domingo, 19 de noviembre de 2017

À L’AUBE DU JAPONISME PREMIERS CONTACTS ENTRE LA FRANCE ET LE JAPON AU XIXE SIÈCLE

Exposition - 22 nov. 2017 > 20 jan. 2018 à 12h

Pour son 20 e anniversaire, la MCJP évoque les premiers rapports du Japon avec la France au XIXe  siècle à l’aube du japonisme à travers de nombreuses pièces: maquettes de maisons, objets en laque, nacre ou céramique, livres, peintures, estampes et photographies. Cette exposition présente aussi les ambassades japonaises sous le Second Empire et l’époque où les artistes français découvrent avec admiration le chatoiement des kimonos, les vives couleurs des estampes des années 1840-1865 et le naturalisme des livres illustrés de Hokusai et ses contemporains.


À l’époque des shoguns Tokugawa installés à Edo, le commerce se faisait par l’intermédiaire des Hollandais et des Chinois depuis leurs comptoirs de Nagasaki. Lors de leur retour en Europe, les responsables du comptoir hollandais rapportaient des collections japo - naises, tandis que les Français qui se rendaient en Chine pouvaient y acquérir des objets japonais. Le Japon fermé était moins coupé du monde qu’on ne l’imaginait et connaissait déjà diverses choses de la France, notamment les événements de la Révolution et de l’Empire.
Après la signature du traité de commerce et d’amitié entre le Japon et la France en 1858, le commerce s’intensifia. Le Japon participa officiellement pour la première fois à une Exposition universelle, celle de 1867 à Paris, à l’occasion de laquelle le jeune prince Akitake Tokugawa visita la France, à la veille de la restauration de Meiji qui transforma radicalement le Japon.

L’exposition À l’aube du japonisme réunit des objets – souvent inédits – conservés en France, qui illustrent la connaissance que les Japonais avaient des Français : des médaillons en laque noir et or d’après des gravures transmises par les Hollandais, mais aussi des peintures de Hokusai offertes à la Bibliothèque nationale de France par le fils du capitaine du comptoir de Deshima, qui montrent la familiarité de Hokusai avec la perspective occidentale.
Des objets japonais, laques, céramiques, modèles de maisons, qui étaient en vente à Paris dès 1840, seront également présentés, de même que des pièces japonaises collectées par les membres de la mission française lors de la signature du traité de 1844 avec la Chine, et qu’une remarquable vue de Deshima, en laque et nacre.

La collection du baron de Chassiron, membre de l’ambassade française au Japon de 1858, les photographies faites à Paris des membres des ambassades japonaises de 1862 et 1864, des porcelaines, des albums d’estampes, des livres illustrés présentés à l’Exposition universelle de 1867 montreront comment, en peu d’années, s’installe un réel engouement pour l’art japonais qui prend bientôt le nom de japonisme.

 Commissaire de l’exposition : Geneviève Lacambre, conservateur général honoraire du patrimoine


https://www.mcjp.fr/fr/agenda/a-laube-du-japonisme

JORNADAS FOTOGRAFÍA, MUSEOS E HISTORIA. EXPOSICIÓN HISTÓRICO ETNOGRÁFICA 1893


La "Exposición Histórico-Natural y Etnográfica de 1893" es el resultado del estudio de los 32 positivos en papel tomados con motivo de la celebración de la exposición de homónimo nombre, que se conservan en el archivo fotográfico del MAN.

Este sitio web (https://buff.ly/2AR18N8) pone a disposición de todas las personas interesadas los resultados del trabajo realizado a partir del estudio de diversa documentación y de las fotografías que, tomadas con motivo de esta exposición, conserva el Museo. Y además, ya está disponible la descarga gratuita de la publicación en el siguiente enlace: https://buff.ly/2iqbxsD

U.S. MILITARY CLAIMS OWNERSHIP OF ART MADE BY GUANTANAMO BAY DETAINEES

By Isaac Kaplan


Ghaleb Al-Bihani, Untitled (Blue Mosque), 2016. Courtesy of John Jay College of Criminal Justice.

