jueves, 31 de diciembre de 2020

IL Y A DÉJÀ125 ANS, LA PREMIÈRE PROJECTION PUBLIQUE ORGANISÉE PAR LES FRÈRES LUMIÈRE À PARIS

Le 28 décembre 1895, la toute première projection publique organisée par les frères Lumière, précurseurs du cinéma, avait lieu à Paris.

C'est l'histoire d'une grande première, avec, d'abord, le son d'un projecteur. Sur le boulevard des Capucines, à Paris, des images animées de deux forgerons sont projetées sur un mur, le 28 décembre 1895, dans le salon indien du Grand Café. Trente trois spectateurs ont payé 1 franc pour assister à la toute première projection publique du cinématographe Lumière. Au programme : dix films d'à peine une minute chacun.


L'invention du cinématographe

Peu convaincus avant de pénétrer dans la salle, les trente trois premiers spectateurs vont être bluffés. Les frères Auguste et Louis Lumière sont à l'origine de cet événement qui marque la genèse du septième art. Passionnés de photo, ils ont inventé le cinématographe, un appareil permettant de restituer une image animée à partir d'une pellicule photographique. Ils vont s'entraîner à filmer ce qu'ils voient autour d'eux. Le 13 février 1894, les deux frères déposent officiellement le brevet Lumière. "Lumière invente une machine qui filme, et il invente une machine, la même, qui projette. Il invente une technique, un art, le cinéma dans les salles et il invente aussi le public, ou plutôt, c'est le public qui va inventer le cinéma", explique Thierry Frémaux, directeur de l'Institut Lumière.

https://www.francetvinfo.fr/culture/patrimoine/cinema-il-y-a-125-ans-l-avant-premiere-des-freres-lumiere_4236371.html#xtor=EPR-502-[newslettervideo]-20201230-[video1]

miércoles, 30 de diciembre de 2020

GROßES WELTTHEATER - 100 JAHRE SALZBURGER FESTSPIELE


Landesausstellung 2020 - Ein Jahrhundert Salzburger Festspiele! Grund genug für das Salzburg Museum, sich in einer Landesausstellung in der Neuen Residenz diesem Jubiläum zu widmen. Gezeigt werden neben der Chronologie der Festspiele auch Dokumente, Geschichten und Originalstücke aus Inszenierungen der letzten 100 Jahre.

Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Festspiele

Im Salzburg Museum in der Neuen Residenz findet die Landesausstellung anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Salzburger Festspiele statt. Auf einer Ausstellungsfläche von 1.800 m² gibt sie Einblick in die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Kulturfestivals. Neben der künstlerischen und kulturellen Entwicklung der Festspiele zeigt die Exposition auch den historischen, politischen und wirtschaftlichen Kontext der Entwicklung der Stadt Salzburg selbst.

Ort der Begegnung

Max Reinhardts Überzeugung folgend, dass ein Theaterstück in intensivem Austausch mit dem Publikum stehen muss, wurde die Ausstellung als Bühnenstück in vier Kapiteln angelegt. Während Kapitel 1 "Großes Kino" die Gäste filmisch willkommen heißt und in die Geschichte der Salzburger Festspiele einführt, stellt Kapitel 2 mit dem Namen "Das Archiv" in der prächtigen Max-Gandolph-Bibliothek das Herzstück der Ausstellung dar. Darin werden anhand von 100 Dokumenten wie Fotos, Film- und Tondokumenten, Requisiten und vielem mehr 100 Jahre Festspielgeschichte anschaulich erzählt. In Kapitel 3 "Begegnung im Dialog" entsteht durch die unterschiedlichen Perspektiven von Künstlern sowie verschiedenen Institutionen - wie dem Jüdischen Museum Wien, dem Theatermuseum Wien, dem Landesarchiv Salzburg und den Wiener Philharmonikern -  ein Dialog, der das Phänomen der Salzburger Festspiele auf allen Ebenen greifbar macht. Kapitel 4 "On Stage" verwandelt die Kunsthalle des Salzburg Museum während der gesamten Laufzeit der Ausstellung in eine Bühne, auf der Menschen, die eng in Verbindung mit den Salzburger Festspielen stehen, zu Wort kommen.


Führung durch die Landesausstellung

Museum als Bühne! Die facettenreiche Highlight-Führung zur Landesausstellung gibt jeden Donnerstag um 18 Uhr und jeden Samstag um 10.30 Uhr Einblicke in die Geschichte und Bedeutung der Salzburger Festspiele bis in die Gegenwart.

Wann findet die Landesausstellung statt?

Vom 26. Juli 2020 bis zum 31. Oktober 2021. Besuchszeiten sind immer von Dienstag bis Sonntag zwischen 9 und 17 Uhr.

