FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA NUEVAS EXPOSICIONES DE PINTURA Y FOTOGRAFÍA EN SUS SALAS DE MADRID Y BARCELONA

Fundación MAPFRE presenta nuevas exposiciones de pintura y fotografía en sus salas de Madrid y Barcelona

La temporada comenzará con una exposición antológica del movimiento surrealista y su recepción en España, que se presenta el 6 de febrero, en la sala Recoletos, en Madrid.

En el ámbito de las artes plásticas, el año se cerrará con una retrospectiva dedicada a Raimundo de Madrazo, coproducida por Fundación MAPFRE y Meadows Museum de Dallas.

Dentro de su programación de fotografía, la fundación ofrecerá retrospectivas dedicadas a Edward Weston y Helen Levitt.

En Madrid, como viene siendo habitual, Fundación MAPFRE arrancará el año compaginando una diversa programación centrada en el arte de finales del siglo XIX y principios del XX, así como en la obra de autores destacados de la historia de la fotografía del siglo pasado.

Una de las dos primeras exposiciones del año es 1924. Otros surrealismos, que analiza la recepción e influencia del primer manifiesto surrealista, redactado por André Breton en 1924, y que parte de la idea de que existieron múltiples interpretaciones y manifestaciones del movimiento. Por esta razón, además de contar con grandes representantes del surrealismo como René Magritte, Salvador Dalí u Óscar Domínguez, el proyecto incide de manera especial en el trabajo de creadores menos populares, como Nicolás de Lekuona, Amparo Segarra y José Alemany, quienes trabajaron al margen del discurso dominante desde España y América Latina, así como en la aportación de algunas mujeres al grupo, entre las que destacan nombres como Remedios Varo y Maruja Mallo.

Esta exposición, comisariada por Estrella de Diego, forma parte de la celebración internacional del centenario de la publicación del primer Manifiesto del surrealismo, que se inició con una mirada curatorial diferente en los Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (Bruselas), siguió en el Centre Pompidou (París) y, tras su presentación en Madrid, tendrá lugar en la Hamburger Kunsthalle (Hamburgo) y en el Philadelphia Museum of Art (Filadelfia).

Sakiko Nomura. Tender is the night ofrece una amplia retrospectiva de la fotógrafa japonesa nacida en Jamaguchi (Shimonoseki), en 1967, conocida principalmente por sus imágenes de desnudos masculinos. Sus obras, casi siempre en blanco y negro, reflejan atmósferas nocturnas, misteriosas y llenas de sombras, con grano visible o desenfocadas, y se alternan con otras imágenes de animales, naturalezas muertas, vistas de ciudades, interiores de habitaciones de hotel, fenómenos atmosféricos ricos o luces y reflejos en movimiento. Estas son solo algunas de las temáticas que aborda y que, en su conjunto, sugieren connotaciones temporales que remiten al cine, tal y como propone el comisario de la muestra, Enrique Juncosa, en el recorrido expositivo.

Estas dos exposiciones podrán visitarse entre el 6 de febrero y el 11 de mayo de 2025 en la Sala Recoletos, en Madrid.

El paisaje como constructo cultural y fotografía social

En el mes de febrero también comenzará la temporada expositiva del Centro de Fotografía KBr, en Barcelona, con las muestras, José Guerrero. A propósito del paisaje y Felipe Romero. Bravo.

José Guerrero. A propósito del paisaje presenta un amplio recorrido por el conjunto de la obra del autor desde el año 2002 hasta la actualidad, centrado en la representación y recepción del paisaje y la arquitectura a través de la imagen fotográfica. Su comisaria, Marta Gili, se cuestiona los distintos significados de este constructo cultural. José Guerrero (Granada, 1979) estructura su obra en series que desarrolla sobre lugares con una gran carga iconográfica (La Mancha, Carrara, Sierra Nevada, el Támesis…) y en las que el paisaje se presenta como una entidad activa y con una identidad viva y dinámica, donde las culturas y la predisposición del imaginario colectivo se entrecruzan. Algunas de las imágenes que se presentan forman parte de las Colecciones Fundación MAPFRE desde el año 2013.

Felipe Romero. Bravo. Nacido en Bogotá en 1992, el ganador de la segunda edición de KBr Photo Award se interesa por territorios que han sido o son escenario de tensión, de conflicto y de reflexión visual. Con Bravo, presenta un proyecto centrado en el tramo del río homónimo que sirve de frontera entre México y Estados Unidos, en concreto en un territorio próximo a la ciudad de Monterrey, en la zona mexicana, en la que el río y los flujos de personas que llegan para atravesarlo conforman la identidad de sus gentes y de sus modos de vida. Tal y como señala la comisaria de la exposición, Victoria del Val, Bravo se concibe como un ensayo fotográfico que se acerca a esta realidad por medio de una serie de imágenes de arquitecturas, personas y paisajes, interiores casi desnudos, muros y superficies en las que destacan las texturas y los colores, así como retratos de individuos que el artista ha ido encontrando en la zona en la que ha llevado a cabo el proyecto.

Estas dos exposiciones podrán visitarse entre el 15 de febrero a 18 mayo de 2025 en el centro KBr de Barcelona y, del 5 de junio al 24 de agosto de 2025, en la Sala Recoletos, en Madrid.

