domingo, 23 de febrero de 2020

COUNTRYSIDE, THE FUTURE. GUGGENHEIM


Countryside, The Future is an exhibition addressing urgent environmental, political, and socioeconomic issues through the lens of architect and urbanist Rem Koolhaas and Samir Bantal, Director of AMO, the think tank of the Office for Metropolitan Architecture (OMA). A unique exhibition for the Guggenheim Museum, Countryside, The Future will explore radical changes in the rural, remote, and wild territories collectively identified here as “countryside,” or the 98% of the Earth’s surface not occupied by cities, with a full rotunda installation premised on original research. The project presents investigations by AMO, Koolhaas, with students at the Harvard Graduate School of Design; the Central Academy of Fine Arts, Beijing; Wageningen University, Netherlands; and the University of Nairobi. The exhibition will examine the modern conception of leisure, large-scale planning by political forces, climate change, migration, human and nonhuman ecosystems, market-driven preservation, artificial and organic coexistence, and other forms of radical experimentation that are altering landscapes across the world.


Countryside, The Future is organized by Troy Conrad Therrien, Curator of Architecture and Digital Initiatives, Solomon R. Guggenheim Museum, in collaboration with Rem Koolhaas and Samir Bantal, Rita Varjabedian, Anne Schneider, Aleksander Zinovev, Sebastian Bernardy, Yotam Ben Hur, Valentin Bansac, with Ashley Mendelsohn, Assistant Curator, Architecture and Digital Initiatives, at the Guggenheim. Key collaborators include Niklas Maak, Stephan Petermann, Irma Boom, Janna Bystrykh, Clemens Driessen, Lenora Ditzler, Kayoko Ota, Linda Nkatha, Etta Mideva Madete, Keigo Kobayashi, Federico Martelli, Ingo Niermann, James Westcott, Jiang Jun, Alexandra Kharitonova, Sebastien Marot, Fatma al Sahlawi, and Vivian Song.

https://www.guggenheim.org/exhibition/countryside

ARSENICO E VECCHI MERLETTI Teatro Coccia Novara 22 febbraio 2020


D’accordo che a Carnevale ogni scherzo vale, ma in questo periodo carnascialesco al Coccia di Novara bisogna andarci con l’antidoto, infatti dopo Donna di Veleni ecco che porta in scena l’esilarante Arsenico e vecchi merletti con le due interpreti che rappresentano una cospicua parte del teatro italiano del ‘900.

Di Joseph Kesserling
Con ANNA MARIA GUARNIERI e GIULIA LAZZARINI
Traduzione di Masolino d’Amico



Martha Brewster                                        Anna Maria Guerrieri
Abby Brewster                                            Giulia Lazzarini
Giula Stone                                                 Maria Alberta Navello
Teddy Brewster                                          Mimmo Mignemi
Mortimer Brewster                                               Paolo Romano
Jonathan Brewster                                    Luigi Tabita
Dottor Einstein                                          Tarcisio Branca
Reverendo Stone e Signor Spooner        Bruno Crucitti
Sig. Johnson- Tenente Rooney               Francesco Guzzo
Agente Mullihgan                                      Daniele Biagini
Agente Brophy                                            Lorenzo Venturini

Regia Geppy Gleijeses
liberamente ispirata alla regia di Mario Monicelli
Scene  di Franco Velchi
Musiche Matteo d’Amico
Artigiano della luce Luigi Ascione

Produzione Gitiesse Artisti Riuniti

La scena è quella classica con le due porte laterali, la scala centrale che porta alle camere del piano superiore ed al centro il tavolino, dove le due amabili signore accolgono i ‘loro signori’, ovvero gli inquilini ai quali affittano le camere.
Sul tavolino, oltre ai bicchieri di cristallo, talvolta compare una bottiglia di rosolio, la quale, insieme alle due deliziose signorine Brewster diviene protagonista, anzi ‘la protagonista’: si tratta infatti della bottiglia di rosolio, con cura amalgamato con veleni, che le signorine servono appunto ai ‘loro signori’ quando li vogliono aiutare a lasciare questo mondo con il sorriso sulle labbra. I cadaveri, ormai tredici, vengono seppelliti dal folle nipote Teddy nel canale di Panama, ovvero nella cantina dell’abitazione. Un susseguirsi di situazioni esilaranti trasformano il noir in un quadretto quasi ‘per bene’.


