DANIEL BIANCO, NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO DE LA ZARZUELA

El director electo sustituirá a Paolo Pinamonti, quien comunicó su decisión de abandonar el cargo a partir de este otoño al haber sido nombrado nuevo director artístico del Teatro San Carlos de Nápoles

PEDRO PLASENCIA

Daniel Bianco es el nuevo director del Teatro de la Zarzuela, tal y como ha anunciado este lunes el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) a los medios en la sede de la Secretaría de Estado de Cultura.

El actual director, Paolo Pinamonti, comunicó su decisión de abandonar el cargo a partir de este otoño al haber sido nombrado nuevo director artístico del Teatro San Carlos de Nápoles. Pinamonti se incorporó a la dirección del Teatro de la Zarzuela en octubre de 2011, tras haber superado un proceso de selección al que se presentaron 27 candidaturas.

El actual proceso de selección ha contado con un total de 26 candidaturas, recibidas desde la convocatoria que abrió el pasado 6 de julio INAEM. Los participantes fueron revisados por el Consejo Artístico de la Música, quienes optaron por escoger cinco candidaturas que fueron sometidas a una serie de entrevistas dando como resultado la presentación de Bianco.

"El Teatro de la Zarzuela está en un momento muy complejo y no podemos permitirnos experimentos, necesitábamos a alguien con una carrera sólida que pudiera gestionarlo con eficacia gracias al conocimiento del género musical y del hecho escénico", afirmó la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias.

Tal y como establece el vigente código de buenas practicas del INAEM, en este proceso se han tenido en cuenta los méritos de las candidaturas presentadas de acuerdo con los fines, principios y objetivos establecidos en el estatuto del Teatro de la Zarzuela.

Asimismo, las propuestas han sido valoradas por los vocales del Consejo Artístico de la Música del INAEM, órgano de participación y asesoramiento del Instituto. Además, a lo largo de este mes se han celebrado entrevistas personales con los seleccionados. Daniel Bianco es un argentino afincado en España desde el año 83, ha sido escenógrafo y coordinador artístico en el teatro María Guerrero y ha colaborado con directores de escena como Emilio Sagi, con el que considera haber formado un "matrimonio teatral". Sus 30 años de experiencia y su cercanía a los escenarios han sido las principales bazas que le han permitido acceder al puesto.

"Como director quiero seducir a todas las franjas posibles de espectadores siendo asequible y atractivo y utilizando como base toda la tradición de la Zarzuela. Voy a hacer este teatro la casa de todos y apostaré por los artistas emergentes", reveló Daniel Bianco durante su discurso.

Las principales líneas de propuestas expuestas por el nuevo director de La Zarzuela han sido las de buscar la contemporaneidad, respetar el patrimonio legado y difundir internacionalmente las actividades culturales, especialmente hacia Latinoamérica."La zarzuela se canta en una lengua que hablan 500 millones de personas, esto es un potencial que vamos a explotar abriendo los brazos al mundo", sentenció Bianco.

El actual director ejercerá su nuevo puesto como gestor de la programación desde noviembre hasta un periodo de cinco años en el Teatro de la Zarzuela. Hasta entonces, Daniel Bianco promete poner toda su energía para llevar a buen puerto esta nave. "Yo no vengo al teatro para programar lo que a mí me gusta, se trata de un ofrecimiento público donde tiene que haber un rigor profesional. Quiero que el público encuentre la curiosidad y el descubrimiento y no la dinámica del recuerdo".

http://www.elmundo.es/cultura/2015/09/28/5609240f22601d20138b4582.html

MUSIQUE & DANSE BENJAMIN MILLEPIED

Directeur de la danse de l’Opéra national de Paris

Balanchine disait « Danser, c'est donner à voir la musique ». En élaborant ma programmation, j'ai abordé le métier de chorégraphe tout comme j'aurais abordé celui de compositeur. Les compositeurs détiennent un talent précieux : ils connaissent les règles des enchaînements d'accords, de l'harmonie et du contrepoint, qu'ils mettent au service de la construction d'un paysage sonore pénétrant et complexe. 

Le chorégraphe doit posséder des compétences similaires : la danse ne doit pas répondre littéralement à la musique mais au contraire nous accompagner viscéralement tout en nourrissant notre imaginaire pour nous amener à voir et écouter autrement. Nos sens et nos émotions doivent être tenus en éveil à chaque instant.  

https://www.operadeparis.fr/saison-15-16/benjamin-millepied

GILLIAN WEARING (BIRMINGHAM, REINO UNIDO, 1963)

24 Septiembre 2015 al 24 Enero 2016

Esta es la primera exposición individual de Gillian Wearing en España desde 2001. La mayoría de las obras que se exponen han sido creadas en los últimos quince años por la ganadora del Premio Turner 1997.

