sábado, 24 de febrero de 2018

«COMEDIA AQUILANA»: EJERCICIO DE MEMORIA HISTÓRICA


La compañía Nao d'amores y la Compañía Nacional de Teatro Clásico rescatan la obra de Torres Naharro


María Besant y Silvia Acosta, en una escena de la obra – CNTC

Hay muchas maneras de recuperar la memoria histórica. Ana Zamora tiene una propia. Desde hace quince años dirige la compañía Nao d’Amores, y con ella bucea en un repertorio inexplorado, el del teatro prebarroco, para rescatar autores y textos. El nuevo fruto de su trabajo es «Comedia Aquilana», de Bartolomé Torres Naharro; el montaje, coproducido por la Compañía Nacional de Teatro Clásico, se presenta en el teatro de La Comedia desde hoy y hasta el 11 de marzo. La propia Ana Zamora firma la versión y la dirección de la función, que interpretan Silvia Acosta, María Besant, Javier Carramiñana, Juan Meseguer, Belén Nieto, Alejando Saá, María Alejandra Saturno e Isabel Zamora.
«Tengo obsesión por la recuperación del teatro prebarroco -reconoce la directora-, y por ello llevo años indagando en un repertorio que no puede entenderse como un hecho aislado». Es lo que, tirando del hilo de la obra de Torres Naharro, la llevó a Italia. En los arranques del siglo XVI, fechas en que el dramaturgo escribió sus obras, Italia era el centro del mundo y su influencia en el teatro español, añade Ana Zamora, inocultable. Roma, relata, ha sido un destino imprescindible en el proceso de investigación en torno a la obra, que ha durado cerca de dos años. Allí estuvo la directora gracias a una beca de la Real Academia de España en la capital italiana.


Pero Ana Zamora no es solo una intelectual y una teórica; su labor consiste en devolver a la vida a autores y obras con puestas en escena contemporáneas. De Torres Naharro dice que a menudo se le lee «como un Lope de Vega imperfecto. Pero es que hay que verlo en su contexto. Hay que aplicar esa perspectiva para lograr un Torres Naharro más fresco, más lúdico, más renacentista. La finalidad no ha sido en ningún caso realizar un trabajo de carácter academicista, sino establecer los puntos de partida sobre los que fundamentar la posterior fase práctica, nuestro encierro casi monástico de ensayos en Segovia, para llegar a construir una puesta en escena que, siendo expresión viva de aquel ámbito de intercambio e influencias que tuvo lugar en Italia a comienzos del siglo XVI, nos ha permitido resucitar a Torres Naharro para nuestra escena contemporánea».

Lógicamente, para adaptar el texto a nuestros días ha tenido que hacer Ana Zamora un gran trabajo de poda. La obra, explica, es una comedia «a fantasía» -Torres Naharro cultivó estas comedias y las denominadas «a noticia»-. «Comedia Aquilana» se debió escribir en torno a 1520; es una obra de madurez de su autor, que se cree que murió ese mismo año. «No ha habido actualización; mantenemos la fonética de la época, así como la estructura de la obra y sus personajes. Sí ha habido un trabajo de limpieza del texto y de ajuste, sobre todo del verso; Torres Naharro es a menudo ripioso». Resume Ana Zamora que «Torres Naharro, perteneciendo a un ámbito eminentemente renacentista, revela ya en esta obra un dominio absoluto de la técnica teatral, construyendo una pieza divertida y a la vez evocadora, que es a la vez todo un alarde de uso conciso y expresivo del lenguaje. Un texto que fue un verdadero éxito en su época, y que a través de esta puesta en escena, vuelve a formar parte de nuestro repertorio clásico español».

