sábado, 25 de abril de 2026

HISTORIA DE LOS COMUNEROS: QUÉ SE CELEBRA EL 23 DE ABRIL EN CASTILLA Y LEÓN. 23 DE ABRIL, DÍA DE CASTILLA-LEÓN, LEVANTAMIENTO DE LOS COMUNEROS (COSME EGEA LUCAS).

La rebelión de los Comuneros de Castilla fue un momento fundamental para la monarquía de la Corona de Castilla. Un símbolo de la lucha por la libertad que se dio mucho antes que la Revolución Francesa.

El 23 de abril es el día de Castilla y León. Muchos pueden pensar, desde el desconocimiento, que eso se debe a que es el día de San Jorge, como ocurre en Aragón, pero la realidad es bien diferente. El motivo de que este día sea fiesta en Castilla y León llega por un hecho histórico trascendental para la Corona de Castilla y la monarquía de Carlos I. El pueblo castellano gritó basta ante su monarca, y se enfrentó a las tropas del Sacro Imperio Romano Germánico en un símbolo de libertad y soberanía poupular, muy anterior a la Revolución Francesa.

Así fue la rebelión de los Comuneros contra Carlos I

Carlos I de España y V de Alemania llegó a la Corona de Castilla en el año 1517. En su llegada, no hablaba castellano y estaba rodeado de consejeros flamencos, copando los puestos más altos de la administración. Los principales motivos que llegaron a los castellanos a levantarse, fueron el dinero y la sensación de abandono. En el primer apartado, el monarca aún no era emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, por lo que necesitaba fondos para postularse como tal, lo que hizo que presionara a las Cortes de Castilla para aprobar nuevos impuestos que sufragaran su candidatura. En cuanto al abandono, los castellanos se sentían como una 'colonia', una fuente de ingresos para los sueños europeos de un monarca ausente.

En el año 1520, Carlos viajó a Alemania para coronarse como emperador del Sacro Imperio, momento que los rebeldes aprovecharon para que su descontento explotara. La primera ciudad en levanterse fue Toledo, liderados por Juan de Padilla. Rápidamente se sumaron Segovia, Salamanca, Burgos y Valladolid, entre otras. En Ávila se creó la Santa Junta por parte de los rebeldes, y se acordó hacer una serie de demandas al rey: que regresara y viviera en Castilla; que los cargos públicos fueran para los castellanos y no para los extranjeros; y que se ejerciera un mayor control de las Cortes sobre los impuestos y el gasto real.

En el levantamiento, los rebeldes eligieron un símbolo, una figura que diera significado a su movimiento, y esa persona fue Juana 'La Loca'. Los comuneros se desplazaron a Tordesillas para visitar a Juana I de Castilla, que era la madre del monarca y estaba recluida en dicha localidad. Su intención era que ella legitimara la causa y liderara el gobierno. Juana recibió y escuchó la propuesta, pero no hay registrado ningún documento oficial firmado por ella en el que desautorizara a su hijo. Esto puso en una posición muy comprometida a los comuneros.

El fin de la rebelión llegó en Villalar. Antes de eso, el grupo de los comuneros empezó a resquebrajarse, ya que la alta nobleza tomó partido al aldo del monarca. Tenían miedo y vieron que la revuelta se convertía en una cuestión antiseñorial, con los campesinos levantándose ante sus señores. En los campos de Villalar, en Valladolid, un día de lluvia, un 23 de abril de 1521, las tropas imperiales aplastaron a los comuneros.

Al día siguiente los líderes del movimiento fueron decapitados, como solía ocurrir en aquellos tiempos cuando había un levantamiento. Estos eran el toledano Juan de Padilla, el segoviano Juan Bravo y el salmantino Francisco Maldonado. La resitencia continúo en Toledo, gracias a la viuda de Padilla, María Pacheco, pero tuvo que exiliarse a Portugal. Los comuneros se convirtieron en un símbolo de libertad y soberanía popular.

Un cambio en la monarquía

Y tuvieron logros. Y muy significativos. Carlos I se castellanizó. Con el objetivo de mantener la estabilidad y dejar de ser percibido como un rey extranjero, tomó diferentes decisiones. Aprendió castellano, esforzándose por dominar la lengua y adoptar las costumbres locales. En un proceso gradual, sustituyó a los consejeros flamencos por nobles y letrados locales, con los castellanos ocupando puestos clave en el gobierno. Tuvo en cuenta que para gobernar su Imperio tenía que residir en Castilla, por lo que pasó mucho tiempo en la península y se casó con Isabel de Portugal, un enlace que agradó a las ciudades castellanas.