La Compagnia teatrale è veramente abile nella recitazione, utilizzando tutte le tecniche possibili per divertire il pubblico che infatti si diverte. I personaggi sono tutti ben definiti e senza nulla di caricaturale riescono ad immergere lo spettatore in una situazione quasi reale. Ovviamente non mancano alcune gags, sempre nel totale buon gusto e senza esagerazioni, che rendono lo spettacolo decisamente gradevole e le due ore ed un quarto filate e senza intervallo, scorrono sul filo del divertimento.

Sinceramente ogni interprete meriterebbe una nota di plauso ed una descrizione dell’interpretazione dei vari personaggi, ma la presenza in scena di due pilastri del teatro italiano, inevitabilmente catturano i consensi, anche in relazione alla loro età ed all’immutabile se non migliorata capacità interpretativa. Si sta parlando di Giulia Lazzarini e  Anna Maria Guarnieri rispettivamente nei ruoli di Abby e Martha.

Il tempo per loro, artisticamente parlando,  non pare trascorso e con vitalità inaspettata utilizzano la camminata, l’apertura delle porte con un colpo di sedere, i maliziosi sorrisini d’intesa, l’assoluta freschezza interpretativa che portano ad assistere ad una rappresentazione ‘reale’, tanto sono credibili e convincenti.

La regia di Geppy Gleijeses è ispirata alla prima di Mario Monicelli, che quelli della mia età ricordavano perfettamente.

Un plauso!
Renzo Bellardone 

viernes, 21 de febrero de 2020

EL ROTO 21 FEBRERO.EL PAIS


EN MADRID, JOAQUIN DE LUZ, DIRECTOR DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, GALVANIZA EL CASINO CON SU AURA

INFORMACIÓN OFICIAL
Destacado bailarín de danza clásica, coreógrafo y director artístico
Nacido en Madrid, en 1976

Empezó sus estudios de ballet en la escuela de Víctor Ullate. En 1992 ingresó en su compañía y permaneció tres años. Allí interpretó coreografías de Ullate, Eduardo Lao, Nils Christie, Hans van Manen, Maurice Bejart, Rudy van Dancing, Misha van Hoeke, y George Balanchine. En 1995 fue invitado por Fernando Bujones a bailar con el Ballet Mediterráneo.

En septiembre de 1996, el Ballet de Pennsylvania le ofrece formar parte de la compañía como bailarín solista, donde interpretó papeles principales en los clásicos Diana y Acteón, Coppelia, La Bella Durmiente, así como las piezas de Lynne Taylor-Corbette, Hans van Manen, Matthew Neenan y George Balanchine, Nutcraker, Tarantella, y Who Cares, de este último.

En diciembre de 1997, comienza a bailar en el cuerpo de baile del American Ballet Theater en Nueva York, siendo nombrado un año después bailarín solista. En sus siete años de estancia en el ABT interpretó importantes papeles principales como El ídolo de bronce (papel del que contó jugosas anécdotas en su comparecencia en el Casio, Solor en La Bayadère,(Natalia Makarova después de Marius Petipa), Red Cowboy en Bil y The Kid, Champion Roper en Rodeo (A. Demille), Blue boy en Le Patineurs (Ashton), primer marinero en Fancy Free (Jerome Robbins), Birbanto en Le Corsaire (A. M. Holmes), Turning boy en Etudes (H. Lander), Benno en Swan Lake (Kevin McKenzie después de Marius Petipa and Lev Ivanov), Clear (Stanton Welch), Black Tuesday (Paul Taylor), Symphonieta, Stteping Stones (J. Kylián) Known by heart (T. Tharp), Smile with my heart (Lar Lubobitch), Gong (Mark Morris), Sin and Tonic (James Kudelka), Spring and Fall (John Neumier) Gaite Parisienne (L. Massine) Yellow couple in Diversions of Angels (M. Graham), La Fille mal Gardee y Midsummernight’s Dream (Ashton), Variations for four (A. Dolin), Bruch Violin Concerto No. 1 (Clark Tippet) y Symphony in C, Theme and Variations (George Balanchine).


