C’è un luogo nel Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia che
il pubblico non ha mai visto. Non una sala in restauro, non un corridoio di
servizio: un intero universo parallelo fatto di scaffali, casse, carta velina e
silenzio, dove dormono i reperti che il tempo ha dimenticato di nominare.
Teste votive, frammenti di terracotta, oggetti rituali senza
nome né storia ufficiale. Esistono, aspettano, nessuno li nota.
Piero Gemelli li ha ascoltati.
Dal 19 maggio, il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia
ospita Le stanze dei sogni dimenticati, progetto di Piero Gemelli a cura di
Maria Vittoria Baravelli.
Per la prima volta nella storia del Museo, un artista
ha ottenuto accesso ai depositi, quegli spazi dove nessun visitatore può
entrare, dove riposano i reperti che Villa Giulia custodisce ma non riesce a
mostrare, per raccontarli con il proprio linguaggio.
Gemelli è entrato, ha
costruito una storia in dialogo con alcune immagini del suo archivio . E quella
storia debutta in un momento unico: il Ninfeo dell’Ammannati, capolavoro del
Cinquecento romano e cuore architettonico di Villa Giulia, ha appena concluso
il suo restauro. La prima cosa che accade in quello spazio ritrovato è questa
mostra.
Il progetto è realizzato in collaborazione con il Museo
Nazionale Etrusco di Villa Giulia, Istituto del Ministero della Cultura.
Un
esempio di valorizzazione integrata che unisce la conservazione della memoria
storica alla visione artistica d’eccellenza.
Theatrical trailer of "The Prince and the
Showgirl" by Laurence Olivier. Starring Marilyn Monroe, Laurence Olivier,
Richard Wattis, David Horne, Jeremy Spenser, Sybil Thorndike, Harold Goodwin
In celebration of the Hollywood star’s 100th birthday and in
association with the Marilyn Monroe estate, Marilyn Monroe: A Portrait will
explore the life, career and legacy of Marilyn Monroe through portraits created
by some of the greatest photographers and artists of the 20th and 21st
centuries.
Bringing together works by Andy Warhol, Pauline Boty,
Marlene Dumas, James Gill, Rosalyn Drexler and Audrey Flack, alongside over 20
era-defining photographers, including Cecil Beaton, Philippe Halsman, Bernard
of Hollywood, André de Dienes, Eve Arnold, Inge Morath, Alfred Eisenstaedt,
Milton Greene, Sam Shaw, Richard Avedon and George Barris, the exhibition will
foreground Monroe’s collaborative approach to image making and her creative
agency.
The exhibition will also include personal belongings such as
books, scripts and clothes to enrich understanding of the woman behind the
image.
From the earliest ‘cheesecake’ pin-ups made when she was a
young model named Norma-Jeane, to the most poignant final photographs taken on
the beach in Santa Monica in 1962, Marilyn Monroe was one of the most
photographed people in the world. A defining presence in popular culture, she
captivated audiences with performances in much loved films such as Some Like it
Hot.
In the 1950s and 60s, Marilyn Monroe’s popularity secured
her starring roles in the work of artists including Richard Hamilton, Pauline
Boty and Andy Warhol, whose ‘Marilyn’ portraits are among the most highly
prized works of art in the world. She continues to fascinate artists, drawn to
her iconic presence and fascinating life.
El compositor
argentino Alberto Ginastera es ampliamente considerado uno de los compositores
sudamericanos más importantes y originales del siglo XX.
El CD 1 de este conjunto de 2 CDs con la obra
completa para órgano y piano se centra en obras tempranas, muchas de las cuales
utilizan elementos de base folclórica sin limitarse a transcribir melodías
tradicionales, y con creciente sofisticación.
Las obras para
piano de gran formato incluidas en el CD 2 incluyen la Sonata nº 1, Op. 22
(1952), una de las obras más populares del compositor, y la Sonata nº 3 (1982),
la última obra de Ginastera, descrita por el solista en esta grabación como un
'único impulso grandioso y violento, sin tiempo para recuperar el aliento, como
una danza para intentar escapar de la muerte'.
