viernes, 31 de mayo de 2019

UFFIZI, NUOVI DIPINTI E SALE RIPENSATE: UN’ESPLOSIONE DI BELLEZZA SENZA PARI


Quattordici sale in tutto, 1100 metri quadrati di opere straordinarie: il direttore Eike Schmidt racconta i grandi cambiamenti di uno dei musei più importanti al mondo
di Marco Gasperetti
Il direttore degli Uffizi Eike Schmidt con la Venere di Urbino di Tiziano Il direttore degli Uffizi Eike Schmidt con la Venere di Urbino di Tiziano shadow
Sembra davvero d’essere in un altro museo. Che come un’improbabile matrioska si apre a sorpresa nel cuore degli Uffizi. Quattordici sale in tutto, al primo piano (ala di ponente), 1100 metri quadrati di straordinaria bellezza per gusto architettonico e allestimenti. Custodiscono 105 dipinti del ‘500 firmati da Tintoretto, Tiziano, Giorgione, Bronzino, Vasari, Pontormo solo per fare qualche nome. E non mancano sublimi sorprese, come il ritorno nella Galleria della monumentale “Madonna del Popolo” di Federico Barocci «occultata» per una decina di anni ai visitatori. Così come trionfa, dopo una lunga assenza, la “Caduta degli Angeli ribelli” di Andrea Commodi, opera con la quale il pittore fiorentino tentò di rivaleggiare con il Michelangelo della Cappella Sistina.


I pittori veneti e quelli della controriforma valorizzati al massimo
Visitare il nuovo percorso espositivo è un po’ come perdersi nel tempo, nello spazio e soprattutto nella Bellezza. Si fanno incontri e sono così intensi da offuscare la mente. Come quando la “Venere di Urbino” di Tiziano, una giovane sposa, si svela nel suo splendore carnale accanto ai simboli nuziali mentre le attende d’essere vestita dalle ancelle. E ancora si resta stupiti dalla modernità della “Madonna del Popolo”, un olio su tavola del 1579 di Federico Barocci, con la Vergine che intercede davanti a Dio a favore del popolo, volti di gente comune che quasi commuovono per intensità di emozioni e l’espressività di una scena che pare anticipare i tempi. Non siamo soli ad essere affascinati. Anche Eike Schmidt, il direttore degli Uffizi, sembra non stancarsi mai di ammirare le opere e passare da una nuova sala all’altra. «È’ diventato realtà un progetto straordinario per portata e qualità delle opere – spiega – che siamo riusciti a far diventare realtà grazie al team delle Gallerie degli Uffizi, che ha lavorato con passione e grande competenza. Finalmente possiamo mostrare nel modo migliore due settori delle nostre collezioni, quello della pittura della Controriforma e quella della pittura veneta, che sono anche tra i più importanti al mondo. E tra qualche mese tutta l’ala del Cinquecento sarà riallestita. Tutto questo è stato possibile anche grazie a una generosa donazione dei Friends of the Uffizi Galleries, presieduti da Maria Vittoria Rimbotti Colonna».

Capolavori tornati alla luce
Capolavori, opere tornate alla luce. Ma la nuova esposizione è anche un trionfo delle sale e delle loro pareti. Gli esperti hanno utilizzato i metodi antichi dei mastri del Rinascimento e hanno scelto i colori giusti per ogni sala. «Il verde per la pittura veneta – continua Schmidt - ripreso dai tendaggi e dai rivestimenti dei muri che si notano in tanti dipinti del Rinascimento veneziano. Il grigio scuro, che richiama la pietra serena dell’architettura degli Uffizi, ma con un timbro più caldo e vellutato, per la scuola toscana». Si cammina tra la “Venere di Urbino” e la “Flora” di Tiziano, si accarezzano con lo sguardo le meraviglie del Tintoretto, del Veronese, di Lorenzo Lotto. E si resta persino incantati da una finestra, appena aperta, che emana un panorama unico: quello dell’Arno e delle colline a sud di Firenze.