En 2003 se incorporó como bailarín solista al New York City Ballet y fue nombrado bailarín principal dos años después en 2005. Representando a esta compañía ha bailado en el Lincoln Center neoyorkino, así como en los más importantes teatros del mundo. En Ballo della Regina, Coppélia, Divertimento de 'Le Baiser de la Fée', Donizetti Variations, The Nutcracker, Harlequinade (Harlequin, Pierrot), A Midsummer Night's Dream, Prodigal Son, Raymonda Variations, Rubies from Jewels, La Source, Symphony in C, Tarantela, Theme and Variations, Tschaikovsky Pas de Deux, Union Jack, Valse-Fantaisie, Vienna Waltzes y Sonatine  de G. Balanchine, Fearful Symmetries, A Fool for You, Jeu de Cartes, The Magic Flute, Naïve and Sentimental Music, Octet, The Sleeping Beauty, Swan Lake, Todos Buenos Aires y Zakousky de Peter Martins. Andantino, Brandenburg, The Concert, Dances at a Gathering, Dybbuk, Fancy Free, Four Bagatel es, Interplay, The Four Seasons, The Goldberg Variations, Other Dances, Piano Pieces de Jerome Robbins, Makin’ Whoopee from Double Feature de la coreógrafa estrella de Broadway Susan Stroman y Mercurial Manouvers de Cristopher Wheeldon.

Algunos de los roles creados para él incluyen Slice to Sharp, de Jorma Elo, Bal de Couture, Romeo & Juliet, de Peter Martins, Outlier, de Wayne McGregor, Year of the Rabbit, de Justin Peck, Concerto DSCH y Odessa, de Alexei Ratmansky, DGV: Danse à Grande Vitesse y Shambards de C. Wheeldon.

Joaquín De Luz ha aparecido como artista invitado con numerosas compañías internacionales como la Compañía Nacional de Danza de España, American Ballet Theater, San Francisco Ballet, Stanivslasky Theater en Moscú, Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires(para el que tiene agradecidas palabras de reconocimiento que se pueden escuchar en el audio aquí abajo) y el Ballet Nacional de Cuba, entre otras.

Entre sus múltiples actuaciones en galas internacionales y celebrados eventos destacan Stars of the 21st Century en París y Nueva York, Intensio, José Carreño and Friends y The World of Diana Vishneva en Tokio, Tributo a Nureyev en Roma, como también los festivales de Ravel, Spoletto, Perelada, Santander, Madrid, Vail, Atenas y Miami.

Representó a España en la Expo de Lisboa 1998 y fue parte de la gira Kings of Dance 2007-2011, girando por toda Rusia y Estados Unidos, recibiendo grandes críticas.
Destacan sus premios como  Medalla de oro en el concurso internacional de Nureyev en Budapest, 2006, el Benois de la Danse al mejor bailarín masculino, 2009 en Moscú, el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, 2010, y el Premio Nacional de Danza (España) a la interpretación 2016.

Ha participado en diversas apariciones para programas y eventos para la televisión, en los EEUU. Realizó la campaña de navidad de Freixenet 1999–2000, en The Today Show, de la cadena americana NBC, Live from Lincoln Center de la cadena PBS, representando Romeo y Julieta y Cascanueces, este último fue retransmitido en más de 600 cines en EEUU. 
Desde 2008, es director artístico de la compañía de danza Estrellas del ballet de Nueva York, compañía con la que realiza giras por Europa, Asia, Estados Unidos y Sudáfrica. En mayo de 2013, debutó en el papel protagonista en el show de Broadway Òn your Toes, en Nueva York, obteniendo muy buenas críticas. En el 2017 le encargan la dirección artística del Menorca Danse Gala.