U.S. authorities have halted the release of art created by Guantanamo Bay detainees after an exhibition of their work went on view in New York City in October. Over 30 artworks made by current and former detainees, now on display at the John Jay College of Criminal Justice as part of “Ode to the Sea: Art from Guantánamo Bay,” reportedly caught the notice of the U.S. military. It has since suspended the transport of art out of the prison, asserting that the works are property of the United States government.
“I did this show to try and help people see that detainees are human beings and give detainees another way to think about themselves: as artists,” said Erin Thompson, professor of art crime at John Jay and co-curator of the exhibition. “The authorities saw it as a risk and just slammed shut that possibility.”
The decision reverses prior policy under the Obama administration, which allowed artwork created by the 41 detainees still held in the controversial military prison to be transported out by their lawyers following an inspection. Thompson said that detainee lawyers have told her the crackdown on artwork is “yet another clear demonstration of the human rights violation that is Guantanamo.”
News of the military’s decision was first reported by the Miami Herald. The detainees’ lawyers discovered this change in policy after a recent visit, when, without explanation, prison authorities did not release any new artwork. One attorney told the paper that authorities planned to burn artwork created by prisoners, while another said her client was told art could still be created but in limited numbers, with additional works to be “discarded.”
Navy Commander Anne Leanos, spokesperson for the military, refused to confirm or deny that work would be burned in a comment provided to the Herald. “Transfers of detainee-made artwork have been suspended pending a policy review,” she told the paper in a statement.
Major Ben Sakrisson, spokesperson for the Department of Defense, told Artsy that the art classes at Guantanamo Bay are continuing, but reiterated that the work is U.S. property and that “the appropriate disposition of this property has been clarified with our staff at Joint Task Force Guantanamo Bay and will be accounted for according to applicable local procedures in the future.”
The military also has questions about how proceeds from any work sold in Thompson’s exhibition are being used, as Sakrisson previously told the Herald. Thompson noted that only work by detainees tried and released by a military tribunal is available for sale. One former inmate, for example, wanted to use proceeds to send money to his sick mother in Yemen, the Herald reported.
That authorities would raise questions about released prisoners selling work made while being held without trial is “an illustration of how these men can never escape,” Thompson said. “They’re always under suspicion.”
Formal art classes began at Guantanamo Bay in 2009. The courses became highly popular among detainees, though even sanctioned artwork could be confiscated during cell searches. Originally, authorities were strict about which images could leave Guantanamo Bay, with censors even blacking out doodles in detainees’ letters out of concern that they contained secret messages. But the policy loosened over time, with the military creating a dedicated form for applying to have artwork cleared, according to the Herald. Still, access to art materials and classes is entirely at the discretion of military authorities, who could halt or curtail these liberties at any time and without explanation, as they have in the past.

Muhammad Ansi, Untitled (Alan Kurdi), 2016. Courtesy of John Jay College of Criminal Justice.

The works on view at John Jay display a range of artmaking, from a model ship built by Moath al-Alwi, to a drawing of the drowned child refugee Alan Kurdi by Muhammad Ansi, to a pigment-on-paper image of the Statue of Liberty by the same detainee.
Observers have noted that the military has long recognized that while some of these artworks can serve as a way to promote a more positive image of the prison, they can also convey damaging messages. “Depictions of suffering are more or less categorically banned from release,” one lawyer wrote in the exhibition catalogue. Aliya Hana Hussain, a liaison between lawyers and grassroots activists, described the display of (less incendiary) detainee artwork during media tours as a tool meant to give the impression that the prison was “a better, more humane place.”
Detainees interviewed for the exhibition detailed the importance of artmaking while being incarcerated. “I believe that art is a way to try and express the pain (physical and mental) that comes from having been tortured for over 14 years,” wrote Ammar al-Baluchi, who is still held at Guantanamo, in the catalogue. “Art work represented a form of expression during my prison time: expression of my feelings about the unclear future; things we were deprived of; things that I dreamed of,” wrote Djamel Ameziane, who was released in 2013.


