sábado, 21 de octubre de 2017


These nine museums are using online video series to take viewers behind the scenes of their collections.

Allison Meier
How much of a museum do you really see when visiting its galleries? So much at an institution happens behind the scenes, whether conservators preserving objects for display, or researchers journeying into the field. Many museums have been using online videos to bring these stories to the public. Here are nine series to watch:
 American Museum of Natural History: Shelf Life

 Now in its second season, Shelf Life is a digital series that delves into the collections of the American Museum of Natural History. As only a fraction of its 33 million specimens are on view, and the museum actively supports research around the world, it’s a fascinating insight beyond the dinosaurs and taxidermy dioramas that most people associate with the institution. It also answers pressing questions like: how do you preserve a coelacanth?
 “Tales From the Cryptic Species” examines how century-old specimens can now reveal genetic diversity that could influence conservation policy, “Into the Island of Bats” follows scientific studies on the bats of Cuba, and “Shamans of Siberia” chronicles how a 19th-century collection from one of the largest anthropology expeditions to the Pacific Northwest Coast of North America and Siberia is now a vital resource for indigenous living culture.

Museum of Modern Art: At the Museum

The Museum of Modern Art’s At the Museum illuminates hidden exhibition stories like the graphic design behind the title wall for Robert Rauschenberg: Among Friends, and the delicate conservation of a concrete “sprite” statue from Frank Lloyd Wright’s demolished Midway Gardens in Chicago for Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive.

The insightful series has explored how curators tell if an abstract photograph is vertical or horizontal (for Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction), and how the texture of Yves Klein’s “Blue Monochrome” (1961) complicates the restoration process, as that texture changes how the human eye perceives its rich blue color.

Smithsonian American Art Museum: Meet the Artist

The Smithsonian American Art Museum’s Meet the Artist series features interviews with artists about their work, sometimes visiting them at their studios. Their subjects have included Alex Katz, Kerry James Marshall , Will Barnet, Miriam Schapiro, Christo, and Grace Hartigan. As it’s been ongoing since 2000, it can be an invaluable portrait of some artists now deceased. Luis Jiménez, who died in 2006, discusses how the border crossings between Mexico and the United Statues influenced his large-scale fiberglass work (such as the mustang rider outside the museum), while Jesús Moroles, who died in 2015, is filmed at work in his granite studio, sculpting the rock into colossal geometric forms.

George Eastman Museum: Photographic Processes

The 12-part Photographic Processes from the George Eastman Museum is an in-depth overview of the development of photography, from daguerreotype, to cyanotype, to the rise of color photography. The videos involve photographs from the museum’s extensive collections, as well as demonstrations of the techniques. “We make photographs in a different way from the way we used to, but we make them for the same reasons,” independent photography curator Alison Nordström states in series. “I would argue that a 19th-century Victorian family album has exactly the same purpose as the 200 pictures of your kid that you carry on your phone.”

MOCA: Art in the Streets
 The Museum of Contemporary Art, Los Angeles regularly shares video content through its MOCAtv YouTube channel, often connected to current exhibitions. Alongside the 2011 Art in the Streets, MOCA launched the Art in the Streets web series on street art and its creators. The series visits international street art hubs in cities like Beirut, Cairo, and Mexico City, and interviews artists including Swoon, RETNA, Barry McGee, and JR. One video descends into the underground Underbelly Project, where street artists covered an abandoned New York City subway station with work.

British Museum: Curator’s Corner
 In Curator’s Corner, British Museum curators highlight some of their favorite objects, with a dose of humor. For instance, Thomas Hockenhull, the curator of modern money, has a go at defacing a penny like an early 20th-century suffragette with the words: “Votes for Women.” Often these videos capture the sense of wonder that drew curators to their fields, whether it’s curator of cuneiform Irving Finkel deciphering a board game rule tablet — the “world’s oldest rule book” — or curator of Japanese arts Nicole Rousmaniere celebrating the incredible art of Japanese manhole covers.

Metropolitan Museum of Art: MetCollects

 The Metropolitan Museum of Art’s MetCollects showcases new acquisitions, and discusses why these objects are important to preserve. For example, David C. Driskell, professor emeritus at the University of Maryland, College Park and a scholar of African American art, puts Aaron Douglas’s 1930s painting “Let My People Go” in the context of the Harlem Renaissance and its visual reclamation of art history. Others have a more tactile perspective you couldn’t get from a gallery visit (unless you wanted to be kicked out), such as Daniëlle Kisluk-Grosheide opening a longcase clock by Ferdinand Berthoud and Balthazar Lieutaud to show its movement that tracks solar time, and a plaque commemorating when it was presented to the Paris Academy of Science in 1752. In one of the most recent videos, composer Anthony Wilson plays John Monteleone’s “Four Seasons” guitars, demonstrating how each has a distinct sound channeling the different seasons.