Además, para evitar levantamientos y gestionar un imperio en pleno crecimiento con la conquista de América, se profesionalizó el Estado. Se potenció el sistema de Consejos, como el de Castilla, el de Indias o el de Hacienda, órganos que hacían funcionar a la administración de una forma técnica, disminuyendo el poder arbitrario de los validos y favoritos. La burguesía adquirió poder, otorgando más confianza en los letrados que en la antigua aristocracia guerrera para tareas de administración.

En 1522, un año después de la rebelión de los comuneros, demostrando su inteligencia política, promulgó el Padrón General en Valladolid. Hubo ejecuciones de los líderes radicales, pero la mayoría de los implicados fueron perdonados.

Por ende, el 23 de abril se celebra un día de logros, un día de lucha, un día de reivindicar lo propio de una tierra y de valorar lo que se tiene. Una rebelión que otorgó a la Monarquía Hispánica la posición que se merecía, un reinado en plena expansión que ya era el imperio más grande del mundo entero.




CASTILLA Y LEóN

Foto del autor Cosme Egea Lucas

Cosme Egea Lucas

GRÂNDOLA VILA MORENA 🌹| ZECA AFONSO | REVOLUCIÓN DE LOS CLAVELES, 25 ABRIL, 1974

 A las 00:20 horas del 25 de abril de 1974, sonó una canción en las radios que suponía el inicio de la Revolución de los Claveles, el derrocamiento del Estado Novo y la implantación sin violencia de una democracia.

Grândola, Vila Morena fue una canción compuesta por Jose Afonso, prohibida en Portugal. Con su publicación, volvemos a contribuir a la labor cultural que tenemos por encomienda, con la única misión de dar a conocer Portugal en España y viceversa; Dando así un paso más para el desarrollo del iberismo cómo movimiento integrador del siglo XXI.

¡Iberia será!

25 APRILE 1945: GIORNO DE LA LIBERAZIONE IN ITALIA. BELLA CIAO – ORIGINALE. FRATELLI D'ITALIA, INNO NAZIONALE (RICCARDO MUTI)



Una mattina mi sono svegliato,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

Una mattina mi sono svegliato,

e ho trovato l'invasor.

 

O partigiano, portami via,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

O partigiano, portami via,

ché mi sento di morir.

 

E se io muoio da partigiano,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

E se io muoio da partigiano,

tu mi devi seppellir.

 

E seppellire lassù in montagna,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

E seppellire lassù in montagna,

sotto l'ombra di un bel fior.

 

Tutte le genti che passeranno,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

Tutte le genti che passeranno,

Mi diranno «Che bel fior!»

«È questo il fiore del partigiano»,

o bella, ciao! bella, ciao! bella, ciao, ciao, ciao!

«È questo il fiore del partigiano, morto per la libertà!»

FRATELLI D'ITALIA, INNO NAZIONALE (RICCARDO MUTI)



Concerto inaugurale dopo l'incendio del 1996

Inno di Mameli, inno nazionale del nostro Paese "Fratelli d'Italia"

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice

Direttore Riccardo Muti


25 APRILE, MATTARELLA RENDE OMAGGIO AL MILITE IGNOTO ALL’ALTARE DELLA PATRIA

 Roma, 25 aprile 2026 – Il presidente della Repubblica Sergio Mattarella ha reso omaggio al Milite Ignoto e a tutti i caduti per la Liberazione deponendo una corona d’alloro all’Altare della Patria, in occasione delle celebrazioni del 25 aprile.

Il Capo dello Stato era accompagnato dalla presidente del Consiglio Giorgia Meloni e dai presidenti delle Camere, Ignazio La Russa e Lorenzo Fontana. Alla cerimonia erano presenti anche i vertici dell’Esercito e i rappresentanti delle associazioni combattentistiche.

Il 25 aprile di Mattarella a San Severino Marche

Dopo la cerimonia a Roma, la giornata del presidente della Repubblica prosegue a San Severino Marche, in provincia di Macerata, scelta per le celebrazioni della Festa della Liberazione.

La città si è preparata alla visita con bandiere tricolori lungo le vie del centro, palloncini verdi, bianchi e rossi e uno striscione con la scritta “Grazie presidente”. Già dalle prime ore del mattino numerosi cittadini si sono radunati in piazza del Popolo, mentre è stato predisposto un ampio dispositivo di sicurezza.