https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-military-claims-ownership-art-made-guantanamo-bay-detainees?utm_medium=email&utm_source=11307305-newsletter-editorial-daily-11-19-17&utm_campaign=editorial&utm_content=st-

EL TENOR XALAPEÑO JAVIER CAMARENA ILUMINA CON SU TALENTO LÍRICO ESTA TARDE (19 DE NOVIEMBRE) EL TEATRO DE LA ZARZUELA DE MADRID CON REPERTORIO ESPAÑOL

Javier Camarena es un tenor acrobático, carnal, atmosférico, expresivo, que tiene un fiato de virtuoso, una emisión elegante. Es especialista en salvar coloraturas imposibles, con agudos de impacto. Además es una persona proteica, muy risueña, muy festiva, claro, limpio, pulcro, un punto ingenuo y generoso con su arte. Tiene una musicalidad arrolladora y se entrega como un habitante de los mares, sin fronteras, porque es, como diría Pablo Neruda, oceánico.
Es una mañana seca pero muy fresca en Madrid, cuando llego a la cita con Javier Camarena, en el hotel vecino del teatro donde estos días, canta zarzuela.

Vestido de forma “casual”, destilan afabilidad sus inesperados ojos verdes cuando me dice, por recordarle que me dijeron que tenía media hora para la entrevista, “no hay problemas de tiempo, no te preocupes”.

A.P.: Esta es una pregunta evidente: De sus famosísimos “encore” en el Metropolitan de Nueva York, con “La cenerentola”,  en el Teatro Real de Madrid, con “La fille du régiment”, ¿cómo lo siente? Solo hay tres tenores que lo han conseguido. Es un clásico de pregunta y se la habrán hecho muchas veces, lo siento…
J.C.: En el Met también fue “Don Pasquale”, “La fille” también en Barcelona, en las Palmas…
A.P.: ¿El público va a los teatros especialmente  a escuchar sus bises? (Risas).
J.C.: Especificando aún más, en el Met fue inesperado, muy emocionante, muy especial…Lo que puedo decir es que hay una diferencia muy clara en la que se percibe el aplauso, la manera en la que el público aplaude: cuando se reconoce la calidad vocal, lo virtuoso que hayas sido, pero hay otro que es mucho más trascendental que se siente. La atmósfera cambia por completo dentro de la sala que está llena de gratitud. Porque creo que uno como artista, como intérprete, lo que busca es que la gente reciba el mensaje que se envía no solo por los oídos, sino también por el corazón y cuando se toca esa parte, cuando se tocan esas fibras, entonces el público reacciona de una forma distinta. Y cada una de esas noches han sido así, tan especiales y sobre todo no solo la admiración, sino la manifestación de una real gratitud y es bello y es mágico vivir esos momentos.