Ana Zamora tiene en Alicia Lázaro su alter ego musical, un aspecto imprescindible en el teatro prebarroco. Aunque no existen referencias sobre la música que se usó en «Comedia Aquilana», dice la directora musical que no ha sido difícil ponerle música al montaje. «Ha sido un viaje de ida y vuelta, con músicas procedentes de Italia junto a danzas españolas»…………..

http://www.abc.es/cultura/teatros/abci-comedia-aquilana-ejercicio-memoria-historica-201802240200_noticia.html

THE VERDI ALBUM . SONYA YONCHEVA



Münchner Rundfunkorchester
 Massim Zanetti
Release Date: 02 February 2018
For her third solo album for Sony Classical, the Operalia-winning soprano, Yoncheva turns her attention to the work of a composer for whom many feel she has always had a special affinity: Giuseppe Verdi. The music of Verdi forms the lodestone of most dramatic-lyric sopranos, and Yoncheva includes arias from some of the composer’s rarely-performed operas in addition to some of the most beloved ones. From the early operas, she sings arias from Nabucco (1842), Attila (1846), Luisa Miller (1849) and Stiffelio (1850). The latter aria is a prayer of forgiveness from a woman, the wife of a pastor, who has been unfaithful. ‘The emotional range of this aria is amazing, and musically it uses the whole voice from high to low- but amazingly it all happens in about two minutes.’ ...


https://www.sonyclassical.com/releases/88985417982

FENDI STUDIOS


27 OTTOBRE 2017 - 25 MARZO 2018
Fendi propone ai visitatori un'esperienza immersiva nell'affascinante ed emozionante mondo del Cinema con una mostra interattiva allestita a Palazzo della Civiltà Italiana a Roma. L'evento espositivo dà particolare risalto ai modelli unici creati da Fendi per un elenco di film leggendari vincitori di premi. 

Fendi celebrates its long-lasting bond with the world of Cinema through Fendi Studios : an innovative exhibition that takes guests through a digital, immersive experience, highlighting the different films in which Fendi has been featured. The exhibition is held at Palazzo della Civiltà Italiana, the iconic Fendi headquarters in Rome.



FENDI CINEMA @ FENDI STUDIOS
Proiezioni quotidiane
I visitatori possono prenotare un posto a sedere in un Fendi Cinema allestito per l'occasione, il cui stile retrò si ispira alle sale di proiezione italiane d'un tempo. Ogni sera verrà proiettata una pellicola diversa in cui si potranno ammirare le creazioni realizzate da Fendi per il set.
L'accesso alla mostra e alle proiezioni è gratuito.





https://www.fendi.com/it/fendi-roma/progetti_speciali/fendi-studios

Y FELLINI SOÑÓ CON PICASSO


13 Feb. 2018 13 Mayo. 2018

Una mañana de 1962, el célebre director italiano Federico Fellini (1920-1993) se levantó y describió un encuentro con Picasso en El libro de los sueños, cuadernos en los que -a modo de antología onírica- escribía y dibujaba sus ensoñaciones a petición de su psicoanalista, Ernst Bernhardt, discípulo de Carl Gustav Jung. Así, entre noviembre de 1960 y agosto de 1990, Federico Fellini completó dos gruesos volúmenes con un extenso imaginario de personajes e imágenes, germen de escenas inolvidables en sus películas.
Pablo Picasso aparece representado en un primer sueño del 22 de enero de 1962, en el que Fellini y su esposa Giuletta Masina visitan la casa de Picasso, se reúnen en su cocina donde comparten una confortable escena de amistad. En sus memorias, el director afirma que “estábamos en una cocina, era claramente la cocina de su casa, una enorme cocina repleta de comida, de cuadros, de colores… Hablamos toda la noche”. Cinco años más tarde, el 18 de enero de 1967, sueña de nuevo con Picasso y  anota en su cuaderno: “Toda la noche con Picasso, que me hablaba, me hablaba… Éramos muy amigos, me mostraba un gran cariño, como un hermano mayor, un padre artístico, un colega que me coloca a su altura, alguien de la misma familia, de la misma casta…”. Hay un nuevo sueño en 1968, que no dibuja pero sí redacta, en relación a una falsa noticia sobre la muerte de Picasso. Finalmente, en julio de 1980, Fellini describe su cuarta y última ensoñación, en la que asegura que éste vuelve a hablarle como un amigo y un maestro: “Sueño con Picasso (un poco más desmejorado, consumido, pero todavía muy vital) que me habla sin parar”.  
http://www.museopicassomalaga.org/exposiciones-temporales/y-fellini-sono-con-picasso

RIDLEY SCOTT INTERVIEW ON ALL THE MONEY IN THE WORLD, KEVIN SPACEY AND CHRISTOPHER PLUMMER


The film director saved his latest film after its star, Spacey, was accused of sexual assault
Kaleem Aftab @aftabamon

‘I’m fast and I thought that I have to do something right now’ Sony Pictures

The impression one gets chatting to director Ridley Scott is that he’s a man who is not lacking in confidence or self-belief. Perhaps that is what comes from being a director with so many classics under your belt: Thelma & Louise, Blade Runner, Alien, and Gladiator. It’s also a personality trait that enabled him to act decisively and quickly when his latest film, the J Paul Getty biopic, All the Money in the World, found itself embroiled in the sexual allegations made against its star Kevin Spacey. 