Il riconoscimento alla città per la Resistenza

La visita del Capo dello Stato rappresenta anche un riconoscimento al ruolo avuto dal territorio durante la Resistenza. Nel 2022 Mattarella conferì a San Severino Marche la medaglia d’oro al merito civile per il contributo alla lotta partigiana e per l’accoglienza offerta a centinaia di sfollati durante la guerra.

Il programma della giornata prevede la deposizione di una corona d’alloro al monumento ai caduti e poi il trasferimento al teatro Feronia, dove è atteso l’intervento del presidente della Repubblica davanti alle autorità e alla cittadinanza.

https://www.ilfaroonline.it/2026/04/25/25-aprile-mattarella-rende-omaggio-al-milite-ignoto-allaltare-della-patria/635726/

miércoles, 22 de abril de 2026

JONAS KAUFMANN "MAGICAL TONES, INTOXICATING FRAGRANCE .PALAZZETTO BRU ZANE: LA BELLE AU BOIS DORMANT

 



 

SÈVRES, UNE PASSION ROTHSCHILD. DE LA VILLA EPHRUSSI À PARIS

Plongez au cœur d’une saga familiale hors du commun, où la passion pour la porcelaine de Sèvres du XVIII siècle traverse le temps. Entre amour du Beau, excellence des savoir-faire et attachement au patrimoine, la famille Rothschild noue un lien unique avec Sèvres, une manufacture emblématique et vivante depuis 1740.

De Sèvres aux Rothschild : histoire d’une fascination

Au sein de la famille Rothschild, les collections se créent et se transmettent de génération en génération. Grâce à leur générosité, nombre de ces trésors ont rejoint les collections publiques françaises et de grands musées internationaux.

De Francfort à Paris, en passant par Vienne, Naples ou Londres, les Rothschild ont réuni parmi les plus spectaculaires porcelaines de Sèvres du XVIII siècle : vases aux formes de vaisseaux, d’animaux ou d’architectures, aux couleurs éclatantes et aux décors virtuoses. Présentées dans une scénographie immersive, ces œuvres dialoguent avec des archives inédites et des intérieurs reconstitués.

Réunissant pour la première fois les Manufactures nationales – Sèvres & Mobilier national et l’Académie des beaux-arts, propriétaire de la Villa Ephrussi de Rothschild, l’exposition propose un parcours en neuf sections, introduit par Béatrice Ephrussi de Rothschild. Elle retrace l’histoire de ces chefs-d’œuvre, tout en évoquant les spoliations subies par la famille, grâce à des prêts exceptionnels de grandes institutions françaises et internationales.

Exposition coproduite par les Manufactures nationales – Sèvres & Mobilier national et l’Académie des beaux-arts

Commissariat

Oriane Beaufils, directrice des collections de la Villa Ephrussi de Rothschild (Saint-Jean-Cap-Ferrat)
Viviane Mesqui, conservatrice au musée national de Céramique (Sèvres)

https://www.mobiliernational.culture.gouv.fr/fr/expositions-et-evenements/sevres-une-passion-rothschild-de-la-villa-ephrussi-a-paris

domingo, 19 de abril de 2026

MICHAEL | OFFICIAL TRAILER – HD. L´ACTRICE FRANÇAISE NATHALIE BAYE EST MORTE À 77 ANS.

 Genre: Drama, Musical

Cast: Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Juliano Krue Valdi, with Miles Teller and Colman Domingo  

Director: Antoine Fuqua

Written by: John Logan

Producers: Graham King, John Branca, John McClain

Michael is the cinematic portrayal of the life and legacy of one of the most influential artists the world has ever known.

The film tells the story of Michael Jackson’s life beyond the music, tracing his journey from the discovery of his extraordinary talent as the lead of the Jackson Five, to the visionary artist whose creative ambition fuelled a relentless pursuit to become the biggest entertainer in the world.

Highlighting both his life off-stage and some of the most iconic performances from his early solo career, the film gives audiences a front-row seat to Michael Jackson as never before. This is where his story begins.

Michael stars Jaafar Jackson in his feature film debut, Nia Long (Empire, The Best Man franchise), Laura Harrier (BlacKkKlansman, Spider-Man: Homecoming) and Juliano Krue Valdi (The Loud House, Arco), with Miles Teller (Top Gun: Maverick, Whiplash) and two-time Academy Award® nominee Colman Domingo (Sing Sing, Rustin).

