viernes, 29 de junio de 2018

THE UNEXPECTED, CREATIVE BENEFITS OF SHARING YOUR STUDIO


Danna Lorch

Ghada Amer and Reza Farkhondeh's shared studio space. Courtesy of the artists.
ANGEL'S HUT


Ghada Amer & Reza Farkhondeh
ANGEL…
Cheim & Read

With the rise of trendy co-working spaces like The Wing and WeWork in recent years, the benefits of such environments have come to the fore. While these companies promise opportunities for networking, career advancement, and off-the-charts idea exchange (not to mention stylish digs), compelling research has found that the people frequenting co-working spaces—like freelancers, entrepreneurs, and remote employees—experience enhanced creativity.
But can the same creative benefits be felt when artists share a studio? You might think the answer is yes, but it’s not always the case. Shared studios can help enhance creativity, but only if the artists are frequently interacting, swapping resources, and exchanging feedback.
Dr. Thalia R. Goldstein, assistant professor of applied developmental psychology at George Mason University, has noted that under the right circumstances, the benefits of coworking spaces can also be felt by artists sharing a studio, by virtue of the fact that it fosters collaboration, as well as the “freedom and time to engage with others,” she said.
Multiple research findings back up this notion. At the University of Michigan’s Stephen M. Ross School of Business, the first phase of an ongoing study on co-working spaces (chaired by Dr. Gretchen Speitzer, Dr. Peter Bacevice, and Lyndon Garrett) found that the freedom to think and create independently, with self-defined opportunities to join in community, led to a heightened sense of achievement. (The study surveyed descriptions of several hundred co-working spaces in the U.S. and Europe and interviewed their members.)
To test out how this theory applies to art studios, we spoke to four different pairs of artists who have shared workspaces for various reasons in recent years. Though distinct in their careers, these artists found that their working arrangements made a profoundly positive impact on their respective practices.
While many artists who opt to split a studio make the decision primarily to save money in cities where rent is staggeringly high, others are drawn to the scenario for the stimulating influence that comes from working side by side with peers. That was the case for artists Reza Farkhondeh and Ghada Amer, who have been sharing a studio and an apartment on and off since the 1990s. Amer is well-known for her erotic embroideries on canvas, and some of her more successful works were conceived in an ongoing collaboration with Farkhondeh, a notable painter in his own right.  ……………………..

https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-unexpected-creative-benefits-sharing-studio?utm_medium=email&utm_source=13715693-newsletter-editorial-daily-06-28-18&utm_campaign=editorial&utm_content=st-

MOSTRA DI VAN GOGH ALIVE A COSENZA


Cosenza mostra Van Gogh Alive fino al 15 Settembre 2018
“Il meraviglioso viaggio nel quale conduce la mostra internazionale Van Gogh Alive -The experience approda nella città di Cosenza, al Museo multimediale di piazza Bilotti, in uno spazio altamente immersivo che consente di godere appieno di un percorso artistico vissuto in una forma tecnologica emozionale di qualità”.



Lo ha detto Mario Occhiuto, sindaco di Cosenza e delegato Anci all’Urbanistica, che, insieme al suo vice e assessore alla Cultura Jole Santelli, ha partecipato alla preview dedicata alla stampa prima dell’inaugurazione al pubblico.
“Il Museo multimediale di piazza Bilotti – é detto in un comunicato – è l’unica struttura permanente di genere innovativo presente nel Meridione e in Italia dove si incontrano cultura e tecnologia”.

“Ci inorgoglisce – ha aggiunto Occhiuto – essere presenti nella traiettoria culturale di respiro internazionale che tale esposizione sta seguendo, offrendo all’area urbana ed al territorio regionale e meridionale l’opportunità di fruire di tanta bellezza”.

https://calabria.jblasa.com/turismo/mostra-di-van-gogh-alive-a-cosenza/

MUSÉE RATH, SUISSE. JEAN MOHR, UNE ÉCOLE BUISSONNIÈRE


Photographies
 28 mars 2018 - 15 juillet 2018
 Maison Tavel


La Maison Tavel rend hommage à Jean Mohr et accueille une proposition du photographe genevois dans laquelle il livre et commente des images choisies, glanées au cours de sa longue carrière, au détour de ses nombreux reportages, sur les chemins de son école buissonnière.

