miércoles, 29 de julio de 2020

HOW ART COLLECTORS CAN AVOID ONLINE PHISHING SCAMS AND SOCIAL ENGINEERING


Elena Goukassian

Anton van Dalen
Self-Portrait with Rabbit Jumping through the Computer, 2014
P.P.O.W

Imagine you’ve just made a deal with a gallery to buy a piece by one of your favorite artists. You’ve worked out a price and gotten an invoice. Then, out of nowhere, the dealer emails you: “Hello dear, I’m sorry, I sent the wrong bank information. The attached is the updated invoice for wire transfer.” What do you do?
The short answer is: Pick up the phone and call your dealer. This could be someone else who intercepted your communication and is trying to have you wire the money to their account instead. And if you do, it’s often very hard to trace it and get it back. Emails like this are just one example of the scams making the rounds in the art world.
“It’s been unnerving and disheartening during this pandemic. There’s just so much going on,” said Anne Rappa, senior vice president at fine art insurance broker Huntington T. Block. “At this time, people are particularly vulnerable, since nervousness increases error.”
Many of these scams use social engineering as a tool to convince people to either divulge sensitive information or send money to mysterious overseas accounts, with scammers researching specific targets in order to pose as someone they trust. (Remember the Twitter breach earlier this month? It was a social engineering attack on Twitter’s own employees.)
“There’s been a shift away from hacking and data breaches that steal credit card numbers, as they became less valuable to sell,” said Robert Rosenzweig, vice president and national cyber risk practice leader at DeWitt Stern. “Now there’s more diversion and manipulation.”
Rosenzweig noticed a huge uptick about 18 months ago, with people opening files that locked down their systems and demanded ransom to regain access to data. Scammers target art galleries because their clients tend to be wealthy; phishing scams, especially, expose a lot of collectors’ personal information, which a scammer can use to target that person before moving on to their connections, and then their connections’ connections. Rosenzweig recommends getting encrypted software.
“Given the informality of the art world historically, there has been more and more direct financial loss as a result,” he said. “But it really is a human issue when it comes down to it.” Training people to follow specific internal policies—knowing when to be suspicious of emails and when to pick up the phone—are just as important as your security software. “There’s a need to operate with heightened awareness with every means of communication,” said Rosenzweig.
Adam Prideaux, managing director of insurance broker Hallett Independent, remembers the first time he came across one of these scams in the art world a few years ago, when a gallery lost £1 million (about $1.3 million). “The heart of the problem is email as a means of communication,” he said. “People send all their confidential information, and it’s easy to hack and see what they are talking about.”
Hallett sees a new case of this type about once per week (a lot of the smaller amounts lost may not be reported, or even noticed); cybertheft is much more likely than the physical theft of an artwork. Prideaux noted there are very simple measures galleries could put into place in order to protect themselves, like password-protecting invoices, sending sensitive information (including pricing details) via WhatsApp or another encrypted messaging service, or even using good old-fashioned snail mail.
“What’s always struck me is the lack of training,” Prideaux added. “Tech isn’t at the forefront of how the art world does business.” He said he tells people to always assume every email they write is being read by people other than the intended recipients.
Perhaps unsurprisingly, all of the insurance companies and brokers consulted for this article are happy to arrange some form of cyber insurance for galleries (many packages also come with access to forensics experts). But, as Prideaux put it, “if you have good training, you’re managing the risk, which negates the need for insurance. If a hacker sees passwords on all your email attachments, he moves on to the next gallery.”
In taking steps to create a more robust cybersecurity system, the gallery isn’t just protecting itself—it’s also protecting its collectors, who are much more likely to lose money in a social engineering attack. If collectors want to get personal cyber insurance and identity theft insurance, they can do so through their homeowners policy, but ultimately, Prideaux believes it’s galleries’ responsibility to educate both their employees and their clients in order to “clean up the system.”
In full disclosure, Artsy’s gallery network has been the target of similar phishing scams. To combat instances of social engineering, Artsy has invested in its security procedures to protect partners, created a team dedicated to trust and safety, built best-practice resources, and communicated directly with both its users and employees so they are better educated about the dangers of phishing scams.