Victoria & Albert Museum: How Was It Made?
 The Victoria & Albert Museum’s How Was It Made? is a series of short documentaries on how objects related to their design-focused collections were created. One on indigo dying has a demonstration of the millennia-old tradition from indigo dyers from Kala Dera, Rajasthan, while another follows the making of a traditional Korean inlaid lacquer box from tree sap collecting to shell inlays. A video on carving a printing block for textiles highlights the team of craftspeople necessary for the skilled practice.

Smithsonian Institution: Explore with Smithsonian Experts
 Explore with Smithsonian Experts is a series from the Smithsonian Institution aimed at students and teachers, yet anyone can learn something from its engaging videos, which are filmed at the Smithsonian’s various museums. The idea is to investigate new ways of seeing, researching, recording, and sharing.
 One set at the National Portrait Gallery considers how portraits can be both fact and fiction, while another at the National Museum of African Art is about reading abstraction through the art of El Anatsui. And if you were wondering if leaf-cutter ants at the Smithsonian’s National Museum of Natural History are capable of carrying the Smithsonian logo, there’s a scientific method-themed video for that.




La tercera temporada de ‘Outlander’ encara el reencuentro entre los dos protagonistas
El día en el que tuvo lugar esta entrevista en Glasgow, Caitriona Balfe (Dublín, 1979) se despedía de los años sesenta. "Los voy a echar de menos, el pelo, el maquillaje, los vestidos... era una buena época en la que estar". La protagonista de Outlander, Claire, ha regresado al siglo XVIII para reencontrarse con Jamie Fraser. Llega así uno de los momentos más esperados por los fans de la serie basada en las novelas de Diana Gabaldon, cuya tercera temporada emite los lunes Movistar Series. Un episodio más largo de lo habitual (de 75 minutos) reúne a los dos protagonistas. "Es un reto para Sam [Heugan, que interpreta a Jamie Fraser] y para mí, dar con la forma de recrear nuestra relación en una forma nueva. Ahora Jamie y Claire son muy diferentes a como eran cuando se vieron por última vez, han pasado 20 años, toda una vida de experiencias. Hay cierta energía que se mantiene, pero las circunstancias son muy diferentes", adelanta la actriz.

Con más de 20 millones de ejemplares vendidos, la saga Outlander es todo un fenómeno literario que ha conseguido trasladar sus fans a la pequeña pantalla. Esa legión de entregados seguidores suponen una presión extra para todos los implicados en la serie. "Entiendo la emoción de los fans por sus personajes y que los sientan de su propiedad, han vivido con ellos más tiempo que nosotros", dice la actriz. "Pero los guionistas no pueden depender de intentar cumplir sus expectativas. Si vas pensando en cómo quedará algo o cómo se recibirá, matas la creatividad. Hay que saber dar un paso atrás respecto a los fans porque, si no, te puede cegar y no dejarte ser objetivo", reflexiona la actriz.
La traslación de una historia literaria al medio audiovisual también supone cambios inevitables y dejar muchas cosas fuera. "Tengo el libro en mi camerino. Hay mucho de lo que ocurre en los libros, sobre todo en la parte de monólogo interior de Claire, que me ayuda a entender el personaje. Y por supuesto, hay cosas en los libros que dices, ¿cómo que no vamos a hacer esto? ¡Es importante! Puede resultar decepcionante a veces, claro, pero tenemos que dejar cosas fuera".

Tras el reencuentro del capítulo de este lunes, la tercera temporada de Outlander enfila una nueva etapa que deja atrás Boston y pone su mirada en Escocia, el océano y Jamaica, para lo que el rodaje se trasladó a Sudáfrica. Una serie que vive en un movimiento constante por el que Caitriona Balfe da gracias. "Como actriz es genial que tengas que ir de set en set. No puedo imaginar lo aburrido que tiene que ser ir siempre al mismo decorado, como vivir el día de la marmota. Estaría subiéndome por las paredes".
Más allá de Outlander, el currículum como actriz de Balfe es corto. Antes de la interpretación, su pasado estaba vinculado a la pasarela. "Estudié teatro en Dublín y luego tomé otro rumbo hacia la moda. Cuando decidí volver y ser actriz, algunas personas decían que ya era demasiado mayor para eso. Así que fue todo un salto de fe, es un sueño hecho realidad. Me alegro de que haya ido bien, porque no tenía un plan b", ríe ahora la actriz, que gracias a Outlander ya suma dos nominaciones a los Globos de Oro. "Hacer este papel y tener la responsabilidad de hacer este personaje me ha dado mucho, tanto como experiencia profesional como personal. Interpretar a alguien tan fuerte y con tanta confianza en sí misma... Espero que algo de Claire se me haya pegado".