Wo findet die Landesausstellung statt?

Im Salzburg Museum in der Neuen Residenz am Mozartplatz.

Was zeigt die Landesausstellung „Großes Welttheater“?

Ziel ist es, Besuchern die Gründung und Geschichte der Salzburger Festspiele näher zu bringen sowie spannende Rückblicke und Ausblicke zu bieten.

Wie viel kostet der Besuch der Landesausstellung?

Für Erwachsene kostet der Eintritt € 9, Jugendliche zwischen 16 und 26 Jahren zahlen € 4. Kinder zwischen 6 und 15 Jahren zahlen € 3. Für Kinder bis 6 Jahre sowie Besitzer der Salzburg Card ist der Eintritt frei.

mehr Information

AUSSTELLUNGSZEITRAUM

19. Jan. - 31. Okt. 2021 (Di-So)

ab 09:00 Uhr

https://www.salzburg.info/de/veranstaltungen/veranstaltungskalender/grosses-welttheater-100-jahre-salzburger-festspiele_event_4404145

VIKTOR FRANKL´S PUPIL, ALEXANDER BATTHYÁNY "VICTORY OVER DIFFERENCE", NOW TRANSLATED IN SPANISH


 Finding meaning in an age of change

A compelling invitation to a good life

In the midst of all the affluence and surplus of our times, an alarming phenomenon is becoming rampant: more and more people are bogged down in the quagmire of a profound spiritual and existential feeling of insecurity and discouragement. They are retreating from life, searching for substitute forms of satisfaction in sheer consumption or dubious mass movements. In other words, material affluence is mirrored as spiritual and existential impoverishment.

Alexander Batthyány has been examining the reasons for this development. In his book he makes practical and scientifically based suggestions on how to escape this attitude of indifference. Every one of us is called upon to face up to the flow of living and participating in life. If we do, there is a surprise in store for us: our wealth does not result from what we get but from what we are prepared to give.

https://service.randomhouse.de/book/Victory-Over-Indifference-Finding-meaning-in-an-age-of-change/Alexander-Batthyany/e520790.rhd?pub=1

ANIMADO CONCIERTO DE AÑO NUEVO EN VIENA, CON RICCARDO MUTI. THIS YEAR, RICCARDO MUTI AND THE NEW YEAR'S CONCERT BY THE VIENNA PHILHARMONIC

NOTICIAS DE VIENA, 1 DE ENERO, 2021

MUSIKVEREIN, CONCERTO DE AÑO NUEVO. DIRECTOR, RICCARDO MUTI

Con un repertorio con varias partituras desconocidas en los conciertos de Año nuevo, Riccardo Muti, en transmisión a casi 100 países, cerca ya de los 80, dirigió en inglés un mensaje al público ausente de la sala este año por la pandemia y sobre todo a los políticos y mandatarios internacionales, resaltando, como suele, el papel de la salud, pero sobre de la salud psíquica y la cultura para las sociedades.

Saludó con la orquesta Filarmónica de Viena y agradeció con un "Grazie".

Muchas obras burbujeantes, otras canónicas y unos arreglos vieneses a partir de La traviata y Rigoletto, italianizantes, tradiciones de su país, a las que el maestro napolitano no sabe ni quiere renunciar (Nuevas melodías, de Strauss hijo). Además, en la primera parte, Fatinitza, de von Suppé, las polcas Niko de Johann hijo y Ohne Sorgen de Josef Strauss. También, Grubenlichter de Carl Zeller e In Saus und braus de Carl Millöcker. En la segunda parte, las ensoñaciones de la obertura de Poeta y Campesino de von Suppé, con las destacadas intervenciones de la arpista Charlotte Balzereit, absolutamente entregadas la mirada y la atención al maestro Muti, y luego, Las chicas de Baden, la polca Margherita, el galop Veneciano, precioso y las Voces de Primavera. No faltaron tampoco el vals El Emperador y las polcas Tempestuoso en el amor y la Furioso. la segunda parte, todo un terremoto, con brío y fuerza. Pura sangre napolitana en el concierto vienés.

También hubo ballets (con coreografías del español José Carlos Martínez) y escenarios naturales dedicados a los 100 años de la ciudad húngara que en 1921 pasó a Austria, con simuladas fotos de época, personajes históricos, música en vivo y visitas a casas y palacios tradicionales de la zona, como la mansión de Adolf Loos o el Hofburg, el palacio de los emperadores de Austria-Hungría para el invierno, con sus habitaciones y los cuadros de Winterhalter dedicados a Sissi.

Las flores, este año, no vinieron de San Remo, en Italia, sino de los viveros de la propia Austria. En tonos de colores naranjas, amarillos y rojizos, en consonancia con los dorados tradicionales de la sala.