Fotografía clásica y de archivo

Desde el 12 de junio y hasta el 31 de agosto de 2025, el centro de fotografía KBr, Barcelona, albergará las exposiciones dedicadas a Edward Weston y a Joan Andreu Puig Farran. La primera de ellas viajará posteriormente a Madrid, entre el 18 de septiembre de 2025 y el 18 de enero de 2026.

La muestra Edward Weston está concebida como una antológica que recorre las distintas fases de la producción fotográfica del artista norteamericano, pionero en el uso de un estilo fotográfico modernista y cuyo trabajo se caracteriza por el uso de cámara de gran formato, que da lugar a imágenes en blanco y negro ricamente detalladas y de una extraordinaria nitidez. Cofundador del Grupo f/64, sus instantáneas son clave para comprender la nueva estética y el nuevo estilo de vida americano que surge en el Estados Unidos de entreguerras. Comisariada por Sergio Mah, la exposición recoge cerca de 200 fotografías y numeroso material documental y propone una mirada europea al legado de la fotografía modernista norteamericana a través de la figura de Edward Weston. Se trata de un contrapunto estético y conceptual al modernismo fotográfico en Europa, que emerge con las primeras vanguardias del siglo XX.

Joan Andreu Puig Farran: la década convulsa (1929-1939) es la primera exposición dedicada a este fotógrafo nacido en Lleida en 1904 y fallecido en Barcelona en 1982. Reportero gráfico en periódicos como La Humanitat, Esplai, El Matí, L’Opinió o La Vanguardia, tras el estallido de la Guerra Civil española, se desplazó por los distintos frentes de batalla, tanto en Aragón como en la isla de Mallorca. Al finalizar el conflicto, se exilió en Francia, donde pasó por distintos campos de internamiento. La exposición, comisariada por Arnau Gonzàlez Vilalta y Antoni Monné Campañà, está compuesta por un amplio número de copias originales de época procedentes del archivo de La Vanguardia, así como copias de exposición realizadas para este proyecto a partir de las placas de vidrio originales que conserva la familia del artista, y una serie de diarios de la época en los que fueron publicadas sus imágenes. 

Retratista de una época

El año expositivo finalizará en Madrid con la muestra de Edward Weston, además de una retrospectiva dedicada al pintor Raimundo de Madrazo. Ambas permanecerán abiertas entre el 18 de septiembre y el 18 de enero de 2026.

Perteneciente a una de las más importantes sagas de artistas de nuestro país, Raimundo de Madrazo (Roma 1841 – Versalles, 1920) fue un destacado pintor de género y retratista de la alta sociedad de finales del siglo XIX. La exposición, comisariada por Amaya Alzaga, es la primera retrospectiva que se le dedica y examina el entorno en el que vivió, arrojando nueva luz sobre el mercado del arte, la historia del coleccionismo y la sociedad moderna en el París de finales de siglo, donde residió buena parte de su vida. Madrazo fue conocedor de los engranajes del Segundo Imperio francés, estuvo alejado del gusto oficial y produjo una pintura que alcanzó elevadas cotizaciones en el mercado artístico internacional, pues la pujante burguesía supo ver en sus escenas de género el valor de la captación preciosista de sus brillantes interiores y sus habilidades como colorista. La exposición está coproducida por Fundación MAPFRE y Meadows Museum de Dallas, donde podrá visitarse en la primavera de 2026.

La espontaneidad de la vida cotidiana

En Barcelona, el año se cerrará con una exposición dedicada a Helen Levitt, y una nueva edición de KBr Flama’25, exposiciones que podrán visitarse entre el 23 de septiembre y el 25 de enero de 2026.  

A finales de la década de 1930, y con tan solo dieciocho años, Helen Levitt (Nueva York, 1913-2009) comenzó a explorar su ciudad natal con una cámara manual. A partir de ese momento, encontró el tema principal de su fotografía en la espontaneidad de la vida cotidiana y produjo una obra variada y extensa, aunque su mirada se centró especialmente en los niños de los barrios obreros. Estas imágenes llenas de vitalidad, familiaridad y espontaneidad se han convertido en una de las señas de identidad de su obra. El proyecto, comisariado por Joshua Chuang, se presenta, y que abarca las seis décadas de trabajo de la artista, es el primero que se elabora a partir del estudio de la totalidad de sus archivos.

De forma paralela, se podrá visitar una nueva edición de KBr Flama’25, proyecto cuyo objetivo es dar a conocer las nuevas generaciones de fotógrafos, y que surge de la estrecha colaboración entre el centro de fotografía KBr Fundación MAPFRE y las instituciones, Idep Barcelona, IEFC, Elisava, la Facultad de Diseño e Ingeniería de Barcelona y la escuela Serra i Abella

RESUMEN DE LA PROGRAMACIÓN 2025-2026

(*) Estas exposiciones podrán verse en ambas ciudades

MADRID

1924. Otros surrealismos

Del 6 de febrero al 11 de mayo

Sakiko Nomura. Tender is the night

Del 6 de febrero al 11 de mayo

José Guerrero. A propósito del paisaje (*)

Del 5 de junio al 24 de agosto

Felipe Romero. Bravo (*)

Del 5 de junio al 24 de agosto

Edward Weston (*)

Del 18 de septiembre de 2025 al 18 de enero de 2026

Raimundo de Madrazo

Del 18 de septiembre de 2025 al 18 de enero de 2026

BARCELONA

José Guerrero. A propósito del paisaje (*)

Del 15 de febrero al 18 de mayo

Felipe Romero. Bravo (*)

Del 15 de febrero al 18 de mayo

Edward Weston (*)

