martes, 19 de marzo de 2019


Cath Pound

Dorothea Tanning, Children's Games, 1942. © DACS, 2018. Courtesy of Tate Modern.

In Dorothea Tanning’s mesmerizing self-portrait Birthday (1942), the artist portrays herself in a fantastical, bare-breasted costume anchored by a long, 17th-century-style jacket that features cascading Lilliputian figures whose limbs morph into branches as they drape around her body. Her hand rests on the knob of a door that opens to reveal a never-ending series of other doors. Although her gaze calmly meets that of the viewer, her expression remains resolutely unreadable. For Tanning, who would later describe her process as creating a kind of web of dreams and ideas from which there was no escape, enigma was “a very healthy thing, because it encourages the viewer to look beyond the obvious and commonplace.”
The painting was famously still on its easel when Max Ernst visited Tanning’s studio. Ernst was advising his wife, Peggy Guggenheim, on whom might be included in a major exhibition of female artists she was planning. Birthday, whose title was suggested by Ernst to signify Tanning’s rebirth from the real to the surreal, and Children’s Games (1942), whose mischievous femmes-enfants would become a recurring motif, were included in Guggenheim’s landmark “Exhibition by 31 Women.” The gallerist later quipped that she should have only had 30 women in the show; within months of its opening, Tanning and Ernst began an extramarital affair. They remained together until the latter’s death in 1976.

Dorothea Tanning, Eine Kleine Nachtmusik, 1943. © DACS, 2018. Courtesy of Tate Modern.

Ernst’s career has long overshadowed Tanning’s, but a major retrospective at Tate Modern in London seeks to rectify that disparity, revealing Tanning to be a stunningly innovative and eclectic creator. In a career spanning seven decades, she embraced not only the Surrealist painting for which she is best known, but also poetry, a series of groundbreaking soft sculptures, and costume and set design for the ballet. Although she bristled at the term “woman artist,” there is little doubt that Tanning challenged conventional ideas about sexuality and domesticity within a movement that has frequently been seen by critics as promoting a passive role for women.

Tanning first encountered the Surrealists at the 1936 exhibition “Fantastic Art, Dada, Surrealism” at the Museum of Modern Art in New York. Here, she “not only witnessed Surrealism, but specifically a lot of women artists,” said Alyce Mahon, co-curator of the Tate exhibition. Items on display included Meret Oppenheim’s 1936 Object(also called Breakfast in Fur), which, as Mahon said, is “a very erotic domestic object.” This and other works revealed to Tanning the “limitless expanse of POSSIBILITY,” she later wrote, while the artworks were “signposts so imperious, so laden, so seductive, and, yes, so perverse.”

Although Mahon believes that criticism of the male Surrealists has been overstated, pointing out that both male and female Surrealists showed “the female body as beautiful objects to be desired,” Tanning certainly “marshaled Surrealism and the sexual element in her own way,” she said. Her self-portrait is a case in point. “As a woman artist, she chose to represent herself semi-naked, staring out and confronting the spectator,” Mahon explained. Tanning was “mastering her own image…embracing how it might play with sexuality.”
Tanning also took the Surrealist obsession with the femme-enfant—a kind of child-woman whose sense of wonder encouraged probing deeper into the unconscious self—and used it to portray uninhibited young girls yet to be constrained by society’s restrictions and moral codes. In the 1943 painting Eine Kleine Nachtmusik (“A Little Night Music”), we see a pair of them confined to an eerie corridor. One girl, her hair upraised as if possessed by a demonic spirit, stares down a large sunflower, a plant Tanning considered the “most aggressive of flowers.”

A more poignant take on the motif can be found in The Guest Room (1950–52), a portrayal of a naked girl, clearly somewhat self-conscious and contemplative, positioned in a doorway. The scene suggests a gateway between adolescence and adulthood, and implicitly questions why society teaches teenage girls to “increasingly be more and more fearful of their own bodies,” Mahon said.
Elsewhere, Tanning wreaks havoc on conventional notions of domesticity. Objects swoop and swirl around her depictions of interiors. In Family Portrait (1954), however, a grotesquely oversized father figure looms over a dining table—a critique of traditional family values.