Spacey had been touted as an awards contender playing the billionaire who refused to pay Italian kidnappers a random fee for his 16-year-old grandson in 1973. Then came the allegation made by actor Anthony Rapp that Spacey had made untoward sexual advances towards him at a party when he was just 14 years old. This accusation opened the floodgates and soon a RIDLEY SCOTT INTERVIEW ON ALL THE MONEY IN THE WORLD, KEVIN SPACEY AND CHRISTOPHER PLUMMER

The film director saved his latest film after its star, Spacey, was accused of sexual assault
The impression one gets chatting to director Ridley Scott is that he’s a man who is not lacking in confidence or self-belief. Perhaps that is what comes from being a director with so many classics under your belt: Thelma & Louise, Blade Runner, Alien, and Gladiator. It’s also a personality trait that enabled him to act decisively and quickly when his latest film, the J Paul Getty biopic, All the Money in the World, found itself embroiled in the sexual allegations made against its star Kevin Spacey. 

Spacey had been touted as an awards contender playing the billionaire who refused to pay Italian kidnappers a random fee for his 16-year-old grandson in 1973. Then came the allegation made by actor Anthony Rapp that Spacey had made untoward sexual advances towards him at a party when he was just 14 years old. This accusation opened the floodgates and soon a number of sexual misconduct allegations were made against the former Old Vic artistic director and both Netflix, who were in the midst of shooting the sixth season of House of Cards and Scott decided that they needed to jettison the actor from their projects.

All the Money in the World was pulled from the prestigious AFI Fest in a move seen as a precursor to the movie being withdrawn, or postponed from cinemas, but Scott had other ideas. The British director was adamant that he didn’t want the release date of his film moved. He knew that Danny Boyle had been shooting Trust, an eight-part television series on the kidnapping that is at the centre of All the Money in the World and with that series due to air in the spring he made the decision to quickly order reshoots with Christopher Plummer replacing Spacey in the Getty role.
Plummer was originally in the running to play J Paul Getty (Sony Pictures)

“I’m fast and I thought that I have to do something right now,” says Scott. “So already at that moment, I was discussing with my partner who had paid for the film, [billionaire] Dan Friedkin, if I can get Christopher Plummer, we can be off and running and I’ll be shooting it in nine days.”

Friedkin stumped up $10m to fund the reshoots. If it had not been such a major story it would be impossible to know that Plummer hadn’t been involved all along. Scott says that when Spacey was in the role it was a much colder version of Getty, but now, “Christopher is both sympathetic and cruel sometimes”.
The choice of Plummer came easily as he was being considered when Spacey was originally cast. “It was a toss up between the two,” says Scott. The advantage of Plummer was that he is an octogenarian as is the character depicted in the film, but it made business sense at the time to give Spacey prosthetics and age him up. “Kevin had a big profile with the success of House of Cards and he was useful on a commercial level.”




http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/films/features/ridley-scott-interview-all-the-money-in-the-world-kevin-spacey-christopher-plummer-a8147631.html

viernes, 23 de febrero de 2018

IN EDO JAPAN, ARTISTS CAPTURED WHALES LIKE NEVER BEFORE


The whaling industry was an important economic force in both the United States and Japan, but each society captured the subject matter very differently in art.
Claire Voon

Anonymous, section detail of “Geigyo Hinshu Zukan” (Fourteen Varieties of Whales) (1760) (all images courtesy New Bedford Whaling Museum)

In June of 1798, a 55-foot-long humpback whale drifted into Edo’s Shinagawa Bay, drawing crowds to the beach to marvel at the trapped cetacean. Naturally, the rare occasion drew artists, too. They immortalized the event in woodblock prints and watercolor scrolls, and the images proved so popular that versions were produced and disseminated over the following decades. One particularly lively scene was rendered by Katsukawa Shuntei, who painted boats filled with revelers enjoying sake on rolling waves, watched from the shore by elegantly dressed courtesans. Curiously, while Shuntei likely witnessed the event firsthand, he took great creative liberty with his visual account, recording not one whale, but two.
His print exemplifies traditional Japanese whaling as a cultural phenomenon that engaged the entire village communities. This ancient proverb, often appearing on prints, speaks to the significance of a successful whale hunt: “One whale makes seven villages prosperous.”


