben Grenzen überschritten, provoziert, erneuert, inspiriert. Die Brücke-Maler und der Blaue Reiter, die Pioniere der Pop Art und des Abstrakten Expressionismus. Die Ausstellung WE♥️, kuratiert von Direktorin Agnes Husslein-Arco, vereint das Abenteuer „Moderne“ an einem einzigen Ort. Entdecken Sie die Meilensteine der Kunst des 20. 

Jahrhunderts. Von Franz Marcs roten Rehen zu Mark Rothkos Energiefeldern, von Warhols Marilyns zu Basquiats Graffiti-Botschaften offenbart die Ausstellung in Wiens jüngstem Museum für moderne und zeitgenössische Kunst die Geschichten hinter bahnbrechenden Werken. Was macht sie so einzigartig und warum lieben wir sie?

Mehr Infos unter: www.hortencollection.com


DAVID MCVICAR ABOUT MÉDÉE [INTERVIEW]

 Médée, du 10 avril au 11 mai 2024 à l'Opéra Bastille

Informations et réservations sur https://www.operadeparis.fr/saison-23...

Médée, l’unique tragédie lyrique de Marc-Antoine Charpentier, revient sur la scène de l’Opéra de Paris trois siècles après sa création.

À cette occasion, le metteur en scène David McVicar évoque la fonction des mythes et la fascination qu’exerce le personnage de Médée.

 

Médée, Marc-Antoine Charpentier's only "tragédie lyrique", returns to the Paris Opera three centuries after its creation.

To mark the occasion, director David McVicar discusses the function of myths and the fascination exerted by the character of Médée.

GRANDS DÉCORS RESTAURÉS DE NOTRE-DAME. GALERIE DES GOBELINS PARIS

Exposition du 24 avril au 21 juillet 2024

Du 24 avril au 21 juillet 2024, la DRAC Île-de-France et le Mobilier national proposent un regard inédit sur les décors de Notre-Dame de Paris.

À la veille de la réouverture de la cathédrale Notre-Dame de Paris, le 8 décembre prochain, le Mobilier national et la direction régionale des Affaires culturelles d’Île-de-France (ministère de la Culture) s’associent pour présenter au public les chefs-d’œuvre du décor intérieur de l’édifice, soit vingt et un tableaux de grand format, parmi lesquels treize grands « mays », restaurés dans le cadre d’un chantier mené avec l’appui du Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF).


D’autres objets remarquables complètent cet ensemble : la tenture de la vie de la Vierge tissée pour orner le chœur au XVIIe siècle, en quatorze pièces, aujourd’hui conservée à la cathédrale de Strasbourg, et l’immense tapis de Savonnerie offert à la cathédrale par le roi Charles X, dont la restauration vient de s’achever au Mobilier national.

 

Enfin, en accord avec le diocèse de Paris, sont aussi présentées les maquettes du futur mobilier liturgique actuellement en cours de réalisation. Restauration et création se mêlent ainsi, du XVIIe au XXIe siècle, pour faire de la cathédrale non seulement un fleuron de l’art gothique mais aussi un écrin d’objets d’art et de piété de qualité exceptionnelle.

La révélation de collections restaurées

Depuis l’incendie de 2019, près de 1 000 artisans travaillent au quotidien à la restauration de la cathédrale. Parmi eux, les restaurateurs de peintures ne sont pas les moins actifs. Ce sont eux qui ont redonné vie et couleur aux grands « mays », ces chefs-d’œuvre de peinture religieuse offerts chaque année au mois de mai, entre 1630 et 1707, par la confrérie des orfèvres de la ville de Paris. Leurs auteurs sont les plus grands peintres français de l’époque : Laurent de La Hyre, Aubin Vouet, Charles Le Brun, Eustache Le Sueur...). Accrochés à l’origine côte à côte dans la nef de la cathédrale, ils formèrent une collection unique en France, dispersée à la Révolution, puis partiellement rassemblée et replacée dans l’édifice.


Une exposition hommage aux métiers d’art et de la restauration

La restauration de ces grands mays et des autres œuvres peintes, françaises et italiennes, conservées dans l’édifice à la veille de l’incendie et restauration, a été confiée par la DRAC Île-de-France confiée à trois groupements de restaurateurs du patrimoine, avec le soutien du Centre de recherche et de restauration des musées de France. Les treize mays restaurés sont présentés dans un ordre qui évoque leur accrochage originel dans la nef de la cathédrale. Des esquisses et des dessins sont aussi présentés, accompagnés de textes, de multimédia et d’explications qui aident à comprendre la richesse propre de chaque œuvre et le savoir-faire exceptionnel des restaurateurs du patrimoine.