Del 12 de junio al 31 de agosto

Joan Andreu Puig Farrán: La década Convulsa (1929-1939)

Del 12 de junio al 31 de agosto

Helen Levitt

Del 23 de septiembre de 2025 al 25 de enero de 2026

KBr Flama‘25

Del 23 de septiembre de 2025 al 25 de enero de 2026

ESTE BLOG LES DESEA FELICES Y ACOMPAÑADAS FIESTAS DE NAVIDAD Y AÑO NUEVO Y LES RECOMIENDA SINCERAMENTE "LA REINE DES NEIGES | BALLET DE L'OPÉRA NATIONAL D'UKRAINE

 Le Ballet de l’Opéra national d'Ukraine présente La Reine des neiges, un ballet en deux actes basé sur le célèbre conte classique de Hans Christian Andersen au Théàtre des-Champs-Elysées de Paris

21 décembre 2024 au 5 janvier 2025

L'histoire réconfortante de la jeune Gerda et de sa lutte contre un ennemi maléfique et glacial, une soirée empreinte de magie, d'action et de suspense.

Le ballet comprend des musiques de Edvard Grieg et Jules Massenet parmi d’autres.

Livret & composition musicale d'Aniko Rekhviashvili et Oleksiy Baklan.

ARTEMISIA GENTILESCHI. MUSÉE JACQUEMART-ANDRÉ. L´ODYSSÉE AU LOUVRE, BARBARA CASSIN

19 Mars 2025  03 Août 2025

Personnalité au destin hors norme, Artemisia Gentileschi (1593-v. 1656) est l’une des rares artistes femmes de l’époque moderne ayant pu vivre de sa peinture, grâce à son succès international.

Cette protagoniste de la peinture caravagesque était tout particulièrement célébrée pour ses figures d’héroïnes et ses portraits.

L’exposition se propose de revisiter l’œuvre d’Artemisia en regard des tableaux d’artistes avec qui elle entretenait des liens professionnels ou familiaux, notamment son père Orazio Gentileschi ou le peintre français Simon Vouet.

https://www.claudinecolin.com/fr/2944-artemisia-gentileschi

LES RENCONTRES PHILOSOPHIQUES DE MONACO

Ulysse aux mille tours est un héros contemporain, naufragé et inventif, nostalgique d’un ailleurs et nostalgique de chez lui.  C’est un héros grec, bien sûr, qui choisit d’être mortel, d’avoir un nom, d’être un soi-même racontable, d’inventer un discours qui gagne, et d’être reconnu. Les mots de l’ Odyssée sont mis devant nos yeux par les vases qui écrivent au Louvre, galerie Campana, un roman graphique.  Nous comprenons alors ce qu’est un monde païen, et comment Homère, la Bible ou la science ne nous tyrannisent pas de la même manière. Au terme de ces conférences de la Chaire du Louvre, j’ai cru voir comment nous étions grecs.   Éditions Flammarion - ISBN : 9782080462411

L’ANTIQUITÉ AU CINÉMA. FONDATION JÉRÔME SEYDOYX-PATHÉ, PARIS

 Dès ses origines, le cinéma s’est passionné pour l’Antiquité. Il s’est emparé de la littérature classique et des récits bibliques, mythologiques et historiques pour proposer des fresques épiques et des films d’aventure. Cette longue histoire est racontée, jusqu’au 29 mars 2025, par l’exposition « Antiquité et cinéma ».

Plus de 200 œuvres, photographies, affiches de films, costumes et accessoires, éléments de décor, extraits de films permettent de découvrir cette très riche filmographie. 

Des pièces des plus grands films sont réunies exceptionnellement, le char de Ben-Hur, la robe de Cléopâtre, les armes des héros de Troie… Des projections sur grands écrans plongent petits et grands dans les différents âges d’or du film d’Antiquité.

Les familles peuvent visiter aussi la galerie des appareils qui retrace l’histoire des techniques, et des pratiques cinématographiques pendant 90 ans, quand la pellicule était le seul support possible à l’image en mouvement. L’exposition d’une cinquantaine d’appareils est complétée par la projection d’extraits de films documentaires contemporains de leur commercialisation, ainsi que par des films didactiques montrant les secrets de leur fonctionnement.

Pendant les vacances, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé propose aux familles des ateliers, des spectacles, et des projections, pour découvrir l’histoire du cinéma.   https://aliciaperris.blogspot.com/2024/12/fundacion-mapfre-presenta-nuevas.html propose aux familles des ateliers, des spectacles, et des projections, pour découvrir l’histoire du cinéma.

https://cafepedagogique.net/2024/12/18/lantiquite-au-cinema/

VILLA VERDI È STATA ACQUISITA DALLO STATO ( LA GAZZETTA DI PARMA )

“Firmato il decreto per l’acquisizione di Villa Verdi al patrimonio dello Stato”

Il Ministero della Cultura comunica che il Direttore generale Direzione Archeologia, Belle Arti e Paesaggio del Dicastero, Luigi La Rocca, ha firmato oggi il decreto di esproprio del compendio denominato “Villa Verdi e pertinenze”, sito a Villanova sull’Arda (PC), località Sant’Agata.

Il provvedimento, che sancisce l’acquisizione definitiva da parte dello Stato dell’ultima dimora del maestro Verdi, rappresenta un passo fondamentale per la tutela, la conservazione e la valorizzazione di uno dei luoghi simbolo della cultura e della storia musicale italiana.