Desde 2018 compagina su faceta de coreógrafo y director artístico, con la de docente como maestro en el School of American Ballet en Nueva York, en la escuela JKO y en el Studio Company del ABT, la Escuela de Danza de Marat Daukayev en Los Ángeles y en la Rock School de Philadelphia, siendo requerido además por diferentes instituciones para impartir numerosos cursos y clases magistrales internacionalmente.

El 28 de marzo de 2019 el INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España, anuncia su nombramiento como director de la Compañía Nacional de Danza (CND), sucediendo a José Carlos Martínez, cargo que pasa a ocupar a partir del 1 de septiembre de 2019.


 RUEDA DE PRENSA EN EL CASINO DE MADRID, (SALÓN EL TORITO), MIÉRCOLES 19 DE FEBRERO, 2020


Honrada dos veces en esta convocatoria tan especial, por haber sido invitada primeramente y luego por haber estado sentada en la gran mesa redonda del salón dedicado a usos múltiples en el Casino, emblemático y maravilloso edificio de la capital española, justo enfrente de Joaquín De Luz, unas notas a vuelapluma para sellar el recuerdo y la asistencia.

El bailarín y coreógrafo, ahora al mando de la compañía de bandera, llegó al lugar acompañado de su madre y de numerosos amigos, antiguos bailarines, profesores diversos, algún periodista, socios de la institución anfitriona, ya que se trataba de una audiencia heterogénea y muy interesada.

La presentación estuvo a cargo de Eugenia Montero, que lo recibió como se merece alguien tan cercano y especial: con afecto  y sensibilidad. Después de los saludos de rigor a los participantes más conocidos suyos, colocados en varias filas de sillas y sillones en El Torito, que estaba a rebosar durante dos horas largas de coloquio o más, Maite Villanueva, encargada de prensa y comunicación, siempre pendiente de todo, gran profesional, exhibió vídeos y fotos de la historia personal y la carrera del también artista madrileño.

A Joaquín se le percibe entregado, pero inquieto y muy en guardia, con esa vulnerabilidad que causa haber dejado hace tan poco los escenarios en olor de multitudes y aplausos (el caso de su última función en el New York City Ballet) y la responsabilidad actual de responder por la continuidad, la localización (¡a ver, una sala estable para este grupo, por favor, nuestra compañía nacional!), la negociación con gestores, políticos y responsables que no siempre comprenden de cerca un mundo tan delicado y sutil como el del baile, el de la ópera o el teatro.

"Falta rigor, rigor" en la compañía, expresó el maestro, que nunca debería verse como "retirado", ya que los grandes artistas, como los embajadores, siguen siéndolo toda su vida.
Ahí está Misha Baryshnikov, un referente y un amigo, con su Nijinsky, bordado a los 70 años que también trajo a Madrid y tantos otros, que, de alguna manera, siguen volcando el aprendizaje y el talento vividos a lo largo de una carrera siempre aprovechable. Para sí mismos y sobre todos para otros, como legado. No hay porqué empezar de cero cada vez, cuando hay ya parte del camino recorrido y con galanura y sabiduría.

Casi todos los presentes le preguntaban algo, según sus variados intereses, algunas intervenciones eran más comentarios e incluso recomendaciones de antiguos bailarines que lo han visto y bailado todo en los escenarios y en la historia española. Habló de muchas cosas y mucha gente, también y sobre todo de danza. De España, de la familia, de las capacidades de este país en el exterior, de las oportunidades aquí. De la vivencia de un nacionalismo integrador exportable y viajero, como el suyo. No por nada fueron muchos los que le regalaron flores y aplausos en su última velada en Nueva York, sino que, también,  en el escenario, alguien desplegó, como un mantón fundacional en el suelo del coliseo,  una bandera española...

A todos contestó De Luz con esa dedicación y esa seducción natural que le presta el hecho de que nunca se le borre la sonrisa del rostro, como muy bien expresó al comienzo, Eugenia Montero. Él es así. Precioso fue su Cascanueces la Navidad pasada en el Teatro de La Zarzuela y fantástica será su Giselle, peculiar y exquisita, seguro.