El concierto terminó con el Danubio Azul y posteriormente con la Marcha a Radetzky. Muti nunca pudio ejercer más de igual y fiel a sí mismo. Los músicos, a pesar de la duración del concierto, casi dos horas y media, encantados, sonrientes y entregados al director de 2021, un año para la esperanza.

El año que viene, dirigirá el Concierto de Año Nuevo, otro mito y 0tra leyenda, Daniel Barenboim.

Alicia Perris


IN ENGLISH:

Also in 2021, despite coronavirus: the Vienna Philharmonic is giving its New Year's Concert in the Golden Hall of the Musikverein. The whole world looks on and joins in the celebrations of the first day of the new year.

Perhaps the most famous concert in the world is broadcast by television to an audience of millions in over 90 countries. There can't be any audience participation in the hall this time due to the coronavirus regulations, but the Vienna Philharmonic won't have to go entirely without applause.

The New Year's Concert by the Vienna Philharmonic combines the best of the best: The cheerfully lively, but also somewhat reflective program of music with compositions by the Strauss dynasty and its contemporaries, ensures a good start to the still young year. The most Viennese music ever written is performed, from the waltz to the polka, interpreted with artistically value.


Riccardo Muti, New Year's Concert 2018 – © Todd Rosenberg

Musical ambassadors of Austria

The musicians play right at the top of the league of leading international orchestras - they are the Vienna Philharmonic. The conductors are also amongst the best in the world. A different conductor is invited each year, including Christian Thielemann (2019), Andris Nelsons (2020) and Riccardo Muti (2021 - for the sixth time!).

The New Year's Concert is held in the Musikverein, the center of classical music for music fans in Vienna. The Grand Hall is also called the Golden Hall. It is considered to be not only one of the most beautiful halls in the world, but also one of the best in terms of acoustics. For the New Year's Concert, the hall, which is built in the historical style based on the model of antiquity, is decorated with wonderful flower arrangements. Columns, caryatids and gable reliefs create the impression that a temple of music has been created here.

New Year's Concert by the Vienna Philharmonic

Annually on 1 January

Start: 11.15 am

Live broadcast on ORF2 and Ö1

Program, information: www.wienerphilharmoniker.at

https://www.wien.info/en/music-stage-shows/classic/new-years-concert

GOODBYE 2020! WELCOME HEALTHY 2021! AND THE SILLY, SEXY, AND SERIOUS WIGS THAT MADE HISTORY

Goodbye, 2020. I wish I could say it was great but don’t let the door hit you on the way out. ☔ Today, we switched things up and published December’s Sunday Edition on Wednesday in anticipation of New Years Day tomorrow.
Editor Seph Rodney takes the lead in this edition and we invited Hyperallergic staff to contribute essays that reflect on their work and lives during this tumultuous year.
For my contribution I wrote about the elephant in the room I was forced to confront after months of working from home and wrestling with the financial realities around me.
Hrag Vartanian, editor-in-chief


"The Wig: A Hairbrained History" explores the wig as a tool for gender bending, seduction, and disguise in a collection of fanciful short essays.

by Lauren Moya Ford


Andy Warhol Holding a Can of Vidal Sassoon Hairspray (photo by A. Unangst Ltd/Corbis via Getty Images)

What’s something that Queen Nefertiti, Andy Warhol, and the tennis star Andre Agassi have in common? They all wore wigs. Far from mere embellishments, these wigs made history: the beautiful Nefertiti wore wigs to mask her baldness; one of Warhol’s iconic silvery wigs sold at a 2006 Christie’s auction for over $10,000; and Agassi blames a loose, leonine wig for his unexpected French Open loss in 1990. Wigs bestow their wearer with beauty, power, and youth. They are tools for gender bending, seduction, and disguise. So why not write a book about them? Originally published in Spanish in 2014, The Wig: A Hairbrained History by the Mexican poet and writer Luigi Amara was just published by Reaktion Books in an English translation by Christina MacSweeny, exploring the wig’s silly, sexy, and serious strains in a collection of fanciful short essays.

An uncommon subject of study, the wig has been “generally disdained as superfluous, and unconditionally expelled from the realm of the thinkable,” Amara notes. His book reads like an extended brainstorm about the topic, examining the wig through the lens of visual arts, popular culture, and film. Amara unearths some fascinating, forgotten material, like the overconfident Versailles master wigmaker André Charles, who proudly sent one of his amateur dramas to Voltaire only to receive the reply, “Master André, make wigs, always wigs, nothing but wigs,” written a thousand times over four pages. And we learn about the painter Oskar Kokoschka’s handmade, lifesize fetish doll made of feathers and an auburn wig — his replacement for a wayward lover. The range of subjects in Amara’s book is expansive, eclectic, and inventive. In one chapter, he reflects on the otherworldly, erotic charge behind the wigs of futuristic 1960s space movies and TV series like Barbarella and UFO. In another, he ruminates on hair as an ancient symbol of fertility via the towering, outlandish wigs that preceded the French Revolution, which Amara writes “could be said to prefigure dioramas and the concept of the World Fair.”