Endgame (1944) also reveals her frustration with conventional bourgeois morality. Tanning co-opts the Surrealists’ favorite game of chess to portray herself as the queen in the form of a satin shoe literally crushing the bishop. At the bottom of the canvas is a trompe l’oeil scene of Arizona; she and Ernst spent their summers there, unable to respectably cohabit in cosmopolitan art centers until Ernst’s divorce was finalized.
In the 1940s and ’50s, Tanning began designing costumes and sets for Balanchine. These projects saw her vivid imagination come fluidly to life, and may well have had an impact on her painting from that era onwards. She developed a looser style with kaleidoscopic color effects she termed “prismatic.” Verging on the abstract, in these paintings figures merge into one another, while certain body parts appear to morph into the canvas itself.
However, in the 1960s, Tanning grew weary of turpentine and canvas, and turned to fabric and thread to further explore female sexuality. Her experiments grew in size and ambition, culminating in the astonishing installation Hôtel du Pavot, Chambre 202 (1970–73), which she referred to as “the surrealist work par excellence—and probably the last?”
Cloth figures leap out of—or are perhaps sucked into—a dreary hotel room. Inside the room, there are further installations—an armchair and a female form merge into an embrace, while another figure reclines over a table in what may be pleasure or pain. Tanning said the individual parts of the work are “stand-ins for our human dilemma…[having] traded their eroticism for despair.”

Dorothea Tanning, Hôtel du Pavot, Chambre 202, 1970–73. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Philippe Migeat. © DACS, 2018. Courtesy of Tate Modern.

The influence of Chambre 202 can be seen in Francesca Woodman’s “House” and “Space²” series (1975–76), photographs in which the artist’s nude body merges with the shredded wallpaper behind her. Mahon believes Tanning also “paved the way for later, more explicitly feminist artists turning to craft and soft sculpture,” such as Tracey Emin and Sarah Lucas. The latter’s series “Nud Cycladic”(2010) is particularly reminiscent of Tanning’s work.

Tanning eventually returned to painting and created astonishing work well into her eighties. In one of the last paintings in the Tate show, On Avalon (1987), monumental nude figures dance and sway, reveling in their physicality as they wave huge flower blossoms like pom-poms above their heads. Tanning’s commitment to a narrative of feminine power and resistance throughout her career makes her work powerfully relevant in these troubling early decades of the 21st century.


Sandrine Bajos

Dans une semaine s’ouvrira à la Grande Halle de la Villette l’exposition « Toutânkhamon, le trésor d’un pharaon ». Nous avons assisté à l’ouverture des premières caisses des chefs-d’œuvre. Magique.
La salle est immense, sombre et haute de plafond. Un peu partout, des caisses, des cloisons posées à même le sol et quelques vitrines encore vides. Puis tout à coup, des portes battantes s’ouvrent laissant apparaître un trésor, une merveille. Posée sur un petit chariot, une statuette de bois plaquée de feuilles d’or représentant le jeune pharaon Toutânkhamon sur un esquif, une petite barque, droit, fier prêt à harponner un poisson, apparaît. L’Égypte et la vallée des Rois à portée de main, celle d’il y a 3 300 ans, de l’extraordinaire histoire des Pharaons.

Dans une semaine, samedi 23 mars, s’ouvrira à la Grande Halle de la Villette (Paris, XIXe), l’exposition « Toutânkhamon, le trésor d’un pharaon ». Elle s’annonce d’ores et déjà comme un succès tant les Français ont toujours entretenu un lien particulier avec l’Égypte et sa fabuleuse histoire.

Délicatement, deux égyptologues représentants du ministère des Antiquités du Caire - les seuls autorisés à toucher l’œuvre - aidés des deux régisseurs placent le jeune Pharaon dans sa vitrine. Le silence est roi. Même l’égyptologue de renom Dominique Farout, conseiller scientifique de l’exposition, a du mal à cacher son émotion. « C’est incroyable, c’est magique. C’est un des plus beaux objets du monde, et surtout l’un des plus fragiles, et il est là devant nous. J’ai tellement peur aussi qu’il tombe, c’est comme si enfant marchait devant moi sur une corde raide au-dessus du vide. S’il se passe quelque chose, je fais une crise cardiaque », lâche l’homme pourtant habitué des fouilles égyptiennes. Son équipe vient de découvrir la rampe qui expliquerait comment la pyramide de Khéops a été construite.
« Comme un gamin de dix ans »
L’égyptologue français qui se souvient avoir vu une dizaine de fois en 1976, l’exposition au Grand Palais consacré à un autre illustre pharaon Ramsès II, se sent ici « comme un gamin de dix ans devant ce trésor sans prix ». La tension sera de courte durée. Comme la sublime figurine d’Horus sous les traits d’un faucon solaire quelques instants plus tôt, la statuette du jeune roi d’Égypte rejoint sans encombre sa stèle de verre.