Depuis 1950, Jean Mohr a promené son objectif photographique sur le monde au gré de ses missions et de ses envies. Comme il aime à le dire, ses clichés sont le moyen de raconter ce que son œil écoute. Avec retenue, mais force, il donne à voir l’instant que seul l’appareil photographique capture, matérialisant ainsi le non-dit que porte parfois la réalité. Bien connu pour ses photographies souvent qualifiées d’humanistes, l’homme se laisse aussi captiver par ses recherches formelles qui font naître des abstractions.

http://institutions.ville-geneve.ch/fr/mah/expositions-evenements/expositions/jean-mohr-une-ecole-buissonniere/

LA DUCHA DE MODERNIDAD DE ‘PSICOSIS’


Un documental analiza la secuencia clave de 'Psicosis', de Alfred Hitchcock, tres minutos rodados durante una semana que su director calificó de "cine puro"
GREGORIO BELINCHÓN


Janet Leigh, al final de la secuecnia de la ducha. En vídeo, tráiler de '78/52. La escena que cambió el cine'.

"El argumento me importaba poco", le contó Alfred Hitchcock a François Truffaut. "Lo que me importaba es que la unión de los trozos de la película, la fotografía, la banda sonora y todo lo que es puramente técnico podían hacer gritar a los espectadores. Lo que ha emocionado al público es cine puro". Entre noviembre de 1959 y febrero de 1960, Hitchcock dirigió Psicosis. Venía de filmar Vértigo y Con la muerte en los talones, palabras mayores, películas con tecnicolor y estrellas. Y de repente se embarcó en Psicosis, un largometraje en blanco y negro, en que la estrella de más renombre del reparto -Janet Leigh- era asesinada en el minuto 40, para desconcierto de la audiencia, y un trabajo que su mismo creador confiesa dirigió "como un telefilme". Entonces, ¿por qué Alfred Hitchcock, en su mejor momento profesional, se lanzó a Psicosis? Por la secuencia de la ducha, por ese "cine puro".

 La ducha de modernidad de ‘Psicosis’
El documental 78/52. La escena que cambió el cine, de Alexandre O. Philippe, ahonda en esas 78 tomas de cámara y 52 fragmentos de celuloide que apenas sobrepasan los tres minutos de duración, pero que efectivamente cambiaron el séptimo arte y lo impulsaron a la modernidad. Durante una semana, Hitchcock filmó esa secuencia siguiendo el story board dibujado por el genio de los títulos de crédito Saul Bass. "Pero no lo hizo exactamente como estaba previsto, lo que confirma que Hitchcock es el padre de la secuencia", cuenta Philippe, que presentó el documental en el festival de Sitges, y que se ha rodado en blanco y negro como la original (Hitchcock lo hizo así para que no fuera muy sanguinolenta). El documentalista, experto en filmes sobre cine, revela multitud de secretos al público de esa semana de rodaje: el laborioso trabajo de los técnicos de sonido, que encontraron la mejor reproducción del estallido seco de las cuchilladas clavando las armas blancas... en melones ("Es mi descubrimiento favorito", confiesa el documentalista); la gran cantidad de planos filmados al revés que componen la secuencia (como el cuchillo entrando en el estómago de la protagonista); que otros muchos momentos se registraron a cámara lenta para que no se rodara más cuerpo del estrictamente aprobado por la censura (lo curioso es que en la copia final no se modificó esa velocidad); la chapuza con la que se resolvió los últimos segundo, el uso de sirope de chocolate para sustituir a la sangre... "Me encantan los detalles y deconstruir el objeto de estudio, y obviamente la secuencia de la ducha encaja perfectamente en mi deseo", cuenta Philippe. "Está llena de detalles que la convierten en una especie de muñeca rusa, con detalles que esconden otros detalles. He estado tres años con este documental, y creo que haré una segunda parte".