But as Amara’s title indicates, the element of history in his book is tangled. Although fascinating historical characters and events loosely structure his chapters, for Amara, history serves as a secondary scaffolding to attach his thoughts and musings to. The essays don’t follow a chronological or thematic order and, at times, the author’s curious jumps between topics border on distractingly nonsensical.

It’s obvious that Amara isn’t aiming at orthodoxy: his short works cited list is cheekily titled “Bedside Reading.” However, a more cogent sense of wig history — dates, timelines, materials, and techniques — would make for more engaging reading. Part of the issue also stems from Amara’s idiosyncratic writing style. Depending on the reader’s disposition, his prose comes off as whimsical, tiresome, or both. (MacSweeny does a commendable job with Amara’s loopy language, preserving puns and alliterations, like Warhol’s “filamentary finery,” that pepper the text.)

It’s clear that for Amara, the wig is an excuse to ponder, wander, and lose himself to flights of fancy. But he’s often close to losing the reader, too.

https://hyperallergic.com/609501/the-wig-a-hairbrained-history-luigi-amara/?utm_campaign=Daily&utm_content=20201218&utm_medium=email&utm_source=Hyperallergic%20Newsletter



lunes, 28 de diciembre de 2020

EL MARTES PASADO NOS DEJÓ PIERRE CARDIN CON 98 AÑOS Y FALLECIÓ AYER ARMANDO MANZANERO - SIEMPRE NOS QUEDARÁ" ESTA TARDE VI LLOVER" Y TANTOS OTROS "SLOWS"


 


 Adiós a Pierre Cardin

Francia rinde homenaje a Pierre Cardin

Modelos, políticos y personalidades del mundo de la cultura y de la moda han recordado en sus redes sociales al diseñador francés, quien falleció este martes a los 98 años

Pierre Cardin ha fallecido a los 98 años./
Pierre Cardin ha fallecido a los 98 años.
BEATRIZ JUEZ

Modelos, políticos y personalidades del mundo de la cultura y de la moda en Francia rindieron homenaje en las redes sociales al diseñador de moda francés Pierre Cardin, quien falleció el martes a los 98 años de edad en un hospital de Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

«Modisto, diseñador, embajador de Francia, académico, mecenas, a lo largo de su vida, Pierre Cardin ha realizado una obra formidable. Gracias, señor Cardin, por haberme abierto las puertas de la moda y hacer hecho mi sueño posible…», escribió en Twitter el diseñador de moda francés Jean-Paul Gaultier.

 


LES SÉRIES HISTORIQUES NE CONNAISSENT PAS LA CRISE

Après The Crown, Netflix s’attaque à l’univers de la Régence anglaise avec La Chronique des Bridgerton, inspirée des romans à l’eau de rose de l’Américaine Julia Quinn. Un conte acidulé comme une friandise de Noël, qui n’est pas sans rappeler les Angélique et autre Sissi de notre enfance.

En ce début de XIXe siècle, Lon­dres est en émoi. La délicieuse Daphné Bridgerton, publique­ment courtisée par le non moins charmant duc d’Hastings, sem­ble hésiter. Il se chuchote qu’un autre brillant parti s’est décla­ré... "Après tout, pourquoi se contenter d’un duc quand on peut avoir un prince?", résume en peu de mots lady Whistledown, auteure anonyme d’un feuil­let mondain qui bruisse des cancans de cette société toute entière livrée aux plaisirs, aux calculs et aux jeux des alliances.

Bienvenue dans La Chronique des Bridgerton! La nouvelle création Netflix, réalisée par Shonda Rhimes, est propo­sée aux abonnés pour Noël. Une saga qui doit autant à Gossip Girl qu’à l’univers romantique de Jane Austen. Et qui compte bien surfer sur la vague des fictions historiques, dans la lignée des succès récents, The Crown en tête.

Face au duc d'Hastings, joué par le comédien Regé-Jean Page, la jeune Daphné Bridgerton, bien moins naïve qu'il n'y paraît, sous les traits de l'actrice Phoebe Dynevor. © Liam Daniel/Netflix

Car les séries en costumes n’en finissent plus de séduire les téléspectateurs, et avec eux les chaînes de télévision trop heureuses de ce filon inépuisable. À commencer par la très sérieuse Histoire TV qui n’hésite pas à reprogrammer chaque année des classiques, tels Les Rois maudits de Claude Barma, sorti en 1972.