Commissaires

Caroline Piel, inspectrice des patrimoines, collège Monuments historiques (h)

Emmanuel Pénicaut, directeur des collections du Mobilier national

assistés de

Marie-Hélène Didier, conservatrice des Monuments historiques, DRAC Île-de-France

Oriane Lavit, conservatrice du patrimoine, Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF)

Scénographie et coordination générale

Clément Hado, régisseur des expositions du Mobilier national

https://www.mobiliernational.culture.gouv.fr/fr/expositions-et-evenements/grands-decors-restaures-de-notredame

domingo, 14 de abril de 2024

JUAN JOSÉ, UNA ÓPERA ACTUAL Y NECESARIA EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

Juan José. Drama lírico popular en tres actos. Música de PABLO SOROZÁBAL. Libreto basado en la obra de JOAQUÍN DICENTA. Producción del Teatro de la Zarzuela (2016). 12 DE ABRIL, 2024

Ficha Artística

Dirección musical, MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ-MARTÍNEZ

Dirección de escena, JOSÉ CARLOS PLAZA

Escenografía e iluminación, PACO LEAL

Vestuario, PEDRO MORENO

Movimiento escénico, DENISE PERDIKIDIS

Dirección de reposición, JORGE TORRES

Reparto

Juan José, JUAN JESÚS RODRÍGUEZ

Rosa, SAIOA HERNÁNDEZ

Toñuela, VANESSA GOIKOETXEA

Isidra, MARÍA LUISA CORBACHO

Paco, ALEJANDRO DEL CERRO 

Andrés, SIMÓN ORFILA

Cano, LUIS LÓPEZ NAVARRO

Perico, IGOR PERAL

Presidiario, SANTIAGO VIDAL

Tabernero, RICARDO MUÑIZ; Amiga 1, RAQUEL DEL PINO; Amiga 2, PAULA SÁNCHEZ VALVERDE; Amigo 1, JOSÉ MANUEL GUINOT; Amigo 2, JESÚS ÁLVAREZ CARRIÓN. Bailarines y participantes en la figuración.

Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro de La Zarzuela

Estrenar una ópera en España era como celebrar en dos días el nacimiento y el entierro … Para escribir una ópera en España es necesario, aparte de ser músico, ser un perfecto idiota. Es como componer una fábrica de congeladores en el Polo Norte… Bueno, el mundo da muchas vueltas y a lo mejor en el año dos mil, España vuelve a tener cierta cultura musical, por lo menos la que tenía el año 1936. ¡Amén! ". Pablo Sorozábal, hablando de su música.

Como introducción, diríamos que Sorozábal denominó Juan José a un drama lírico popular, aclarando que lo de popular quiere decir proletario y no folklórico. Lo terminó en 1968 y tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido. El 21 de febrero de 2009 se estrenó finalmente en San Sebastián, pero en versión de concierto. Es por tanto ahora, en el Teatro de la Zarzuela, donde se llevó a cabo, después de 48 años, el estreno absoluto de la versión escénica.

La historia transcurre en los barrios bajos de Madrid. Juan José y Rosa viven desde hace tiempo juntos y ella es para él el único sentido de su vida, un albañil que depende del humor del contratante para sobrevivir y trabajar. Pronto las cosas cambiarán y los hechos conducirán hacia un fatídico final.

No es la primera vez que la miseria económica, la incultura, el analfabetismo, social, los hijos, la falta de alicientes y de porvenir, de un modo de ganarse la vida profesionalmente en las mujeres para ser independientes del hombre, del padre, del marido, del hermano varón, del Estado, de las iglesias llevaba a la tragedia, al borde de la destrucción física, al vacío. Educación por sobre todas las cosas y “un dinero propio” (proveniente de una profesión) podríamos decir parafraseando a la aristócrata inglesa Virginia Woolf, que creó escuela, incluso entre aquellos o aquellas que solo conocen esa frase de su extensa obra.

También lo contaron muy bien Émile Zola o Guy de Maupassant entre otros creadores del siglo XIX. Inmersos en el movimiento naturalista o el verismo de Puccini y otros compositores italianos y sus óperas de fin de siglo (pensemos en Pagliacci, en Carmen, en Traviata incluso, hay que prostituirse para vivir).  Dibujan el panorama de una época que desgraciadamente no deja aún hoy de replicarse, de actualizarse, en diferentes latitudes o muy cerca de nuestra casa, o del otro lado de la pantalla de la televisión.