In the aftermath of an uninvited third party getting between a dealer and a collector, there’s often a great deal of finger-pointing and accusation as to who is at fault. Most of the time, this involves figuring out whose email got hacked and how much responsibility that party should take for the breach—as seen in a recent case in the Netherlands.
The way to resolve these disputes is through lawyers, who determine both parties’ rights and vulnerabilities, explained Joseph V. DeMarco, partner at the law firm DeVore & DeMarco, where he focuses on information privacy and security, computer intrusions, and online fraud, among other issues. He said the first thing people tend to do when they find out what happened is immediately fix their system. But doing so could erase essential evidence, so it’s important to talk to experienced counsel, who “can hire a technologist to bring systems up while preserving relevant evidence,” he said.
DeMarco said he’s even been able to recover the lost money in some instances. When these cases go to negotiation or to court, it’s usually a matter of determining which party is more at fault and dividing up the loss accordingly. But it’s more important to take preventative measures, like creating a policy that all wire transfers are confirmed face-to-face or over the phone—or, very simply, writing in your contract: “We will never change our wire information without verbal confirmation.”
“Amend your sales agreements, documents, and policies to bring the odds of this happening to zero,” DeMarco said. “The best time to do it is now, not when you’re in the middle of it,” when it would be “like changing the batteries on a smoke detector while your house is on fire.”
In 2018, the Art Dealers Association of America organized a seminar to educate dealers on issues of cybersecurity, inviting FBI special agent William McKeen, who works on cybercrime cases, to participate. “Any time we can talk to an entire industry, it really makes a difference for us,” said McKeen, remembering an incident with a New York gallery where a scammer impersonated a private seller of a significant piece and changed the wire instructions; the gallery ended up wiring money to the scam account.
McKeen said the biggest red flag is usually someone reaching out in the middle of a deal to change instructions. It’s also important to pay attention to language, he said, as a lot of scammers might refer to a person by only their last name or greet them with a “Hello dear.” One should also be wary of anyone applying pressure to move very quickly. He said the art industry is particularly vulnerable to these kinds of scams because most companies and organizations are small, with no person dedicated to cybersecurity; large overseas wire transfers are the norm; and there are no industry-standard invoices.
“Cybercrime is the most lucrative crime,” McKeen added. “I’m working on a case now where the subject succeeded only 5 percent of the time and made $3.5 million in the last year.”
According to the FBI, in 2019, people in the U.S. lost $57 million to phishing scams alone, and that’s only the reported cases. McKeen always encourages people to report these crimes, since there are only several thousand scammers around the world, and many of them work in hierarchical groups, similar in structure to organized crime. “Folks are hard to trace as they’re mostly overseas, but we’ve had success recently related to building international relationships,” he said. “We make arrests weekly on these kinds of cases.” (He pointed specifically to a couple of Nigerian scammers who were caught earlier this month—at least partially due to Instagram posts documenting their lavish lifestyles.)
As for art transactions, one specific step McKeen suggested people take to avoid being scammed is to “find out the amount of money you’re willing to lose. Any amount above that, have two people authorize the transfer. Make it a part of the culture, no matter how urgent.” This is good advice for both galleries and collectors: A second opinion—no matter whose it is—could be the difference between acquiring a new and exciting work and suffering a massive financial loss. If you do find yourself a victim of a cybercrime, you can report it on the FBI’s Internet Crime Complaint Center website. “Time is of the essence!” said McKeen. The sooner you report, the more likely you’ll be able to get your money back.
For now, though, anytime you get a suspicious email from an art dealer and before you open any attachments, just pick up the phone and call the person. All the experts interviewed for this article said this is the most effective way to confirm whether or not they actually sent you the email. Just make sure you call a number you already have for them—don’t trust the one in the email signature, just in case.