A.P.: Acaba de cantar con éxito “La favorite” en el Teatro Real, donde por cierto vuelve para cantar “Lucia” en junio y ahora da un recital de zarzuela, en un coliseo que vio cantar a tantos grandes como a Piero Cappuccilli, María Callas, Plácido Domingo, ¿cómo se siente, porque hay aquí una enorme tradición y el público que acude a La Zarzuela es un gran conocedor de este tipo de repertorio, es un desafío…
J.C.: Claro que lo es, pero es bueno salir de la zona de confort. Lucia y Favorita son parte de este desarrollo que estoy haciendo  hacia una lírica…
A.P.: Que sigue siendo belcantista…
J.C.: La zarzuela es otro temperamento…otra forma de expresión…
A.P.: ¿Más cerca de la música popular mexicana, peruana, hispanoamericana?
J.C.: Por supuesto que ayuda mucho el idioma, pero no deja de ser puramente español y tiene este feeling, estas cosas con pasión, con entrega. Las romanzas que seleccionamos son de una belleza increíble.
A.P.: Además cantar en español, lo he hablado con amigos cantantes, con expertos, es de una dicción complicada. No siempre se entiende bien, no siempre se sigue el texto… ¿Cómo se las arregla?, porque hay idiomas que parecen hechos naturalmente para la música, como el italiano…
 J.C.: Yo creo que ese es un tema tabú y hay mucho de mito. Le corresponde a cada cantante responsabilizarse de hacer una buena dicción. Yo el francés no lo hablo, pero he procurado estudiarlo y antes de ”La favorite” he trabajado mucho con una coach. Hay quienes dicen que nasalizo, pero, el francés, por ejemplo, tiene muchísimas nasales y yo quiero ser fiel a esa parte de la fonética, es obvio que lo voy a hacer nasal. No hay otra manera de hacerlo. En el caso del español, del castellano, me gusta cantar en mi idioma. Canté todos los géneros, ranchera, rock, hay que hacer las cosas bien, es eso.
A.P.: En su repertorio sobresalen óperas del belcanto, Mozart, Verdi o compositores franceses como Gounod (”Roméo et Juliette”), Bizet, (“Les pêcheurs”), además tienes un álbum de Gounod…”La colombe”.
J.C.: Sí, “La colombe”, es una ópera muy poco conocida, pero es preciosa. Una comedia muy fina, una obra cortita, pero muy bonita, los personajes están muy bien definidos, a mí me gustó mucho.
A.P.: Otra pregunta habitual a los cantantes: ¿Cómo se plantea el futuro de su tessitura, en qué roles?, porque la voz va cambiando…los cantantes que yo he entrevistado me dicen: “Ahora canto esto, haré tal personaje cuando tenga tantos años, cantaré hasta que tenga determinada edad, o ese papel es para más adelante o no lo haré nunca”…
J.C.: Yo no tengo ninguna urgencia por ir hacia un repertorio más pesado, hay mucho que probar en el repertorio belcantista. La gente tal vez solo conoce “Lucia” o las óperas más tradicionales, pero hay una tendencia ahora cambiante. No hace mucho hicieron “Rosmonda” en Inglaterra y yo sí que quiero hacer roles más líricos pero aún siempre en el belcanto. Seguir también con Mozart. He cantado “La finta”, “Così fan tutte”, “El rapto”. Es un compositor que a mí me fascina, sus serenatas para vientos, los conciertos para piano, la música sacra, las sinfonías. Es de mis compositores favoritos. Es bueno seguir conservando Rossini, que mantiene la voz flexible. En las futuras temporadas no hay tanto nuevo, “Puritani”, “La fille” otra vez, aunque esta no es una ópera que quiera hacer toda la vida, porque mi interés musical además está en otro lado. Si me la hubieran ofrecido hace diez años, pero ahora mi voz está en otro repertorio y, como bien mencionabas, la parte francesa, me llama mucho la atención.
A.P.: Como la “grand opéra”…
J.C.: Sï, pero voy por partes.
A.P.: ¿Cómo se pasa del repertorio lírico a la canción popular italiana, por ejemplo. Recuerdo “La danza” de Rossini, que cantas, o la música hispanoamericana o mexicana, porque parece para ti, “El ratón vaquero” es casi un himno… (Se ríe con una risa desenfadada y cómoda, creo que le gustó la pregunta). Es una maravilla de canción infantil y he visto un vídeo. El público se entusiasma de verdad.
J.C.: En lo que respecta a la canción italiana no hay tantas diferencias, puedo recordar las canciones de Tosti, pero hablando del bolero, de la música ranchera, creo que hay que respetar un poco el estilo y la forma de cantar en cada uno de estos géneros. A mí me encanta cantar boleros y cuando lo hago no es como si estuviera en un aria de ópera, porque pierde su esencia. Con una ranchera pongo la voz impostada y todo, pero hay inflexiones del estilo de la canción de mariachis, que no puedo quitar, porque cambiaría su idiosincrasia. 