Villa Verdi, con il suo patrimonio immobiliare, il parco storico e la straordinaria collezione di arredi, epistolari, opere d’arte e oggetti personali del Maestro Giuseppe Verdi, costituisce un unicum di eccezionale valore artistico, storico e culturale. 

L’intervento del Ministero si è reso necessario per garantire la conservazione e la pubblica fruizione di questo bene, la cui importanza travalica i confini nazionali.

L’acquisizione di Villa Verdi permetterà di avviare interventi urgenti di restauro e manutenzione, salvaguardando il compendio e consentendo la sua più ampia valorizzazione.

“Villa Verdi è il simbolo della grandezza culturale dell’Italia e il luogo dove il Maestro ha trovato ispirazione per molte delle sue immortali composizioni. Grazie a questo importante atto, lo Stato ne garantisce la salvaguardia e la restituisce alla comunità come patrimonio di tutti”, ha dichiarato il Ministro della Cultura, Alessandro Giuli.

Grazie al lavoro degli uffici della Direzione generale Archeologia, Belle Arti e Paesaggio e della Soprintendenza ABAP per le province di Parma e Piacenza, che hanno seguito con grande dedizione ogni fase del complesso iter amministrativo e tecnico, è stato possibile programmare l’immissione in possesso dell’immobile fissata per il giorno 28 febbraio 2025 con l’obiettivo di rendere Villa Verdi un centro di riferimento per la cultura, la musica e la storia dell’Ottocento italiano.

“Ritengo che l’acquisizione di Villa Verdi, esito finale di un lungo iter procedurale, sia un passo fondamentale per garantire la conservazione del complesso e la sua piena valorizzazione attraverso la creazione di un itinerario verdiano che comprenda i diversi ‘luoghi’ del maestro, il Teatro Giuseppe Verdi e il Palazzo Orlandi a Busseto, la casa natale a Roncole”, ha sottolineato il Capo Dipartimento per la tutela del patrimonio culturale e Dg ABAP, Luigi La Rocca.

https://www.gazzettadiparma.it/arte-e-cultura/2024/12/16/news/firmato-il-decreto-per-lacquisizione-di-villa-verdi-al-patrimonio-dello-stato-832133/

LE CHEF D’ORCHESTRE WILLIAM CHRISTIE : UNE CONVERSATION POUR LE 80E ANNIVERSAIRE, LE 19 DÉCEMBRE 2025

William Christie, fondateur et guide depuis 45 ans des Arts Florissants, fête ses 80 ans le 19 décembre.

À l’occasion du 80e anniversaire de William Christie ce mois-ci, James Jolly, de Gramophone, est allé lui rendre visite chez lui à Paris pour parler de sa longue carrière et de son impact colossal de la redécouverte de la musique de sa patrie d’adoption. 

Depuis qu’il a quitté les États-Unis au début des années 1970 et s’est installé en France, Christie a été une figure majeure à la fois en concert et sur disque (avec une poignée de Gramophone Awards à son actif), se concentrant sur la musique des XVIIe et XVIIIe siècles.

Leur conversation a été très variée, évoquant les souvenirs du claveciniste Ralph Kirkpatrick, du contre-ténor Alfred Deller, du fondateur d’Harmonia Mundi Bernard Coutaz et de bien d’autres.

Des extraits musicaux sont tirés de son catalogue Harmonia Mundi, y compris son dernier album « Bill and Friends » où il se produit avec une foule de jeunes musiciens.

https://www.gramophone.co.uk/podcasts/article/conductor-william-christie-an-80th-birthday-conversation

Le jardin secret de William Christie - musica

LIFE DANCES ON: ROBERT FRANK IN DIALOGUE, MOMA. HOMER AND THE ILIAD (I)

 

“I think of myself, standing in a world that is never standing still,” the artist Robert Frank once wrote. “I’m still in there fighting, alive because I believe in what I’m trying to do now.” 

Life Dances On: Robert Frank in Dialogue—the artist’s first solo exhibition at MoMA—provides a new perspective on his expansive body of work by exploring the six vibrant decades of Frank’s career following the 1958 publication of his landmark photobook, The Americans.

Coinciding with the centennial of Frank’s birth, the exhibition will explore his restless experimentation across mediums including photography, film, and books, as well as his dialogues with other artists and his communities. 

It will include some 200 works made over 60 years until the artist’s death in 2019, many drawn from MoMA’s extensive collection, as well as materials that have never before been exhibited.

 

The exhibition borrows its title from Frank’s poignant 1980 film, in which the artist reflects on the individuals who have shaped his outlook. Like much of his work, the film is set in New York City and Cape Breton, Nova Scotia, where he and his wife, the artist June Leaf, moved in 1970. In the film, Leaf looks at the camera and asks Frank, “Why do you make these pictures?” In an introduction to the film’s screening, he answered: “Because I am alive.”

https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5661

BOOKS

Homère et son Iliade

Robin Lane Fox

4.17

Étude passionnante du plus grand de tous les poèmes épiques, par l’un des plus grands classiques du mondeL’Iliade d’Homère est le célèbre poème épique situé parmi les contes de Troie. Son sujet est la colère du héros Achille et ses terribles conséquences pour les Grecs et les Troyens en guerre. Il a été composé il y a plus de 2 600 ans, mais il nous fascine toujours par son histoire de perte et de bataille, d’amour et de vengeance, guidés tout au long par la présence active des dieux. 