 

"À chaque fois qu’on les diffuse, les audiences sont extraordinaires! C’est un phéno­mène. Un peu comme quand une chaîne hertzienne reprogramme La Grande Vadrouille", raconte Christophe Sommet, directeur des chaînes thématiques du groupe TFI, dont Histoire TV. "Même les jeunes sont séduits. Car ils ont adoré Game of Thrones et redécouvrent le Moyen Âge chez nous. Les géants comme HBO, Netflix ou Amazon sont des concurrents, certes, mais aussi des ambas­sadeurs de l’histoire auprès de la nouvelle génération." Autre succès d’audience, la série The Hollow Crown de Sam Mendes, sortie en 2017, et récompensée par quatre Bafta. Ou l’art d’adapter Shakespeare avec brio.

Mais de Vikings à Tudors, de Rome à Versailles, la fiction ne s’embarrasse pas toujours de la réa­lité historique. Un mal pour un bien? Dans La Chronique des Bridgerton, de puissants person­nages de la bonne société anglaise sont joués par des comédiens de couleur, tel le duc d’Hastings, interprété par l’acteur Regé­-Jean Page, natif du Zimbabwe. Un joli moyen de rassembler tous les publics. Car la série historique assume son côté romanesque, loin des exigences du documentaire.

"Le terme de fiction a toute son importance", rappelle Mathieu da Vinha, directeur scien­tifique au Centre de recherche du château de Versailles et conseil­ler de la série Versailles diffusée sur Canal+ à partir de 2015. Dès 2009, il relit et corrige les scénarios... sans avoir toujours le der­nier mot. "J’ai tra­vaillé avec les acteurs, mais aussi les équipes tech­niques sur les costumes, les coiffures, les décors et jusqu’aux manières." Révérence ou pas? Le suc­cès de la série est international, malgré les critiques des puristes. "Les gens ne sont pas bêtes. Le ton était résolument moderne. Canal+ ne vou­lait surtout pas faire un film de cape et d’épée." Les fans ne devraient pas être déçus: Canal+ a déjà promis une série sur Marie­-Antoinette...

Par Thomas Pernette,

https://www.pointdevue.fr/culture/les-series-historiques-ne-connaissent-pas-la-crise_4449.html?xtor=EPR-1-[]-[20201228]&utm_source=nlpdv&utm_medium=email&utm_campaign=20201228

FOLD YOURSELF A LITTLE SERENITY

 With "The Lotus Effect", the Rubin Museum of Art invites participants to stop and recenter.

by Dessane Lopez Cassell

From The Lotus Effect, Rubin Museum of Art, 2020 (all images courtesy the Rubin Museum of Art; photo by David De Armas)


In Tibetan Buddhism, lotus flowers have long been symbolic of rising above, be it the muddy waters these blooms spring from, or more corporeal or philosophical challenges. Associated with purity, transformation, and a sense of awakening, these flowers are thought of as testaments to the ability of beauty to rise above the muck.

 

Needless to say, this year has been filled with more muck (and other dark descriptors) than others. This prompted the Rubin Museum to launch The Lotus Effect, a “participatory installation for times of transformation” during the months when the museum was closed to the public. Now in its final weeks, the project invites audiences to fold their own origami lotuses at home by following the helpful prompting of Brooklyn-based origami artist Uttam Grandhi, accessible via the video below. (Step-by-step instructions are also available here.)

A calming activity that offers a much-needed break from daily tasks, the project invites participants to stop and recenter. As the museum asks, “Who or what are the ‘lotuses’ in your life that remind you of the bloom beyond murky waters?”

Participants are encouraged to share their responses on social media by using the #TheLotusEffect and tagging @RubinMuseum. Paper blooms may also be mailed to the museum to be included in the lobby installation. In the past few months, the museum has received over 500 origami lotuses, including a single shipment of over 100 works from Hebrew Home, a nursing home in the Bronx that organized a collective fold-a-thon for residents and staff over Thanksgiving.

As many of us spend the holidays apart from friends and family, getting together virtually for some tactile, meditative activity might just be the simplest, safest way to set yourself on the path towards a more transformative 2021.

https://hyperallergic.com/610285/lotus-effect-origami-rubin-museum/?utm_campaign=Daily&utm_content=20201224&utm_medium=email&utm_source=Hyperallergic%20Newsletter

sábado, 26 de diciembre de 2020

DON GIOVANNI DE MOZART EN EL TEATRO REAL DE MADRID

 Dramma giocoso en dos actos. Música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)


Libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en El burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio o sia il convitato di pietra (1787). Teatro Real, 23 de diciembre, 2020.

Estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 29 de octubre de 1787 Y en el Teatro Real el 20 de abril de 1864. Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente del Salzburger Festpiele


Equipo artístico

Director musical | Ivor Bolton, con la Orquesta Titular del Teatro Real

Director de escena | Claus Guth

Escenógrafo y figurinista | Christian Schmidt

Iluminador | Olaf Winter

Dramaturga | Ronny Dietrich

Coreógrafos | Ramses Sigl y Michael Schmieder

Director del Coro Titular del Teatro Real | Andrés Máspero

Responsable de reposición |  Julia Burbach

Reparto

Don Giovanni, Christopher Maltman

El comendador, Tobias Kehrer

Donna Anna, Brenda Rae -

Don Ottavio, Mauro Peter -

Donna Elvira, Anett Fritsch

Leporello, Erwin Schrott

Masetto,Krysztof Baczyk -

Zerlina, Louise Alder


“Don Juan era el símbolo del conquistador de mujeres. A mi entender, un símbolo falso, como otros muchos símbolos. Pero sea falso o verdadero, ha representado una realidad: todo un juego teatral. Aventurero y romántico que suponía la seducción de la mujer:"

Gregorio Marañón, revisión del anterior estudio sobre Don Juan, 1987.

Don Giovanni, una de las óperas más “serias” de Mozart, la que más, y del repertorio general de la lírica, por su profundidad de caracteres, por las situaciones, por el desenlace, brutal pero adecuado a las fechorías del protagonista, encaja muy bien con los tiempos que nos toca vivir y sobrellevar: violentos, sombríos, descorazonadores.

Personajes oscuros, sinuosos, ambiguos y multifacéticos, cada uno desvela muchos mundos a partir de un hilo de Ariadna que siempre tiende a volver al punto de partida: la psicopatía, la falta de respeto a los derechos y a la sensibilidad del otro.

Aparte de Mozart, Chopin (“Variaciones para piano solo en Si bemol mayor a partir del duo Zerlina-Don Juan, “Là ci darem la mano”), Beethoven, Liszt (“Réminiscences de Don Juan”), Schumman, Paganini, y en el siglo XX Nino Rota, bucearon en las profundidades de una figura que se encuadra en el territorio cristiano, con los valores de culpa, pecado, redención o castigo. Sin embargo, no hay Eros en Don Juan ni sensualidad, sino arrebato y mucho Tánatos invasión de la mujer, que una vez seducida pasa a formar parte de un catálogo interminable, donde con las anteriores, relucen como trofeos.

Don Juan es una especie de Barba Azul a gran escala, que si no mata física o moral y socialmente él a las mujeres, lo hace por poderes y les arrebata no solo el elemento de cambio de aquellos siglos en Occidente- su condición de permanecer intactas para el marido, continuidad del reino del padre y el linaje-  y aún todavía en civilizaciones ultraortodoxas, puritanas y patriarcales, sino también la credulidad, la alegría y la esperanza.

Los glosadores de la gran biblioteca disponible en internet, recogen con propiedad algunos datos señeros sobre este mito, mitad hombre-mujer, mitad fantasmagoría literaria o pesadilla. Alguien que haría soñar a las seducidas, pero con ninguna disponibilidad ni compromiso y la promesa del abandono posterior automático.

Y explican:”También llamado burlador o libertino, se trata de un seductor imprudente y osado hasta la temeridad que no respeta ninguna ley divina o humana. La tradición posterior lo relaciona con la figura de Miguel de Mañara, de la Sevilla del siglo XVII, o con la figura madrileña del siglo XVI de Jacobo de Grattis (1517-1619), más conocido como «Caballero de Gracia».” Hasta el legendario Errol Flynn compuso uno en su época de malandrín, identificándose sin dudas con el burlador de Sevilla.

“Con los precedentes de El infamador de Juan de la Cueva (1581) y de El Hércules de Ocaña de Luis Vélez de Guevara, el primer ejemplo del personaje lo creó, según algunos, Tirso de Molina, en su obra El burlador de Sevilla y convidado de piedra de 1630

Escribieron obras inspiradas en este personaje Antonio de Zamora (No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, 1713), Molière (Dom Juan ou le festin de pierre, 1665), Carlo Goldoni (Don Giovanni Tenorio, 1735), Aleksandr Pushkin (El convidado de piedra, 1830); Samuel Richardson, creador del libertino Lovelace en su novela Clarissa Harlowe; Lorenzo da Ponte, libretista de Mozart, (Don Giovanni, 1787); Choderlos de Laclos, famoso por su libertino vizconde de Valmont en su novela epistolar Las amistades peligrosas, 1782), Lord Byron (Don Juan, 1819-1824, incompleto por su muerte), José de Espronceda (el Don Félix de Montemar de su El estudiante de Salamanca, 1840), José Zorrilla, cuyas estrofas acompañan desde un balcón el día de todos los Santos, el 1 de noviembre, (Don Juan Tenorio, 1844), Azorín, Gonzalo Torrente Ballester (Don Juan) y otros muchos (Christian Dietrich Grabbe, Alejandro Dumas, Edmond Rostand...) y, más recientemente, Max Frisch”.