Philippe también posee una pizca de suerte. La que puso en su camino a una exconejita Playboy, Marli Renfro, la doble de cuerpo de Leigh, y que aún vive en el desierto de Mojave. "En 2010 se publicó un libro sobre su historia, la de una chica que fue portada del Playboy de septiembre de 1960 y que nunca había confesado su trabajo en Psicosis. Yo no estaba seguro de si seguía viva y si quería colaborar. Sin embargo, fue encantadora y nos dio un montón de información". Como que durante siete días solo llevó una pegatina que le tapaba el pubis y que solía caerse para vergüenza de Hitchcock.

 La ducha de modernidad de ‘Psicosis’ampliar foto
Otros de los que aparecen ante la pantalla son la actriz Jamie Lee Curtis y Oz Perkins, hijos respectivamente de Janet Leigh y Anthony Perkins, los protagonistas de Psicosis; el genial montador Walter Murch; cineastas como Guillermo del Toro, Eli Roth o Karyn Kusama; escritores como Bret Easton Ellis... La huella de Psicosis es profunda en el cine posterior: Scorsese montó la pelea de Toro salvaje con la misma cadencia que la secuencia de la ducha, Coppola puso al personaje de Gene Hackman en La conversación en el mismo baño en el que moría el personaje de Leigh. "Por desgracia, algunos no han querido colaborar. Me hubiera gustado charlar con David Lynch o que Gus van Sant explicara su versión de Psicosis", confiesa Philippe. En cambio, un sobrecogido Peter Bogdanovich recuerda la mañana de septiembre de 1960 en que vio Psicosis en el cine: "A la salida, tenía la sensación de que me habían violado".

Parte de la astucia artística de Hitchcock estuvo en que siempre se rodeó de un gran equipo a su alrededor. "Por mucho que Cahiers de Cinéma defendiera a Hitchcock como auteur, él entendía que sus películas eran colectivas. La secuencia de la ducha lo confirma: el director no quería que tuviera banda sonora, hasta que apareció Bernard Herrmann con su partitura". Otro grande que dejó su huella en Psicosis fue el montador George Tomasini. "Tomasini murió a los 55 años, y su talento se nota en todas las películas de Hitchcock en las que trabajó. Era un editor muy meticuloso, que contaba y cortaba los fotogramas a mano, para encontrar el tempo exacto. Probablemente fuera suya la idea del inicio de la secuencia, cuando los planos duran hasta 4,5 segundos y todo se acelera con planos de menos de un segundo".

 La ducha de modernidad de ‘Psicosis’
En los últimos años Vértigo encabeza las listas de los críticos de las mejores películas de la Historia. Philippe quiere aportar un pequeño matiz: "Es cierto, en conjunto Vértigo es un monumento, una obra maestra del arte, un ejemplo extraordinario de lo que es capaz de hacer la humanidad. Pero la secuencia de la ducha de Psicosis cambió el cine y la forma de hacerlo. El clímax del filme estaba al final del primer acto. Increíble. De repente, abrió el camino a otras estructuras fílmicas y a modernas formas de narrar, y profetizó el final de la inocencia del sueño americano".

https://elpais.com/cultura/2018/06/28/actualidad/1530176645_875816.html

ISTAMBUL, OSMAN HAMDI BEY BEYOND VISION


Osman Hamdi Bey’s paintings which are part of the Sabanci University Sakıp Sabancı Museum’s Collection as well as the findings regarding the techniques employed by the artist in these paintings are presented to the art lovers with the ‘Osman Hamdi Bey Beyond Vision’ exhibition. The exhibition is based on the results of the ‘Scientific Analysis and Conservation of Osman Hamdi Bey’s Paintings’ project which was completed in two years, and aims to inform the guests about the artist’s paint application techniques, the materials he used and the restoration work the paintings have undergone. The stages of the conservation and scientific analysis work are presented in their sequence thereby giving clues as to how the details which cannot be seen with the naked eye in the works of this artist who has a prominent place in Turkish art history can contribute to his art’s interpretation.