Variazioni e Toccata para órgano es una obra
altamente virtuosa, que comprende doce variaciones y una toccata basada en un
fragmento de un himno pascual del siglo V.
Alberto
Ginastera ocupó una posición destacada en el mundo musical de su Argentina
natal, donde ejerció una gran influencia sobre una generación más joven de
compositores. Más tarde pasó mucho tiempo en Europa, estableciéndose en
Ginebra. Su estilo de escritura evolucionó desde el nacionalismo abierto hasta
una aplicación flexible de los principios serialistas propuestos por Schoenberg…
Obras
teatrales
El ballet
Estancia es evocadoramente argentino, con ecos de la vida de los gauchos. La
ópera Don Rodrigo, basada en una serie de doce notas, hace un uso original de
efectos espaciales; mientras que las óperas Bomarzo y Beatrix Cenci también se
inspiran en formas renacentistas, ambientadas, como están, en la Italia
renacentista.
Música
orquestal
La música
orquestal de Ginastera incluye un Concierto para arpa, dos conciertos para
piano y conciertos para violín y para violonchelo. Ollantay (tres movimientos
sinfónicos), Pampeana nº 3 (una pastoral sinfónica) y la Obertura de un Fausto
criollo tienen fuertemente elementos latinoamericanos.
Música de
cámara
La música de
cámara de Ginastera incluye las dos primeras Pampeanas, para violín y piano y
para violonchelo y piano respectivamente, además de cuartetos de cuerda, el
tercero con soprano y textos de Lorca, Alberti y Jiménez.
Música para
piano y órgano
En su
relativamente pequeña cantidad de música para piano, Ginastera se inspira en
gran medida en la música folclórica argentina de un tipo u otro. Sus tres
sonatas para piano ofrecen un espectro más amplio, y sus composiciones para
órgano reflejan la influencia de Bach.
Domenico
Zipoli
Nacido en 1688
en Prato, Domenico Zipoli estudió órgano en En Florencia, antes de tomar
brevemente clases con Alessandro Scarlatti en Nápoles, Vannucci en Bolonia y,
finalmente, Pasquini en Roma, donde se convirtió en organista en la iglesia
jesuita. En 1716 se unió a la Compañía de Jesús y a la siguiente año restante
para la misión jesuita en Paraguay. Cumplió los requisitos de su noviciado en
Córdoba, Argentina, pero murió en 1726 antes de poder hacerlo Ser ordenado. En
Europa, su reputación se basaba en su música para clavecín y órgano, pero pudo
hacer una contribución significativa a la música sacra en el sur América.
ARTISTAS
Viani,
Fernando
Fernando Viani
nació en 1969 en Mendoza, Argentina, y comenzó sus estudios musicales a los
ocho años. Completó sus estudios de piano con distinción en la Escuela Superior
de Música de la Universidad Nacional de Cuyo bajo la supervisión de Dora De
Marinis.
Durante estos
años ganó el primer premio en el Concurso Pianistico de Lincoln y en el
Concurso del Centro de Estudios Pianísticos, la medalla de oro en el Concurso
Alberto Williams (Buenos Aires) a la mejor interpretación de obras de un
compositor argentino y el…..
Un’estate indimenticabile a Villa Rufolo tra Monteverdi,
Wagner, grandi orchestre e bacchette d’eccezione 22 appuntamenti tra opera,
repertorio sinfonico, barocco e jazz con il panorama più bello del mondo
Découvrez l'opéra "Ercole amante" d'Antonia Bembo,
du 28 mai au 14 juin 2026 à l'Opéra Bastille :
https://www.operadeparis.fr/saison-25...