Allestimenti innovativi
«Le pareti della monumentale sala del Pilastro sono state lasciate chiare, così che l’ambiente richiami una chiesa a pianta centrale – spiega il curatore del patrimonio architettonico delle Gallerie degli Uffizi, Antonio Godoli -. Nella sala sono esposte le grandi pale d’altare del periodo della Controriforma. Due sono i temi fondamentali che hanno guidato il nuovo allestimento: la ricerca di continuità nello stile delle sale vasariane, mediante lo studio di traguardi e anche di punti focali e prospettici nel posizionamento dei quadri; e la costruzione di superfici espositive a supporto delle opere, superfici che hanno la funzione di definire il nuovo spazio museale separandolo dallo spazio architettonici». Le sorprese continuano e non tutte possono essere svelate dalle parole. Gli Uffizi negli Uffizi è lì che vi aspetta visitabile già da oggi.

https://www.corriere.it/cronache/19_maggio_29/uffizi-nuovi-dipinti-sale-ripensate-un-esplosione-bellezza-senza-pari-6269f6aa-81f3-11e9-85de-e7ad434bc7c9.shtml?refresh_ce-cp

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA: EL POEMA DEL CID PROTAGONIZA LAS ACTIVIDADES DE JUNIO


Durante el mes de junio la Biblioteca Nacional de España organizará actividades culturales relacionadas con la música y la literatura, entre las que destaca la exposición de Dos españoles en la historia: El Cid y Ramón Menéndez Pidal. Además, la BNE acogerá actividades paralelas a la exposición de Los paisajes acústicos de Joaquín Rodrigo, que se puede visitar desde el 24 de mayo hasta el 8 de septiembre.


El miércoles 5 de junio se abre al público la exposición Dos españoles en la historia: El Cid y Ramón Menéndez Pidal, que la BNE acogerá hasta el 22 de septiembre. Con motivo de esta exposición, se mostrará por tiempo limitado una de las joyas más preciadas de su colección y del patrimonio bibliográfico español en general: el códice único del Cantar de mío Cid, donado por la Fundación Juan March a la BNE en 1960.

Este mismo día se presentará a las 19h la conferencia Don Ramón y la épica: crónica de una relación vital, a cargo de Alberto Montaner y paralela a la exposición de El Cid y Ramón Menéndez Pidal. El acto versará sobre la fundamental dedicación de Menéndez Pidal al campo de los estudios épicos medievales y sus aportaciones a la investigación en esta área.

El jueves 6 de junio la exposición PHotoEspaña19 abre sus puertas hasta el 1 de septiembre. Como en ediciones anteriores, PHotoESPAÑA premia los mejores libros de fotografía y elige los finalistas que se expondrán en la BNE.

El viernes 7 de junio comenzará el taller Con pluma y tintero. Sesiones de caligrafía histórica. A través de las obras de R. Menéndez Pidal. A cargo de Ricardo Vicente Placed, el taller se extenderá hasta el 9 de junio en el Museo de la BNE. En él, se presentarán cuatro sesiones diferentes de caligrafía histórica, recorriendo algunos de los títulos más señeros del pionero en el pensamiento científico filológico.

Los días 11 y 12 de junio se celebrará a las 9h la jornada Leer Iberoamérica Lee 2019: Las otras caras de la lectura. Se trata de una actividad enmarcada en la Feria del Libro de Madrid que pretende profundizar sobre cuáles son los desafíos de la lectura y de la formación de lectores en la actualidad.

El jueves 13 de junio estará marcado por la voz de Antonio Rossell, que protagonizará la Canta de mío Cid a las 19h. Esta actividad paralela a la exposición Dos españoles en la historia: El Cid y Ramón Menéndez Pidal transmitirá la historia y la leyenda del héroe de manera que el público entienda el texto medieval.

El martes 18 a las 19h tendrá lugar la conferencia zem>Canciones sefardíes de Joaquín Rodrigo a cargo de Francisco Marcos-Marín. Está relacionada con la exposición de Los paisajes acústicos de Joaquín Rodrigo. A lo largo de la conferencia se explicarán las cuatro canciones sefardíes dentro de su contexto histórico, literario, lingüístico y artístico.

También paralela a esta exposición se organizará el 19 de junio a las 19h una mesa redonda sobre la obra literaria de Joaquín Rodrigo, moderada por Cecilia Rodrigo, directora de la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo. Durante el acto se analizará la importancia y hondura de pensamiento del maestro Rodrigo de la mano de destacados especialistas: Agustín León Ara, Consuelo Díez y Carlos Laredo.

Además, el 19 de junio a las 9.30h se celebrará en la BNE la primera sesión del Seminario Internacional PhiloBiblon BNE-UCM, en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid. Este acto está enfocado a la formación de jóvenes interesados en la metodología de PhiloBiblon, proyecto pionero de las Humanidades Digitales hispánicas e ibéricas.