Para Balfe, su personaje es un icono feminista. "Quizá ella no sepa que lo es, pero sí. Es una mujer fuerte con una carrera y dos maridos..., lo que quizá no sea la definición técnica del feminismo... más bien diría que está en la categoría de mujer afortunada", bromea la actriz. "Se mantiene por sí misma y exige que se la respete sin importar el tiempo o la persona que está delante. En ese sentido, sí que es una feminista".

La propia serie reivindica a la mujer tanto en la pantalla (la historia, que combina romance, historia y aventuras, se narra desde un punto de vista femenino) como fuera de ella, con mayoría de mujeres en la sala de guionistas. "Es importante que ocurra porque la mitad de la población del mundo es mujer. Una vez que eres más inclusivo y tienes un equilibrio entre los dos sexos en la sala de guionistas, solo puedes lograr una serie mejor porque tienes una visión del mundo adecuada", reflexiona la actriz. "En algunas series, tienes un protagonista masculino poliédrico y el resto de personajes femeninos son secundarios y en dos dimensiones. Aquí tienes una protagonista femenina fuerte y un protagonista masculino genial también y el resto de personajes son poliédricos también, con lo que consigues una muestra equilibrada de las relaciones y la vida", concluye Balfe.


viernes, 20 de octubre de 2017


L’attore inglese è protagonista de «I Medici» nel ruolo del grande mecenate fiorentino, fiction prodotta da LuxVide e Rai Fictiion in onda su Rai1 nell’autunno 2018
di Emilia Costantini
È inglese ma vive a Los Angeles, è diventato famoso in ruoli di film e serie tv fantasy ma ha studiato teatro alla scuola della Royal Shakespeare Company e, per interpretare ora Lorenzo il Magnifico, si ispira all’Amleto e all’Enrico IV. Daniel Sharman è il protagonista della fiction in quattro puntate I Medici, megaproduzione internazionale di LuxVide e Rai Fiction con la regia di Jon Cassar (premio Emmy Awards)e Jan Michelini, su Rai1 nell’autunno 2018.

«Volevo assolutamente fare questo ruolo»
Siamo nel 1470, vent’anni dopo i fatti raccontati nella precedente fiction di cui era protagonista Dustin Hoffman nel ruolo del fondatore Giovanni. Il potere della famiglia Medici, ora nelle mani di Piero e Lucrezia, si è consolidato ma un attentato alla vita di Piero costringe il primogenito Lorenzo a occuparne il posto. E con lui un gruppo di giovani prenderà in mano la città di Firenze, in contrapposizione alla vecchia gerarchia nobiliare delle altre famiglie, scatenando poi la sanguinosa congiura dei Pazzi. «Quando ho saputo di questo progetto - racconta Daniel che su Instagram viaggia a quasi 3 milioni di followers - volevo assolutamente interpretare questo personaggio ma, non potendo fare il provino comodamente in uno studio di registrazione perché ero in Messico per lavoro, l’ho fatto con un video sul cellulare che ho inviato alla produzione: e mi hanno scelto!». È felice il trentenne Daniel, sul set in questi giorni a Villa Parisi nei dintorni di Roma: «Ho studiato anche arte, mia madre è pittrice, una tradizione familiare,sono stato allevato a pane e Michelangelo, ho visitato spesso a Firenze da turista ma, quando mi è stato affidato il ruolo, ci sono tornato e ho scoperto tante cose che non sapevo». Per esempio? «Non sapevo quanto i Medici avessero influenzato gli artisti con il loro mecenatismo, di cui Lorenzo è il rappresentante più fulgido, ho scoperto la sua ineffabile modernità: un uomo che ha messo degli artisti che non avevano mezzi, come Botticelli suo grande amico, in condizioni lavorare con serenità e dar sfogo alla loro creatività, quella che tuttora ammiriamo. Un messaggio importante per la nostra realtà attuale: un leader che non pensa solo a fare scelte comode per se stesso, per il proprio ego, ma per il bene comune. Il suo esempio dovrebbe servire agli uomini di potere di oggi, a cominciare dal presidente Trump».