Musculature exacerbée, massue, peau de lion… À l’occasion de
l’entrée au répertoire d’"Ercole amante" d’Antonia Bembo, les
conservateurs Ludovic Laugier et Virginie Guffroy décrivent la figure et les
attributs d’Hercule à travers trois sculptures du musée du Louvre : Hercule sur
le bûcher de Guillaume Coustou (1704), Hercule enchaîné par l’amour de Jean
Joseph Vinache (1741), Hercule du type Farnèse (IIe s. ap. J.C.).
Hispania Concertalia: Música Concertante y Legendaria.
Autores varios. Orquesta Nacional Filarmónica de Armenia. Concierto
extraordinario. Auditorio Nacional, Sala Sinfónica.
14 de mayo, 2026.
Orquesta Nacional Filarmónica de Armenia
Eduard Topchjan, director
Sergey Khachatryan, violín
PROGRAMA
Aram Kachaturián (1903-1978)
Adagio de Espartaco y Frigia del ballet Espartaco
Variación de Egina y bacanal
Max Bruch (1838-1920)
Concierto para violín n.º 1 en sol menor, op. 26
Allegro moderato
Adagio
Allegro energico
Pausa
Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)
Obertura-fantasia Romeo y Julieta
Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)
Francesca de Rimini, op.32. Fantasía sinfónica
Andante lugubre
Alegro vivo
Una velada (por lo tan profunda y nocturnal) en sentido
literal, que terminó más tarde de la medianoche. El concierto empezó a las
22.30, ya que anteriormente se llevó a cabo una gala solidaria, la IV de San Isidro,
con actuaciones de cantantes y rondallas y una tuna fantástica que, fuera del
edificio, ofreció tres canciones para el público que, a esa hora, tomaba el sol
en la plazuela del Auditorio.
Así pues, la Orquesta de Armenia, tan al final, quedó para
verdaderos melómanos, ya que, en vísperas de la fiesta de San isidro, el patrón
de Madrid, gran parte de los madrileños había emigrado con varios días de
fiesta seguidos o se encontraba en las terrazas, disfrutando- poco- de un
tiempo más bien fresco.
Hay quienes se quejaron de que el primer festejo, muy
extendido, apenas dejó lapso para que los nuevos asistentes y la propia
orquesta armenia, tomaran posesión del lugar, cargado y denso. Pero fue
levantar el arco o la batuta el director de la formación, para que se disiparan
las molestias por un horario que, en Europa, resultaría impensable.
Hispania Concertalia, terminó una temporada
deslumbrante (generosa con todos y pletórica de arte) con esta propuesta
enérgica y a la vez vaporosa, soñadora. El plato fuerte de la primera parte en el
ámbito orquestal, la partitura del compositor armenio tal vez más conocido: Aram
Khachaturian, con su evocadora suite de Espartaco. Los armenios, pueblo
invadido, saqueado y violentado muchas veces en la Historia, seguramente se
proyectarán en la vida y obra del esclavo macedonio, portaestandarte y crítico
acérrimo de la Pax romana tan alabada por los propios inventores, otra cuestión
muy discutible de la Historia oficial.
Un sonido maravilloso, envolvente, con sus staccato, cantabile,
morendo, pianissimi, dibujaron una introducción impactante que hizo resonar a
fondo las entrañas de la sala.
En la segunda sección de la primera parte, otra
manifestación de sabiduría musical y talento: El Concierto para violín n.º 1 en
Sol menor, op. 26, de Max Bruch, seguramente su pieza más conocida. Considerado
uno de los más populares dentro del repertorio romántico alemán (junto a los de
Johannes Brahms y Ludwig van Beethoven). Los conocedores de este autor creen
que su popularidad ha eclipsado otras obras suyas, como sus otros conciertos
para violín y su Fantasía escocesa.
Interpretado casi sin interrupción entre los movimientos,
contrastantes y fogosos, alterna una estructura de carácter rapsódico con un
tema dramático y virtuoso y un marcado lirismo. Bruch defiende la libertad
expresiva, que termina en un tercer tiempo con perfumes de música zíngara y
reminiscencias de Brahms.