Elena Goukassian

https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-art-collectors-avoid-online-phishing-scams-social-engineering?utm_medium=email&utm_source=sailthru&utm_campaign=editorial&utm_content=daily-bronze&utm_term=21037858-07-28-20

lunes, 27 de julio de 2020

THE ICE BREAK: A PROPHETIC OPERA FOR OUR TIMES


British composer Michael Tippett (2 January 1905 – 8 January 1998) might not be a household name to everyone, but he certainly deserves to be rediscovered today. During his lifetime he was considered a leading British composer on par with his contemporary Benjamin Britten. In the 21st century, however, his work has been more rarely performed.


The Birmingham Opera Company’s 2015 production of The Ice Break is an important step towards the revival of Tippett’s music. Written when he was in his 70s, The Ice Break has been all but forgotten since its first performance in 1977. Artistic director Graham Vick’s audacious staging now proves that it was ill-advised to neglect the opera too soon. Known for his experimental stagings, Vick conceived a production that mirrored the opera’s utopian force and highlighted its visceral political relevance.

Vick calls it a "visionary masterpiece", but that wasn't clear at the premiere, nor at the 1979 revival. Vick makes a stronger case than I believed possible for a piece that seemed dated in 1970s.

Hugh Canning, The Sunday Times
Indeed The Ice Break transcends its time and historical context to embrace a universal, humanistic message of overcoming social splintering along generational, racial and gender faultlines. Prepare to be unprepared as you immerse in Tippett’s universe. Its poetic plot deliberately breaks with realism, requiring a good dose of suspension of disbelief in the process. The story opens in an airport and spirals into a string of racist attacks and riots. Seeing the performance 5 years later in the light of the momentous Black Lives Matter movement, it is astounding how topical the opera seems today.
No other company is better placed to thaw The Ice Break than the Birmingham Opera Company, whose slogan is ‘not what you expect from opera’ for a reason. Rather than seating its audience in front of a stage, they invite them into an empty Birmingham warehouse, stupendously transformed into a busy airport lounge, riot-torn streets and a hospital for the occasion. The public experiences the opera while meandering through the impressive decor and interacting with the cast.

The cast, of course, is just as unique. Performed by professional musicians and singers alongside a huge volunteer cast of hundreds from right across the local area, the production engaged over 5000 people, 98% of whom had never seen the Company’s work before or potentially even heard of it. Over 6 months in 2015, local people came together with artists in-keeping with the themes of the production - exploring breaking ice of society and sharing and creating poetry, dance, music, visual art and film. No wonder that the Birmingham Opera Company is currently shortlisted for the FEDORA Education Prize.

In this opera, the tension is not just between generations, but between first and second-generation immigrant… this opera addresses that front-on, and it’s a very potent thing to sing about in this city.

Graham Vick
Vick's production commemorated the 30th anniversary of Birmingham's riots in 1985, when violent social conflict flared up on the streets of Handsworth in the summer amidst searing poverty, an unemployment rate of over 50% among black youth and deteriorating relations between the police and the community. The production explores attitudes to race, conflict and society and underlines the opera's continuing social relevance. By poetically depicting the fragmentation of humanity caused by the seismic changes in identity politics, it argues for the need to heal and unite beyond perceived differences. Her message could not be more urgent today.

https://operavision.eu/en/library/features/ice-break-prophetic-opera-our-times?BREAK_TOSCA_2020_EN=&utm_term=0_be53dc455e-b4c07aa8e4-100468825

BERLIN’S HAUS DER KULTUREN DER WELT OPENS EXHIBITION A SLIGHTLY CURVING PLACE


HKW reopens with an exhibition and digital discourse program exploring what it means to listen to the past, July 23–September 20, 2020.

Haus Der Kulturen


Padmini Chettur, study for A Slightly Curving Place, 2020 | Image: Sara

What does it mean to try and listen to the past? To ask this question draws awareness to sound as a social event — music, theater, and dance as forms of lived collectivity — and to its absence. Such listening is to confront a sense that the past cannot be captured. It is about that which is lost but nevertheless always with us — the simultaneity of the past in the present, a collectivity across time beyond possession and accumulation.

A Slightly Curving Place derives its title from a Prakrit phrase in Jain cosmology: “Isipabbarabhumi” refers to a special place above the heavens shaped like a parasol where the disembodied souls of the perfected ones go to live in eternal isolation. Sealed off from the rest of the cosmos, they are unable to interact with other souls, unable to hear them or be heard.