El día 20 de junio a las 19h el guitarrista David Antigüedad protagonizará el concierto Rodrigo y sus contemporáneos, décimo concierto del ciclo Música en la Biblioteca Nacional de España y actividad paralela a la exposición Los paisajes acústicos de Joaquín Rodrigo.

ESPAÑA YA TIENE SU GRAN FERIA DE ARMAMENTO Y QUIERE CONVERTIRLA EN UN REFERENTE

Las patronales de la industria de defensa inauguran una muestra internacional en la senda de la Eurosatory de París a la que acuden delegaciones de 34 países
MIGUEL GONZÁLEZ


Jaime de Rábago, presidente de la patronal de armamento (Tedae) y, a la derecha, Gerardo Sanchez Revenga, de la asociación de empresas suministradoras de Defensa (Aesmide). @ JULIAN ROJAS EL PAÍS

Al menos 40 delegaciones internacionales (34 de países y el resto de organizaciones multilaterales) acuden a la primera edición de la Feria Internacional de Defensa y Seguridad (Feindef), que la ministra de Defensa en funciones, Margarita Robles, inaugura hoy en Madrid. Dos delegaciones (Colombia y Senegal) estarán encabezadas por sus titulares de Defensa y media docena por secretarios de Estado o directores de Armamento. Once proceden de Europa y otras tantas son americanas, cinco árabes, cinco de Asia Central o Extremo Oriente y dos del África Subsahariana. También asistirán los jefes de Estado Mayor de la Defensa iberoamericanos, invitados por su homólogo español, lo que refleja su vocación de convertirse en puente entre la UE y Latinoamérica.
Con esta feria, de periodicidad bienal, la industria militar española busca contar con un escaparate propio y sigue el modelo de las grandes exhibiciones europeas de armamento, como la francesa Eurosatory, con más de un cuarto de siglo de antigüedad, con la que se alternará los años impares.
En su primera edición, Feindef contará con 150 expositores de 11 países que ocuparán 14.000 metros cuadrados (2.000 más de los previstos inicialmente) en Ifema. Además de las principales compañías del sector (españolas y extranjeras) y numerosas pymes, tendrán pabellón instituciones públicas y oficinas comerciales de otros países.

Hasta 2017, Madrid fue escenario de una feria de defensa y seguridad (Homsec) promovida por un grupo privado que desapareció tras celebrar seis ediciones. Feindef nace con más ambición pues sus promotores son las patronales que agrupan a más del 90% del sector: la asociación de empresas de aeronaútica, seguridad y armamento (Tedae) y la de suministradores de bienes y servicios para el Ministerio de Defensa (Aesmide). La iniciativa tiene el apoyo de ocho ministerios y sus organizadores esperan superar los 10.000 visitantes. Aunque este año la feria tendrá carácter estático, se pretende que en 2021 incluya ya una exhibición aérea.
Jaime de Rábago, presidente de Tedae, asegura que el objetivo de la muestra “no es que se firmen contratos durante la misma, sino facilitar los contactos y dar a conocer las capacidades y las tecnologías del sector”.
La feria, subraya Rábago, se celebra en el contexto del lanzamiento del Fondo Europeo de Defensa, que en el periodo 2021-27 prevé destinar 13.000 millones a financiar programas de defensa. “Las empresas españolas están siendo muy activas [en la presentación de proyectos]. Bruselas ya no se ve como algo lejano, sino como una parte clara del futuro”, agrega. Entre los ponentes que intervendrán en Feindef figura el director de la Agencia Europea de Defensa (EDA), el diplomático español Jorge Domecq.

Por su parte, Gerardo Sánchez Revenga, presidente de Aesmide, estima que el avance de la Europa de la defensa obligará a las compañías europeas a “formar consorcios internacionales ganadores. Ni la atomización empresarial ni los mercados cautivos se pueden mantener”.

Incluso el Brexit, pese a los múltiples problemas que provoca, supone para Rábago una oportunidad, pues “España se convertirá en la cuarta potencia militar de la UE y tendrá que asumir esa responsabilidad. Su industria y su nivel tecnológico forman parte de las capacidades militares de un país”.