Directed by Antoine Fuqua, the award-winning filmmaker of Training Day, Olympus Has Fallen and The Equalizer franchise, from a screenplay by three-time Academy Award® nominee John Logan (Gladiator, The Aviator), the film is produced by Academy Award® winner Graham King (The Departed, Bohemian Rhapsody), John Branca (executive producer This Is It, Thriller 40) and John McClain (executive producer This Is It, Michael Jackson Live at Wembley July 16, 1988).


L´ACTRICE FRANÇAISE NATHALIE BAYE EST MORTE À 77 ANS.

Le cinéma français est en deuil. La célèbre actrice Nathalie Baye est décédée à l’âge de 77 ans, ont annoncé ce samedi 18 avril à l’AFP ses proches. 

Malade et dans un état de santé préoccupant depuis l’été dernier, la comédienne est morte « vendredi soir à son domicile parisien de la maladie à corps de Lewy », a indiqué dans un communiqué commun sa famille, dont sa fille Laura Smet.

Cette maladie neurodégénérative se manifeste par une combinaison de troubles proches de la maladie d’Alzheimer et de la maladie de Parkinson.


MAD PARIS . UNE JOURNÉE AU XVIIIE SIÈCLE, CHRONIQUE D’UN HÔTEL PARTICULIER. 115 AUTEURS QUITTENT GRASSET

du 18 février au 5 juillet 2026




Plongez au cœur de l’intimité d’une demeure aristocratique du XVIIIe siècle et de ses habitants, maîtres, domestiques et animaux familiers, grâce à une exposition immersive, intitulée « Une journée au XVIIIe siècle, chronique d’un hôtel particulier ».

Avec plus de 550 pièces originales issues essentiellement des collections du musée, et pour la plupart rarement montrées, l’exposition « Une journée au XVIIIe siècle, chronique d’un hôtel particulier » convoque tous les domaines d’expression des arts décoratifs – boiseries et papiers peints, mobilier, céramique, orfèvrerie, vêtements et accessoires de mode, jouets, bijoux – pour redonner vie à un hôtel particulier parisien dans les années 1780.


Dans une ambiance cinématographique, sonore et olfactive, le visiteur est invité à déambuler de pièce en pièce, comme s’il était un proche, un ami ou un invité privilégié de la famille.

Le commissariat de l’exposition est assuré par Ariane James-Sarazin, conservatrice générale du patrimoine, en charge des collections XVIIe - XVIIIe siècle et Nissim de Camondo, et par Sophie Motsch, attachée de conservation.

https://madparis.fr/Une-journee-au-XVIIIe-siecle-chronique-d-un-hotel-particulier




“Nous refusons d'être les otages d'une guerre idéologique” : 115 auteurs quittent Grasset contre Bolloré

“Nous refusons d'être les otages d'une guerre idéologique” : 115 auteurs quittent Grasset contre Bolloré (courtoisie Point de Vue)


La rupture est brutale. Après le départ inexpliqué d’Olivier Nora, figure historique de Grasset, 115 auteurs – dont Virginie Despentes, Bernard-Henri Lévy et Frédéric Beigbeder – dénoncent une perte d’indépendance éditoriale et mettent en cause l’influence croissante de Vincent Bolloré sur le groupe Hachette.

LALIQUE. LA BELLEZA EN EL ART NOUVEAU Y EL ART DÉCO

 Del 26 de marzo al 12 de julio de 2026

La Fundación Barrié acoge, a partir del 26 de marzo, «Lalique, la belleza en el art nouveau y el art déco», la mayor exposición organizada hasta la fecha en España sobre la obra de René Lalique (Ay, 1860 - París, 1945), maestro del art nouveau y el art déco, quien redefinió la relación entre arte, diseño e industria y marcó un antes y después en la historia del diseño europeo del cambio de siglo.



 Comisariada por Véronique Brumm, directora del Museo Lalique, la muestra reúne importantes obras procedentes del propio Museo Lalique (Wingen-sur-Moder, Francia), del Museu Calouste Gulbenkian (Lisboa) y de colecciones privadas. La exposición presenta cerca de 300 piezas, principalmente joyas y obras en vidrio, junto con dibujos y otros objetos como espejos o textiles.



Durante el transcurso de la exposición, la Fundación Barrié organizará talleres didácticos dirigidos a centros educativos, colectivos de diversidad funcional y familias. La muestra se acompaña, además, de un catálogo ilustrado.