In this exhibition, a slightly curving place is to be found not at the apex of the universe but under an ambisonic dome of speakers. Here, an audience of listeners might gather to sense a past they cannot hear. The sound that arrives is a record of sound as it was. Elsewhere, on projection screens, the body of a dancer rotates in one direction as it makes an image of time that turns in another.

Centered around a multi-authored audio play, the exhibition brings together writers, dancers, field recordists and sound designers. It responds to Umashankar Manthravadi, a self-taught acoustic archaeologist who has been building ambisonic microphones to map and measure the acoustic properties of premodern sites of ritual and festival. He proposes that we can’t just look for theaters in landscapes of the past, we must listen for them.

Curated by Nida Ghouse

Coming to Know: digital discourse program: September 5, 11, and 18, 2020

For further information visit www.hkw.de/en/curvingplace.

LA "CANCEL CULTURE" EST-ELLE VRAIMENT UN PHÉNOMÈNE NOUVEAU?


À travers l'histoire, plusieurs exemples montrent que le débat autour de la "cancel culture" est loin d'être nouveau.

Par Manon Heckmann


KLEVO VIA GETTY IMAGES

À travers les réseaux sociaux, la "cancel culture" peut directement conduire au boycott de l’art d’une personne voire à son effacement.
CULTURE - Films, statues, marques, personnalités publiques: ces dernières semaines, la “cancel culture” a beaucoup fait parler d’elle avec la suppression ou le remplacement de nombreuses œuvres imposées par des mouvements en faveur de la justice raciale et sociale.

Cette pratique se traduit par le fait de “condamner d’office” une personne et son œuvre après un acte répréhensible, en l’y associant totalement sans lui laisser la possibilité de s’exprimer ou de se justifier. Ainsi, une seule action critiquable peut conduire au boycott de l’art d’une personne, voire à son effacement, et ce sans prescription. Aujourd’hui ces condamnations passent notamment par les réseaux sociaux. Libérationcite l’exemple d’un “mauvais tweet”, qui même publié il y a dix ans pourrait, avec la “cancel culture”, causer du tort à son auteur et ce peu importe le contexte de sa publication.

Boycotter les œuvres
Cela a par exemple été récemment le cas avec J.K Rowling, l’autrice d’“Harry Potter”. Suite à ses propos polémiques sur les personnes transgenres, des tweets ambigus qu’elle avait postés il y a une dizaine d’années ont refait surface. Pour condamner ses propos, de nombreuses personnes ont appelé au boycott de ses livres, d’autres ont fait retirer leurs tatouages en référence à la saga “Harry Potter” et des auteurs membres de la même maison d’édition qu’elle ont claqué la porte.

Plus que dénoncer et supprimer des œuvres, la “cancel culture” pousse à ternir complètement l’image de la personne en tort, explique l’AFP. Très récemment, la mort de George Floyd et le mouvement “Black Lives Matter” ont par exemple conduit à la suppression du logo de la marque de riz “Uncle Ben’s”, jugé raciste. Le film culte “Autant en emporte le vent” avait également été retiré de la plateforme HBO Max, avant d’être remis avec des explications précisant que le film “nie les horreurs de l’esclavage et son héritage, celui des inégalités raciales”.

Aussi, un collectif de 150 personnalités du monde artistique, de la culture et des médias a rédigé une tribune publiée dans le magazine Harper’s et dans Le Monde. Ils y dénoncent “l’intolérance à l’égard des opinions divergentes”. “L’échange libre des informations et des idées, qui est le moteur même des sociétés libérales, devient chaque jour plus limité, écrivent-ils. La censure, que l’on s’attendait plutôt à voir surgir du côté de la droite radicale, se répand largement aussi dans notre culture : intolérance à l’égard des opinions divergentes, goût pour l’humiliation publique et l’ostracisme.” Parmi les signataires de la tribune, on retrouve J.K Rowling, mais aussi Margaret Atwood, autrice de “La Servante écarlate”, ou encore l’historien Mark Lilla.