This project, which constitutes the most comprehensive conservation and scientific analysis work on Osman Hamdi Bey’s paintings focused on the six paintings in the Sakıp Sabancı Museum’s Collection. The first step of the project consisted of subjecting the six paintings to X-ray imaging to reveal Osman Hamdi Bey’s work technique and the paintings’ present condition. This was followed by the chemical analyses of the elements of the paintings. The micro samples taken were embedded in capsules with epoxy to preserve their characteristics and analyzed with the SEM-EDS (scanning electron microscope with energy-dispersive X-ray spectroscopy) technique to determine the structure, colors, paint layers and texture of the materials used by the artist and the elements contained. ‘Fingerprint’ graphs of the paints were revealed with the Raman spectroscopy, and the pigments constituting them were discovered. Finally, the organic structure of the six paintings was analyzed with FTIR (Fouriertransform infrared spectroscopy) and the data was classified through the PCA (primary component analysis) method to determine their characteristics.

‘Scientific Analysis and Conservation of Osman Hamdi Bey’s Paintings’ project revealed the types of pigments frequently used by the artist as well as details regarding his paint application technique which are not visible to the naked eye. The hard and soft brushstrokes in his paintings were uncovered and information on the work he conducted on the canvas before he started painting was obtained. Within the context of the project which will provide the basis for future research on the artist, the present condition of the paintings was also determined and conservation work completed. Arguments about the artist’s meticulousness in the use of materials, preference for materials which were relatively expensive in his time, the detailed work he conducted before painting were scientifically confirmed. The discovery of details not visible to the naked eye formed a basis for the reevaluation of Osman Hamdi Bey’s paintings in the Sakıp Sabancı Museum Collection from the art history perspective.

Why is X-ray Imaging Necessary?

Photographs obtained with the X-ray imaging technique provide information about the structure under the painting’s surface and the paint content, as well as clues to the artist’s technique, while at the same time determining the physical condition of the painting.  They show how the metals within the pigment are dispersed, thus enabling us to trace the artist’s brushstrokes on the canvas. The photographs also show any changes the artist made on the painting, traces of restoration work and the transformation it has undergone over time.


What is pigment analysis?

Pigment analysis consists of the methods required to obtain information regarding the materials and the techniques used by the artist and to date the painting. First, samples taken from different parts of the painting are embedded in capsules containing epoxy to prevent their dispersion and preserve their characteristics. These samples are analyzed with SEM-EDS (scanning electron microscope with energy-dispersive X-ray spectroscopy) to determine the elemental content of the pigments used by the artist, while the Raman spectroscopy analysis enables us to define the molecular and structural characteristics of these pigments with reference to the SEM-EDS analysis results.

How are the characteristics of the canvas determined?

Determining the type of canvas material enables us to date the painting and provides the detailed information necessary to trace the transformation of the painting due to causes such as dust, dirt or yellowing of the varnish. The canvas material is the natural polymer known as cellulose which is the main constituent of linen and cotton plant cells. Cellulose consists of carbon, hydrogen and oxygen atoms aligned in different combinations, and clues about the type of plant the canvas is made from, where it has been cultivated and in which season can be derived with the FTIR (Fourier transform infrared spectroscopy) method. The FTIR results are then subjected to PCA (principal component analysis) which is a statistical method for simplification of data derived from various analyses and which provides information about the source, structure and related characteristics of the canvas material.

http://www.sakipsabancimuzesi.org/en/page/exhibitions/osman-hamdi-bey-beyond-vision?width=800&height=600

jueves, 28 de junio de 2018

JUNE THE 28TH ON OPERAVISION: LES CONTES D'HOFFMAN


Dutch National Opera have entrusted their new production of Les Contes d’Hoffmann to the young German director Tobias Kratzer whose international career took off when he won the Graz 'Ring Award' in 2008. Renowned Carlo Rizzi conducts the Rotterdam Philharmonic. John Osborn sings the lead role with an exceptional cast of leading female singers as required by the catalogue of ladies with whom Hoffmann is besotted.


Photo by: Matthias Baus

Les Contes d'Hoffmann
Offenbach
Location:      Dutch National Opera, Amsterdam                  Date:  28 June 2018 at 19:00
It is well known that alcohol and love sometimes do not mix so well. In Hoffmann's case he is challenged by Councillor Lindorf to speak more about three of his great loves, as he apparently has much to learn about matters of the heart. Offenbach, established as composer of operettas, had his sights on a full opera but never lived to see this performed before his death. Many years later, new sections of the score were discovered, and today Dutch National Opera offer their version of Les Contes d’Hoffmann, complete, of course, with Belle Nuit, O Nuit d’amour one of its most popular duets.
Sung in French
Subtitled in English, French and German with possibility of auto-translation into 114 other languages.