Desde el punto de vista empresarial aún queda mucho por hacer. “No se entiende que cada país pueda decidir unilateralmente a qué clientes se puede vender o no cuando todos formamos parte de consorcios multinacionales. La decisión debería ser conjunta de la UE”, se queja Rábago. Sin mencionarla, se refiere a la decisión de Alemania de vetar las exportaciones de armas a Arabia Saudí, lo que ha puesto en riesgo las ventas de la compañía europea Airbus.
UN SECTOR QUE EXPORTA EL 80% DE LA FACTURACIÓN
La industria española de Defensa facturó en 2017 por valor de 5.379 millones de euros (el 2,8% del PIB industrial) y exportó 4.346; es decir, el 80% de su producción se vendió en el extranjero. Las 400 empresas del sector (el 46% pequeñas, el 17% medianas y el 17% grandes) emplean a 22.812 personas. El 68% de las ventas corresponden al sector aeronáutico, seguido de electrónica (9,2%), naval (7,70%), vehículos terrestres (6,5%) y armamento y munición (5,1%). El coste de la feria supera el millón de euros.

https://elpais.com/economia/2019/05/28/actualidad/1559072856_754867.html

NOTRE DAME CATHEDRAL WILL BE REBUILT EXACTLY AS IT WAS.


Notre Dame Cathedral in Paris after the fire. Photo by Joëlle Lévy, via Wikimedia Commons.


Anyone hoping to see a fanciful, futuristic, or merely modern restoration of Paris’s fire-ravaged Notre Dame Cathedral—including President Emmanuel Macron—had their hopes dashed Monday night, when the French Senate approved a government bill to restore the iconic structure, but not before adding a stipulation that it must be restored to its pre-fire state. The bill calls for the restoration to be completed in time for the 2024 Olympic Games, which Paris will be hosting, and that the cathedral be restored to its “last known visual state,” according to The Local.

The Senate’s provision effectively put an end to the international architecture competition to rebuild Notre Dame’s spire launched by the French state in the immediate aftermath of the April 15th blaze. That competition elicited an enormous range of proposals, from a glassy vision pitched by British starchitect Norman Foster to a palatial private rooftop residence imagined by Viennese architecture firm Who Cares?!.

The French Senate and the Assemblée nationale are still hashing out the terms of a bill over tax deductions for individuals donating funds to Notre Dame’s restoration. Supporters of the restoration include the billionaire art collectors François Pinault and Bernard Arnault, who through their families and companies pledged €100 million ($113 million) and €200 million ($226.1 million), respectively. Both the Pinault and Arnault families said they would not seek any tax benefits from their donations.

On June 9th, Gagosian will open a group exhibition at its Paris location, proceeds from which will support restoration and renovation efforts. In a statement, Larry Gagosian said: “I wish to contribute to the reconstruction of this iconic monument after watching, with devastation, as it was engulfed in flames.”

Further Reading: Art Historian’s 3D Scans of Notre Dame Cathedral Could Be Crucial for Restoration
Further Reading: 90% of Notre Dame’s Artworks Were Saved Thanks to Emergency Evacuation Plans
Benjamin Sutton

https://www.artsy.net/news/artsy-editorial-notre-dame-cathedral-will-rebuilt-exactly

VIDÉO. LA COLLECTION CROISIÈRE DE CHANEL, UN NOUVEAU DÉPART


Virginie Viard a présenté, le 3 mai 2019, son premier défilé pour la célèbre maison de la rue Cambon. Une transition de l’après-Lagerfeld, fidèle à l’esprit de Karl et de Coco, tout en douceur, mais déjà affirmée et qui laisse augurer des lendemains enchanteurs.