Entretanto, debería hacerse ver, en los medios, en pequeños "stages" (como si fueran master classes comentadas... en La Zarzuela) no de forma ocasional y esporádica, sino con contundencia pero guante de seda, para ir centrando su trabajo y el de sus bailarines, sin prisa pero sin pausa, estudiando cada intervención, cada decisión estratégica, sobre todo las públicas, porque todas son importantes. Hay que crear el clima, poco a poco, para que cuando llegue el momento de mostrar el trabajo, de descubrir lo que se ha estado haciendo con la Compañía, todos lo estén esperando.

En sus manos están ahora la danza, la vida y el futuro de muchos bailarines y su propia creatividad que no debería descuidar. En el Teatro de La Zarzuela, un gestor y artista fogueado, Daniel Bianco, que navega muy ágil incluso con mar gruesa, comparte su "casa", esta sala de la calle Jovellanos accesible y abierta a todos con Joaquín y sus bailarines y también podría coincidir con ellos y contrastar y ofrecer escucha, enfoques, experiencia. 


Creo que para una periodista es a estas alturas demasiado parlamento, pero no siempre existe la oportunidad de volver a encontrarse con las personas y los elegidos con facilidad. Joaquín De Luz lo dejó todo diáfano. Ahora toca trabajar, y (él que confesó su afición por la escultura y la pintura, una de las cuales, sobre la "fiesta nacional" presentó hace algunos meses en El Casino), exhibió una disposición y una disponibilidad absolutas para que se produzcan los milagros. Que así sea.




jueves, 20 de febrero de 2020

OPÉRA NATIONAL DE PARIS. YVONNE OU LA MUSIQUE DE LA NON-RÉPONSE ENTRETIEN AVEC PHILIPPE BOESMANS. YVONNE, PRINCESSE DE BOURGOGNE


Par Marion Mirande
« Seule une beauté aurait le droit de me plaire et pourquoi pas une horreur ? » interroge le prince dans Yvonne princesse de Bourgogne, l’opéra de Philippe Boesmans. Apathique, quasi muette, laide comme un pou, Yvonne, la hors normes, vient bousculer le parfait équilibre et les apparences de la cour du roi Ignace. D’après la pièce de Witold Gombrowicz, l’œuvre du compositeur belge retrouve la scène du Palais Garnier où elle avait été créée en 2009, dans la toujours aussi grinçante mise en scène de Luc Bondy. 



Créé en 2009 au Palais Garnier, comment est né Yvonne, princesse de Bourgogne ?
Un jour, alors que je me trouvais avec Luc Bondy au Festival d’Aix-en-Provence, Bernard Foccroulle nous a demandé pourquoi nous ne ferions pas un opéra d’après Yvonne, princesse de Bourgogne de Witold Gombrowicz. Luc, avec qui je collaborais régulièrement, aimait comme moi beaucoup Gombrowicz. Nous avions tout lu de lui à l’exception, pour ma part, d’Yvonne, une pièce de jeunesse. Suite à cette proposition, j’ai reçu un coup de fil de Gerard Mortier qui, à son tour, me demandait si nous ne voulions pas faire « Yvonne »… L’idée du projet avait déjà fait son chemin !

À sa découverte, quels aspects de la pièce vous ont séduit et semblé intéressants pour être adaptés sous forme opératique ?
Gombrowicz ne s’intéressait pas à l’opéra. C’est l’opérette qu’il aimait. Avec « Yvonne », j’ai trouvé formidable d’amener sur une scène d’opéra cette situation où un jeune homme se dit : pourquoi je ne prendrais pas pour épouse une femme laide ? Yvonne est tellement laide que tout le monde en est horrifié. Sa laideur crée un désordre jusqu’à ce que les choses tournent à l’obscène. Le trouble est un thème qu’affectionnait Gombrowicz et que l’on retrouve dans ses œuvres postérieures à la pièce. 