Cast
Olympia        Nina Minasyan
Antonia         Ermonela Jaho
Giulietta       Christine Rice
La Muse / Nicklausse        Irene Roberts
The Voice of Antonia's Mother   Eva Kroon
Hoffmann     John Osborn
Lindorf / Coppelius / Dr Miracle / Dapertutto           Erwin Schrott
Spalanzani    Rodolphe Briand
Crespel / Luther     Paul Gay
Peter Schlémil         François Lis
Andrès / Cochenille / Frantz / Pittichinaccio Sunnyboy Dladla
Nathanaël     Mark Omvlee
Hermann      Frederik Bergman
Wilhelm        Alexander de Jong - DNO talent
The captain of the Henchmen     Peter Arink
Chorus          Dutch National Opera
Orchestra      Rotterdam Philharmonic Orchestra
Conductor    Carlo Rizzi
Director        Tobias Kratzer
Costume Designer  Rainer Sellmaier

EXPOSICIÓN RETRATOS: ESENCIA Y EXPRESIÓN. CENTRO BOTIN


23 JUNIO, 2018 AL 31 DICIEMBRE, 2018
Bajo el título Retratos: Esencia y Expresión, el Centro Botín acogerá de forma permanente, en una sala de su primera planta, una selección de obras maestras del siglo XX provenientes de la colección de arte de Jaime Botín que incluye trabajos de Henri Matisse, Francis Bacon, Juan Gris, Joaquín Sorolla, Daniel Vázquez Díaz, Isidre Nonell, José Gutiérrez Solana y Pancho Cossío.



Las ocho obras que Jaime Botín ha cedido a la Fundación Botín, de la que es Patrono, son: Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Self Portrait with injured eye (1972) de Francis Bacon; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; Figura de medio cuerpo (1907) de Isidre Nonell; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío.

Cronológicamente, esta selección de trabajos refleja casi en su totalidad el arte del siglo XX, iniciándose con Figura de medio cuerpo, creada por Nonell en 1907, y cerrándose con Self Portrait with injured eye, pintada por Francis Bacon en 1972. Además, une obras de artistas españoles de muy alto valor plástico pero de escaso reconocimiento fuera de nuestras fronteras con otras de creadores internacionales considerados punteros en el desarrollo del arte del siglo XX. Así, conformada en torno al gusto personal de su propietario, nos encontramos ante un selecto conjunto con evidentes nexos de conexión que nos permiten adentrarnos en su particular microcosmos.

https://www.centrobotin.org/exposicion/retratos-esencia-y-expresion/

¿DE QUÉ SE REIRÁN ESOS IDIOTAS?


Durante 30 años Jorge Luis Borges cenó en casa de Adolfo Bioy Casares. Desde otra estancia, cuando los dejaba a solas, Silvina, la mujer de Bioy, oía las carcajadas
MANUEL VICENT

"Todos caminamos hacia el anonimato", dijo Borges, "solo que lo mediocres llegan un poco antes". Este era la clase de ingenio malvado, el único permitido como postre en las cenas que durante 30 años mantuvo todas las noches Jorge Luis Borges en casa de Adolfo Bioy Casares. Desde otra estancia, cuando los dejaba a solas, Silvina, la mujer de Bioy, oía las carcajadas. "¿De qué se reirán estos idiotas?", pensaba. Se reían de la propia crueldad con la que pasaban por la piedra a otros colegas, y según parece Borges tenía una risa desgañitada muy desagradable. Silvina, la menor de las seis hermanas Ocampo, fue pintora, discípula de Giorgio de Chirico, poeta y escritora de cuentos. Permaneció siempre en un segundo plano, oscurecida por la prepotencia avasalladora de su hermana mayor Victoria, que desde la revista Sur tenía bajo absoluto control la cultura argentina de entreguerras, y por el talento literario y la seducción de su marido, de quien tuvo que soportar en silencio su voracidad consumidora de amantes. La figura de esta artista emerge ahora desde la sombra. Sucede a veces que los mediocres regresan del anonimato solo para vengarse.