Un phénomène né avec les réseaux sociaux ?
Si certains considèrent que la “cancel culture” est née sur les campus américains et sur les réseaux sociaux à partir des années 2000, cette pratique pourrait bien exister depuis bien plus longtemps. Les réseaux sociaux ne seraient que la nouvelle façon dont elle s’exprime. “L’activisme sur Twitter, c’est facile: en une poignée de secondes, on peut attaquer quelqu’un ou faire circuler une pétition pour qu’il soit licencié ou mis à l’index”, souligne à l’AFP Richard Ford, professeur de droit à Stanford. Il ajoute également que désormais, “la cancel culture s’exprime régulièrement au-delà des réseaux sociaux, dans le monde académique ou du travail en général”.

D’autres voient dans la “cancel culture” l’émergence d’un nouveau pouvoir, désormais à la disposition du plus grand nombre alors qu’il était autrefois l’exclusivité d’une poignée.

Pour Virginie Mathe, maîtresse de conférence en histoire ancienne, “là où la “cancel culture” est nouvelle, c’est que ce pouvoir n’appartient plus à l’élite. Auparavant, c’est elle qui remplaçait et supprimait des œuvres, des personnes, c’était très commun. Et comme aujourd’hui cela consistait à effacer les noms, à enlever les statues, à interdire des cérémonies”, confie-t-elle au HuffPost.

“La cancel culture a déjà été un outil important du changement par le passé”, estime quant à elle Lisa Nakamura, professeure à l’université du Michigan qui a étudié le sujet.

Des exemples à travers l’histoire
Son avis est rejoint par Marie-Karine Schaub, maîtresse de conférence en Histoire moderne. “Ce n’est pas un phénomène nouveau. J’ai plusieurs exemples en tête. Par exemple, au cours de l’histoire, il fut fréquent que certains lieux de cultes soient remplacés au moment des phases de christianisme, parfois à la demande du peuple. Je pense en particulier à la cathédrale de Cordoue, d’abord un temple romain, puis une mosquée puis une cathédrale”, explique l’historienne au HuffPost.

“Au cours de l’histoire russe, après la révolution, les paysans transformaient le coin à icône devant laquelle on priait en coin rouge dans lequel on trouve un portrait de Lénine. Ils ont également changé des noms de villages pour que certains souvenirs du passé disparaissent. C’est une forme de transformation de la culture menée par des mouvements sociaux”, ajoute Marie-Karine Schaub.

Des propos que nous confirme Jerome Bazin, maître de conférences et chercheur en histoire sociale de l’art. “Je ne pense pas que ce soit une pratique nouvelle. La nouveauté est que désormais les comportements discriminants ordinaires sont également pointés du doigt, ce qui n’a pas toujours été le cas. Mais la société civile a déjà entraîné ce genre de mouvement et imposé des changements culturels. Il y a forcément des tas d’exemples dans le passé”, estime-t-il.

Une pratique ancrée aux États-Unis
Aux États-Unis par exemple, la “culture de la délation” est ancrée dans la société depuis des centaines d’années. À l’époque des westerns, les affiches “wanted” avec les visages de personnes recherchées pouvaient ressembler au phénomène de “cancel culture”. “Sans vrai procès, sans vraie défense, on était vite pendu”, relate France Culture à propos des personnes recherchées lors de la conquête de l’Ouest. Aujourd’hui, avec les réseaux sociaux, la pendaison a été remplacée par la destruction de l’image publique d’une personne, sans procès ni débat.

“Ce réflexe n’a pas disparu dans le pays”, explique à l’antenne Jean-Eric Branaa, spécialiste de la politique et de la société américaine. “Quand une personne condamnée pour pédophilie s’installe dans un quartier, il arrive que ses voisins placardent des affiches dans les rues avec son nom et les faits pour lesquels il a été condamné. Cela n’est pas du tout considéré comme du harcèlement. La personne est obligée de déménager, jusqu’au jour où de nouveaux voisins découvrent à leur tour son passé. Avec l’émergence des réseaux sociaux, il est encore plus compliqué d’échapper à ces ‘Wanted’ de l’âge numérique”, s’inquiète le politologue.