Exposición organizada por Fundación Barrié y Musée Lalique con el apoyo del Museu Calouste Gulbenkian.
Fechas: del 26 de marzo al 12 de julio de 2026
Horarios: de lunes a domingo, festivos incluidos de 11 a 14 h y de 17 a 20 h
Entrada gratuita

https://fundacionbarrie.org/exposicion-lalique

UN PIANISTE DANS L´HERBE. L´ECOLOGIE AUTREMENT. PRÉFACE DE BORIS CYRULNIK. 25 APRILE, IL BOCOLO A SAN MARCO, VENEZIA

 

Dans cet ouvrage, Patrick Scheyder raconte le chemin original qui l’a mené d'une carrière de pianiste concertiste à l'écologie. Il est ainsi passé du silence des auditoriums feutrés à des spectacles donnés en plein-air dans des parcs, jardins et forêts.
 

Éditions Apogée - ISBN : 9782843989056



Il 25 aprile, a Venezia, non è solo una data: è un gesto.

È il giorno di San Marco, patrono della città, e della tradizione del “bocolo”: un semplice bocciolo di rosa rossa, donato come segno d’amore. Un gesto antico, che attraversa i secoli e continua a vivere tra le calli della città lagunare.

Dietro questo fiore si nasconde una leggenda: quella di un amore impossibile, di un sacrificio e di una promessa che resiste nel tempo. Da allora, regalare un bocolo significa molto più di offrire una rosa, è un gesto vero che esprime affetto, devozione e legame profondo.

Ancora oggi, Venezia celebra questa tradizione con la stessa intensità, trasformando un piccolo gesto in un racconto condiviso e in 

LOUVRE PARIS. MICHEL-ANGE RODIN. CORPS VIVANTS

 15 avril - 20 juillet 2026

Deux maîtres inégalés de la sculpture occidentale dialoguent à travers les siècles : Michel-Ange (1475-1564) et Auguste Rodin (1840-1917). Leurs œuvres, qui incarnent la force du corps et la profondeur de l'âme, se rencontrent dans une confrontation inédite où se révèlent continuités comme ruptures.

L'exposition Michel-Ange Rodin. Corps vivants, réunissant plus de 200 œuvres met l'accent sur des enjeux formels et conceptuels qui aboutissent à une même ambition : rendre visible l'énergie intérieure du corps. Le corps apparaît comme enveloppe et peau de l'âme, matière vivante soumise au temps et au geste. Ce parcours interroge aussi la postérité de ces gestes : comment la réécriture de l'antique et l'usage des corps ont préparé les ruptures du 20e  siècle ?

En montrant filiations, emprunts et détournements, l'exposition propose une lecture sensible des mythes des deux génies et invite à repenser la sculpture non pas comme un élément qui « fait forme » mais comme un laboratoire d'innovations artistiques. Aux chefs-d'œuvre des maîtres répondent des œuvres maniéristes inspirées de Michel-Ange (de Vincenzo Danti, Vincenzo de Rossi, ou Pierino da Vinci), ainsi que des créations contemporaines fortes de Joseph Beuys, Bruce Nauman, Giuseppe Penone et Jana Sterbak, témoignant de l'actualité de cet héritage.

L'exposition réunit marbres, bronzes, plâtres, terres cuites, moulages et une très riche production graphique grâce aux collections du Louvre, du musée Rodin et d'importants prêts de grands musées internationaux. Le parcours s'articule en cinq temps forts présentant les deux artistes, leurs sources d'inspiration, leurs relations aux matériaux de la création et leurs thèmes de prédilections, en suivant un fil rouge, celui du corps et de la vie.

Cette réflexion se matérialise dès l'entrée du parcours, où cinq sculptures emblématiques — l'Esclave mourant et l'Esclave rebelle de Michel-Ange, chefs-d'œuvre du Louvre, et L'Âge d'airain, Adam et Jean d'Aire nu, échappé du Monument des Bourgeois de Calais d'Auguste Rodin — accueillent les visiteurs comme autant de corps habités par une énergie vitale puissante.

Deux artistes mythiques

La première section propose une présentation des deux sculpteurs sous l'angle du mythe. Portraits et mises en scène posthumes, hommages artistiques et même reliques permettent d'incarner la stature artistique des deux hommes. 