Una de las creaciones más brillantes para el repertorio
violinístico, fue el intérprete armenio (de Erevan) Sergey Khachatryan,
el responsable de demostrar al público que la hora no importaba, que las
fronteras físicas del Auditorio se expandían hasta el infinito. Dio forma a un
universo donde una técnica prodigiosa e impoluta y una ejecución impecable, se
enlazaron con una sensibilidad amorosa y sensible en la exposición de la
partitura, en la forma de estar en el escenario, en la dulzura de una narrativa
musical totalmente inspirada.
Excelente además su presencia física, de negro como el
resto, camisa y pantalón de algodón cómodos, nada estridentes, pendiente a
pesar de un ensimismamiento aparente, de las indicaciones del maestro
responsable de la orquesta y de una eximio concertino que imponía respeto y
admiración. Fue muy aplaudido, con los espectadores en pie, y regaló un
“encore”, que selló su compenetración con la audiencia. Suele utilizar el
histórico Guarneri del Gesù “Ysaÿe” de 1740, un violín lustroso, y en un estado
inefable de conservación.
Con Tchaikovski se cerró la noche, devolviendo la totalidad
del protagonismo a la Orquesta Nacional Filarmónica de Armenia, con sede
en Erevan, una de las principales formaciones surgidas en la antigua Unión
Soviética y fundada en 1925 por Arshak Adamian y Alexander Spendiaryan, con
más de 40 grabaciones y actuaciones reconocidas en Europa, Asia y América. Este
grupo ha colaborado con figuras internacionales como David Oistrach, Mstislav
Rostropovich o Plácido Domingo.
En esta ocasión y desde el año 2000, bajo la dirección
artística de Eduard Topchjan, también de Erevan, con el que la
orquesta amplió un repertorio que abarca música operística y clásica orquestal,
nacional y contemporánea.
Excelente embajador de su pueblo y sus capacidades, el
maestro, batuta en mano, resultó contenido y sobrio en los movimientos
corporales, controlados y parcos, aunque le bastaron sobradamente para
comunicar con todos y cada uno de los integrantes del grupo armenio. Pareció
sorprendido y agradecido ante la cascada de aplausos de un público entregado que,
sin embargo- fue una lástima- no completaba del todo la sala.
Pudo viajar en una sonoridad fértil y genuina que escaló las
simas y las montañas de un repertorio frecuentado, pero siempre sujeto a
ulteriores reinterpretaciones.
Romeo y Julieta es un tema literario, basado en el drama de
William Shakespeare, que relata amores imposibles y contrariados. Tchaikovski
destaca aquí la crueldad de la suerte, los celos, las rivalidades familiares y
el amor clausurado por la muerte.
En la misma línea, la historia trágica de Francesca da
Rímini, personaje de la Divina Comedia de Dante Alighieri. En la primera parte
del poema ―el Infierno―, en el canto V, el Dante protagonista se encuentra con
los personajes de Paolo Malatesta y Francesca da Rimini, dos nobles enamorados.
La relación que mantienen ambos es una relación compleja ya que ella,
Francesca, es esposa del hermano de Paolo, Gianciotto Malatesta.
El propio Tchaikovski, de dramática vida personal y
amatoria, es un adecuado intérprete de las desgracias del vivir y de sufrir por
amores imposibles. Dante (el padre de la lengua italiana y su literatura más
excelsa) cierra el círculo de la contemplación de la existencia humana como un
cúmulo de desgracias y de preguntas para las nunca habrá respuestas.
La orquesta Nacional Filarmónica de Armenia estuvo más que
indicada para dibujar este repertorio triste y con una profunda carga trágica,
tal vez por la memoria de su propia trayectoria como colectivo o, simplemente,
por la hora tardía del encuentro con el público que, para premiar su valentía y
su esfuerzo, (ahora lo llamarían, mal, “resiliencia”) colmó de elogios y de
vivas un recital brillante que bordeó la plenitud, la entrega y la Belleza. ֆանտաստիկ,
շնորհակալություն.