Desde la izquierda, Adolfo Bioy Casares, Silvina Ocampo y Enrique Luis Drago, en Cannes en 1949.

El retrato de Silvina Ocampo que ha publicado Mariana Enríquez en Anagrama me ha devuelto al día en que visité a Bioy Casares en Buenos Aires, en la calle Posadas, esquina Schiaffino, frente a los jardines de La Recoleta, en uno de los cinco pisos de una finca que pertenecía entera a la familia Ocampo. Me recibió Jovita Iglesias, la gallega ama de llaves. En un salón muy amplio, elegantemente deshabitado de muebles, solo con grandes espejos que multiplicaban el vacío de algunas paredes cubiertas de bibliotecas fatigadas, de maderas que crujían bajo los pasos, me esperaba Bioy a la hora del té sentado en una silla de ruedas junto a una mesa con mantel de hilo llena de bandejas con pastelillos y otras delicadezas. Se había quebrado la cadera por una caída que se produjo desde una banqueta mientras trataba de alcanzar un volumen del último estante de la biblioteca, y los analgésicos lo tenían sumido en un sopor que era la exacta expresión de aquel mundo ya fenecido. Estuvo extraordinariamente amable. No le hables de libros, me dijeron, háblale de mujeres, de coches, de tenis, de perros, de caballos. Bioy me dijo que en esa misma sala, sentados los dos a aquella misma mesa, Borges y él cenaron solos todas las noches durante más de 30 años hasta que se lo prohibió María Kodama. Cuando Borges se despedía, Bioy pasaba al gabinete y anotaba esas conversaciones de sobremesa como un notario que levanta acta. Me aseguró que tenía más de 3.000 páginas escritas e inéditas. Eran las que se publicaron posteriormente con el título Borges en Destino. El dietario está lleno de ingeniosas maldades, pero ninguna atañe a su adorada y engañada Silvina. "Lo que le sucedía a Borges con las mujeres es que se enamoraba si ellas lo placaban". Bioy cruzó los brazos con un gesto de tenaza sobre su pecho como hacen los jugadores de rugby para proteger la pelota.

Nada más literario que las pasiones que se entrecruzaron estas dos familias de estancieros argentinos absolutamente adinerados, con aire aristocrático, las hermanas Ocampo y el galán Adolfito Bioy Casares. Silvina era la menor, la más discreta, pero también la más extraña, bruja o maga, hasta el punto que le gustaban los mendigos y amaba a los sirvientes de la casa. En su primer libro, Viaje olvidado, retrata su infancia deformada por la memoria de sus incursiones a las dependencias del piso superior habitadas por el servicio, que imagina llenas de niños crueles, asesinos, asesinados o suicidas. Bioy descendía también de una familia de terratenientes, aunque no tan impúdicamente ricos. Iba para estanciero pero derivó hacia la literatura y las mujeres. El año 1940, después de su triunfo literario con La invención de Morel, se casó con Silvina Ocampo. Hacía tiempo que eran novios y vivían juntos en la estancia Rincón Viejo, propiedad de los Bioy en la localidad de Pardo, Las Flores, provincia de Buenos Aires. Su vida era considerada un escándalo. ¿Por qué no les habían obligado a casarse? Se habla de que Ramona, la madre de Bioy, ya viuda, mantenía una relación lésbica con Silvina, su futura nuera y la retenía a su lado. Por otro lado, cuando Bioy convirtió en su amante a Genca, una sobrina adolescente de 16 años e hija de Silvia Angélica, una de las hermanas Ocampo, también se habló de que Silvina formaba parte con gusto de ese triángulo. Fue una historia de tantas, la más obsesiva, pero Bioy estaba siempre de cacería y por sus brazos pasaron innumerables mujeres, unas muy finas y otras bataclanas. De hecho, este dorado don Juan llevó una vida muy atareada: tenis por la mañana, amores por la tarde, lecturas y literatura a cualquier hora y de cena, como plato único, Borges en su propia salsa. "¿De qué se reirán esos idiotas? Sin duda, de pavadas", pensaba Silvina. Eso es más o menos la literatura.