La construction de leur généalogie respective est montrée à travers une sélection d'œuvres réalisées d'après les maîtres et, en ce qui concerne Rodin, précisément d'après Michel-Ange. L'importance des modèles michelangélesques pour le sculpteur français est également mise en perspective avec son voyage fondateur à Florence, effectué en 1876, et la découverte de la Chapelle des princes à San Lorenzo, œuvre totale de « ce magicien » qui semble lui laisser « un peu de ses secrets », comme il l'écrit alors à sa compagne Rose Beuret. 

Les moulages d'époque réalisés par Vincenzo Danti d'après les allégories des heures du jour des tombeaux de Julien et Laurent de Médicis permettent de convoquer dans l'exposition ces figures emblématiques du maître florentin.

Nature et Antiquité  : réinventer le modèle

Nature et Antiquité constituent les sources d'inspiration principales des deux artistes, mais ces modèles ne valent que pour être dépassés, comme le montre la deuxième section. Plusieurs esquisses et études dessinées résultent d'une observation scrupuleuse des corps humains et d'une compréhension fine de l'anatomie, obtenue entre autres chez Michel-Ange grâce à la pratique de la dissection, et pour Auguste Rodin par de longues heures de travail d'après modèles vivants. 

Mais la figure finale dépasse la stricte reproduction naturaliste d'un corps et passe par la recomposition de l'anatomie, aboutissant à la formation de figures idéales chez Michel-Ange, qui en viennent à remplacer la Nature pour la génération suivante, et à la création chez Auguste Rodin de formes que l'artiste veut justes et vraies. Admirateurs et fin connaisseurs de l'art antique, que Rodin a collectionné avec passion, les deux artistes se mesurent à ce grand modèle et cherchent à le dépasser.

Pour Vasari, ce dépassement incarne le sens profond de la venue de Michel-Ange sur terre. L'avènement du torse comme forme artistique constitue le noyau de cette section : alors que Michel-Ange aurait refusé de restaurer le Torse du Belvédère, reconnaissant la complétude esthétique de cette forme fragmentaire, Rodin est le premier artiste à avoir conçu des torses comme œuvre en soi, instituant ainsi l'un des principaux sujets de la modernité en sculpture.

Non finito

Au cœur de l'exposition prend place le non finito, esthétique emblématique des œuvres de Michel-Ange et réappropriée par Rodin : laisser perceptible les marques de l'acte créatif, démontrer que la sculpture visible n'est qu'une étape d'une forme virtuelle déjà existante, faire voir par le recours au transitoire le flux de la vie traversant les corps. 

Un petit Christ en croix en bois, prêt exceptionnel de la Casa Buonarroti montre, non loin des Esclaves du Louvre, toute la force du non finito michelangélesque.  La relation démiurgique à la matière est synthétisée dans La Main de Dieu : Rodin figure ici dans le marbre la main divine en train de modeler en argile les corps d'Adam et Eve. Avec l'Albero di 7 metri de Penone, on constate la persistance contemporaine du non finito.

Un choix de dessins à la sanguine et à l'estompe de Michel-Ange et de Rodin témoigne de l'animation des corps suggérée par la vibration des contours, répondant aux effets de surface produit par le non finito. Celui-ci, en accrochant la lumière, crée un doux halo lumineux autour du marbre, sorte de sfumato ancrant l'œuvre dans l'atmosphère environnante.

Corps et âmes

En choisissant le corps comme sujet central de leurs œuvres, Michel-Ange comme Rodin le perçoivent comme animé d'une vie intérieure intense. Leurs figures sont des habitacles de la pensée et du rêve, parfois aux confins de la mort. La psyché en vient à imprimer le corps lui-même et l'enveloppe charnelle devient figure de l'âme dans le Saint Barthélémy de Michel-Ange ou le Balzac d'Auguste Rodin, œuvres auxquelles la Peau de Joseph Beuys et et la Vanitas : robe de chair pour albinos anorexique de Jana Sterbak offrent de puissants échos contemporains. 

Les anatomies et les visages, les positions des figures et les compositions de groupes expriment sentiments et passions humaines, dont sont traversés le Jugement dernier de Michel-Ange et La Porte de l'Enfer d'Auguste Rodin, respectivement présentés grâce à une copie d'époque et une maquette, tout comme le grand relief en bronze du Serpent d'airain de Vincenzo Danti, sculpteur michelangélesque.

Énergie et vie

Les corps créés par Michel-Ange et Rodin sont vivants car débordant d'énergie, concept au cœur des préoccupations plastiques des deux artistes et de la dernière section de l'exposition. 