Si l’activisme sur les réseaux sociaux est souvent pointé du doigt et considéré comme le point d’ancrage de la “cancel culture”, force est de constater qu’il n’a servi qu’à donner une nouvelle dimension et plus de portée à une pratique déjà existante il y a des centaines d’années.

https://www.huffingtonpost.fr/entry/la-cancel-culture-est-elle-vraiment-un-phenomene-nouveau_fr_5f199123c5b6f2f6c9f27909??ncid=newsltfrhpmgnews#EREC-101

domingo, 26 de julio de 2020

OLIVIA DE HAVILLAND, GOLDEN AGE OF HOLLYWOOD STAR, DIES AT 104


Olivia de Havilland in 1940, a year after one of her career-defining roles in Gone with the Wind

Olivia de Havilland, one of the last remaining stars from the Golden Age of Hollywood, has died at the age of 104.

De Havilland's career spanned more than 50 years and almost 50 feature films, and she was the last surviving actor from Gone with the Wind (1939).

The film earned her one of her five Oscar nominations.

De Havilland, who has lived in Paris since 1960, was central in taking down Hollywood's studio system, giving actors better contracts.

She also had a tempestuous relationship with her sister, fellow Oscar-winning actress Joan Fontaine.

Obituary: Olivia de Havilland
At the time of her death, De Havilland was the oldest living performer to have won an Oscar.

Olivia Mary de Havilland was born in Tokyo in 1916 and soon moved to California with her family.

She made her breakthrough in Captain Blood, opposite Errol Flynn, and the pair developed an immediate chemistry.

De Havilland was then cast in the role of Melanie in David O Selznick's epic adaptation of the Margaret Mitchell novel, Gone with the Wind.

She lost the best supporting actress to Hattie McDaniel, who played Mammy in the film.

https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-53546021

EL TEATRO REAL DE MADRID, CONSIGUIÓ EL MILAGRO: REABRIÓ SUS PUERTAS PARA UNA TRAVIATA EXCEPCIONAL CONFRONTADA CON LA PANDEMIA

Música de Giuseppe Verdi (1813-1901) Ópera en tres actos. Se presentará en versión de concierto semiescenificada. Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la novela y obra de teatro La Dame aux camélias (1848 y 1852), de Alejandro Dumas hijo. Sábado 25 de julio de 2020
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Equipo artístico
Director musical: Nicola Luisotti
Responsable del concepto escénico: Leo Castaldi
Iluminador: Carlos Torrijos
Director del coro: Andrés Máspero

Reparto
Violetta Valéry: Lisette Oropesa
Flora Bervoix: Sandra Ferrández
Annina: Marifé Nogales
Alfredo Germont: Ivan Magrì
Giorgio Germont: Nicola Alaimo
Gastone, vizconde de Létonières: Albert Casals
El barón Douphol: Isaac Galán
El marqués de Obigny: Tomeu Bibiloni
El doctor Grenvil: Stefano Palatchi
Giuseppe, criado de Violetta: Emmanuel Faraldo
Un mensajero: Elier Muñoz
Un criado de Flora | Carlos García

La Traviata, de Giuseppe Verdi, estaba prevista en la presente temporada ─con la célebre producción del Festival de Salzburgo dirigida por Willy Decker─ en dos períodos: del 9 a 24 de mayo (10 funciones) y del 7 al 19 de julio (9 funciones).

Debido al estado de alarma decretado por el Gobierno de España, las representaciones de mayo no han podido realizarse. Se recolocaron los espectadores de las funciones de julio afectados por la restricción del acceso y los que no pudieron disfrutar en su momento por el confinamiento, por lo que el aforo en principio se plantea con 869 localidades, en cumplimiento de la normativa de seguridad sanitaria. Se ofrecen así,  27 funciones de la ópera, entre los días 1 y 29 de julio, con aforo limitado y un complejo y minucioso protocolo de seguridad sanitaria. Cuatro distintos repartos (con cinco Violetas) interpretarán los tres papeles protagonistas, secundados por los demás solistas y acompañados por el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.