Dans un décor dépouillé, inhabituel pour la marque, un immense quai de gare propose des destinations au long cours: Venise, Saint-Tropez, Athènes, Bombay, Édimbourg, Rome. Une voie de chemin de fer, des bancs en bois, tout est sobre, mais tout est là pour inviter les voyageurs à embarquer, vers Byzance aussi, pour cette collection Croisière 2020.
Virginie Viard embarque désormais les voyageurs Chanel dans son sillage. Courtesy of Lucile Perron
Virginie Viard, nommée directrice artistique des collections mode de la maison, sait qu’il lui faut s’inscrire dans un itinéraire dont la route a été tracée par Gabrielle Chanel et dont elle est désormais chef de bord. Copilote de la création aux côtés du Kaiser et son bras droit pendant vingt ans, elle est apparue à l’issue du show, faisant preuve d’un chic fou, d’affirmation de soi, tout en retenue.
Son premier défilé s’inscrit à la croisée des chemins. Entre codes maison subtilement revisités et accessoires déjà très attendus. Il y a là des must have qui affoleront les fans du double C.
Sous la nef du Grand Palais, l’heure d'un nouveau départ a sonné pour Chanel
Retour des ballerines bicolores; des jupes mini ou trapèze très sixties en tweed blanc aux poches asymétriques donnant un twist nouveau au tailleur emblématique porté avec de délicats tops brodés de fleurs, témoins du savoir-faire des ateliers de Chanel; des ceintures chaînettes métalliques dorées et entrelacées de cuir soulignent finement la taille de robes en mousseline. Virginie Viard joue aussi l’ultraféminité en revisitant le noeud papillon, qui, glissé sous une veste ouverte, drape le buste des mannequins.
Le top model Claudia Schiffer, la styliste Carine Roitfeld, les acteurs Gaspard Ulliel et Guilaume Gouix, les actrices Lily-Rose Depp, Alma Jodorowsky, Joana Preiss et Nana Komatsu applaudissent la collection à la fin du show. Service de presse
S’inspirant des tenues de travail, les pantalons en gabardine ou coton huilé apparaissent en version large, mixant confort et fonctionnalité. Couleur moka, bleu cobalt ou noir, ils sont réchauffés d’un long manteau dont s’échappe une blouse de popeline à jabot, par-ci par-là un clin d’oeil aux cheminots, le sac lanterne. Des hauts cols de chemise amovibles, soulignant les lignes pures de robes fourreaux minimalistes, signent un hommage particulier au génie disparu, tout en noir et blanc.
"Chanel, c’est l’allure et le mouvement. Voyager à travers le monde est lié à l’esprit Chanel", assure la directrice artistique dans ce haut lieu des temps modernes. Sous la nef du Grand Palais, à l’heure de ce nouveau départ pour la maison qui lui fait confiance, Virginie Viard nous emmène vers un ailleurs plein de promesses.
Par Nathalie Lourau

HOW ANCIENT GREEK ART INSPIRED THE BALLET RUSSES


The Ballets Russes had a longtime dalliance with Ancient Greek traditions especially in the ballet’s most innocent, primitive, and erotic aspects.
Angelica Frey
Léon Bakst, “Costume Design for Tamara Karsavina as Chloé” for Daphnis et Chloé (ca. 1912), graphite and tempera and/or watercolor on paper. 17.5×11.1 inches (Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT, The Ella Gallup Sumner and Mary Catlin Sumner Collection Fund, image: Allen Phillips/Wadsworth Atheneum)
When Russian painter and designer Léon Bakst visited the archaeological museum in Olympia in 1907, his response to the Greek statues was visceral. “I want terribly to run my hand over the marble, to find out what Niobe’s shoulders are like,” he wrote in 1923. This reaction summarizes the way Bakst, a set and costume designer for the Ballets Russes, viewed ancient art of “The Orient,” which, to him, spanned from the far east to Ancient Greece.