https://elpais.com/cultura/2018/06/22/actualidad/1529679994_261237.html

THE POLITICAL USES OF A FIGURE OF MALE BEAUTY FROM ANTIQUITY


One of the most celebrated statues from antiquity, the “Discobolus” remains a cautionary tale about the ways in which we speak about ideal bodies through the art we curate and display.
Sarah E. Bond


The Lancellotti Discobolus and a fragmentary statue of the Lancellotti type, both Roman copies of Myron’s original, second century CE, Palazzo Massimo alle Terme, Rome (photograph by Carole Raddato via Flickr)

One of the most celebrated statues from antiquity remains the “Discobolus of Myron,” praised as the personification of equilibrium, strength, and athletic beauty. Although only Roman, white marble copies of Myron’s bronze, Greek original survive today (except for a miniature bronze statuette in the Munich Glyptothek), the statue has been a metric for beauty since antiquity. From Hadrian to Hitler, its display was often manipulated to project the ideals of the men who exhibited the discus thrower.

To understand the original “Discobolos” or “Discobolus of Myron,” we must first understand why it was likely created. Many of the statues of athletes that survive from antiquity were originally understood as markers of a victory. Triumphant athletes who competed in Greek agones (athletic competitions) like the Olympics were often awarded the right to erect a bronze statue of themselves at both the place where they competed and also in their hometown — if they had the funds to pay for it. Few of these life-sized bronze sculptures exist today, but a likely example is the Hellenistic “Statue of a Victorious Youth” that now resides, clad as he was during the competition (i.e. in the buff save for a now mostly missing olive wreath), in the Getty Villa in Malibu.

Myron was a celebrated sculptor born in the early fifth century BCE, in the Greek city of Eleusis, on the border of Attica. He was extraordinarily good at casting bronze for his sculptures and preferred to sculpt gods, animals, and athletes as his subjects. We may know him best for the equilibrium and beauty with which he created his “Discobolus,” but many in Athens knew him best for his life-like bronze cow sculpture on display in the polis. (Sadly, this cow does not survive today.) His athletic statues in particular were seen as balanced, with an impressive symmetry that pointed to a honed body containing a sharp mind.


Unknown artist, “Victorious Youth” Greece; (300–100 B.C.) bronze with inlaid copper; 151.5 × 70 × 27.9 cm, 64.4108 kg (59 5/8 × 27 9/16 × 11 in., 142 lbs), the J. Paul Getty Museum, Los Angeles, on display at the Getty Villa (image via the Getty Open Content program)

Tales of Myron’s naturalistic work were told well into Roman antiquity — along with stories of famed Greek artists like Phidias, Polykleitos, and Praxiteles. The Eleusian is casually referred to by the likes of Lucian and Quintilian, and became shorthand for the artistic rendering of life through art. In the Neronian-era satire the Satyricon written by Petronius, it is noted that Myron “almost caught the very soul of men and beasts in bronze.”

Dropping the name of famed artists in rhetorical and literary treatises was a sign of refinement then as now, but so was displaying copies of their work in your villa. Domestic display of art intended to nod at the intellectual and social stature of the owner has been an aspiration since antiquity. It is likely why Hadrian chose to display copies of the “Discobolus” in his villa at Tivoli, outside of the city of Rome. These statues emphasized to visitors his appreciation for Greek culture and advertised his conviction in the innate beauty of the male form.

The “Discobolus’s” basic shape appears to have been aesthetically familiar to most Romans in the same manner that the Statue of Liberty or Rodin’s “The Thinker” (1904) is to us. This is evidenced by the fact that it could be found in both private homes like Hadrian’s and in public baths, like the Baths of Caracalla in Rome. Ancient art historian Lea M. Stirling noted recently in a volume on Roman Artists, Patrons, and Public Consumption that only 20 life-sized versions and seven statuettes survive. Most of these copies date to the second century CE, near to or during the time of the emperor Hadrian.
Despite its celebration in Classical Antiquity, the naked form fell out of favor in the early Christian period, and many appear to have been removed from display during Late Antiquity. Although literary knowledge of the work remained, it would be centuries before the birthday suited Roman copies of Myron’s masterpiece would resurface and be put on display following the increase in funded archaeological excavations that seized Rome and other parts of Italy (such as Pompeii) during the 18th century.