En esta galería 1 del Institut Valencià d’Art Modern se muestran ocho instalaciones de gran formato, una escultura (una pieza poco habitual en la producción de Wearing) y once fotografías. Obras como Bully / Matón (2010), en la que asistimos a una clase de actores del método que recrean la experiencia de un hombre sufriendo acoso, o la más reciente Fear and Loathing / Miedo y asco (2014), están presentes en la exposición junto con piezas anteriores como la instalación de vídeoSecrets and Lies / Secretos y mentiras (2009), en la que un grupo de hombres y mujeres describen intensas experiencias personales de forma anónima, cubiertos con máscaras.

La obra de Gillian Wearing deja una profunda huella personal y social; es transmisora de un poderoso discurso que aborda temas tan actuales como la violencia, el aislamiento y el trauma desde el punto de vista de la vida cotidiana.

A Gillian Wearing le interesa el arte como una vía para visibilizar las relaciones sociales y escarbar en los papeles, los roles, que desempeñamos, las máscaras que utilizamos. El interés por la construcción de la identidad personal es una característica distintiva en su obra. Esta constante puede identificarse en la serieAlbum (2003-2006) o, más recientemente, en la instalación de vídeo We Are Here / Estamos aquí (2014).

Desde sus inicios, a la artista también le ha atraído el papel de la herencia familiar en la imagen de cada uno y los vínculos que trascienden la genética. Sirviéndose de una reproducción casi mimética de fotografías antiguas, la artista se somete a distintas recreaciones, se convierte en su hermano, su padre, su madre e incluso en una versión de sí misma a los diecisiete años.

Estos ejercicios de auto-dramatización permiten a la fotógrafa jugar con la idea de que el tiempo y las generaciones se funden, de que la cercanía y la distancia se desdibujan.

Para realizar estos retratos, Wearing pone especial cuidado tanto en el marco como el vestuario, y elabora máscaras de silicona de las caras para reproducir los rasgos exactos de los miembros de su familia. Así, cuando uno contempla las fotografías, solo los ojos son reales. Estos son como dos ventanas rodeadas de artificio que devuelven la mirada a los espectadores.

La exposición está comisariada por la crítica de arte y profesora británica Sacha Craddock y cuenta con el patrocinio del British Council en España.

Agradecemos a Maureen Paley (Londres), Regen Projects (Los Ángeles), y Tanya Bonakdar (Nueva York) su apoyo en este proyecto.

https://www.ivam.es/exposiciones/gillian-wearing/

HERB RITTS

March 14, 2015 – November 8, 2015

Herb Ritts (1952–2002) was a leading American fashion photographer of the 1980s and 1990s, known for his beautifully printed, formally bold, and sensual black-and-white images of supermodels such as Cindy Crawford and Naomi Campbell. This new exhibition of the photographer’s work revisits the artist, whose groundbreaking 1996 retrospective, “Herb Ritts: WORK,” remains one of the most popular exhibitions in MFA history. The Ritts Foundation has given the Museum a print of every image in the 1996 exhibition, and in 2007, supported the MFA’s first gallery dedicated solely to photography. The Museum’s Herb Ritts and Clementine Brown galleries host the new exhibition, featuring an array of Ritts’s photographs celebrating the human body and embracing the carefree California lifestyle.

http://www.mfa.org/exhibitions/herb-ritts

NATALIE DESSAY EN EL TEATRO REAL DE MADRID

 Natalie Dessay, soprano. Philippe Cassard, piano. Obras de Franz Schubert, Félix Mendelssohn, Henri Duparc, Franz Liszt, Georges Bizet y Gabriel Fauré. Teatro Real, martes 29 de septiembre, 2015.

 La cantante de Lyon vuelve al Real, donde debutó en marzo de 2008, interpretando arias de ópera italiana y francesa y después de su cancelación la pasada temporada en La fille du régiment.

 Su carrera ha dado un giro copernicano, - ha dejado el ámbito operístico en el que solía brillar y ha dado cuenta de este cambio en algunas entrevistas, con toda soltura y alegando motivos de “libertad” para explicar una decisión que no necesita justificación.

 En esta ocasión, Natalie Dessay trae al coliseo madrileño un programa más intimista, íntegramente compuesto por canciones, repertorio que frecuenta con asiduidad desde que en 2013 se despidiera de los escenarios operísticos tras interpretar el rol titular de Manon de Massenet en Toulouse.