Hymn to Apollo: The Ancient World and the Ballets Russes, an exhibition co-curated by Clare Fitzgerald, the Associate Director for Exhibitions at NYU’s Institute for the Study of the Ancient World, together with curatorial assistant Rachel Herschman, explores the ancient world’s influence on the choreography, sets, and costumes of the Ballets Russes. The exhibition is accompanied by a catalogue edited by Fitzgerald and Herschman.
The Ballets Russes had a longtime dalliance with Ancient Greek traditions especially in the Ballet Russes’ most innocent, primitive, and erotic aspects. Ballets such as L’Après Midi d’un Faune (1912), Daphnis and Chloe (1912), and Narcisse (1911) give life to lush, pastoral myths while hinting at the erotic components of the myths. While the choreography (by Vaslav Nijinsky and Michael Fokine) reflected the poses of figures on Grecian pottery, Bakst’s costumes evoked the voluminous, draped garments of Ancient Greece, adding intrigue by exposing erogenous zones. Bakst’s style is immediately recognizable for his use of serpentine lines, heady colors, and a belle-époque-like sensuality.
Hymn to Apollo is divided into three sections. The first examines what is known about the art of dance in the ancient world (quite a bit, but not nearly enough). The second details Bakst’s love affair with Grecian antiquity, which follows a trajectory from neoclassicism to primitivism, and from primitivism to Hollywood grandeur, before his untimely death in 1924. The third analyzes individual ballets, such as L’Après Midi d’un Faune, as well as themes (for instance, the Apollo-Dionysus duality in Friedrich Nietzsche’s 1872 text on Ancient Greek theater, The Birth of Tragedy), and personalities, including the avant-garde dancer Isadora Duncan.
It’s a very effective approach when it comes to providing the reader with information. Fitzgerald, an Egyptologist by training, lays out the evidence we have and what we lack in understanding about Ancient Greek dance, and the sources of inspirations that Bakst drew from throughout his life. When historian Frederick Naerebout writes, “Research has concentrated on the specific sources that, in large part, we will never be able to relate to a realistic diachronic account of the dance, and it has tended to neglect the unspecific sources, such as inscriptions that just mention the presence of a dance, dancers, or a chorus, without any details but in fact referring to dance at a specific time and place,” it treads a fine line between expertise and pedanticism. Such remarks take considerable book space away from the excellent chapter by Russian avant-garde specialist John E. Bowlt devoted to Bakst and the Ballets-Russes-adjacent, antiquity-obsessed creative circle, which comprised the likes of Isadora Duncan, known for her “antique evocations” in dance, and Elise Jouhandeau, a dancer who went by the stage name “Caryathis” — a reference to maidens in mythology who performed a sacrificial dance for Artemis Caryathis. It’s a delight to read and learn how Bakst’s aesthetic was also shaped by Egyptian and Native American traditions, particularly those of the Hopi and Navajo. The Native American traditions made him rediscover what he, in 1923, referred to as “green freshness of the primitive” that he first saw in Ancient Greek culture.

What is sadly missing in Hymn to Apollo is an overview of the fin-de-siècle obsession with the Wagnerian concept of the Gesamtkunstwerk or “total work of art”— something to which the Ballets Russes aspired. Yet the exhibition and book convincingly demonstrate the enduring appeal of the ancient world and the compelling creations of Leon Bakst.

Hymn to Apollo: The Ancient World and the Ballets Russes continues at NYU’s Institute for the Study of the Ancient World (15 East 84th Street, Upper East Side, Manhattan) through June 2. The catalogue is available from Princeton University Press.

https://hyperallergic.com/501125/hymn-to-apollo-ancient-greek-art-ballet-russes/?utm_medium=email&utm_campaign=Daily%20053019%20-%20Spotlighting%20Lesbian&utm_content=Daily%20053019%20-%20Spotlighting%20Lesbian+CID_8380e1b5bb3cbb7cb2b2b171425f9535&utm_source=HyperallergicNewsletter

STUDY FINDS AMERICANS WOULD RATHER HAVE ARTISTIC HOBBIES THAN A NETFLIX SUBSCRIPTION


Casey Lesser
In the age of binge-watching TV and social-media scrolling, you may not be forgiven for saying you can’t find the time to pick up a hobby. And there’s no time like the present. Experts agree that hobbies can make us more creative, happy, and empathetic; and if your hobby involves expressing yourself through art, it may even help to lessen anxiety, depression, dementia, and a host of other health conditions. It shouldn’t come as a surprise, then, that a new study found that 75 percent of Americans surveyed have creative hobbies, and they’re not about to give them up.


The study
The study was conducted by Bluprint, NBCUniversal’s subscription service for online creative learning, to examine creativity trends in American society today. The company, which offers videos and classes on topics from watercolor painting to woodworking and cake decorating, also sought to learn about Americans’ creative hobbies and how much they value such activities.
Bluprint CEO John Levisay noted that he was keen to explore the ties between creative pursuits and health. “When you talk to a quilter or a cook or a knitter, they all talk about this kind of flow state that they get in when they’re making,” he explained. “It’s similar to meditation or yoga, where your blood pressure comes down, and you forget about a lot of the mayhem in the world, or personal stress.”
However, there’s a psychological misconception among American consumers, Levisay continued, who believe they don’t have time to be creative. “But then when people take inventory of where they’re spending their time, they realize that they’re spending three to four hours watching TV and an hour or two a day online,” he continued. And they acknowledge that creative activities make them feel better than watching TV or browsing social media. “We’ve heard it from our customers for years, and we wanted to do some more empirical research,” Levisay added.
Working with global consulting firm IPSOS, Bluprint developed a survey that was circulated in February 2019. It asked participants to identify their creative hobbies, rate the importance of creativity in their lives and that of their children, and consider the sacrifices they would make to keep those hobbies. Creative hobbies could be anything from drawing and painting to knitting, baking, making music, beer brewing, or journaling. In total, a random selection of 2,012 American adults over age 18 took the survey.