En el caso del Ratón Vaquero, que es de un compositor, Francisco Gabilondo Soler, Cri-cri, igual. Era un compositor que escribió material para niños, pero no eran arias ni canciones, sino cuentos, porque a la vez que cantaba, las narraba. Entonces imponer la voz operística dentro de estos cuentos mancha y echa a perder lo que define al compositor, que era muy sencillo. “El ratón vaquero” es una de sus canciones más queridas, hasta la fecha, todos los niños conocen esta canción que ha trascendido más que cualquier otra. Así que, después de un concierto donde había hecho como 24 canciones y no había cantado esa precisamente, ya estaba yo dentro de las propinas, “El ratón” fue la que cerró el concierto y fue la apoteosis de la noche. Todo el mundo la quiere y la disfruta y es muy lindo porque también dimos un concierto masivo en Mexico, fueron como 25.000 personas, en un jardín grandísimo, los papás bailaban con los niños esa música, disfrutando y los abuelos. Es la magia que tiene la música y contestando más en concreto a tu pregunta, creo que es importante respetar las características de cada género y no simplemente imponer la voz.
A.P.: ¿Y el sentido del humor qué papel juega, (se ríe de nuevo sin cortapisas), porque “El ratón” tiene también una carga de profundidad, una segunda lectura. Y en la ópera, una “Fille du régiment” por ejemplo, no se podría hacer sin sentido del humor…


J.C.: Bueno, habría dos vertientes, una la comedia, que lleva a la parte operística teatral, y la comedia es algo que he hecho desde el principio porque he estado muy involucrado en la tradición lírica bufa, con las óperas de Rossini, como “La italiana en Argel”, “Le comte d´Ory”…
A.P.: “Don Pasquale”… 
J.C.: “La cenerentola”, “El barbero”, “El elixir” y me encanta este tipo de obras. Me fascina hacer comedia.
A.P.: Hay que ser también un buen actor.
J.C.: Lo importante de hacer comedia es no ser chistoso, que lo que haga reír sea la situación por la que atraviesa un personaje que está viviendo tan seriamente como puede esa situación y es lo que hace reír al público. La situación es la que te hace reír. En lo que se refiere a mis presentaciones, a mis conciertos, la gente que ha ido a mis conciertos en Sevilla, en Oviedo, sabe que me gusta establecer la cercanía con el público, en la ópera en cambio estás más lejos, “allá”, el concierto puede ser tan íntimo como uno lo permita y el sentido del humor, retomando el tema, para mí es fundamental. Y en el caso de la música de Cri-cri, donde hay muchas situaciones chistosas que se pueden contar, se trata de un escritor de monólogos, y hay que saber hacerlo.
A.P.: ¿Qué diferencia hay entre cantar en Europa, como en Berlín, Madrid, Zürich o en América, como en Los Angeles, Chicago, Washington, Nueva York o en el Teatro Colón de Buenos Aires? Como esta entrevista va para Música Clásica de Buenos Aires, estarán esperando sus noticias.
J.C.: Lo del Colón fue especialmente bonito porque había mucha expectación, desde hacía unos 4 años tenía constantes preguntas en Facebook, en redes sociales sobre cuándo iba a cantar al Colón. Del concierto en Buenos Aires, que fue en julio, me enteré unos dos años antes.
A.P.: Fue precioso porque el repertorio era una tentación. Bel canto, tradición francesa, Verdi, Donizetti, “Granada” de Agustín Lara y “Alma mía” de María Grever, acompañando a Gardel.
J.C.: Cuando empecé a hacer guiños de que “posiblemente, dentro de poco”, me esperaban y luego, creo sin lugar a dudas, que mi velada en el Teatro Colón fue el mejor concierto que he dado, el mejor. Fue prácticamente perfecto, la relación con la orquesta, el público, mi propia ejecución, mi canto, todo fue perfecto en realidad. Fue una maravilla ver la reacción del público.
A.P. :¿Te has sentido arropado, cuidado, allí?
J.C.: Me acuerdo que empecé el concierto diciendo que estaba muy nervioso y era la verdad, estaba muy nervioso, muy emocionado, por estar en ese escenario tan importante, en la historia de la ópera…
A.P.: Con un público inmisericorde, muy culto, muy preparado, pero que no tiene piedad, un poco como en los grandes teatros italianos, La Scala, los Regios, el de Parma, el de Torino…Pero a la vez es un público agradecido y muy apasionado si se hacen bien las cosas.
J.C.: La del Colón fue una experiencia muy bella, estuvieron entregados y yo me fui de Buenos Aires con el corazón pletórico y el estómago lleno también porque la comida es deliciosa. Esa ensalada que hacen con palmitos y palta y esa salsa…es algo de otro mundo.
A.P.: Su propina de “El día que me quieras” fue todo un homenaje a la cultura rioplatense, no?
J.C.: Sí, sí, no era la versión más tanguera, y tampoco lo es la versión que yo escuché del propio Gardel. Es una letra y una música con mucho de nostalgia y de utopía, de ensoñación. Precisamente se trata de “El día que me quieras”, no es “ya me quieres”. Tampoco es “Si no me quieres me mato”, hay tantos tangos bastantes desgarradores, pero este arreglo que me hizo Dimitri, compositor ruso radicado en Mexico, es muy parecido a la versión que hacía Alfredo Kraus.
A.P.: En España Alfredo Kraus es una leyenda, justamente…siempre llorado, recordado. Y muchos siguen lamentando que no entrara en aquel conjunto de “Los tenores”, podrían haber sido “los cuatro tenores”, en realidad.