Américo Castro, José Ortega y Gasset, entre otros pensadores españoles, dedicaron páginas a desentrañar este personaje inasible pero seguramente fue Gregorio Marañón, el polifacético liberal, aquel “trapero del tiempo”, que dio más pistas protopsicoanalíticas, como en su día había hecho en biografías sobre Tiberio, el emperador, o El Conde Duque de Olivares, entre otras. En una línea freudiana, fundamental sería festonear la relación del propio Mozart con su padre, hombre totémico, exigente, aprovechado y castrador, que podría haber prefigurado, sin problemas, la escultura psicológica pétrea y sin afectos del Comendador.

Retomando a Don juan, es inevitable recordar al italiano Giacomo Casanova, más real y filiado que su eterno competidor español, inmortalizado por su Autobiografía, Fellini y sus correrías por medio mundo. Casanova tiene otro tipo de interés por su dama y a menudo, algunos autores hilvanan la idea de que tal vez, solo tal vez, hubiera estado interesado por el goce y la satisfacción de la mujer aparte de por el únicamente suyo propio.

En todo caso, Casanova aparece como menos sombrío, más lúdico y más solar, incluso más festivo y culto que su homólogo español, desdibujado en una personalidad probablemente falto de los modelos claros y potentes de padre y madre y cercano a la homosexualidad, como tan claramente subrayó Gregorio Marañón.

Antes de centrarnos en la versión actual que ofrece ahora el Teatro Real, un apunte sobre una película que recreó paradigmáticamente el Don Giovanni mozartiano, con grandes actores y enormes voces, al mando del director norteamericano afincado en Londres, ya olvidado pero muy talentoso, inspirador de excelente cine, Joseph Losey.

Su Don Giovanni es de 1979 y cuenta con una duración de 169 min. Filmada en Italia en escenarios naturales, con un reparto extraordinario como Ruggero Raimondi (que vive en España), Edda Moser, Kiri Te Kanawa, José Van Dam, Kenneth Riegel, nuestra admirada Teresa Berganza y John Macurdy. Se trató de una coproducción entre Italia-Francia-Alemania y Reino Unido y consiguió los Premios César de Mejor Montaje y Diseño de producción y 4 Nominaciones (1979), en 1980, en los Premios BAFTA fue Nominada a Mejor diseño de vestuario y Mejor sonido y también en 1979, el Premio David di Donatello al Mejor productor (ex aequo.)

Explicó el Real en su rueda de prensa y dossier del espectáculo, que entre los días 18 de diciembre y 10 de enero el coliseo madrileño ofrece 15 funciones de Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una producción de la Staatsoper de Berlín, estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008, con el mismo dúo protagonista que actuará en el Real: el barítono británico Christopher Maltman, como Don Giovanni, y el bajo-barítono hispano-uruguayo Erwin Schrott, como Leporello.

La interpretación de ambos, alabada unánimemente por la crítica, adquiere en este montaje un significado especial, ya que Claus Guth refuerza, en su puesta en escena, el macabro vínculo de los dos personajes, cuya complicidad y piedad aportan, quizás, los únicos momentos tiernos y compasivos de la producción. Claus Guth, dejó ya su impronta en tres producciones presentadas en el Teatro Real: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) y Lucio Silla (17/18).

La trama de este Don Giovanni transcurre en un bosque de abetos muy versátil, diseñado por el escenógrafo Christian Schmidt, donde se van sucediendo los distintos cuadros de la ópera, distorsionados por la agonía de Don Giovanni, que se desangra lentamente desde la primera a la última escena, con lo cual, no es esperable reencontrarse con las producciones más clásicas al uso. En realidad, también le sobraron árboles y le faltaron algunos cortinados y sillones palaciegos.


“Escondido en los meandros y recovecos de un bosque siempre cómplice, sabiamente iluminado por Olaf Winter, la floresta refleja el drama de los personajes, en un juego pictórico de claroscuros que enlaza el universo barroco del libertino de Tirso de Molina, con el mundo turbio de los tarados sexuales del siglo XXI” (glosa la introducción del Real a este montaje, ¡ah planea por ahí el “Me too”!, que en esta ocasión está servido).