Sa beauté et sa profonde noirceur sont intensément émouvantes, mais de grandes questions se posent où, comment et quand il a été composé et pourquoi il a un tel pouvoir durable ? 

Dans ce livre captivant, Robin Lane Fox aborde ces questions, en s’appuyant sur un amour et un engagement de toute une vie avec le poème. Il plaide pour un lieu, une date et une méthode de composition, nous donnant le sens d’approches alternatives et fondant les siennes sur les découvertes de longs poèmes héroïques composés ailleurs dans le monde, et sur les preuves sans cesse croissantes de l’archéologie. 

Contrairement à d’autres livres sur l’Iliade, celui-ci combine l’expertise détaillée d’un historien avec la sensibilité d’un enseignant de la poésie. Lane Fox poursuit en examinant les caractéristiques du poème, ses valeurs, implicites et explicites, ses personnages, ses femmes, ses dieux et même ses chevaux. Il plaide à maintes reprises en faveur de sa belle observation et aborde son utilisation parallèle de ce qui est, pour nous, le monde naturel. Des milliers de lecteurs se tournent chaque année vers l’Iliade. 

Dans cet hommage superbement écrit et conçu, Lane Fox exprime et amplifie ce que les anciens et les nouveaux lecteurs peuvent y trouver. Elle est imprégnée, affirme-t-il, d’une dureté poignante qui n’est pas seulement un tour de passe-passe. C’est une vision du monde profondément ancrée.

ALAÏA/KURAMATA LA LÉGÈRETÉ DANS LA CRÉATION. FONDATION AZZEDINE ALAIA

 Exposition 24.06.2024 - 16.02.2025

Commissariat : Carla Sozzani et Olivier Saillard

L’œuvre de Shiro Kuramata regorge de l’histoire ancienne et fascinante des arts décoratifs japonais et de l’enthousiasme moderne pour la simplicité japonaise et la simplicité structurelle qui a fortement influencé le dogme de « la forme suit la fonction ».

Plus que les pièces elles-mêmes, ce qui compte, ce sont leurs histoires, qui sont reliées par le fil continu de la non-matérialisation. « Mon désir le plus fort est de me sentir libre de toute gravité, de tout lien », déclara-t-il ; « Je veux flotter ». Cette approche imprègne l’ensemble de son œuvre d’une sorte de quête spirituelle. Ses tentatives de défier la gravité trouvent une expression formelle dans des matériaux transparents tels que le verre, l’acrylique et le treillis métallique, ainsi que dans ses expériences sur l’incorporation de la lumière. En utilisant ces matériaux, il explore les liens entre légèreté et gravité, matière et non-matière. Ces relations scintillent dans ses créations, produisant une atmosphère calme et contemplative empreinte d’une douce humanité esthétique et d’un sens raffiné de la poésie.

How high is the moon est un fauteuil en maille d’acier créé et conçu par Shiro Kuramata en 1986. Il s’agit d’un fauteuil en maille d’acier conçu par Shiro Kuramata en 1986. C’est l’une des 25 pièces qu’Azzedine Alaïa a collectionnées à partir des années 2000. « Pour s’éloigner des haillons », plaisante Alaïa, qui apprécie l’humour léger de Kuramata et leur relation commune avec la sculpture.

"Le plus gros problème, a expliqué Kuramata, c’est la gravité. Nous devons réfléchir à la manière de l’effacer. Ses créations épurées visant à atteindre la perfection sont des réponses bien rodées au problème de l’équilibre dans les objets.

Azzedine Alaïa était un grand admirateur de Shiro Kuramata, décédé en 1991, et y a organisé une exposition en 2005. Vingt ans plus tard, et pour la première fois, la Fondation Azzedine Alaïa a décidé de célébrer l’un des grands designers de son temps en associant le travail de Kuramata à une sélection rigoureuse de pièces d’Alaïa choisies pour les matières, les formes ou les approches qu’elles partagent. La maille lurex d’une robe simple répond à la maille métallique tricotée d’une chaise, tandis que l’acrylique transparent d’une étagère fait écho à la mousseline légère comme une plume d’une création haute couture.

Une vingtaine de meubles et d’objets d’exception conçus par Shiro Kuramata (1934-91) sont présentés dans l’exposition. En parallèle, près d’une vingtaine de créations haute couture d’Azzedine Alaïa témoignent de sa poésie des formes, de son tailoring radical, de son choix subtil de couleurs et de son utilisation raffinée de la transparence. Empreintes d’un grand sens de la légèreté, les pièces exposées reflètent une soif d’abstraction partagée par les deux artistes.

Toutes les pièces exposées par Shiro Kuramata et Azzedine Alaïa sont issues des collections de la Fondation Azzedine Alaïa.

https://fondationazzedinealaia.org/en/expositions/29480/

CHIHARU SHIOTA THE SOUL TREMBLES*. GRAND PALAIS. HOMER AND THE ILIAD (II)

 Du 11 décembre 2024 Au 19 mars 2025

En avant-première de la réouverture de l’ensemble de ses galeries en juin 2025, le Grand Palais présente une exposition consacrée à l’œuvre poétique et sensible de l’artiste japonaise Chiharu Shiota.

Née à Osaka en 1972 et résidant à Berlin, Chiharu Shiota est mondialement reconnue pour ses installations monumentales faites de fils de laine entrelacés. Ces toiles gigantesques enveloppent très souvent des objets de son quotidien et invitent à un voyage onirique majestueux. Ses créations protéiformes explorent les notions de temporalité, de mouvement, de mémoire et de rêve, et requièrent l’implication à la fois mentale et corporelle du spectateur.