Se trata de carnaza periodística, amarilla, también pasto de los periódicos, de las revistas sin aspiraciones, que no hacen nada para evitarlo, sino que lo difunden como una letanía inevitable, una y otra vez. Porque después de mostrar el horror y la barbarie, hay que descubrir soluciones, no bajar los brazos o esperar a la próxima desgracia anunciada.

Continuando habría que señalar que esta producción, repuesta, contó con dos repartos de los cuales se reseña aquí el primero y se llevó a cabo durante dos horas sin intervalo, apenas unos segundos para, a oscuras, cambiar los escenarios, ágiles y sucintos, imbuidos en una estética lóbrega y oscura, siniestra. (Los presos parecen sacados de un asilo de alienados…puede que de lejos se asimilen, pero son otras realidades evidentemente) de la que son autores Paco Leal, en la escenografía e iluminación, con pinturas de Enrique Marty, vestuario, minimalista, ad hoc, de Pedro Moreno, la dirección de escena acertada de José Carlos Plaza y el movimiento escénico, acompañando la tragedia, de Denise Perdikidis.

Pablo Sorozábal Mariezcurrena (San Sebastián, 18 de septiembre de 1897-Madrid, 26 de diciembre de 1988)fue un compositor español y uno de los más destacados autores de obras sinfónicas y del género lírico (zarzuela y óperas chicas) del siglo xx.

Murió sin poder estrenar la que él mismo consideró su mejor obra: la ópera Juan José, que fue finalmente estrenada en versión de concierto en el Kursaal de San Sebastián el 21 de febrero de 2009, y grabada en CD ese mismo año, con la dirección musical de José Luis Estellés.

De una humilde familia numerosa, comenzó a estudiar Teoría Musical y violín con Alfredo Larrocha en la Academia Municipal de Música de San Sebastián. Gracias a su indiscutible capacidad musical consigue una beca de 1500 pesetas de la diputación de Guipúzcoa para ir a ampliar sus estudios musicales a Alemania, primero en Leipzig, donde tuvo su primer contacto en el mundo de la dirección al hacerse cargo de la Gotriansteinwegorchester logrando sus primeros éxitos, para luego continuarlos en Berlín, donde terminaría.

Inicia su actividad lírica en 1931, al estrenar la opereta Katiuska, la mujer rusa, a la que seguirían otros títulos tan importantes como La Isla de las Perlas (1933) y Adiós a la Bohemia (1933). En 1934 estrena La del manojo de rosas, con la que termina de cimentar su fama como compositor, tras otros títulos como No me olvides (1935), o La Casa de las Tres muchachas (1935), consiguiendo en 1936, con La tabernera del puerto, uno de sus más resonantes éxitos.

Siempre estuvo muy apegado a las costumbres vascas y reconoció en El Caserío (de Jesús Guridi) una partitura magistral. Las simpatías liberales de Sorozábal le dejaron bastante aislado tras la Guerra Civil española con lo que muchas de sus posteriores zarzuelas fueron representadas antes fuera de Madrid o en teatros de menor prestigio de la ciudad. Su labor como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid finalizó de manera abrupta en 1952, cuando le fue denegado el permiso para dirigir la Sinfonía Leningrado de Shostakovich.

Volviendo a la materialización de esta producción, es un placer volver a escuchar la dirección de Miguel Ángel Gómez-Martínez en el foso, aunque empezó con un volumen algo ajeno a las voces en el escenario, ajustó con rapidez los planos sonoros, en una partitura densa, encrespada, con pocas concesiones, diferente a las que habitualmente se encuentran y caracterizan este género español.


El desempeño de Juan Jesús Rodríguez, cuyo personaje da nombre a la obra es desde el punto de vista teatral, inmejorable, se implica, se entrega y cuenta con una emisión que fluye, cristalina y hermosa, que va soltando amarras para confluir en un climax como ríos oceánicos al final de cada intervención.  



Saioa Hernández ha demostrado si hacía falta nuevamente su calidez vocal, su soltura y capacidad escénica además, con un proyección carnosa, ancha y lucida. Trabajoso su rol e invasivo, porque se trata desde el primer momento de “una profecía autocumplida”, sabe e intuye que va a morir o que su pequeña ascensión social y felicidad material no van a durar, porque este es un juego de suma cero.


Simón Orfila,
bella voz, definida emisión y desempeño actoral, declina un tipo psicológico muy adaptativo, con sus más y sus menos con Vanessa Goikoetxea, en Toñuela, la otra cara de la moneda, plástica emocionalmente, con pruebas claras de potencia y manejo vocal, agudos portentosos, excelente técnica y dedicación absoluta a su personaje para enmarcarlo perfectamente en la tarea coral. Simón Orfila, el maestro de obras que defiende Alejandro del Cerro es el aparente ganador de esta partida nefasta que acaba finalmente mal para todos. Juega galanamente con un instrumento de enorme amplitud, preciosa línea de canto y expresividad.