In 1781, a marble discus-thrower 1.55 meters in height was excavated from Rome’s Esquiline Hill at the Villa Palombara. This would be dubbed the “Lancellotti Discobolus,” which is today displayed beside another copy of the statue, the “Discobolus of Castelporziano,” whose head and several parts of limbs are missing from the athlete’s body. The aristocratic Massimo family would place the “Lancellotti Discobolus” in its own room in their Roman Palazzo Massimo alle Colonne. Later it was moved to the Palazzo Lancellotti ai Coronari in Rome.

Not long after the discovery of the “Lancellotti Discobolus,” excavations at Hadrian’s Villa in 1791 turned up a first, and then second “Discobolus” statue. The first would be dubbed the “Townley Discobolus” and can be seen today at the British Museum in London. After being acquired by art dealer Thomas Jenkins, it was sold, after a rather misguided restoration, to Charles Townley. It was billed to Townley as a statue comparable to the prized one held by the Massimo family — word of which had spread throughout Europe among both art dealers and wealthy elites. However, this one had been restored incorrectly, with his head facing downward instead of looking back at the discus as in the Massimo statue’s example…………….

https://hyperallergic.com/447769/the-political-uses-of-a-figure-of-male-beauty-from-antiquity/?utm_medium=email&utm_campaign=June%2028%202018%20daily%20

ROS VIÑETA DEL 23 DE JUNIO DE 2018


BOHÈME, NOTRE JEUNESSE, À L'OPÉRA COMIQUE



Avant de fermer pour l'été, l'Opéra Comique présente le temps de quelques représentations du 9 au 17 juillet 2018, "Bohème, notre jeunesse", une adaptation de La Bohème de Puccini par Marc-Olivier Dupin, dans une mise en scène de Pauline Bureau, qui signe ici sa première mise en scène d'opéra.
La saison passée, Pauline Bureau mettait en scène Mon Cœur au Théâtre des Bouffes du Nord, une pièce dans laquelle elle racontait, après avoir rencontré des médecins et des victimes, l'histoire du médiator, ce médicament prescrit comme un coupe-faim à l'origine d'un véritable désastre sanitaire.

Cette année, et après avoir annoncé il y a peu la programmation de sa mise en scène à la Comédie-Française du procès de Marie-Claire Chevalier en 1972, coupable d'avoir avorté après avoir été violée, Pauline Bureau et sa compagnie La Part des anges clôturent la saison de l'Opéra Comique. Programmée du 9 au 17 juillet 2018, sa mise en scène de La Bohème d'après Puccini, classique du genre racontant l’histoire d'amour de Mimi et de Rodolphe, offre à retrouver le Paris d'antan, celui des artistes en ébullition, des amours passagères et des amitiés généreuses.

Intitulée Bohème, notre jeunesse, non sans un clin d'œil qu'on imagine évident à la chanson de Charles Aznavour, le spectacle retrouve le chemin de celui dont il est le successeur, puisque c'est à l'Opéra Comique que le chef d'œuvre de Puccini connut un succès absolument retentissant à partir de 1898.
Infos pratiques :
Bohème, notre jeunesse, à l'Opéra Comique, du 9 au 17 juillet 2018.



C’est quoi le style bohème ?
26 Juin 2018
Si aujourd’hui le terme de “bohème” a dérivé vers le mot “bobo”, qui n’a pas de définition officielle actuellement, c’est au XIXe siècle que le terme de “bohème” est passé dans le langage courant. Sa définition originale décrit avant tout un mode de vie qui prône le Carpe Diem, la vie au jour le jour, souvent dans la pauvreté et l’insouciance, notamment dans le milieu artistique et littéraire.


Alice Touvet, costumière sur Bohème, notre jeunesse, s’est basée sur cette période pour produire les vêtements des personnages. Les tableaux de Toulouse-Lautrec, de Picasso pour sa période Bleue ou encore de Degas et ses danseuses, ont été ses inspirations principales.









https://www.opera-comique.com/fr/actualites/c-est-quoi-style-boheme