Nicola Luisotti, gran experto verdiano y director musical invitado del Teatro Real, dirige 21 funciones, también la que nos ocupa en esta reseña. El maestro Luisotti ha cambiado muchísimo el compromiso musical y emocional con el coliseo madrileño, comenzando con una trayectoria más discreta, canónica, hasta el instante actual, muy largo, en el que le ha tocado revivir esta producción verdiana, con no pocas ataduras de tipo sanitario- social, a pesar de lo cual ha conseguido una Traviata digna, emocionante y pasional, logrando lo mejor de todos aquellos que participaron en este arriesgado proyecto, gestores, artesanos, asistentes de sala, técnicos, prensa y por supuesto, artistas. Sus palabras de aliento y fuerza, quedarán para el recuerdo.

Desde mi magnífico palco, donde se me colocó en esta ocasión, distinción que agradezco sobremanera, también en nombre del medio al que represento como relatora, se podía disfrutar con holgura y fruición de su relación con la orquesta, el coro y los solistas, en esa franja íntima y personal que teje el director musical con todos sus allegados en esta empresa oceánica, el desarrollo de una ópera.

 Leo Castaldi -asistente de Willy Decker en la producción de La traviata que estaba inicialmente prevista- es el responsable del concepto escénico de la ópera, en versión de concierto semiescenificada, con elementos de utilería, sastrería y caracterización del Teatro Real. A pesar de los prejuicios apriorísticos y del distanciamiento obligado de los cantantes y el coro y una orquesta que toca con mascarilla, salvo los músicos de los instrumentos de viento, hay magia y esa ilusión que nos transporta lejos de una realidad cotidiana que, hoy por hoy, en España y el mundo, amenaza por la enfermedad, con la incertidumbre y la duda. En torno a La traviata se organizaron actividades paralelas en colaboración con la Fundación SGAE, Museo del Romanticismo y Museo Lázaro Galdiano.

Para que los músicos tuvieran jornadas de descanso entre las 27 funciones, la Orquesta Titular del Teatro Real se desdobla en dos tocando cada formación por períodos de 3 días consecutivos.

El Coro Titular del Teatro Real, dirigido con maestría habitual por Andrés Máspero, con 51 cantantes, interpreta la ópera sobre tarimas, lo que permite la optimización del sonido, pese a la distancia de seguridad de 2 m. entre sus miembros. La Orquesta Titular del Teatro Real con el maestro Luisotti al mando,  estuvo también correcta, con momentos más logrados que otros, sobre todo a partir del acto primero, luego del preludio, cuando consiguió empastar y una mejor coherencia sonora.


Tras su extraordinario éxito como Lucia en Lucia di Lammermoor de Donizetti, en la temporada 2017-2018, la soprano estadounidense de origen cubano Lisette Oropesa (bellísimo el “Dite alla giovine”) consigue detener el aliento del público, con su emotividad, sus cualidades de lírico ligera, en los famosos pasajes, que la hacen la protagonista y auténtica prima donna de esta obra. Destaca por supuesto, en el Brindis, con el Alfredo de Iván Magrí, cálido, enamorado, con un instrumento de tenor amplio y una escenificación de joven alocado y entregado, que transmite toda la italianità de la creación verdiana. 
Nacido en Sicilia, tierra caliente de voces y artistas, la Magna Grecia, que también vio nacer al Germont que los acompaña, Nicola Alaimo, de adecuada prestación, contención y grandeza, como exige su rol autoritario y paternal ( “Di Provenza…” o “Piangi o misera”).
El barítono sin embargo, aquí tiene un rol poco agraciado. Representa los intereses de la familia, institución enfermiza en ocasiones y también los de la horda primigenia ahora organizada en una sociedad bienpensante como la de mitad del siglo XIX, durante el cual, el protagonismo de la mujer había perdido todos los atributos entrevistos durante el lapso entre la revolución Francesa de 1789, el Directorio y la época del imperio Napoléonico. La mujer vuelve pues a ser objeto de compra y venta y se las divide, como al ganado, en buenas y malas  para el hogar y la procreación o decentes y dudosas, aptas o no para resolver los papeles que un grupo en ascenso, la burguesía, organiza en torno al dinero, la herencia y la propiedad privada y una doble moral muy conocida y desde luego, alentada por unos y por otros.