Co-organisée avec le Mori Art Museum de Tokyo, cette exposition est la plus importante jamais consacrée à l’artiste, en France. Déployée sur plus de 1 200 mètres carrés, elle offre une réelle expérience sensible. Avec sept installations à grande échelle, des sculptures, des photographies, des dessins, des vidéos de performance et des documents d’archives liés à son projet de mise en scène, l’exposition représente l’occasion de se familiariser avec la carrière de Shiota, qui s’étend sur plus de vingt ans.

Cette exposition est co-organisée par le GrandPalaisRmn, Paris et le Mori Art Museum, Tokyo.

COMMISSARIAT

Mami Kataoka, Directrice du Mori Art Museum, Tokyo

https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/chiharu-shiota

LIBRI

Gli dèi alle sei: L'Iliade all'ora dell'aperitivo 

di Giovanni Nucci (Autore)  

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Ci siamo fatti un'idea degli dèi che osservano tutto dall'alto dell'Olimpo: guardano gli eroi combattere nella piana davanti Troia e commentano, parteggiano per gli uni o per gli altri, ogni tanto intervengono muovendo da lì le azioni degli eroi, pedine sulla scacchiera.

Ma le cose non stanno esattamente così: non c'è una sola azione della guerra narrata nell'Iliade che non abbia dietro di sé l'intenzione di un dio. Gli dèi entrano nei combattimenti degli eroi, li affiancano, sono dentro di loro, diventano i loro pensieri più nascosti.

Giovanni Nucci, che i miti greci li studia da più di vent'anni, rilegge l'Iliade dal punto di vista delle divinità, vere protagoniste del racconto e forze interiori che ci muovono dal profondo. 

Nello stesso tempo mette in evidenza la forza interpretativa del mito per comprendere la nostra attualità: la pandemia, la guerra, la crisi climatica, l'arroganza delle classi politiche, lo sfruttamento delle risorse, la dissipazione dell'infanzia, la crisi del patriarcato e la condizione femminile, l'identità sessuale, l'incompatibilità tra il vecchio potere e le nuove generazioni.

THE WARBURG INSTITUTE: THE HAMBURG LIBRARY THAT ESCAPED THE NAZIS AND WAS REBORN IN LONDON

 In 1933, with books being burned across Germany, a collection of 60,000 art-historical tomes was shipped to England by steamer. Now, ‘the world’s weirdest library’ has reopened after a £14.5-million transformation

Inside an unremarkable 1950s red-brick building in Bloomsbury — London’s academic heartland — lies what has been described as ‘the world’s weirdest library’.

Little-known beyond art-history circles, it’s called the Warburg Institute, and it houses nearly 400,000 books dedicated to the study of the transmission of symbols from antiquity to the Renaissance — with a reputation for focusing on the esoteric. Had Dan Brown’s fictitious Harvard professor of symbology, Robert Langdon, been real, wrote Adam Gopnik in The New Yorker, this is where you’d find him.

Rows of steel shelves underneath fluorescent lights are arranged over floors named ‘Word’, ‘Action’, ‘Image’ and ‘Orientation’. Each book is sorted according to a unique system called the ‘law of the good neighbour’, whereby the volumes above, below and on either side are supposed to inspire serendipitous paths of thought.

For example, in the ‘Prophecy of Divinatory Practices’ section, books about fortune-telling are surrounded by texts on comets, monsters, dreams and chess. Others have labels such as ‘Pilgrimage’, ‘Cosmology’, ‘Magic’, ‘Monasticism’ and ‘Mysticism’.

‘Aby Warburg said the book you need is always next to the one you’re looking for,’ explains Bill Sherman, a professor of cultural history and the institute’s director since 2017. For the past six years he’s been overseeing a £14.5-million transformation of the Warburg — a delicate balancing act, he says, between maintaining the institute’s eccentricities and making it a centre fit for modern study.

Aby Warburg was born in Hamburg in 1866. The scion of a Jewish banking dynasty, at the age of 13 he sold his first-born rights to his brother in return for all the books he ever wanted.

By 1888 he was living in Florence, scrutinising the pagan roots of Botticelli’s motifs. This study of decoding symbols and tracing their evolution developed into a field he named ‘iconology’. In 1904 he acquired an assistant to begin cataloguing his collection of 3,500 books, and within a decade — inside his Hamburg home — he had established ‘a working laboratory’ for scholars, which was listed on the country’s inter-library loan network.

Yet despite being a gifted art historian, Warburg was plagued by bouts of depression and psychosis. In 1918 he was admitted to an asylum.

When he was released after six years, he returned to find that, under the direction of the art historian Fritz Saxl, his collection had tripled in size, and regularly hosted popular lectures. Two years later, he spent a small fortune creating a purpose-built, state-of-the-art home for it.

Warburg died in 1929, before he could finish his magnum opus, the Bilderatlas Mnemosyne — an attempt to synthesise the transmission of potent symbols through cultures by pinning networks of thousands of images across more than 60 giant wooden panels. Less than four years later, the Nazis rose to power.

Following book-burning rallies, and on account of the faith of the institute’s founder and scholarly circle, the Warburg Institute’s work became impossible. In 1933, with the aid of the industrialist and collector Samuel Courtauld, the building’s 60,000 books, together with its staff, were shipped by steamer to safety in London. In 1944, Warburg’s family signed the institute over to the University of London in return for securing — and funding — its future.