Habiendo consolidado más de veinte años de brillante carrera, marcada por sus dotes vocales y dramáticas y su capacidad para ir adaptando el repertorio a las características y variaciones de su voz, Natalie Dessay ha retomado y revisado su trayectoria artística en diversas ocasiones, explorando un vasto repertorio, que abarca desde los papeles de soprano coloratura que la han catapultado a la fama, hasta los roles belcantistas más dramáticos, sin olvidar sus interpretaciones de Monteverdi, Bach, Haendel, Debussy o Stravinski. Muy apreciadas y recordadas son sus actuaciones en papeles protagónicos como los de Mélisande, Julieta, Manon, Lucía o Traviata.

 Dessay, que posee una hermosa voz de soprano, una excelente técnica y gusto finísimo para elegir qué y cómo interpretar, dedica esta etapa de su vida a espectáculos puramente teatrales, su vocación primordial y a conciertos de cámara en los que, sin embargo, siguen patentes la ductilidad de su instrumento único, su expresividad y el talento actoral que la han consagrado como artista.

El programa que interpretó en Madrid, envuelta en un vaporoso vestido en tonos grises con chal, transitó los sentimientos, imágenes, recuerdos y perfumes que vertebran los poemas llenos de lirismo y expresividad  de Goethe, Hugo, Thomas Moore o Baudelaire, puestos en relieve por las partituras de Schubert, Mendelssohn, Liszt, Duparc, Fauré o Bizet.

Estos mimbres fundacionales permitieron a Natalie Dessay, con la sensibilidad de su frecuentado pianista acompañante Philippe Cassard, exhibir su extraordinaria versatilidad en este delicado repertorio.

 Erlkönig de Schubert (1797-1828) fue un arranque temible para la tradicional dulzura de la soprano francesa nacida en 1965, a la que, siempre se suele imaginar cantando en su lengua materna o en italiano. Le siguieron Am Bach im Frühlind, Suleika I y Nacht und Traüme, una adaptación de un poema de Mattahus von Collin compuesto en 1825.

 En Rastlose Liebe D 138 (Amor inquieto) continúa esta expansión musical y literaria que fue ampliándose en la definición de Dessay, más grande y segura a medida que avanzaba la velada. Todo a pesar de que, desde el comienzo, su prestación pareció afectada por un resfriado con tos o la sequedad habitual que castiga a los cantantes que no están habituados a la climatología- áspera y casi desértica - de la capital.

 Gretchen am Spinnrade D 118 (Margarita en la rueca) sonó anhelante y soñadora como en general todo el repertorio escogido para este concierto.

 Félix Mendelssohn (1809- 1847) se escuchó en Suleika, op. 57, no. 3, Die Liebende schreibt, op. Posth. 86/3 (La amada escribe), de 1831 y Hexenlied, op.8 (Canción de las brujas), exploradora de los rituales demoníacos.

 Extase, con texto de Jean Labor, fue compuesta por Henri Duparc (1848-1933) hacia 1880, con un perfume cercano a los Wesendock Lieder o el Acto II de Tristan und Isolde.

 Élegie, de 1874, sobre un texto de Thomas Moore, es melancólica y contenida y Dessay modula y dosifica su teatralidad y voz con una generosidad que empieza a convencer al público. Tose y, en un gesto de complicidad, invita a los presentes a no privarse de este desahogo en un preotoño de tiempo bochornoso en Madrid. La aplauden y recompensan a la vez su actuación y saber hacer, su paciencia y sentido del humor.

 Charles Baudelaire está aquí también y hay un renacimiento de este repertorio entre los cantantes franceses especialmente, presente como en el recital que dio Philippe Jaroussky la pasada temporada en el Teatro de La Zarzuela, consagrado a los poetas malditos y simbolistas. Es L´invitation au voyage, compuesta en 1870  para la esposa del compositor.

 Muy de actualidad resultó en su momento (el final del II Imperio con la derrota francesa ante el ejército prusiano) Au pays où se fait la guerre, de un texto de Théophile Gautier, siempre de Duparc.

 Las cinco canciones inspiradas en Victor Hugo, Oh! Quand je dors, de Franz Liszt, Dans les ruines d´une abbaye, op. 2/1, de Gabriel Fauré, L´absent del mismo compositor, op. 5/3, Les adieux de l´hôtesse arabe, orientalizante y seductora, de Georges Bizet (1838-1875) que la soprano interpretó con entrega y donaire y el Comment disaient-ils, también de Franz Liszt, cerraron una segunda parte que desde su comienzo con las obras de Duparc, fue en un crescendo musical lleno de emoción, a lo largo del cual Natalie Dessay fue repetidamente aclamada.