Fantastik, shnorhakalut’yun (Fantástico, gracias!)
Alicia Perris
Fotos: Julio Serrano
KHACHATURIAN - SUITE FROM "SPARTACUS"-
KONZERTHAUS BERLIN
Les souvenirs délicieux et vifs de Pauline de Pange sont pour nous comme un conte de fées. Car l'arrière petite fille de Madame de Staël, et nièce de la comtesse de Ségur, a connu un monde plus proche du XVIIIe siècle que du nôtre.
Un temps où l'on savait vivre heureux : l'hiver à Paris, dans de vastes demeures ; les jeux, les fiacres, les soirées somptueuses ; puis la transhumance estivale vers Dieppe, les demeures à la campagne, les déjeuners sur l'herbe...
On a peine à croire qu'on ait pu vivre ainsi, il y a tout juste quatre générations : on perçait alors les Champs Elysées pour y bâtir les deux palais de l'Exposition universelle ; on rêvait que bientôt le Métropolitain gronderait sous les pavés, et que des arches franchiraient la Seine d'un seul bond... C'était l'avenir.
D'un oeil complice mais ironique, tendre aussi, la petite fille d'alors nous tend la main et nous appelle : oui, ce monde-là a existé, ce monde d'hier c'est encore le nôtre, et quelle joie de s'y plonger ! C'était 1900.
Giulio Cesare in Egitto di Händel in scena al Teatro del Maggio dal 14 al 25 giugno 2026
L’opera barocca di Georg Friedrich Händel si basa sull'episodio storico della campagna in Egitto ingaggiata da Cesare per inseguire il nemico Pompeo dopo la battaglia di Farsalo: qui egli incontrerà Cleopatra che cercherà di sedurlo a proprio vantaggio, salvo poi innamorarsi di lui veramente. Giulio Cesare in Egitto è in scena nella Sala Grande del Maggio dal 14 al 25 giugno. Sul podio dell’Orchestra e del Coro del Maggio il maestro Gianluca Capuano, la regia è di Davide Livermore.
Paris rend hommage au photographe brésilien reconnu
internationalement Sebastião Salgado, disparu le 23 mai dernier à l’âge de 81
ans. Cette exposition hommage est présentée du 21 février au 30 mai 2026 à la
Salle Saint-Jean, au sein de l’Hôtel de Ville de Paris.
Conçue par Lélia Wanick Salgado et l’ensemble de son studio,
cette exposition réunit près de 200 œuvres et bénéficie d’un prêt exceptionnel
de 114 tirages de la Maison Européenne de la Photographie, institution qui
tenait particulièrement à cœur au photographe.
Sebastião Salgado, né en 1944 au Minas Gerais (Brésil), se
destine en premier lieu à une carrière d’économiste.
Il travaille dans un
premier temps pour l’Organisation Internationale du Café à Londres et commence
à photographier au cours de ses nombreux déplacements. Très vite, il laisse de
côté cette première carrière et travaille successivement pour les agences
Sygma, Gamma et Magnum Photos, avant de fonder sa propre agence avec son épouse
en 1994.
J’ai voulu montrer différents aspects de l’être humain
Sebastião Salgado : le père, le photographe et l’écologiste. Ces trois facettes
composent en harmonie une grande partie de son essence.
En plus d'être un père
aimant, il défendait avec intensité une photographie engagée pour des valeurs
essentielles à l'humanité et la planète, ainsi qu’un monde socialement plus
égalitaire et écologiquement durable.
Cette exposition hommage retrace les grandes séries
emblématiques qui ont marqué sa carrière de photographe à travers des images
iconiques.
Elle souligne également le lien profond du photographe avec Paris,
où le couple s’était installé en 1969 pour fuir la dictature militaire
brésilienne. Durant les derniers mois de sa vie, Sebastião Salgado s’était
attaché à photographier, au fil des saisons, la capitale dans laquelle il avait
passé plus de 50 ans.