Fast-forward to 2014, as London rents spiralled, and a legal row about the fate of the library reached the city’s courts. On one side was the university, looking to clarify the terms of the deed, signed during the stresses of the Second World War. On the other was the Warburg Advisory Council (and members of the Warburg family), voicing a fear that the institute could lose its identity, swallowed up among the millions of books held nearby at Senate House Library.

After 10 days of deliberation, the judge ruled that the deed was iron-clad, and from that decision came £9.5 million, the core of the budget for the recent redevelopment.

Dubbed the ‘Warburg Renaissance’, the overhaul — led by Stirling Prize-winning architects Haworth Tompkins, whose previous clients include the Royal College of Art and the London Library — has seen the building’s old courtyard turned into a modern, climate-controlled reading room for special collections and the photography archive, alongside a futuristic, 140-seat auditorium.

On the ground floor, staff offices have made way for a public exhibition space, one end of which contains Edmund de Waal’s library of exile, a porcelain-bound installation of books dedicated to lost libraries, initially created for the 2019 Venice Biennale. Come January 2025, the other end will host a show examining the history of tarot, featuring designs by the occultist Aleister Crowley from the Warburg’s own archive.

Upstairs, the stacks have been reworked to their original form. ‘We’ve undone a number of things that happened in the 1980s and 1990s. We had these long tunnels of books with no natural light, so they’ve been restored to the former layout, and in almost every case you can see a window now,’ says Sherman.

The library’s novel organisational system has also been tidied up. ‘As the collection grew, the integrity of the four floors was lost, and two got spread out over multiple floors. I’ve reinstated the purity of each.’

Similarly, the ‘law of the good neighbour’ has remained. As a result, readers are still free to roam — an increasingly rare feature of modern libraries — and discover recent publications sandwiched between centuries-old texts, some containing the original bookplates of Warburg himself, or other famous faculty members, such as Michael Baxandall, Frances Yates and Ernst Gombrich. Gombrich was director of the institute between 1959 and 1976, and his Grotrian-Steinweg grand piano still stands in a corner of the building.

‘You want to keep the feeling of what made somewhere special,’ says Sherman. ‘But it was a very analogue institution.’

With as few as 2,000 current members, where is the new blood he hopes to draw to the Warburg going to come from? ‘It’s a research institute and most of its activities are academic, and those are still the core,’ he says. ‘But through areas of cultural activity, like residences, commissions and exhibitions, we’re hopefully introducing what the place has to offer to a much wider range of people.

‘Artists and curators have secretly used the Warburg for research for decades. I recently did an event at a gallery where an artist said to me, “I have to confess to you, I lied in order to gain access to the Warburg!” I don’t want people to have to lie anymore.

https://www.christies.com/stories/warburg-institute-london-ce648977da174750a966230129f49c46?COSID=42665747&cid=DM524583&bid=456656999

EMMANUELLE HAÏM Y LE CONCERT D´ASTRÉE. LEVEDAD Y EXCELENCIA DE FRANCIA EN EL AUDITORIO NACIONAL

Emmanuelle Haïm y Le Concert D’Astrée. Obras de Georg Friedrich Haendel y Johann Sebastian Bach. Jueves 12 de diciembre de 2024. Auditorio Nacional. Sala Sinfónica.

Programa

G.F. Haendel (1685-1759). Música acuática, Suite en Re, HWV 349

J.S. Bach (1685-1759). Suite orquestal en Re Mayor. BWV, 1068

Segunda Parte

Haendel Música acuática, Suite en Fa Mayor. HWV, 348

Haendel Música para los Reales fuegos artificiales. HWV, 351

Tal como informa la organización privada, una de las tantas que habitan los espacios públicos del contribuyente en el Auditorio Nacional, cada vez más frecuentes y muy a menudo con localidades bastante caras no al alcance de todos, “Emmanuelle Haïm y Le concert d'Astrée debutan en Ibermúsica con un apasionante programa barroco. La directora francesa fue la primera mujer de la historia en dirigir en la Ópera Lírica de Chicago con Giulio Cesare del propio Haendel, uno de los compositores de los que Häim es especialista. La artista fundó Le Concert d'Astrée en el año 2000 ganando rápidamente fama internacional.

Los dos grandes maestros del barroco protagonistas del programa de este concierto, Bach y Haendel, nacieron en 1685 y, aunque siguieron carreras muy distintas, cambiaron de forma decisiva el curso de la historia de la música. En esta velada, algunas de sus composiciones orquestales más célebres.

Por su parte, Haendel compuso tanto su Música acuática como la Música para los reales fuegos de artificio para dos celebraciones reales londinenses. La primera en las barcazas reales sobre el Támesis. Esta música fue tan aplaudida por el rey que la hizo repetir hasta 3 veces. La segunda, se declina en los fuegos artificiales del Green Park en abril de 1749. Además, la tercera de las cuatro suites orquestales de Bach es una de las obras más célebres del maestro barroco que incluye el conocido "Air" tan versionado e interpretado en todo el mundo. Es posible que la obra fuera escrita para el Collegium Musicum de Leipzig y que se estrenase en el célebre Cafe Zimmermann de la ciudad alemana”.

Emmanuelle Haïm (París, 11 de mayo de 1962), clavecinista y directora de orquesta, con un particular interés en la música antigua y la música barroca.