Teatro de la Zarzuela

¿Con qué directores de orquesta se encuentra más cómodo para trabajar, porque el maestro que lo dirige en La Zarzuela es de Guanajato, Iván López Reinoso, y en el Colón, con otro compatriota como Enrique Diemecke. ¿Hay más feeling, más empatía?, bueno, además ha trabajado con muchos otros.
J.C.: En el caso del Colón el maestro Diemecke es el director titular y realmente fue muy buena la colaboración, en el caso de Iván, es un director mexicano muy joven, contratenor también, muy buen músico, muy completo, con el que me gusta compartir por la confianza que puedo tener con él. Y eso es lo que a mí me gusta, trabajar con un director que no sea un dictador, sino que sea también que forma parte de un equipo y haciendo música con un artista que tiene su visión. Lo ideal es tener la posibilidad de hacer música en equipo.
A.P.:¿Cómo se conjuga su carrera musical con una familia, porque tienes una familia?
J.C.: Sí no es fácil, estamos en contacto todo el tiempo, hoy día tenemos la gran ventaja de estar a un click para hablar y vernos. Cuando me fui de México a Zürich donde vivo, un año que pasé lejos de la familia, apenas empezaban las vídeollamadas. Antes era carísimo, hoy con el teléfono, la tablet y en mi caso es importante, que mis hijos me vean y platicar juntos y además como vivimos en Zürich, tienen un programa de estudios en donde hay bastantes vacaciones.
A.P.: ¿Qué significado tiene para ti cuidarte y cuidar la voz? Nadas, por ejemplo, como los alumnos de José van Damm en “El maestro de música”, aquella película mítica? El planteamiento de la música como una forma de estar en el mundo, la realidad se percibe de otra manera, como cantante, como músico, la relación con el maestro, que es fundamental.
J.C.: Sobre todo hoy día la carrera del cantante tiene una exigencia mucho mayor, todo va más rápido, nos desplazamos de un lugar a otro con rapidez. Hablabas de “La favorita”. Yo acababa de hacerla en Los Angeles, son 9 horas de diferencia horaria, batallando porque en Estados Unidos usan mucho el aire acondicionado, a todas partes donde vayas te sientes como en un congelador, la sequedad, incluso en la misma sala, era realmente complicado. Es muy difícil.  Yo estuve batallando mucho con eso. Canté la última función el 28 de octubre, todo el 29 fue el viaje y también con el miedo a perder los enlaces en los aeropuertos. De Los Angeles a Nueva York, vía Madrid, con retraso del vuelo, el miedo a perder la conexión y ahí ya empieza el stress. Llegué a las 8 de la mañana a Madrid y a ensayar a las 4 de la tarde. Parecemos atletas olímpicos, porque al final cantar es además una actividad física de alto rendimiento y hay que estar a la altura. Me gusta mucho caminar y es lo que más practico. Para la respiración, cuidar la alimentación, he tenido que dejar el picante mexicano de mi dieta. Pero, en vacaciones me desato.
A.P.: Otra pregunta de música española, tienes un homenaje a Manuel García, el padre de las Malibrán y Pauline Viardot en el Festival de Salzburgo. A García, que es delicioso, lo canta además  Cecilia Bartoli.
J.C.: Estuve precisamente cantando en Sevilla y fue un homenaje a Manuel García. Canté dos canciones pero tampoco es tan conocido en esa ciudad. García vivió casi siempre fuera de España. Es un personaje muy interesante en cuanto a su vida como artista, su vida privada, como padre, para lograr esas maravillas de hijos, porque aparte de las dos mujeres tuvo un hijo que será un experto en otorrinolaringología. El que empezó con los estudios de las cuerdas vocales. El como personaje en la música fue relevante y tomar esta parte de la historia de la música fue muy interesante. Escribe una obra en Mexico, “Gitano por amor”, una en francés, “Florestan”, hay que ver cómo fue influenciado por Mozart y por la amistad que tuvo con Rossini. También ha sido un trabajo investigar sobre su música que no siempre es de fácil acceso.
A.P.: ¿Cómo te definirías como cantante?
J.C.: Honesto y sincero. Me gusta ser así en todo lo que hago. El entregar mi canto tan limpio como sea posible, sin grandes manierismos, sin pasiones falsas. Lo que siento lo siento de verdad y trato de expresarlo también de acuerdo con lo que está escrito en la partitura. Sin imponer.
A.P.: ¿Fueron importantes para ti cantantes como Kraus, que ya mencionamos, Pavarotti o Richard Tucker, en cuya gala cantaste con Nadine Sierra? Hubo una larga época en que Tucker iba casi todas las temporadas a cantar al Colón y eran legendaria su prestación y el recibimiento del público. Aquí está bastante olvidado. ¿Cómo se define con respecto a estos artistas?