«In Lorenzo, c’è un po’ di Amleto e di Enrico IV»
Qual è il nesso con Amleto ed Enrico IV? «Entrambi si trovano davanti al dilemma dell’usurpazione di un trono. Lorenzo è costretto a “uccidere” simbolicamente il padre che, essendo ormai malato, non è più in grado di far fronte alla crisi familiare. La sua gioventù lo spinge anche alla voglia di innovazione che si traduce nel dar vita ai maggiori capolavori del Rinascimento». Il racconto si snoda in oltre trenta location, fra Toscana, Lazio, Lombardia, con 140 attori (Raoul Bova è Papa Sisto IV), 5000 comparse e altrettanti costumi firmati da Alessandro Lai, «tutti realizzati appositamente - avvertono i produttori Matilde e Luca Bernabei - insieme ai gioielli creati in botteghe soprattutto fiorentine. Ma la maggiore difficoltà consiste nell’ottenere i permessi per girare nei luoghi veri della storia narrata: non giriamo in Bulgaria ma nel Duomo e Battistero di Firenze, a Palazzo Piccolomini di Pienza, a Villa d’Este e Villa Adriana a Tivoli...». Aggiunge Eleonora Andreatta direttore Rai Fiction: «Quello su Lorenzo il Magnifico è il racconto mitologico del passato italiano filtrato dalla lente della contemporaneità, ma anche un grande romanzo di formazione: un gruppo di giovani che rivoluzionano il gusto e la cultura del loro tempo». Conclude Sharman, che già pensa al prossimo progetto teatrale su «Misura per misura»: «Sento la responsabilità di impersonare Lorenzo, immedesimandomi nel suo pensiero illuminato, nella sua personalità complessa tra luci e ombre, perché il potere è fatto di bene e di male. Sono cresciuto nell’ammirazione dell’arte italiana e il mio è un omaggio alla cultura del vostro Paese».



By George Philip LeBourdais

Henri Matisse did not seem like one to rock the boat. Serious, intelligent, and embarking on a promising career after studying law in Paris, his path in life appeared entirely bourgeois. When his mother gave him art supplies to help him recover from an illness, however, he was, in his words, “bitten by the demon of painting.”

The tone of this statement is fitting for an artist who was responsible for the first avant-garde European art movement of the 20th century, Fauvism, the name of which means “wild beasts.” To a contemporary eye, the intensely colorful landscape and portrait paintings of the Fauvists, often characterized by a rough application of paint rendered directly from the tube, might read as more joyful and celebratory than savage in their bright, non-naturalistic hues and energetic vitality—but these were very different times.
And as with some other avant-garde styles, Fauvism acquired its name through an insult. Reviewing the 1905 Salon d’Automne art exhibition in Paris—an annual, independent showcase of progressive art—the renowned art critic Louis Vauxcelles (who later coined the term Cubism) found the brushwork by Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Charles Camoin, Georges Rouault, and certain other artists displayed at the salon that year to be coarse and untamed, with an “orgy of colors.” The name “fauve” would become a badge of honor for the artists.

The most famous Fauvist work at the salon, Matisse’s Luxe, Calme, et Volupté (Luxury, Calm, and Desire), finished in 1904, was a shocking, visionary work. With a title borrowed from a poem by Charles Baudelaire, the work had the structure of traditional, idealized landscapes, but its aesthetic—with staccato brushstrokes, the white of the canvas showing through, and non-naturalistic, expressive color and detail—was entirely contemporary, an unrestrained, celebration of the here and now.
Nearby, his 1905 painting Femme au chapeau (Woman with a Hat) spoke even more forcefully of this foundational moment for Fauvism. Its presence alongside other jarringly colored works by Dérain, Camoin, and Vlaminck made the central gallery in the Grand Palais seem like a “cage.” A half-length portrait of Matisse’s wife, Amélie, Woman with a Hat was full of bourgeois accoutrements: a gloved hand holding a paper fan, the elaborate hat that gives the work its title. Yet these features emerge from a strident, unhinged palette that defied the rules of academic painting and offended bourgeois sensibilities……..



En esta oportunidad se expone el cruce de culturas, con inspiración en las botellas con mensajes que cruzan el mar, con textos que viajan llegando a otras costas y siendo leídas e interpretadas por otra cultura.
 Bajo esa idea conceptual como paraguas, gira la propuesta de acercar piezas teatrales escritas por españoles a directores argentinos, para ser puesta en escena en formato lectura dramatizada.

 Junto a Damián Giménez como director del proyecto, los actores Santi Senso y Soledad Oviedo darán forma a esta obra.