Au total, 150 objets, dont une soixantaine jamais sortis d’Égypte, vont petit à petit prendre place dans leur écrin de verre. Parmi eux, 27 avaient déjà été exposés lors de la fameuse exposition parisienne de 1967 au Grand Palais. Avant de rejoindre Paris, ils étaient exposés à Los Angeles et c’est dans un convoi digne de celui d’un chef d’Etat que le trésor a traversé l’Atlantique. C’est au groupe américain IMG, spécialisé dans l’organisation d’événements à gros budget que le ministère des Antiquités égyptiennes a confié cette tournée mondiale : une dizaine de villes sur quatre ans ! Un projet énorme à la hauteur de l’incroyable collection présentée, sur laquelle le groupe « travaille depuis 5 ans », confie Helen Janssen, directrice des événements pour IMG à Paris. Inestimable, l’ensemble de ces pièces aurait été valorisé auprès des assureurs à 1 milliard de dollars.

Une figurine d’Horus sous les traits d’un faucon solaire./LP/Guillaume Georges

Trois semaines pour monter l’exposition

Pour passer de ville en ville, les statuettes, lits funéraires et autres merveilles ont été transportées par l’américain Fedex qui s’était déjà chargé de faire venir les pandas chinois en France. De Los Angeles, les œuvres égyptiennes ont voyagé dans un Boeing 777F et elles ont été réparties dans 20 caissons réalisés sur mesure, soit 14 tonnes de marchandises. À convoi exceptionnel, organisation exceptionnelle. « Les caisses ont été disposées loin des portes au centre de l’avion car il fallait absolument que la température soit stable en 20 et 22 degrés », explique Mathilde Goffard, responsable chez FedEx France. Et de préciser que les caisses étaient bien sûr scellées et qu’un commissaire égyptien ne les a pas lâchées des yeux une seconde.

Une fois arrivé sur le Vieux continent, il se dit que l’avion n’aurait pas atterri en France où les formalités douanières étaient trop compliquées. Les caisses ont été embarquées par camion et sous haute sécurité en direction de l’Est parisien. Mais là encore, il faudra être patient avant de sortir ces icônes de leur sarcophage. « Il est obligatoire d’attendre 48 heures avant de les ouvrir afin de s’assurer que l’hygrométrie (le degré d’humidité) des lieux soit parfaite », explique Helen Janssen. « Pour monter l’exposition, il faut compter trois semaines et deux pour la désinstaller, poursuit-elle. »

À J-7 de l’ouverture de cette exposition, l’excitation est à son comble. Mais la confiance règne. « On pense qu’on aura déjà 150 000 billets vendus d’ici samedi prochain », se félicite Helen Janssen.


Dopo aver scritto di spettacoli e produzioni varie, per la prima volta mi accingo a raccontare di uno spettacolo organizzato da ‘Il Contato del  Canavese ’ e sinceramente devo dire che se è vero che ‘chi ben comincia è a metà dell’opera’, … posso presagire ulteriori attività. 
Ivrea 18 marzo 2019
Gabriele Pignotta
Che Disastro di Commedia
di Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields 

con Luca Basile, Alessandro Marverti, Valerio Di Benedetto, Yaser Mohamed, Marco Zordan, Stefania Autuori, Viviana Colais
regia Mark Bell
traduzione Enrico Luttmann


Un disastro davvero, ma ovviamente solo  per la distruzione totale della scena, perché in quanto a risate, direi un successo ! Non sono un tipo che a teatro ride facilmente e non mi sono sufficienti facili e scontate gags per divertirmi: il mio subconscio chiede sempre qualcosa in più, come ritmo, azione, dialoghi, trama, idee, brillantezza e vivacità!
Devo dire che in ‘Che disastro di commedia’ ho trovato tutto: nulla di scontato o di dejà vù. E’ un susseguirsi di battute, colpi di scena, apparizione e sparizione di oggetti e persone, crolli improvvisi di soppalco, quadri ed oggetti che si staccano dalla parete: insomma un vero disastro, risultato intelligente di una grande opera registica ed  interpretativa  che nulla lascia al caso, ma studia nel dettaglio ogni battuta, ogni atteggiamento, ogni crollo! Solo una grande abilità può presentare al pubblico dei personaggi strampalati, ma interpretati con maestria, tecnica e fisicità.