El barítono Christopher Maltman (Don Giovanni) es un barítono inglés particularmente aclamado como recitalista y como el Billy Budd de Benjamin Britten. Graduado de la Universidad de Warwick en bioquímica, estudió en la Royal Academy of Music desde 1991 donde recibió clases de Sesto Bruscantini y Thomas Hampson y en 1997 ganó el premio Lieder de la Cardiff Singer of the World competition.  Su Don Juan es muy apropiado, calavera, con una voz a la altura, llena de recursos, técnica, buen fiato y línea de canto, algo discreto en lo actoral para un rol expansivo y sinvergüenza como el del infatigable seductor.

Erwin Schrott, "Madamina, il catalogo è questo" (from Mozart's Don Giovanni), en una versión anterior de una de las arias más famosas de Don Giovanni, representado ahora en el Teatro Real


Compensado bastante por su verdadero alter ego (con algunos matices psicológicos y morales, a destacar hacia cierta menos fiereza y maldad), el bajo-barítono uruguayo, una fuerza desatada de la naturaleza, también español desde 2010,  Erwin Schrott (Leporello), son los indiscutibles protagonistas masculinos. Schrott, compone un Leporello abierto y comunicativo, algunos dirían que algo sobreactuado, pero la voz adecuada y sabia y este hecho, calientan un poco esa climatología escénica algo helada, que por momentos más recuerda una geografía germanizante que la calidez necesaria a la italianità de un Mozart dibujado también por el italiano Da Ponte.

Acompañados por la soprano Anett Fritsch (Donna Elvira), bien en su papel, la soprano Brenda Rae (Donna Anna), una lírico ligera con calidad técnica, inteligencia en el manejo de su instrumento, el tenor Mauro Peter (Don Ottavio), muy adecuado y también Louise Alder (Zerlina), que cantó con gracia un papel escurridizo y ambiguo, así como el bajo Krzysztof Baczyk (Masetto), ajustado y Tobias Kehrer, un comendador mejorable pero con un excelente registro grave desplegado sobre todo al final.

El maestro Ivor Bolton, dirige su quinto título de Mozart en el Real, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro. Ivor Bolton, aquí valorado de manera diferente por la crítica, realiza un trabajo concienzudo, destacando aquí y allá las intervenciones de los recitativos de los cantantes, a su servicio también y al del corpus sonoro, por momentos, algo cargado en los parches. Lo que sucede es que la emocionalidad y el plus afectivo que le presta la personalidad de Bolton a sus interpretaciones, consiguen que las óperas a su cargo se humanicen en cierta forma, se vistan de una versatilidad complementaria que casa bien con los deseos del compositor.

El Coro que pilota con mano firme como siempre Andrés Máspero no solo cumple, sino que refuerza los pilares musicales de la obra. Don Giovanni se presenta así por cuarta vez desde la reinauguración del Teatro Real: en junio de 1999 con Daniel Barenboim y Thomas Langhoff, en octubre de 2005 con Víctor Pablo Pérez y Lluis Pasqual y en abril de 2013, con Alejo Pérez y Dmitri Tcherniakov.

Los gestores del Teatro comentan que “La producción que llega ahora al Real se ofrece en un período de incertidumbre y dificultades, exigiendo por parte de todos un esfuerzo suplementario para presentar la ópera dentro de la normativa de seguridad sanitaria.

El director de escena Claus Guth ha modificado varios detalles de la puesta en escena y el Coro Titular del Teatro Real actuará con unas mascarillas diseñadas especialmente para cantantes, que favorecen la proyección de la voz y el movimiento facial sin liberar los aerosoles. Pero estas y otras adaptaciones no impedirán al Teatro Real ofrecer, con la máxima calidad, una perspectiva distinta del gran mito de la literatura española, con nuevas interpretaciones que siguen enriqueciendo su aura”.

Se agradece este Don Giovanni con el que el Teatro Real “desafía a los elementos” internos y sobre todo circunstanciales e interminables de la pandemia y obtiene ahora más éxito que aquella Armada Española a la que se refieren las comillas. Se trata del triunfo del saber hacer, del desafío a la tentación que, en estos casos, se tiene a “bajar los brazos” o a la evidencia dramática de la presencia de la enfermedad que impone su orden.

El público aplaudió, claro, complacido, a todos. A pesar de que siempre puede ser peor todo, el 2021 sin dudas nos ofrecerás algunas satisfacciones mayores que este desmadejado tiempo inmisericorde que nos disponemos a abandonar. Si puede ser. Crucemos los dedos. Y otra vez, ¡bravi tutti! Esta vez, también, la Fortuna y Némesis han acompañado y tutelarán a los valientes.

 Alicia Perris