En écrivant un opéra dont le rôle-titre n’est pas chanté, vous faites voler en éclats les conventions du genre. Par quels moyens musicaux faites-vous exister Yvonne parmi les voix des autres interprètes ?
C’est amusant que l’œuvre ait pour titre le nom d’un rôle autre que celui de la soprano ou de la mezzo de la soirée. Yvonne devait rester un rôle muet, c’était fondamental. Elle ne dit que deux-trois mots dans tout l’opéra. On lui pose souvent des questions qui restent sans réponse. Quand elle ne répond pas, l’orchestre joue la musique d’Yvonne, la « musique de la non-réponse ».


Philippe Boesmans
Philippe Boesmans © Bernard Coutant

Lors de la création, vous aviez dit que l’œuvre s’apparentait à du théâtre-chanté et n’avoir jamais été aussi près du texte. Dans quelle mesure « Yvonne » diffère de vos précédentes œuvres ?
« Yvonne » est écrit en français, contrairement à mes autres pièces qui sont essentiellement en allemand. En composant des opéras, je me dois d’offrir au public des œuvres semblables à des pièces de théâtre. Tout le texte doit être compréhensible. Mon écriture doit ainsi favoriser son accessibilité. Bien entendu, cela nécessite des chanteurs qu’ils parlent bien la langue. Dans l’interprétation de l’opéra français, on pense souvent à la voix, à la technicité vocale. Or Ici, c’est la compréhension du français qui prime. À l’opéra, les émotions et les sentiments peuvent être développés à l’excès. Ce n’est pas le cas dans « Yvonne ». Les choses sont exposées rapidement, on va droit au but. Il n’y a quasiment pas d’airs, à l’exception de celui de la reine quand elle lit ses mauvais poèmes. Leur médiocrité m’a donné matière à composer un air qui s’apparente à une parodie de Gounod. C’est très amusant de voir représentée sur la scène du Palais Garnier une caricature de l’opéra ! J’ai aussi cherché à ce que les choses soient exagérées. Au théâtre, les mauvais comédiens exagèrent toujours. C’est le cas avec le chant qui force à l’exagération. Gombrowicz n’aimait pas le théâtre, à l’exception de Shakespeare, et ne souhaitait pas que l’on joue « Yvonne ». La seule fois qu’il a vu sa pièce sur scène, c’était par une compagnie de théâtre amateur, alors qu’il vivait dans le Sud de la France. Il appréciait qu’elle soit interprétée par des non-professionnels. Cela lui donnait l’impression que son œuvre appartenait à un registre moins intellectuel que celui dans lequel on la rangeait communément.

Pourriez-vous évoquer le travail de Luc Bondy sur le livret ?
Les pièces de théâtre sont toujours trop longues. Si celle-ci avait été directement adaptée en opéra, nous nous serions retrouvés avec quatre heures de musique. Il faut donc prendre ce qui est essentiel. Généralement, on conserve environ un tiers. C’est le cas de Julie, du Conte d’hiver, également créés avec Luc, et bien sûr d’« Yvonne ». Nous l’avons réduit tout en respectant la structure en quatre actes. 

L’écriture de Luc Bondy et votre travail de composition se sont-ils réciproquement influencés ?
Les pièces sont toujours trop longues. Si celle-ci avait été directement adaptée en opéra, nous nous serions retrouvés avec quatre heures de musique. Il faut donc prendre ce qui est essentiel. Généralement, on conserve environ un tiers. C’est le cas de Julie, Contes d’hiver, également créées avec Luc, et bien sûr de « Yvonne ». Nous l’avons réduite tout en respectant la structure en quatre actes. 