J.C.: Mis influencias son Pavarotti, Fritz Wunderlich y el maestro Francisco Araiza, sobre todo en el bel canto. De Richard Tucker conozco poco porque tenía otro repertorio. En cada uno hay algo importante que aprender, la elegancia, la sobriedad y la técnica impecable de Kraus, de Pavarotti el corazón, su sinceridad y entrega, del maestro Araiza, uno de los grandes tenores mozartianos de su tiempo, qué decir, sigue siendo mi maestro hasta la fecha. Se percibe cuando el cantante se desnuda y entrega algo más que la voz.
A.P..: ¿Qué espera de la vida Javier Camarena? Le hice una entrevista hace poco a Massimo Cavalletti y decía, “Yo, seguir cantando” y también dejarlo a tiempo y también hacer otras cosas en la vida. (Camarena se lo piensa bien y responde).
J.C.: Massimo Cavalletti, gran amigo. ¿Qué espero? Espero poder vivirla. Hoy día la música es mi profesión pero quiero trabajar para vivir y no al revés, a pesar de que es una profesión hermosísima y disfruto mucho cantando. Pero quiero en un futuro ser recordado no solo como cantante, quiero que me recuerden bien mi familia, mis hijos, no solo como cantante sino también como persona. Y espero vivir la vida al máximo y morirme satisfecho de haber aportado y aprovechado cada segundo, y vivirla intensamente.
A.P.: ¿Querrías agregar algo más?
J.C.: Pues nada, que espero muy pronto volver al Colón, me fascinó la gente, la comida.
A.P.: Y la vegetación, y los perfumes y el ambiente y los grandes espacios y los edificios, elegantes. Aunque tienen muchos problemas de todo tipo como tantos países en la actualidad y lo que visitan los turistas y la gente de paso, en general, es la parte más luminosa.
J.C.: Espero de verdad volver pronto. Me enamoré de Buenos Aires, del Teatro Colón, de la gente, espero regresar para seguir cantándoles.