Colabora: Fundación Germán Sánchez Ruipérez


Nel libro «Ciò che non muore mai» (Mondadori) sono raccontati gli amori del compositore polacco: le figure femminili intorno a lui appaiono più mature
Carlo Baroni
Lui era un filo di luce nella penombra. Di quelli che avverti appena. Come la scia di una lucciola in una sera d’estate. Niente di abbagliante. Ma ti restava negli occhi. Il talento (vero) sbircia timido dietro le porte. Guarda e ascolta. Impara prima di insegnare. Che poi in cattedra non si mette mai davvero. Sono gli altri che finiscono per alzare la testa quando passa.
Il genio è Ciò che non muore mai. Il romanzo di Chopin raccontato, lasciando stare il manuale delle biografie ufficiali, da Alfonso Signorini per Mondadori. In quell’epoca dove tutte le vite erano romanzi: bastava nascerci. Dove il tragico e il sublime si confondevano. Le ingiustizie e le miserie spazzate via da una nota mai sentita prima.
Chopin era un rivoluzionario inconsapevole. Delle convenzioni, delle gerarchie, delle passioni. Con la levità di una brezza che non ti preoccupa, ma dopo niente sarà più come prima. Due genitori che avercene di uguali. Justyna e Nicolas. Di quelli che i figli sono amore da regalare e non proprietà, buone per proteggersi il futuro. Il padre venuto via da una Francia impaurita e speranzosa per una rivoluzione che non poteva non arrivare. La sua voleva dire lasciare la Lorena, le stalle e le mucche e reinventarsi un posto nella scala sociale. La fortuna di parlare una lingua che si poteva insegnare ai rampolli dell’aristocrazia polacca, il suo nuovo Paese. La moglie veniva da quel mondo, la chiave, se non proprio per farne parte, almeno per stare sulla porta senza dare fastidio.

Henryk Siemiradzki (1843-1902), «Chopin suona per i Radziwill nel 1829» (1887, olio su tela, particolare)

Fryderyk è un bambino mai nato. Come un fiore già sbocciato. Una stella che non ha bisogno del cielo per brillare. Lui suona come nessuno. Ma forse è la musica che va incontro alle sue dita. Fryderyk la raccoglie e la fa diventare altro. Qualcosa di mai ascoltato, c’è dentro la malinconia che solo i superficiali scambiano per tristezza. Le nuvole basse della sua Polonia, l’epicentro della malvagità di chi le sta attorno. E può essere la Prussia o l’Austria. La Russia o la Svezia. Il destino di essere il parafulmine dell’Europa, il posto dove la natura umana non conosce argini e travolge tutto.
L’anima polacca è fatta di sangue e coraggio. Di poesia e rabbia. Una sofferenza senza rimedio, un dolore che neanche il sonno. Chopin se la prende tutta addosso, se la porta dentro in tutta l’Europa. Un «gancio» sferrato sotto il mento che ti scuote senza ferirti. A Vienna non lo capiscono. Il centro dell’Impero vive di proclami e di pentagrammi con le note marcate. Il sussurro che arriva da un ragazzo di Varsavia è un fastidio, quasi un monito a quello che succederà. Che l’Impero non è eterno e il morbo che lo ucciderà sta nascendo nella sua periferia. Fryderyk è un genio perché non percorre le strade convenzionali. Il suo gps lo porta dove gli altri cambiano percorso.
È così per la musica e per gli amori. I primi turbamenti per la contadina Tekla, i rossori per Rajmund. La passione infinita per Titus. Edvige, la prostituta che diventa amica. Lui che non è come gli altri uomini. Questione di spirito e di indole più che di morale. Lei è guardinga poi capisce. La sincerità, la purezza. Di quel Fryderyk che è sole e luna. Buio profondo e luce accecante. L’artista che veleggia tra le ombre, sballottato tra i contrasti. Un maestro, Wojciech Zywny, folgorato da un allievo che non ha niente da imparare senza la presunzione di insegnare.
Chopin e le donne. Più grandi, più mature, più tutto. Angelica Catalani, la diva, che ha l’età di sua madre. Una passione o forse l’attrazione tra due che vivono in una galassia sconosciuta. George Sand è un libro con le pagine bianche che si riempiono con parole che solo loro sanno scrivere. Un vivere accanto che è molto di più dello stare insieme e condividere tutto. Lei è il suo mondo alla rovescia, lo schiaffo eterno all’ipocrisia, il fidarsi senza temere le pugnalate vigliacche. E, infine, Emilia. La sorella, l’«altro» Fryderyk.