L’écriture de Luc Bondy et votre travail de composition se sont-ils réciproquement influencés ?
Nous avons avancé progressivement, en partant du début de la pièce jusqu’à sa fin, en échangeant toutes les semaines durant environ deux ans. J’ai toujours composé en étant en contact avec Luc. Nous échangions donc beaucoup mais, au final, je décidais. Le compositeur est, je crois, le premier dramaturge. Il décide comment les choses doivent être dites, de la musique de la phrase. Luc m’écrivait quatre ou cinq pages à partir desquelles je commençais à composer. Puis, je lui téléphonais pour savoir si on ne pouvait pas reformuler les choses, changer un mot, afin que le chant soit plus clair. J’étais vraiment focalisé sur cette idée de clarté, il me semblait essentiel que le texte soit compréhensible. Nous avons ainsi œuvré ensemble pour l’efficacité du son et une compréhension optimale.

https://www.operadeparis.fr/magazine/yvonne-et-la-musique-de-la-non-reponse

MOCA, LOS ANGELES. INSTALLATION VIEW OF WITH PLEASURE: PATTERN AND DECORATION IN AMERICAN ART 1972–1985,


October 27, 2019–May 18, 2020 at MOCA Grand Avenue. Courtesy of The Museum of Contemporary Art. Photo by Jeff Mclane.



With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985

With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985 is the first full-scale scholarly survey of this groundbreaking American art movement, encompassing works in painting, sculpture, collage, ceramics, installation art, and performance documentation. Covering the years 1972 to 1985 and featuring approximately fifty artists from across the United States, the exhibition examines the Pattern and Decoration movement’s defiant embrace of forms traditionally coded as feminine, domestic, ornamental, or craft-based and thought to be categorically inferior to fine art. Pattern and Decoration artists gleaned motifs, color schemes, and materials from the decorative arts, freely appropriating floral, arabesque, and patchwork patterns and arranging them in intricate, almost dizzying, and sometimes purposefully gaudy designs. Their work across mediums pointedly evokes a pluralistic array of sources from Islamic architectural ornamentation to American quilts, wallpaper, Persian carpets, and domestic embroidery. Pattern and Decoration artists practiced a postmodernist art of appropriation borne of love for its sources rather than the cynical detachment that became de rigueur in the international art world of the 1980s. This exhibition traces the movement’s broad reach in postwar American art by including artists widely regarded as comprising the core of the movement, such as Valerie Jaudon, Joyce Kozloff, Robert Kushner, Kim MacConnel, and Miriam Schapiro; artists whose contributions to Pattern and Decoration have been underrecognized, such as Merion Estes, Dee Shapiro, Kendall Shaw, and Takako Yamaguchi; as well as artists who are not normally considered in the context of Pattern and Decoration, such as Emma Amos, Billy Al Bengston, Al Loving, and Betty Woodman. Though little studied today, the Pattern and Decoration movement was institutionally recognized, critically received, and commercially successful from the mid-1970s to the mid-1980s. The overwhelming preponderance of craft-based practices and unabashedly decorative sensibilities in art of the present-day point to an influential P&D legacy that is ripe for consideration.

With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985 is organized by Anna Katz, Curator, with Rebecca Lowery, Assistant Curator, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles.

https://www.moca.org/exhibition/with-pleasure

MERCATI DI TRAIANO. CIVIS CIVITAS CIVILITAS ROMA ANTICA MODELLO DI CITTÀ 21/12/2019 - 06/09/20, ROMA. 20 MUSEO DEI FORI IMPERIALI


La cultura romana si è radicata nei territori conquistati militarmente attraverso il modello di vita urbano, che si esprime negli edifici che qualificano la città come tale.
La mostra intende descrivere questo processo affiancando edifici dalle funzioni analoghe distribuiti nelle città dell’impero.

Una mostra dedicata alla relazione fra città, cittadinanza e civiltà nel mondo romano, descritta attraverso i plastici delle architetture antiche

La mostra è promossa da Roma Capitale - Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali ed ha la cura di Claudio Parisi Parisi Presicce e di Claudia Cecamore, con la collaborazione del Museo dei Fori Imperiali e del Museo della Civiltà Romana. Organizzazione Zètema Progetto Cultura.

In pubblicazione una guida breve della mostra e l’inedito atlante fotografico dei plastici dopo il loro restauro.