En el futuro próximo Javier Camarena tiene previsto, en el festival de Salzburgo el homenaje a Manuel García, una María Stuarda de Donizetti en la Deutsche Oper de Berlín y en junio, Lucia di Lammermoor en el Teatro Real de Madrid.

A.P.: Muchas gracias por tu tiempo, Javier. Y nos vemos en tu concierto en el Teatro de La Zarzuela. Mucha suerte. A propósito, hacía mucho tiempo, mucho tiempo, que no me reía tanto. Gracias.


Alicia Perris

sábado, 18 de noviembre de 2017

LA FOLIE EN TËTE. AUX RACINES DE L'ART BRUT

16 novembre 2017 - 18 mars 2018
Exposition
Comme pour Entrée des médiums, en 2012, en s’ancrant dans la vie de Victor Hugo – la folie qui frappe son frère Eugène et sa fille Adèle –, l’exposition propose d’explorer la constitution d’un nouveau territoire de l’art. C'est l'occasion de présenter des collections d’œuvres d'internés constitués au cours du XIXe siècle par 4 psychiatres qui ont récupéré souvent en cachette, les œuvres des internés qu'ils suscitent parfois à des fins « d’art-thérapie ».



Ils en seront les premiers collectionneurs, les premiers  «critiques», leur souci de diagnostic et d’étude s’ouvrent sur la conscience. Refusant l’imagerie de la folie et sa mise en spectacle des troubles mentaux, l’exposition entend ne montrer que l’œuvre des malades et leur rendre hommage, en tant qu’artistes, comme elle rend aussi hommage aux psychiatres. Le parcours de visite, organisé de façon chronologique à travers quatre grandes collections européennes, met en lumière les œuvres les plus anciennes et peu ou pas vues en France.
Collection du Dr Browne
Fondé à Dumfries, en Écosse, en 1838, le Crichton Royal Hospital fut une institution pionnière en matière d’art thérapie. William A. F. Browne (1805-1885) y a réuni de 1838 à 1857 une importante collection des productions des patients, aujourd’hui conservée par les archives de Dumfries et du Galloway.
Collection du Dr Auguste Marie
Très tôt, Auguste Marie (1865-1934) porta attention aux travaux des malades, encourageant à la fois leur créativité et l’activité même de collection, en particularité lorsqu’il fut en poste à Villejuif, où il est nommé en 1900. Sa collection fut dispersée, mais une partie essentielle fut acquise par Jean Dubuffet et se trouve aujourd’hui à la Collection de l’Art Brut à Lausanne.

Collection Walter Morgenthaler
Conservée au Psychiatrie-Museum de Berne, cette collection est issue de l’asile de la Waldau (die Bernische kantonale Irrenanstalt Waldau), rendu célèbre par la présence de personnalité comme Robert Walser et surtout Adolf Wölfli reconnu comme une figure tutélaire de l’Art Brut. Le Dr Walter Morgenthaler (1882-1965) dirigea l’institution de 1913 à 1920.

Collection Prinzhorn
Commencée dès la fin du XIXe siècle à l’hôpital psychiatrique de l’Université de Heidelberg cette collection est devenue mythique par le livre publié à partir de son étude, en 1922, par Hans Prinzhorn (1886-1933), Expressions de la Folie, qui eut une grande influence sur les artistes d’avant-garde. C’est aussi dans cette collection que les nazis ont puisé les œuvres incluses dans l’exposition d’art dégénéré en 1937.
avec le mécénat du fonds de dotation Entreprendre pour Aider


http://www.maisonsvictorhugo.paris.fr/fr/expositions/la-folie-en-tete