The importance of whaling to the local economy and cultural traditions is evident in companion exhibitions at the New Bedford Whaling Museum, Enlightened Encounters: The Two Nations of Manjiro Nakahama and The East Unlocks its Gates: American Whalers and Trade in Asia. Together, they explore Japanese whaling culture in the first half of the 19th-century as it was contemporaneous to the burgeoning American whale fishery. Manjiro Nakahama, a Japanese whaler who spent a decade working in the American industry before returning home, serves as a focal point of this joint history; he played a pivotal role in building relations between the two countries, serving as a translator and whaler with knowledge of both whaling cultures.

The exhibitions feature images of American whalers such as Captain Mercator Cooper, the first American to formally visit Edo; letters Manjiro sent to Americans; logbooks; and Japanese objects acquired by Cooper. It’s the prints of Japanese shore whaling from the 1820s to 1840s, however, that stand out most, for their dynamic and evocative scenes. They contrast starkly with artworks that depict Yankee whaling, and the differences are telling……………

https://hyperallergic.com/427016/enlightened-encounters-manjiro-nakahama-east-unlocks-its-gates/?utm_medium=email&utm_campaign=The%20Colorful%20Legacy%20of%20the%20Chinese%20Caribbean%20Diaspora&utm_content=The%20Colorful%20Legacy%20of%20the%20Chinese%20Caribbean%20Diaspora+CID_22200c9749217bd91f71a6d213a665bf&utm_source=HyperallergicNewsletter&utm_term=In%20Edo%20Japan%20Artists%20Captured%20Whales%20Like%20Never%20Before

EL BARÍTONO MATTHIAS GOERNE INICIA LA SERIE DE CONCIERTOS DE SCHUBERT EN EL CICLO DE LIED


Primero de los tres conciertos que el intérprete protagonizará con los grandes ciclos de canciones del genio alemán en la presente temporada
El barítono Matthias Goerne inicia la serie de conciertos de Schubert en el Ciclo de Lied

* El lunes 26 de febrero, Goerne cantará Die schöne Müllerin (La bella molinera) junto al pianista Markus Hinterhäuser en el Teatro de La Zarzuela, al que seguirán Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)

El Teatro de la Zarzuela, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentarán el próximo lunes, 26 de febrero, a las 20h00, en el XXIV Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne, visitante habitual y uno de sus artistas favoritos (ha actuado en 15 ocasiones), interpretando junto al excelente pianista Markus Hinterhäuser, Die schöne Müllerin (La bella molinera) de Franz Schubert. Siempre con programas especialmente exigentes, sus sorprendentes propuestas en una voz masculina revelan su permanente inquietud en este género.

En esta temporada abordará los tres grandes ciclos schubertianos -tras Die schöne Müllerin, llegarán Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)- que ya ha interpretado por separado en esta serie musical, pero esta vez en tres recitales que tienen poco más de dos meses de diferencia y con el mismo acompañante.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49. La interpretación por parte de Goerne de estas piezas se convierte en una de las citas indispensables de esta temporada para los amantes de la lírica.


Como "Artista Residente" del CNDM en la presente temporada, Goerne participa en tres conciertos más: junto a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM (Titular del Teatro de la Zarzuela) con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, cantó el pasado noviembre los Kindertotenlieder de Gustav Mahler. Además pisará la escena del Teatro Real en el Elías de Mendelssohn, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño el próximo 8 de abril. Un par de días después, ofrecerá, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional, y acompañado por el Cuarteto Belcea, el melancólico Notturno, op. 57 de Othmar Schoeck con poemas de Lenau.
Programa
Schubert-Zyklus
Franz Schubert: Die Schöne Müllerin
lunes, 26 de febrero de 2018