Il progetto espositivo documenta il carattere prettamente urbano della cultura classica. La condivisione degli spazi, degli edifici e delle leggi costituisce la civitas, il fulcro della civiltà romana. La mostra è quindi un viaggio negli spazi e negli edifici delle città dell’Impero, rappresentati nei plastici in gesso del Museo della Civiltà Romana, in gran parte realizzati da Italo Gismondi per la Mostra Augustea della Romanità del 1937. I modelli raffigurano in parte lo stato di fatto dei monumenti negli anni Trenta del Novecento, in parte le loro ricostruzioni: all’intrinseco valore scientifico aggiungono pertanto anche il valore di documentazione di monumenti trasformati o scomparsi, soprattutto nei territori teatro di eventi bellici.

La mostra si presenta come un evento dal carattere dinamico: l’inaugurazione del 20 dicembre aprirà infatti solo la prima sezione della mostra, allestita nella Grande Aula e sui matronei del Museo dei Fori Imperiali nei Mercati di Traiano e costituita da 58 plastici e da 6 calchi di sculture rappresentanti famosi personaggi del mondo romano; nel 2020 saranno inaugurate le sezioni successive, allestite lungo il percorso esterno dei Mercati di Traiano, lungo la via Biberatica.

Per tutta la sua durata, la mostra sarà corredata da eventi e da iniziative culturali e didattiche; nell’ideazione e realizzazione delle attività didattiche, indirizzate a tutti secondo i criteri dell’accessibilità e dell’integrazione, saranno coinvolti i tirocinanti e i volontari dei progetti del Servizio Nazionale Civile che prestano servizio nel Museo dei Fori Imperiali.

La mostra sviluppa sette macrotemi, tutti rappresentati dai plastici posizionati nella Grande Aula già per l’apertura del 20 dicembre, e poi declinati in una serie di temi specifici: gli spazi pubblici (indicati da fori, curie, capitolia e templi); l’acqua nel decoro della città (fontane, ninfei e terme); lo spettacolo (teatri e anfiteatri); il trionfo, l’onore e il passaggio (archi trionfali e onorari, porte urbiche); il commercio (mercati); la memoria individuale, familiare e dello Stato (sepolcri e monumenti); le infrastrutture (ponti, acquedotti, cisterne, castelli di distribuzione dell’acqua).

Spiccano, per le proporzioni e per l’accuratezza della resa, i plastici del Foro di Augusto, che apre la mostra e che per la sua efficacia comunicativa è stato spostato dalla sala sul matroneo a monte al vano centrale della Grande Aula, del Foro di Pompei con gli edifici annessi, della scena del teatro di Sabratha in Libia, delle Terme di Treviri in Germania e della Porta detta di Sant’Andrea ad Autun, in Francia.

La narrazione del percorso è scandita da testi antichi pertinenti ai singoli temi e pronunciati dalle voci narranti degli stessi autori o dei loro destinatari, rappresentati da calchi di statue o ritratti del Museo della Civiltà Romana: fra questi risulta particolarmente vivace l’ambientazione delle terme descritta da Seneca in una lettera a un amico.

“Nell’antichità i valori che danno il senso della comunità, della condivisione, dell’appartenenza si rigenerano attraverso la riproposizione delle tipologie edilizie destinate alle funzioni della vita pubblica, alla esaltazione dei meriti individuali e alla perpetuazione della memoria familiare. In occasione della fondazione di nuove città o della trasformazione degli insediamenti più antichi era sempre adottato il medesimo impianto ortogonale e le singole tipologie di edifici rispondevano per lo più a forme architettoniche prestabilite, che dipendevano da una costruzione della città di Roma, considerata come il modello da riproporre” (dall’introduzione nella guida breve).

Le tipologie monumentali individuate sono pertanto significative del concetto di identità romana espresso con immediatezza e forza dall’architettura che costituiva il “segno” nel paesaggio dell’espansione di Roma.

Roma appare dunque ai visitatori della mostra quale modello di comunità (civitas) quanto mai contemporaneo nella sua multiculturalità.

http://www.mercatiditraiano.it/it/mostra-evento/civis-civitas-civilitas-roma-antica-modello-di-citt