Elle souligne également le travail de replantation de la
forêt Atlantique amorcé avec Lélia dès la fin des années 1990 avec la fondation
de l’Instituto Terra, aujourd’hui devenue une référence en matière de
reforestation et de protection de la biodiversité locale.
Enfin, l’exposition présente les œuvres picturales du fils
du photographe et de son épouse, Rodrigo Salgado. Né avec la trisomie 21,
Rodrigo peint depuis son plus jeune âge et son travail sensible reflète les
différents états de son existence. Ses œuvres achèvent le parcours de visite,
comme un souffle vers l’avenir.
Lambert Wilson fait renaître les grandes heures du cinéma en
chansons.
Mélodies mythiques de films et airs inoubliables de comédies
musicales sont au programme de cette soirée exceptionnelle.
De Renoir à
Montand, de Truffaut à Demy, de Prévert à Deneuve, l’interprète d’On connaît la
chanson célèbrera plus d’un siècle de chefs d’œuvre qui ont marqué notre
imaginaire collectif.
Avec élégance et intensité, Lambert Wilson nous invitera
à voyager en musique à travers l’histoire du cinéma.
Interprètes
Lambert Wilson•chant Bruno Fontaine•piano et arrangements Benoit Dunoyer de Segonzac•contrebasse Fabrice Moreau•batterie Pierre Genisson•clarinette
Le magazine britannique The Observer nous a appris que Felicity Lott a rendu public ce week-end être atteinte d'un cancer en phase terminale. Alors qu'elle a fêté ses 79 ans ce jeudi 8 mai, elle ne pensait pas encore être en vie aujourd'hui, après avoir appris sa maladie il y a un an.
Felicity Lott est restée forte et combattive, mais finalement est vient de perdre sa bataille contre la maladie. Dans un entretien à la BBC, cité par The Observer, elle avait affirmé : « Je suis tellement contente en ce moment ». Son traitement à base de stéroïdes lui donnait plus d'énergie que jamais, et elle se préparait à la vente de charité annuelle qui se tiendra en octobre en soutien aux hospices du Sussex. Helàs...
A un anno dalla scomparsa di Papa Francesco, i
Musei Capitolini celebrano la memoria del "Vescovo degli
ultimi" con il percorso espositivo "Angeli. Messaggeri,
custodi e viandanti.
Le sublimi creature dall'Antico al Contemporaneo",
in programma dal 13 maggio al 1° novembre 2026 nelle sale
terrene di Palazzo dei Conservatori. Grazie alla sua accezione commemorativa,
la mostra si configura come un evento di rilievo non solo artistico, ma anche
spirituale.
L'esposizione, curata da Massimo Rossi Ruben e Viviana
Vannucci è promossa da Roma Capitale, Assessorato
alla Culturae al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla
Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali ed
è organizzata dal Centro Europeo per il Turismo e la Cultura,presieduto
da Giuseppe Lepore, con i servizi museali diZètema
Progetto Cultura. Il catalogo è edito da Gangemi Editore.
Il 'concept' del progetto
Nel corso dei secoli, gli angeli hanno stimolato
l'immaginario collettivo tanto da diventare un topos imprescindibile
dell'arte nelle sue varie forme di espressione. Attraverso una selezione di
opere – dipinti, sculture e materiali su pergamena – provenienti da collezioni
museali e raccolte private, la mostra presenta un percorso tematico dedicato al
ruolo che le figure angeliche hanno nella tradizione artistica occidentale.
Il
progetto vuole ripercorrere la loro evoluzione iconografica nella duplice
natura di ponte tra l'umano e il divino, offrendo al contempo al pubblico uno
spunto di riflessione sul rapporto tra il visibile e l'invisibile.
Particolare attenzione è riservata alla progressiva trasformazione
dell'immagine angelica, che nel corso dell'età moderna assume una dimensione
più vicina all'uomo, fino alle riletture simboliche e metaforiche dell'arte tra
Otto e Novecento.
