RENOIR ET L'AMOUR LA MODERNITÉ HEUREUSE (1865-1885). PROCHAINEMENT MUSÉE D´ORSAY. ACANTILADO: UMBERTO PASTI: ARABESCO

 Du 17 mars au 19 juillet 2026

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

La Promenade, 1870

© Image courtesy of the J. Paul Getty Museum

Les tableaux colorés et joyeux d’Auguste Renoir, son iconographie des guinguettes et des bals publics, ont fait de lui un « peintre du bonheur ». Cette réputation a parfois conduit à le marginaliser parmi les grands peintres de la modernité, au motif que celle-ci ne saurait être que mélancolique ou ironique, désabusée ou désenchantée. Son œuvre propose pourtant une réflexion originale sur la modernité, placée sous le signe de l’amour, entendu à la fois comme force régissant les relations humaines et comme sentiment guidant le regard de l’artiste sur ses modèles, sur le monde et sur la peinture elle-même.

« Je sais bien qu’il est difficile de faire admettre qu’une peinture puisse être de la très grande peinture en restant joyeuse » (Auguste Renoir.)

À l’occasion des cent cinquante ans du Bal du moulin de la Galette (1876), chef-d’œuvre des collections impressionnistes du musée d’Orsay, cette exposition réunit pour la première fois ce corpus majeur des « scènes de la vie moderne » – tableaux à plusieurs figures représentant des sujets contemporains (distincts des portraits et des paysages) – réalisés par Renoir au cours des vingt premières années de sa carrière (1865-1885).

 Durant cette période, il participe à l’invention collective d’une « Nouvelle peinture » aux côtés de Manet, Monet, Morisot, Degas ou Caillebotte. Il se distingue toutefois de ses amis impressionnistes par son sens singulier de l’empathie et sa capacité d’émerveillement, ne choisissant que des sujets heureux et en mettant toujours en valeur ses modèles.

 Ce regard « amoureux » se manifeste par un goût prononcé pour les liens – dans ses motifs (conversations, repas, danse…) comme dans sa manière de peindre, attentive à tout ce qui peut contribuer à un sentiment d’unité (gestes des personnages, lumière enveloppante, équilibre des couleurs, touches fluides et esquissées qui fondent les objets les uns dans les autres).

L’exposition met aussi en évidence la prédilection de Renoir pour la représentation du jeune couple mais entend déconstruire une idée reçue qui voudrait que sa peinture soit « sentimentale ». Au contraire, elle évite l’expression trop directe des émotions, la narration romanesque, tout autant que les mises en scène érotiques. 

Admirateur des peintres français du XVIIIe siècle (Watteau, Boucher, Fragonard), Renoir fait renaître une atmosphère de « fêtes galantes » et promeut une forme de liberté de mœurs et d’égalité entre les sexes dans le Paris de la fin du Second Empire et des débuts de la IIIe République. 

Ce choix doit être compris à la lumière de la biographie de l’artiste impressionniste, qui mène alors une « vie de bohême » marquée par des relations considérées alors comme « illégitimes », et replacée dans le contexte du XIXe siècle marqué par le mariage et les normes bourgeoises, la morale religieuse, la place importante de la prostitution et de très fortes inégalités entre les hommes et les femmes.

 Dans ce cadre, les grands formats de Renoir consacrés au couple heureux, à la « camaraderie » (selon le mot de son ami Rivière) et à la convivialité, apparaissent comme autant de manifestes contre la violence des rapports entre les sexes, les antagonismes de classe et la solitude croissante de la vie urbaine.

Coorganisée avec la National Gallery de Londres et le Museum of Fine Arts de Boston, cette exposition offre un regard renouvelé sur des tableaux si célèbres qu’il est devenu difficile d’en percevoir aujourd’hui toute la nouveauté.

 Pour la première fois depuis 1985 – date de la dernière rétrospective Renoir organisée à Paris – une exposition rassemble un ensemble resserré mais significatif d’œuvres (environ cinquante peintures) de la première partie de la carrière de l’artiste, parmi lesquelles ses plus grands chefs-d’œuvre : de La Grenouillère (1869, Stockholm, Nationalmuseum) aux Parapluies (1881-1885, Londres, The National Gallery), en passant par La Promenade (1870, Los Angeles, The J. Paul Getty Museum), la Danse à Bouvigal (1883, Boston, Museum of Fine Arts) et Le Déjeuner des canotiers (1880-1881) très exceptionnellement prêté par la Phillips Collection de Washington.

https://www.musee-orsay.fr/fr/programme/agenda/expositions/renoir-et-lamour

EDITORIAL ACANTILADO

Umberto Pasti Arabesco Aventuras tangerinas de un coleccionista Traducción de Luis Arias Un coleccionista decidido a poner a salvo en su casa de Tánger nada menos que el espíritu de la ciudad blanca y un duende que encarna la casa y la ciudad son los protagonistas de este relato de obsesiones y malentendidos que no es otra cosa que la historia de un amor singularísimo.  Ajeno a las deudas que acumula, el coleccionista persigue las quimeras del pasado y recopila vestigios de una civilización que tal vez sólo floreció en sueños.  Mientras tanto, el duende, más sensato y terrenal, le exige que relate su historia, y así se va urdiendo esta hechizante fábula, sinuosa como un arabesco, hecha de retazos de distintos géneros—de la autobiografía a la novela negra, del ensayo erudito a la sátira, del cómic a la canción popular—, que invita al lector a descubrir una Tánger de tintes míticos, ese «viejo burgo cartaginés y fenicio, árabe y portugués», decadente refugio de tantos migrantes andaluces desde la caída del Reino de Granada, donde incluso el asesinato es lícito si se comete por «un imperativo estético, una necesidad urgente», como la de «suprimir una coma».

Umberto Pasti (Milán, 1957) es escritor y diseñador de jardines, y vive entre Milán y Marruecos. Ha publicado ensayos como Jardines, los verdaderos y los otros (2014) y Perdido en el paraíso (Acantilado, 2020); cuentos, como los recogidos en La felicidad del sapo (2018), y novelas como L’età fiorita (2014) o L’accademia del dottor Pastiche (2008).