María Luisa Corbacho, la alcahueta, tiene una preponderancia señalada en la obra. Personaje conocido desde casi antes del Siglo de Oro Español, paradigma del logro social a expensas de la moral y la salud de todos, dibuja un figura serpenteante y siniestra, teatralmente bien contada aunque algo menos conseguida en la prestación vocal.  Luis López Navarro como Cano tiene una actuación más reducida pero le saca lustre y consigue que conforme un corpus necesario y hábil dentro del conjunto.

Realizan una labor imprescindible de acompañamiento escénico y vocal, en una partitura que además carece de coros, lo que la vuelve más áspera y ardua, el Perico de Igor Peral, el Presidiario a cargo de Santiago Vidal, el Tabernero de Ricardo Muñiz y las amigas y amigos Raquel del Pino, Paula Sánchez Valverde, José Manuel Guinot y finalmente, otro amigo, Jesús Álvarez Carrión, además de los bailarines y participantes en la figuración.

La orquesta, muy eficiente y cumplidora, el director musical y todos los cantantes y responsables de este proyecto conseguido fueron muy aplaudidos. Faltó un intermedio para estirar las piernas y hacer otras cosas y para meditar sobre el tema hondo y acuciante que, entre otros nos plantean el autor del libreto Joaquín Dicenta y el noble y talentoso, a menudo relegado por esas mismas razones y su decencia, el maestro Sorozábal. L´homme este un animal qui tue” (“El hombre es un animal que mata”), como expresó el jurista Robert Badinter recientemente desaparecido y responsable de la abolición de la pena de muerte en Francia (vigente hasta 1981 y a guillotina). Así es…¡Ay, Carmela!

Alicia Perris

Fotos: Elena del Real/Teatro de La Zarzuela

viernes, 12 de abril de 2024

DÉJANIRE DI CAMILLE SAINT-SAËNS COLLANA "OPÉRA FRANÇAIS" VOL. 39


KAZUKI YAMADA DIREZIONE

ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE MONTE-CARLO

CHŒUR DE L'OPÉRA DE MONTE-CARLO

Prima registrazione mondiale

CD con libro

con Kate Aldrich

Julien Dran

Anaïs Constans

Jérôme Boutillier

Anna Dowsley

 

2 CD / 144 pagine

Bru Zane Label

Il ritorno alle orgini di Déjanire

“È una partitura strana: o non piacerà affatto, o piacerà enormemente”, profetizzò Camille Saint-Saëns pochi giorni prima della prima di Déjanire. Eseguita a Monte-Carlo il 14 marzo 1911, la partitura si basa sulle musiche di scena da lui scritte nel 1898 per uno spettacolo all’Arena di Béziers.

 Affascinato dal soggetto, il compositore volle presto dargli una seconda vita più ambiziosa; concepì allora un peplum che gli ispirò una “musica potentemente evocativa”, secondo Gabriel Fauré, il quale rimase colpito dalla forza della scrittura corale.

Nondimeno, il dramma amoroso che lacera il cuore dell’eroina produce duetti perdutamente romantici e culmina nel pubblico supplizio di Ercole, arso dalla tunica avvelenata offertagli dalla regina ripudiata.

 Questa nuova Déjanire ricevette un’accoglienza lusinghiera da parte dei critici, accorsi in massa nel principato di Monaco per assistervi; peraltro, all’epoca l’opera francese stava imboccando un cammino verso la modernità che non permise a questa “tragedia lirica” di sopravvivere agli sconvolgimenti della Prima guerra mondiale. Sarebbe stato un peccato prolungare ulteriormente tale ingiustificato ostracismo.

Registrazione realizzata dal 12 al 16 ottobre 2022 all’Auditorium Rainier III, Monaco.

Edizioni musicali: Durand.

SAINT-SAËNS CAMILLE, DÉJANIRE - 'OPÉRA FRANÇAIS' CD-BOOK

World premiere recording.

Tragédie lyrique in four acts.

Libretto by Camille Saint-Saëns, after the tragedy by Louis Gallet.

First performance as a tragedy at the Théâtre des Arènes, Béziers, 28 August 1898. Revival transformed into an opera at the Théâtre de Monte-Carlo, 14 March 1911.