Haïm pasó 13 años estudiando en el Conservatorio Superior de Música de París, órgano con André Isoir, aunque recibió también formación de pianista con Yvonne Lefébure y escritura musical y armonía con Jean-Claude Raynaud. Después se enfocó en el clavicémbalo, que abordó con Kenneth Gilbert y Christophe Rousset, y recibió cinco primeros premios en el Conservatorio.

William Christie la invitó a trabajar con su conjunto Les Arts Florissants, como intérprete de continuo y asistente musical. Por su recomendación, más tarde trabajó como asistente de Simon Rattle,​ y fue su artista invitada.​ Es precisamente con este maestro, cuando decide convertirse en directora.

Se dedicó a la dirección de canto en el Baroque Music Centre en Versalles. También trabajó con Daniel Harding y Claudio Abbado, mientras acompañaba a varias cantantes como Cecilia Bartoli, Patricia Petibon, Sandrine Piau, entre otros artistas famosos.

Después de varios años, Haïm dejó Les Arts Florissants y en 2000, formó su propio conjunto de la época barroca, "Le Concert d'Astrée", con el que ha dirigido y realizado giras regularmente​ tanto en Francia como en el extranjero. La orquesta interpreta tanto Rameau o Lully como  Monteverdi, Purcell, Haendel o Mozart, de París a Nueva York y muchos festivales en Francia y en el extranjero - Londres, Berlín, Salzburgo, Ámsterdam -. Este éxito se coronó en 2003 con la Victoire de la Musique Classique premiando al mejor conjunto del año. En 2004, la orquesta se mudó a la residencia en la Ópera de Lille.

En 2005, creó el coro del Concert d'Astrée, que se une a la orquesta en muchos proyectos. Durante las producciones de ópera escénica, Emmanuelle Haïm y Le Concert d'Astrée colaboran con grandes nombres de la puesta en escena como Jean-François Sivadier, Jean-Louis Martinoty, Robert Wilson, David McVicar, Giorgio Barberio Corsetti, Sandrine Anglade. Emmanuelle Haïm se convirtió en Chevalier de la Légion d'Honneur en 2009, y es Caballero de la Ordre des Arts et des Lettres. En 2007, obtuvo el título de miembro honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

Haïm, enfundada en un abrigo negro hasta los pies, aunque suficientemente abierto para dejar ver botines y leggins grises debajo, parece un personaje de Harry Potter, también en la magia y la frescura que imprime a sus movimientos, la relación con todos los miembros de su formación, el gusto por indicar cada tempo, cada matiz, las entradas de los vientos, difícil siempre el manejo afinado de los instrumentos naturales. Tiene algo de cartesiano y espartano a la vez, mientras que el resultado final es una fiesta dionisíaca donde se celebran el ritmo, la luz de las partituras festivas, de danza y la efervescencia que despiertan los músicos entre ellos y con el público. Pocas veces se ha visto en el podio unas manos tan bellas evolucionar con esa precisión, pero también con esa libertad y una sonrisa en los labios de casi todos los instrumentistas. Lo más granado y conocido del repertorio alemán, enhebrado en la levedad y delicadeza francesas.

Todos los integrantes de Le concert d´Astrée, un carácter y una narrativa psicológica y esa fluidez tan espectacular…Muy bien el clavecín de Mathieu Dupouy, se echó de menos mayor presencia en solos (así lo escribieron los compositores), igual que el laúd de Shizuko Noiri, relevante y festivo los timbales y pandereta de Sylvain Fabre, acompañado en la última sección por el querubín que tocaba uno de los dos contrabajos, seguramente Gabriele Basilico. Y el parche del tambor, de un redoble perfecto. Adecuados y seguros los violines, los chelos (uno de ellos afinaba primero con los instrumentos antes que lo hiciera el concertino, David Plantier).

Sería injusto olvidarse de alguno. En su excepcionalidad (a veces tocan individualmente), dibujan una orquesta de lujo, sensible, bien compactada, con un fascinante rapport con Haïm, fabricada de insinuaciones, pequeños gestos y suspiros cómplices.

A la entrada, la organización repartió la programación 24/25 en ecológicas bolsas de tela negra reutilizables y deseó a los melómanos felices fiestas con bombones de buen chocolate. Un detalle. Prolegómenos de las fiestas de Navidad y Año Nuevo para todos aquellos que puedan y deseen disfrutarlas.

Pero, como dijo la directora, lo mejor, lo más genuino, fueron, al final, los “encore”, dos fragmentos de un músico muy francés, alma y fascinación de las cortes galas del siglo XVII/XVIII: Jean-Philippe Rameau (1683-1764), el segundo de ellos de Les Boréades*. (“No podemos irnos de Madrid sin tocar Rameau…”). La sala pobladísima de espectadores enfervorizados (la mayoría). Muchos aplausos y vítores. Generosos y sobre todo muy merecidos. Una fiesta, una celebración. Elegancia y distinción del talentoso vecino del norte. Précisement.

Alicia Perris

Fotos, Julio Serrano

*También conocida como Abaris, es una tragedia musical en cinco actos con música de Jean-Philippe Rameau y libreto en francés de autor desconocido, aunque atribuido a Louis de Cahusac (muerto en 1759). Se basa vagamente en la leyenda griega de Abaris el Hiperbóreo e incluye elementos masónicos. Fue la última de las cinco tragédies en musique de Rameau.