Si arriva in teatro e gli attori stanno ancora allestendo la scena e finalmente dopo anni, la compagnia ‘amatoriale’ ha ricevuto dei soldi in eredità e può realizzare una scenografia importante! Tavolo di regia a sottopalco, interpeti ringalluzziti dal lascito ereditario, ma, …. ma le abilità sono scarse, ecco perché poi crolleranno le scene man mano che la narrazione prosegue, fino al crollo totale al finale; ma non basta questo: si perdono copioni, oggetti di scena ed altre calamità in un’esilarante racconto di qualità! Il regista Mark Bell nelle note di regia conclude: Io ho solo aiutato! Ed da questa modesta affermazione trapela tutto il lavoro  concettuale e di grande impegno svolto.

Gli attori, sono veramente ‘ognuno nel proprio ruolo’ ed in opposto a come avviene di solito, ovvero che sempre c’è ‘una nota stonata’, in questo caso  è difficile riscontrare un interprete non a suo agio nella parte. Agili ed atletici saltano finestre, scivolano dal soppalco, si rotolano a terra nella ricerca del colpevole dell’assassinio compiuto ad inizio opera, ma che al fine non si capisce neppure più quanti sono i cadaveri, i morti o semplicemente feriti dall’apertura violenta di un porta, che poi ovviamente crolla. Tutti sembrano stupidi e questo è senza dubbio il risultato di una capacità eccezionale, comprovata dal successo delle lunghe tournèe nel Regno Unito, in buona parte dell’Europa ed ora anche in Italia !
Alla prossima occasione di qualità !

Renzo Bellardone 

lunes, 18 de marzo de 2019



Beyond the nostalgia that colors how we think about classical Hollywood films, there is also what critic Parker Tyler once described as its “monstrous and pernicious” influence on society and culture. And since relations between female and male characters figure heavily in virtually all of the studio system’s feature films and promotional materials, now more than ever it’s worth looking closely at the different ways gender roles and behavior were portrayed.

What Price Hollywood presents a wide range of movie posters, from the silent era through the 1960s, that epitomize the Hollywood marketing machine’s deployment (and occasional subversion) of masculine and feminine stereotypes. The exhibition highlights ways in which these graphic and photographic representations shaped—and continue to shape—the moviegoing public’s understanding of romance and sexuality; how the studios’ formulaic use of body language between male and female performers defined “standard” couplings; and how certain genres allowed subversive female agency and queer perspectives to sneak into poster art.
Along with the poster exhibition, a film series reveals how Hollywood manipulated erotic imagery onscreen, and how subtle, empowering performances by Barbara Stanwyck, Louise Brooks, Marlon Brando, and Gloria Grahame simultaneously upheld gender norms and hinted at alternative models of sexual identity.
Organized by Ron Magliozzi, Curator, and Brittany Shaw, Curatorial Assistant, Department of Film.
Accompanied by the film series What Price Hollywood
Support for the exhibition is provided by the Annual Film Fund. Leadership support for the Annual Film Fund is provided by the Kate W. Cassidy Foundation and Steven Tisch, with major contributions from Jo Carole and Ronald S. Lauder, Association of Independent Commercial Producers (AICP), Yuval Brisker Charitable Foundation, The Brown Foundation, Inc., of Houston, Marlene Hess and James D. Zirin, Karen and Gary Winnick, and The Junior Associates of The Museum of Modern Art.


Samedi 6 avril 2019 / 20h
Nino Machaidze, soprano (Manon Lescaut)
Juan Diego Flórez, ténor (le Chevalier des Grieux)
Marc Barrard, baryton (le comte des Grieux)
Jean-Gabriel Saint Martin, baryton (Lescaut)
Raphaël Brémard, ténor (Guillot de Morfontaine)
Jean-Christophe Lanièce, baryton (de Brétigny)
Jennifer Michel, soprano (Poussette)
Tatiana Probst, soprano (Javotte)
Eléonore Pancrazi, mezzo-soprano (Rosette)
Orchestre National de Belgique
Chœur Octopus – direction Bart Van Reyn
Frédéric Chaslin, direction
(version de concert, en français avec surtitrage)



Pino Lella, a la derecha, junto al autor del libro, Mark Sullivan.PLAZA & JANÉS

Una novela desvela sus peripecias de Pino Lella, que ayudó a salvar la vida a cientos de judío y que fue agente doble de los aliados. Su historia será una serie de TV protagonizada por Tom Holland
Leer Bajo un cielo escarlata, de Mark Sullivan (Plaza & Janés) es como volver a los sábados por la tarde de otra época, cuando en TVE siempre había una película del tipo de Los cañones de Navarone, con sus nazis y sus partisanos y con su beso de tornillo al final de dos horas de épica, cuando los alemanes ya están todos muertos o en retirada.