Kazuki Yamada conductor

ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE MONTE-CARLO

CHŒUR DE L'OPÉRA DE MONTE-CARLO

with Kate Aldrich, Julien Dran, Anaïs Constans, Jérôme Boutillier and Anna Dowsley.


‘It will be a strange score: people will either not like it at all, or will like it enormously’, prophesied Camille Saint-Saëns a few days before the premiere of Déjanire. The opera, first performed in Monte Carlo on 14 March 1911, is based on incidental music written in 1898 for the Béziers Arena. Fascinated by the subject, the composer soon wanted to give it a second, more ambitious life. He therefore conceived a mythological epic that inspired ‘powerfully evocative music’, according to Gabriel Fauré, who was struck by the impact of the choral writing.

Yet the love drama that rends the heroine’s heart engenders wildly romantic duets and culminates in the public immolation of Hercules, set ablaze by the poisoned tunic offered to him by the fallen queen. This new Déjanire received high praise from the critics, who flocked to Monaco to see it. But the modernist path that French opera was taking at the time did not allow the work to survive the upheavals of the First World War. It would have been a shame to prolong this unjustified ostracism any longer.

Recorded at Auditorium Rainier III, Monaco, on 12-16 October 2022.

Éditions Durand.

#saintsaens #déjanire #bruzanelabel


LA PILOTTA, PARMA. HENRY MANCINI: 100 YEARS. HAPPY BIRTHDAY, MAESTRO. WE ARE STILL WITH US. "MOON RIVER" (OFFICIAL VISUALIZER)


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Lunedì 15 aprile

Chiusura straordinaria della Biblioteca Palatina e della Sezione Musicale.


I servizi bibliotecari saranno sospesi per l’intera giornata di lunedì 15 aprile per l’annuale disinfestazione degli ambienti della Biblioteca Palatina e della Sezione musicale.
I servizi riprenderanno regolarmente martedì 16 con i consueti orari.

Mercoledì 17 aprile

La scapiliata di Leonardo da Vinci ritorna in Galleria Nazionale


Dopo la sua partecipazione alla Mostra “Who is Leonardo da Vinci?” (Shanghai museum, 10 dicembre 2023 -14 aprile 2024), l’ opera di Leonardo torna a fare parte dell’esposizione della Galleria Nazionale. È possibile conoscere meglio la Testa di fanciulla, detta "La scapiliata" nella video presentazione ad essa dedicata disponibile sul canale tematico del Complesso Monumentale della Pilotta.
Leonardo da Vinci, "La Scapiliata"

Lunedì 22 aprile, ore 17

Presentazione del terzo volume dell’opera di Roberto Lasagni, L’arte Tipografica a Parma, “Dai Rosati al Bodoni” (1674-1834), Silva Editore, Parma 2023.


Nell’ambito del programma culturale della Fondazione Museo Bodoniano, Pedro Manuel Catedra presenterà, presso l’Auditorium dei Voltoni del Palazzo della Pilotta, il terzo volume dell'opera L'arte tipografica a Parma, “Dai Rosati al Bodoni” (1674-1834). Interverrà anche l’autore dell’opera, Roberto Lasagni. Ingresso libero fino ad esaurimento posti.
Per informazioni:
info@museobodoniano.it

Martedì 23 aprile, ore 17

Conferenza “I Parmigiani alle Termopili d’Italia: da Passo Vuole alla Pilotta


Si svolgerà presso l’auditorium dei Voltoni del Complesso Monumentale della Pilotta la conferenza “I Parmigiani alle Termopili d’Italia: da Passo Vuole alla Pilotta”, tenuta dal Dott. Andrea Cattabiani e organizzata dall’associazione “Lions Club Parma Host”, sotto l’egida degli Amici della Pilotta. L’evento è aperto ai soci e alla cittadinanza con ingresso libero fino ad esaurimento posti dalle ore 16.30.

Giovedì 25 aprile, ore 17

Giorno della Liberazione


In occasione della celebrazione del Giorno della Liberazione, i musei e i luoghi della cultura statali sono aperti con ingresso gratuito, così come proposto dal Ministero della Cultura.
Il Complesso monumentale della Pilotta sarà aperto dalle ore 10.30 alle ore 19.00 (ultimo ingresso e chiusura biglietteria alle ore 18.00).
I servizi bibliotecari della Biblioteca Palatina saranno sospesi per l’intera giornata.

Composed by Henry Mancini with lyrics by Johnny Mercer, “Moon River” was originally performed by Audrey Hepburn in the 1961 movie Breakfast at Tiffany’s, later winning an Academy Award for Best Original Song.


 The song also won Record of the Year and Song of the Year at the 1962 Grammy Awards.