La fluidité donne aux figures une vitalité intense, comme l'illustrent de nombreuses figures serpentines dessinées par Michel-Ange, le Jeune Dieu fleuve en marbre de Pierino da Vinci et La Voix intérieure de Rodin. La puissance de la figure humaine apparaît avec éclat : à la terribilità michelangélesque, incarnée ici par un moulage du Moïse provenant de la collection de l'École des Beaux-arts, répond la présence magnétique du Balzac de Rodin. 

Ces corps puissants irradient malgré leurs positions statiques, mais les deux sculpteurs ont également souvent recours au déploiement des corps dans l'espace. L'énergie vitale est ainsi traduite dans un jeu d'équilibre et de déséquilibre savamment orchestré, menant aux confins de l'instabilité. Cette recherche plastique résonne aujourd'hui dans la grande œuvre vidéo de Bruce Nauman, Marcher le long d'une ligne (Walking a line), qui clôt le parcours. Les visiteurs sont alors invités à retrouver dans la rotonde les cinq sculptures ayant ouvert le parcours : cinq corps, nus et musculeux, émus et puissants, vivants.

COMMISSARIAT

Chloé Ariot, conservatrice, musée Rodin et Marc Bormand, conservateur,  département des Sculptures, musée du Louvre.

https://presse.louvre.fr/michel-ange-rodin-corps-vivants/?lang=fr

ENTREVISTA A WILLEM DAFOE, ACTOR DE 'EL ANFITRIÓN', EN EL BCN ...

 




D.H.LAWRENCE, APOCALYPSE (LES REENCONTRES PHILOSOPHIQUES DE MONACO)

 

Texte essentiel de la pensée de D. H. Lawrence, Apocalypse est une vision poétique et hallucinatoire où chaos et destruction se mêlent à lumière et renaissance, offrant une méditation intense sur la fin des temps et la transformation de l’âme humaine. On y retrouve ainsi les thèmes récurrents dans l’oeuvre de l’auteur de L’Amant de Lady Chatterley : l’amour, la mort, la rédemption et son amour de la nature. Pour compléter notre vision de Lawrence l’essayiste, part moins connue mais tout aussi importante de l’oeuvre, on trouvera dans ce volume les essais réunis par sa traductrice historique, Thérèse Aubray, sous le titre Réflexions sur la mort d’un porc-épic.
 

Éditions Les Belles Lettres - ISBN : 9782251459233






lunes, 13 de abril de 2026

BÉRÉNICE EN LOS TEATROS DEL CANAL: LIBÉRRIMO CASTELLUCI, ADMIRADA HUPPERT Y CASI AUSENTE JEAN RACINE (1639-1699), EL AUTOR


Estreno en la Comunidad de Madrid

País: Italia y Francia

Idioma: francés (con sobretítulos en español)

Duración: 1 h 30 min

Aviso: luces estroboscópicas, desnudos integrales y máquina de humo

12 de abril, 2026. Teatros del Canal

Con Isabelle Huppert, la participación de Cheikh Kébé y Giovanni Armando Romano y la presencia de 12 intérpretes locales

Concepción y dirección: Romeo Castellucci

Música original: Scott Gibbons

Vestuario: Iris van HerpenUna producción de: Societas, Cesena; Printemps des Comédiens / Cité Européenne du Théâtre et des arts associés – Domaine d’O, Montpellier

Coproducción: Théâtre de La Ville Paris – France; Comédie de Genève, Switzerland; Ruhrtriennale, Germany; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; deSingel International Arts Center, Belgium; Festival Temporada Alta, Spain; Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, Italy; Onassis Culture – Athens, Greece; Triennale Milano, Italy; National Taichung Theater, Taiwan; Holland Festival, Netherlands; LAC Lugano Arte e Cultura, Switzerland; TAP – Théâtre Auditorium de Poitiers, France; La Comédie de Clermont-Ferrand – Scène Nationale, France; Théâtre national de Bretagne – Rennes, France. Con el apoyo de la Fundación Hermès

Como escribe el mismo director de escena:

"Romeo Castellucci transforma una tragedia clásica en un monólogo protagonizado por una de las grandes figuras de la escena mundial: Isabelle Huppert. Un espectáculo sobre la locura, la verdad y la mentira de amar y ser amado.