Pino Lella, el hombre que inspira la novela de Mark Sullivan, aún vive. Tiene 92 años y está en algún lugar de Nevada, en EEUU, contando a quien quiera escucharle la historia que se guardó durante 60 años. A Lella le cogió la ocupación alemana de su ciudad, Milán, en la adolescencia, pero a él, en principio, todo el daba igual. Le gustaba el jazz, le gustaban las chicas y mientras pudiese, intentaría ignorar que había una guerra.

«Yo también he tenido 17 años. Tengo hijos de esa edad y sé cuáles son sus prioridades. Su mente está plenamente formada pero sus intereses son muy concretos. Podemos criticarlos pero hay algo de optimismo vital en esa actitud», cuenta Sullivan. «Voy a bailar y esa va a ser mi manera de escabullirme de todo. Los chicos son así. No piensan en el peligro».
Pero las guerras no se acaban bailando. Cuando los aliados bombardearon Milán y Pino tuvo que refugiarse, participó en una red que se dedicaba a rescatar a judíos, a llevarlos hasta los Alpes, bajo la tutela de los partisanos. Y aquí es donde la vida empieza a parecer el guion de una película de los años 50. En la red había una mujer, seis años mayor que él, el crío se enamoró de ella y, así, el antiguo bailarín hedonista se convirtió en un héroe.

«La valentía es algo con lo que te encuentras, más que una decisión», cuenta Sullivan. «La valentía no consiste en ignorar el miedo, consiste en ser consciente de él y estar por encima».

La vida de Pino todavía esperaba un giro más. Mientras ayudaba a salvar judíos por las tardes, sus padres lo inscribieron en la Wehrmacht, las fuerzas armadas nazis, como una manera de protegerlo de levas y represalias. Y los alemanes, ignorantes de su doble vida, le confiaron un puesto maravilloso para un saboteador: el de chófer del general Hans Leyers, el jefe germano de la ocupación y mano derecha de Hitler.

«Es curioso cómo se ha ignorado la guerra en Italia. Supongo que existe la sensación de que la II Guerra Mundial se ganó en Francia, no en Italia, pero los combates fueron largos y dramáticos. Los aliados avanzaron con muchísimo esfuerzo», explica el autor. Bajo un cielo escarlata llena en parte ese hueco.

Por cierto: siempre se dice que en Alemania y en Francia estaban los nazis buenos, los educados y razonables. Que los verdaderos psicópatas iban al frente oriental. La novela de Sullivan desmiente esa idea: «Los einsatzgruppen iban a Rusia, es verdad, pero a ltalia también fueron muchos nazis crueles».

A Pino Lella le fue más o menos bien en su aventura como agente doble. Salió adelante, emigró a EEUU y se reinventó. Se empleó como profesor de esquí y llevá algo parecido a una vida alegre: «Pino es un optimista natural. Es el tipo de persona que tiene un actitud positiva hacia cualquier cosa que le venga. Intenta escapar de todo lo que sea negativo. No lo consigue siempre, pero es la persona más feliz que he conocido. No es tan fácil con la historia que ha vivido».

Pero hay un enigma: durante 50 años, el profesor de esquí no le contó a nadie su aventura en la guerra: «Es probable que durante una época sufriera estrés postraumático. Pero, como en esa época no existía ese diagnóstico, vivió con ello hasta que se pasó. Ha tenido épocas muy felices: tenía alumnos que eran gente famosa de Hollywood, disfrutaba de la vida en la naturaleza... Creo que con la edad, ha tenido un anhelo por el tiempo perdido. Lo normal».

La memoria de Lella se liberó un poco casualmente ante Sullivan, antiguo periodista y escritor de thrillers desde los años 90. Y aquí viene otro pellizquito de épica. La historia del niño espía llegó a la vida de Sullivan cuando ésta zozobraba. «Pino me devolvió la vida. Yo estaba deprimido y arruinado, esa misma tarde había pensado en chocar con el coche contra un poste para terminar con mis problemas. Su historia me cambió. Creo que la literatura puede curar a la gente. Atraviesas un viaje como éste, recuperas las emociones y las bases de la humanidad. Es una historia universal. Sé de gente deprimida, que me escribió para darme las gracias. Mi objetivo como escritor ha consistido en eso: en compartir la mima emoción que yo sentí al descubrir a Pino. No sólo quería transmitir los datos, también la emoción».