What it found
Americans have creative hobbies, but they’re hungry for more creative stimulation.
75 percent of participants reported having at least one creative hobby.
The most popular activities were baking, gardening, cooking (beyond everyday meals), home decor, and DIY crafting.
68 percent said that they are eager to use their creativity more often.
Participants with creative hobbies reported that making things by hand brings them joy.
79 percent said they “love the process of creating something from scratch.”
88 percent agreed with the statement: “Successfully finishing a creative project brings me joy.”
75 percent reported that they “make mistakes along the way,” but that doesn’t lessen their “enjoyment.”
Some would sacrifice streaming TV and movies for their creative hobbies.
Of those who have Netflix, 77 percent would rather give up their subscription than give up their creative hobby.
Parents want their children to have ample opportunities for creativity.
77 percent agreed with the statement “I want my child(ren) to be more creative than I got the opportunity to be when I was a child.”
61 percent agreed that “public education doesn’t focus enough on creative arts.”
72 percent agreed that “standardized test scores are prioritized more than creative thinking in schools.”
79 percent of parents would prefer that their children “make just enough to get by in a creative job that they love,” rather than “make lots of money in a job they aren’t passionate about.”
What it means
The study suggests that not only are Americans aware of the value and benefits of creativity, they want more of it.
Maggie King, director of consumer insights at Bluprint, noted that the findings support a lot of the medical research that we’re seeing on the emotional benefits of creative activities. “Our data is showing that people who participate in creative hobbies versus those who do not are more likely to describe themselves as happy, joyful, [and] passionate,” she said, suggesting that creativity is positively affecting “their outlook on life.”
American adults want more creativity for themselves and their children, but they don’t necessarily know how to make that a reality. “They’re recognizing that even their schooling isn’t supporting creativity in the way that they want, and they want their kids to be even more creative,” King said. “So I think we recognize that we want it prioritized, but we’re still kind of struggling against all the other pressures to bring it into the fold more.”
Levisay believes that there are two factors driving the current relevance of creativity. He explained that there’s more recognition of the nature of creativity and its benefits. In the past, it was commonly believed that creativity is genetic—that some people are born with it. Today, we’re more open to the idea that creativity can be honed through education and practice. We can all be creative—it’s a matter of letting it out.
The second factor, Levisay continued, is the world we live in. “Always-on technology and the 24-hour news cycle [are] creating disorientation,” he explained. People may be reactively turning to focused creative activities to decompress or find respite.
King also emphasized the current moment. “We’re in a very divisive time in society right now, where we’re kind of disagreeing on more than we’re agreeing on, and we’re also prioritizing a lot of business,” she said. “We’re always on with all of our devices, and so we’re seeing that prioritized as a society.” Even though three in four Americans have creative hobbies, she continued, “more than two-thirds want to use it even more and want to find more opportunities for that.” For this reason, they’re framing the study as evidence of a “creativity crisis.”
The study also supports the theory that the ubiquity of screens is driving us to DIY culture and making things by hand. “There’s something inherently agitating, even subconsciously, when you’re pinging around through social media as opposed to kind of having a singular focus and the relaxation benefits that come with slowing down, learning about something, and then making with your hands,” Levisay offered. “There’s a real sense of satisfaction and well-being that comes from that.”

https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-americans-artistic-hobbies-netflix-subscription?utm_medium=email&utm_source=17044964-newsletter-editorial-daily-05-29-19&utm_campaign=editorial-rail&utm_content=st-V

jueves, 30 de mayo de 2019

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA EN MADRID LA EXPOSICIÓN ‘BERENICE ABBOTT. RETRATOS DE LA MODERNIDAD’


 Sus retratos de artistas e intelectuales contemporáneos y su visión de las transformaciones de la ciudad de Nueva York constituyen un excepcional retrato de la modernidad de la primera mitad del siglo XX.