Il progetto espositivo vanta un corpus di opere di straordinario rilievo,
frutto della sinergia con prestigiosi enti prestatori. Grazie al loro prezioso
contributo, la mostra offre al pubblico l'opportunità unica di ammirare capolavori
provenienti dal
Museo Real Bosco Capodimonte, Museo di Roma, Galleria
dell'Accademia di Firenze e Musei del Bargello, Galleria degli Uffizi,
Collezione Intesa Sanpaolo , Collezione BNL BNP Paris Bas, Gallerie Nazionali
di Arte Antica di Roma, Musei Nazionali di Perugia, Direzione Regionale Musei
Nazionali dell'Umbria, Pinacoteca Capitolina, Museo Barracco e Fondo Edifici di
Culto riuniti per la prima volta in questa occasione.
Il percorso espositivo
Spaziando dall'archeologia agli artefatti del XXI secolo il percorso riflette i
temi di custodia, guida e annuncio, cardini spirituali del
pontificato di Papa Bergoglio. Tre le sezioni tematiche ideate dai curatori per stimolare il
visitatore alla contemplazione:
1. I Messaggeri. Dall'annuncio biblico alle espressioni
rinascimentali, la figura che porta la speranza e la Parola.
2. I Custodi. L'angelo che veglia e protegge, simbolo della
premura e amorevolezza divina, sempre presente nella vita e nel cammino
dell'uomo.
3. I Viandanti. Figura di prossimità e condivisione, l'angelo
viandante incarna la presenza celeste che guida, accompagna e
orienta il cammino dell'Uomo nelle sfide del suo tempo.
Dall'Antico al Contemporaneo
La sequenza espositiva si sviluppa lungo un ampio arco cronologico, dal
Medioevo all'età contemporanea, con richiami alla tradizione paleocristiana, e
si articola in sezioni tematiche dedicate alle principali declinazioni
iconografiche: dai putti alle Annunciazioni, dagli arcangeli guerrieri agli
angeli custodi, fino alle figure viandanti e agli angeli musici.
Include opere
di straordinario interesse artistico, tra cui "L'Angelo Custode"
di Pietro da Cortona (1656), proveniente dalla Galleria Nazionale di Arte
Antica di Palazzo Barberini; "L'Angelo annunziante" di Carlo
Dolci (1650 ca.), in prestito dalla Galleria degli Uffizi; il "San
Matteo con l'Angelo" (1622) del Guercino, già presente nella raccolta
dei Musei Capitolini. La rassegna sarà anche l'occasione per ammirare opere
solitamente "invisibili", di proprietà di istituzioni private,
collezioni gentilizie o fondazioni non accessibili al pubblico dei visitatori
ed eccezionalmente prestate nel quadro dell'iniziativa.
Tra queste, l'ipnotico
"Angelo Custode" (1620 ca) di Giovanni Antonio Galli, detto Lo
Spadarino, concesso in via eccezionale dal Fondo Edifici di Culto (FEC) del
Ministero dell'Interno e conservato presso la Chiesa di San Rufo, a Rieti. Tale
opera - insieme ad altre correlate al tema della protezione divina, dal titolo
"Uno sguardo dall'alto", intende sottolineare il legame
indissolubile tra la bellezza dell'arte e la missione del Vescovo della Città
Eterna. Numerose, inoltre, le opere di artisti contemporanei, appartenenti a
collezioni private.
Tra queste figurano "Blu oltremare" e
"Ri-annunciazione di una annunciazione" dell'emiliano Omar
Galliani, o "l'Angelo ribelle su fondo blu cupo" di Osvaldo
Licini.
I curatori Massimo Rossi Ruben e Viviana Vannucci hanno voluto dedicare questa
mostra a Papa Francesco perché "proprio come gli angeli protagonisti
della rassegna, egli ha inteso interpretare la propria vocazione per il
prossimo come un ponte tra cielo e terra".
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