Bérénice es probablemente la “tragedia” más inmóvil, estática y desconcertante jamás concebida. Y, sin embargo, Bérénice -podría decirse- soy yo. En escena, como una estrella fija, una sola actriz encarna a Bérénice: Isabelle Huppert, la sinécdoque del arte de la interpretación en el teatro occidental. Ella es la actriz, pero también la actriz, por definición. Es el teatro mismo, que se manifiesta en ella, incluso antes del significado que conlleva. Casi todos los sonidos de esta obra, tanto los oídos como los no oídos, son generados por su voz, procesada por el artista sonoro Scott Gibbon"s".

Así se expresa el responsable de la producción en sentido amplio, el artista italiano de Cesena, Castellucci, que sin duda tiene ideas propias sobre lo que significa una obra del siglo XVII francés, como las de Corneille o incluso Molière y se lanza a una recreación que despoja de todo significado el original, donde los preciosos alejandrinos se ven deslavazados o se oyen distorsionados, en la boca de una de las estrellas del cine y del teatro francés: Isabelle Huppert. Sucede desde hace décadas, que muchos registas traducen las obras a su universo y desde ahí no les queda hueco para la propia manifestación del autor o del compositor. Las audiencias se congratulan y la crítica aplaude. Hay algo de snobismo y tal vez de incultura en todo ello.

Aquí, la consagrada actriz francesa que a sus setenta y tres años continúa filmando y actuando profusamente, queda diluida en una escenificación de seguramente, algo diferente de la definición de Racine. La historia se difumina: la conquista romana de Tito en Judea- de la que quedó su arco con la menorah judía como trofeo incisa en el complejo del Foro, Palatino y Coliseo-, ahíto de turistas cada día, resulta un desencuentro entre antiguos enamorados por razones de estado, pero hubo y sigue habiendo en la región las cenizas incandescentes de aquellos fuegos. Se relevan los imperios, pero quedan los odios y la sed de venganza.

Hay desnudos integrales, actores y bailarines en un intermezzo desenfocado que no viene a cuento en la narrativa original, telas que envuelven y salen de una lavadora. Paseos vacuos por el escenario de unos y otros secundarios y un radiador al que se abraza la protagonista abandonada. También un supuesto busto del emperador ausente. Hay un grupo de senadores bien vestidos, al fondo del escenario.

Un monólogo femenino doloroso y a ratos, desencuadernado, acompañado de luces estroboscópicos, ruidos de todo tipo y humo, mucho humo en la sala, que trajo algunas toses y muchos estornudos. El corpus parece concebido ad maiorem gloriam de Huppert, pero no, es para ensalzar la figura aparentemente transgresora del "metteur en escène", que en realidad se aferra a trucos y elementos que ya estaban en boga en la década de los 70 y los ochenta, cuando aparecieron en Europa y sobre todo en España, las nuevas concepciones de un teatro transformador y reformista, en busca de nuevas soluciones escénicas y espaciales.

Se saca poco partido de una actriz que se vinculó siempre a roles de dominatrix, de mujeres fuertes de la Biblia, que no claudican, pero no esta vez, aunque a Bérénice no le falta capacidad de decisión ni una excelente valoración de la situación.

Quién no recuerda a la actriz favorita de Jean Racine en estos roles (nos lo cuentan los viejos escritores de otros tiempos), la Champmeslé (Marie Desmares), musa y amante suya, a Gabrielle Réjane, del siglo XIX y a Sarah Bernhardt y más modernamente, a María Casares, dando vida a la Sanseverina. Heroínas modestas, pero ¡qué talento! Sin contar con las fulgurantes estancias del Rodrigo que Pierre Corneille, otro grande junto a Racine del siglo XVII, brindó a un Gérard Philipe que nos las nos regaló para la eternidad. Sin decorados, el pecho hacia adelante y la mano en la espada. La voz angélica modulando sus imposibles amores con Jimena. La pasión, la conmoción, la violencia y la dulzura del verso, humano, muy humano.

Hubo muchos aplausos, algunas bajas durante la función. Las tres funciones con la sala completamente llena. A Isabelle Huppert, que en un momento de la representación cambió el nombre de Bérénice por el suyo propio, como para apropiarse totalmente del personaje, la preceden en Madrid, sobre todo sus películas, su genio y su longevidad artística. Sin embargo, todo es opinable, alguien susurró, sin reparos en las filas de atrás de la platea: "¿Vaya castaña!". Otro, francófilo o francés, bromeando con la famosa cita de Molière de su Les fourberies de Scapin, exclamó mientras iba hacia la salida: "Que diable allais-je faire dans cette galère?"

Alicia Perris