 No hubo sobretítulos esta vez pero sí dos propinas, la “Chanson espagnole” “pero cantada en francés”, como destacó Dessay y Zdes´Khorosho de Rachmaninov.

 El pianista, también reconocido como solista e intérprete de cámara, siguió con atención y absoluta disponibilidad las evoluciones de una cantante, que seguramente se resarció de no haber podido acudir a una cita anterior en el Real, con un público encantado que no dejó de recompensarle su esfuerzo la noche del recital, y toda su trayectoria.

Alicia Perris

http://www.operaclick.com/recensioni/teatrale/madrid-teatro-real-natalie-dessay-e-philippe-cassard-dal-lied-alla-m%C3%A9lodie

BENVENUTO AL FESTIVAL VERDI 2015

Esultate! Il Festival Verdi 2015 approda al Teatro Regio condotto da Otello nel nuovo allestimento di Pier Luigi Pizzi. E l'emozione continua: sabato 3 Ottobre protagonista assoluta del Festival è la voce di Desirée Rancatore: un omaggio a Verdi, Rossini, Donizetti, Mascagni, Gounod dedicato all’indimenticato sovrintendente del Regio Gian Piero Rubiconi. Al Festival Verdi Il valore della musica è emozione e occasione d'incontro, per questo il 2 Ottobre i rappresentanti di alcuni dei maggiori festival e teatri internazionali e della cultura di Parma si ritrovano al Teatro Regio per una giornata di studi. Viva Verdi! Seguici sui social netowrk e incontriamoci in Teatro!

LA FILARMÓNICA INAUGURA LA 4ª TEMPORADA CON LA SINFÓNICA DE BAMBERG Y LA PASTORAL DE BEETHOVEN

La orquesta alemana ofrecerá su último concierto en Madrid con Jonathan Nott como Director Titular.

El pianista Christian Blackshaw, elogiado por la crítica, interpretará el Concierto para piano núm. 20 de Mozart

El próximo 15 de octubre se inaugura la 4ª Temporada de La Filarmónica en el Auditorio Nacional de Madrid. La Orquesta Sinfónica de Bamberg y su Director Titular, Jonathan Nott, acompañarán al gran pianista Christian Blackshaw en el Concierto para piano núm. 20, K. 466 de Mozart. En la segunda parte, ofrecerán una de las obras caudales del repertorio sinfónico, la Sinfonía núm. 6 de Beethoven conocida como La Pastoral. 

Fundada en el año 1946, la Orquesta Sinfónica de Bamberg – Filarmónica estatal de Baviera – actuó por primera vez en Madrid el año 1950 y es una de las formaciones alemanas que más conciertos ha ofrecido por todo el mundo. A lo largo de su historia ha contado con grandes batutas como las de Wolfgang Sawallisch, Herbert Blomstedt o Mariss Jansons. Desde 2000 tiene como Director Titular a Jonathan Nott, que ha llevado a la orquesta a un reconocido éxito, tanto en Alemania como internacionalmente. Con el Maestro Nott la orquesta ha consolidado de forma extraordinaria su carrera internacional y ha sido nombrada orquesta residente en el Festival de Lucerna. Jonathan Nott ha dirigido orquestas de gran prestigio internacional como son las Filarmónicas de Berlín, Múnich y Viena o la Orquesta del Concertgebouw. Este concierto es especialmente significativo porque será la última vez que el Director estará al fretne de la formación como Titular en Madrid, ya que a partir de la Temporada 2016/2017 será el joven director checo Jakub Hrusa quien asumirá su dirección musical. Jonathan Nott será Director Musical y Artístico de la Orquesta de la Suisse-Romande. 

En el Concierto para piano núm. 20, K. 466 de Mozart, la formación acompañará al pianista inglés Christian Blackshaw, que desde su retorno a los escenarios se ha convertido en un artista aclamado por la crítica. Profundamente apasionado y sensible, Blackshaw es reconocido por la musicalidad de sus actuaciones. La grabación del ciclo de las Sonatas para piano de Mozart en el Wigmore Hall e 2013 causó grande elogios de los críticos, que la describieron como "fascinante" y "mágica".

"El tono luminoso que se extrae de las notas de Blackshaw es una maravilla en sí mismo”. Andrew Clark, The Financial Times ǀ “La actuación de Blackshaw fue una revelación”, The Independent

Orquesta Sinfónica de Bamberg

Jonathan Nott, director

Christian Blackshaw, piano

Programa

Beethoven, Obertura de ”Egmont”

Mozart, Concierto para piano núm. 20, K. 466

Beethoven, Sinfonía núm. 6, “Pastoral”

Jueves, 15 de octubre de 2015 / 19.30 h / Auditorio Nacional