Violetta queda así, en tierra de nadie, no en “el desierto de París”, sino, más grave aún, sin el respaldo que la tribu otorga a sus miembros diligentes y sumisos. Oropesa encarna de maravilla, esos sentimientos de indefensión y de humillación grupal, pero consigue de verdad la redención, no con la aceptación de abandonar a Alfredo, por las razones morales y familiares que esgrime su padre, sino porque, sobre cualquier otro tipo de violencia y condicionamiento social, seguirá siendo “Sempre libera”.

El trío protagonista convence, encandila por momentos y nos transporta a un mundo más onírico que el de la distancia prudencial contra los contagios: recuperamos el instinto de soñar y la fantasía de la música, de las voces y como Traviata, volvemos no a una “normalidad dudosa y nueva” sino a la fuente de cualquier ser humano, aunque sea en el deseo, la Libertad.

Entregados también el equipo de acompañantes españoles de los protagonistas, Albert Casals como Gastón, Isaac Galán como el barón Duphol, Tomeu Bibiloni en el marqués de Obigny, Stefano Palatchi en el doctor Grenvil, el criado Giuseppe que compone el ítalo-argentino Emmanuel Faraldo, el mensajero de Elier Muñoz y el criado de Flora, Carlos García. Sin su apoyo y su dedicación, esta ópera hubiera quedado incompleta. Como siempre relumbrando en la discreción, con extrema elegancia vocal y espacial, Sandra Fernández como Flora y Marifé Nogales como Annina.

El Teatro Real, Ignacio García-Belenguer (Director Gerente), Joan Matabosch (Responsable artístico) y su inmenso y generoso territorio humano, nos han regalado muy especialmente esta vez, algo que no tiene precio: la ilusión, la esperanza, la idea de que intentando lo difícil, se puede llegar a conseguir lo imposible (¡Me ha salido un poco Mayo del 68!). Mille grazie a tutti! Nos reencontramos en Septiembre.

Alicia Perris

viernes, 24 de julio de 2020

À BOUGIVAL, LA VILLA VIARDOT SE REFAIT UNE BEAUTÉ


Alors que la liste des dix-huit monuments retenus pour le prochain Loto du patrimoine a été dévoilée fin juin, état des lieux de la propriété de la cantatrice Pauline Viardot, premier bâtiment à avoir bénéficié de la loterie initiée par Stéphane Bern.

Sur les hauteurs de Bougival, le ballet des marteaux-piqueurs a repris son martèlement incessant. Après l’interruption totale du chantier durant plusieurs mois, Luc Wattelle, le maire de cette petite commune des Yvelines, ne cache pas son soulagement. "La première phase des travaux vise notamment à consolider les fondations et les façades, un retard de quatre à cinq mois est désormais à prévoir. L’ouverture symbolique de la villa, prévue le 18 juillet 2021, jour du bicentenaire de la naissance de Pauline Viardot, devra malgré tout être décalée".


En 2018, à la suite de la première édition de la loterie du patrimoine, la demeure s’est vu remettre un chèque de 500 000 euros. À travers ce don, l’objectif est clair: redonner sa splendeur d’antan à la villa Viardot, qui a vu défiler toute la fine fleur du monde artistique de l’époque: de George Sand à Flaubert en passant par Chopin, Bizet, Hugo… Et le travail ne manque pas compte tenu de l’état de délabrement avancé de la propriété, nichée sur le domaine des Frênes, en contrebas de la datcha de Tourgueniev, le célèbre auteur russe.

Si les ouvriers sont à pied d’œuvre à l’extérieur, c’est le silence qui règne dans les salons, tapissés de décors peints dont la restauration constituera la dernière étape du chantier. "Ce qui est très émouvant, c’est de savoir que nous allons retrouver la villa telle qu’elle était à l’époque, cela m’émeut aux larmes", se réjouit le baryton Jorge Chaminé, qui porte cette réhabilitation estimée au total à quatre millions d’euros et destinée à s’intégrer, à terme, à un projet de Centre européen de la musique.

Patrimoine  Stéphane Bern

Par Hermance Murgue

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