La muestra incluye el documental Berenice Abbott: A View of the 20th Century (1992).
Hasta el 25 de agosto en Fundación MAPFRE Sala Recoletos.
Fundación MAPFRE ha presentado hoy, 30 de mayo, en Madrid, la exposición Berenice Abbott. Retratos de la Modernidad, que propone un exhaustivo recorrido por la trayectoria de esta fotógrafa estadounidense. Su obra, una de las más cautivadoras de la fotografía norteamericana de la primera mitad del siglo XX, hizo de puente entre la vanguardia del viejo continente y la creciente escena artística de la costa este de Estados Unidos de los años 1920 y 1930.
Berenice Abbott (Springfield, Ohio, 1898-Monson, Maine, 1991) comienza sus estudios universitarios con la intención de convertirse en periodista. En 1918, se traslada a Nueva York y se instala en el Greenwich Village, estimulante centro de encuentro de artistas e intelectuales que le facilita su primer contacto con creadores como Marcel Duchamp. En este momento  se inicia en la práctica de la escultura.
Tres años después viaja a Europa y se instala en París, donde empieza a trabajar como ayudante en el estudio de Man Ray y descubre su verdadera vocación: la fotografía. Hacia mediados de la década de 1920, Abbott conoce a Eugène Atget y queda impresionada por su obra; las cualidades que es capaz de percibir en ella le inspiran desde el principio un profundo respeto por el fotógrafo francés y le proporcionan, además, un importante referente en el que volcar sus aspiraciones como fotógrafa. Tras la muerte del fotógrafo, Abbott compra todo su archivo personal.

Su obra es objeto de una exposición retrospectiva en 1970 en The Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York y en 1983 se convierte en la primera fotógrafa admitida en la American Academy of Arts and Letters. En 1988 el gobierno francés la nombra Officier des Arts et des Lettres y también recibe el premio Master of Photography, concedido por el International Center of Photography de Nueva York.


SU OBRA
La idea de modernidad invade todo el trabajo de Abbott, desde sus retratos de los artistas e intelectuales más vanguardistas del momento hasta sus fotografías con temática científica (en las que plasma los resultados de diversos fenómenos y experimentos) pasando por sus asombrosas vistas de la ciudad de Nueva York. Se trata de una idea que es a su vez reflejo de la modernidad de la propia artista, con su carácter vanguardista y audaz, que le permitió vivir su sexualidad libremente junto a su pareja, la crítico de arte Elizabeth McCausland, con quien conviviría durante treinta años.

LA EXPOSICIÓN
La exposición, estructurada en tres secciones temáticas, recorre su carrera a través de casi doscientas fotografías de época. Además, se exponen en diálogo con sus obras once fotografías de Eugène Atget positivadas por la propia Abbott a finales de la década de los 1950.
Comienza el recorrido con la sección Retratos, en la que se integran las imágenes de los personajes más rompedores de la época.

Principalmente, retrata el proyecto de vida de un grupo del que ella forma parte: el de las “nuevas mujeres”, dispuestas a vivir al margen de las convenciones para salvaguardar su libertad. En ejemplo de estos retratos es la imagen de Janet Flanner en París.

En Ciudades, segundo grupo de fotografías, está reunido el deslumbrante retrato que Abbott hace de Nueva York durante la década de 1930. Ante su objetivo, Nueva York se convierte en un ser vivo, en un extraordinario personaje que se descubre ante sus visitantes con sus impactantes rascacielos, el bullicio y sus escaparates. Desarrolla este proyecto de forma independiente hasta que, en 1935, logra financiarlo con la ayuda del programa Federal Art Project. Estas imágenes son publicadas en 1939 con el título Changing New York, logrando un gran éxito de crítica y ventas.

La última parte de la exposición concentra sus fotografías de experimentos y fenómenos científicos. Abbott comienza a trabajar en ellas a finales de los años 1950 cuando forma parte del Physical Science Study Committee del Massachusetts Institute of Technology. Estas fotografías demuestran, una vez más, la dualidad que recorre la obra de Abbott: imágenes que documentan fenómenos físicos pero a la vez muestran la exquisita imaginación y creatividad de la fotógrafa.

BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY, (1992)
Fundación MAPFRE ofrece la proyección del documental Berenice Abbott: A view of the 20th Century producido por Kay Weaver y Martha Wheelock en 1992. Filmado con una Berenice Abbott de más de 90 años, el documental nos conduce por una verdadera visita guiada a través del siglo XX a partir de la trayectoria artística y humana de la fotógrafa.

En la presentación de la muestra han participado la comisaria de la exposición, Estrella de Diego, catedrática de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y Nadia Arroyo, directora de Cultura de Fundación MAPFRE.