https://www.theveniceglassweek.com/it/#pll_switcher
AND A BOOK:
sábado, 4 de septiembre de 2021
THE VENICE GLASS WEEK. 5-13 SEPTEMBER, VENICE. AND A BOOK: JAMIE´S HAWKESWORTH, ABOUT THE BRISTIH ISLES, 2007-2020
THE MOROZOV COLLECTION. ICONS OF MODERN ART. FONDATION LOUIS VUITTON. PARIS
Exhibition
From 22.09.2021 to 22.02.2022
he Fondation will open its doors on 22 September 2021 with The Morozov Collection. Icons of Modern Art
From 22 September 2021 until 22 February 2022, the exhibition of
the Morozov collection will take over the entire galleries of the Fondation
Louis Vuitton, and will present the masterpieces from the Collection of the
brothers Mikhaïl Abramovitch Morozov (1870-1903) and Ivan Abramovitch Morozov
(1871-1921).Anne Baldassari, curator of the exhibition, enlightens you on the
Morozov brothers.
The exhibition is organized thanks to the remarkable collaboration
of the Russian museums - The State Hermitage Museum (Saint Petersburg), the
Pushkin State Museum of Fine Arts
(Moscow) and the State Tretyakov Gallery (Moscow), and will be an
exceptional artistic event in Paris and the first time that the Collection is
being presented outside of Russia.
Following the exhibition of the Shchukin Collection at the
Fondation Louis Vuitton in 2016/2017, the presentation of the Morozov
Collection will be another major historical moment dedicated to key early 20th
Century Russian collectors.
https://www.fondationlouisvuitton.fr/en/events/icones-de-lart-moderne-la-collection-morozov
jueves, 2 de septiembre de 2021
UNIQUE MIKIS THEODORAKIS, COMPOSER OF ZORBA THE GREEK, DIES AGED 96. (ONE OF MY FAVOURITE MUSICIANS, EVER)
I SAW HIM IN CONCERT IN BUENOS AIRES, MADRID AND ATHENS, MANY MANY CENTURIES AGO... Alicia Perris
Mikis Theodorakis, the celebrated composer best known for the music from the 1964 film Zorba the Greek, has died in Athens aged 96.
Theodorakis was in the resistance to the Nazi occupation of Greece in World War Two and later served as an MP.
He was also a leading figure opposing military rule in Greece from 1967-1974.
Zorba the Greek told the story of an English writer in Crete whose life is transformed when he meets Alexis Zorba, a gregarious peasant.
The scene when Zorba dances barefoot on the beach became a popular image of Greek culture. The theme from the film, which won three Oscars, remains probably the most famous piece of Greek music more than half a century later.
"Today we lost a part of the soul of Greece," Culture Minister
Lina Mendoni wrote on Twitter, calling him "the one who made all Greeks
sing poetry".
Theodorakis also wrote the film music for Serpico (1973) and a song cycle called the Mauthausen Trilogy, with lyrics based on poems of a concentration camp survivor.
The song Antonis from that work became popular with Afghans. It was sung by the residents of Kabul in 2001 who greeted troops of the Northern Alliance as they entered the city and expelled the Taliban.
The same song was the theme of the 1969 film Z, whose soundtrack won a Bafta Award for Best Film Music in 1970. The film, directed by Costa-Gavras, is a thinly fictionalised account of the assassination of a left-wing Greek politician.
Theodorakis himself was for much of his life a leftist and at times a communist. In 1947, during the civil war that followed World War Two, he was arrested and tortured.
The BBC's Kostas Kallergis says Theodorakis expressed the will to fight
against fascism and the sense of liberty Greeks felt after the fall of the
military junta in 1974.
Theodorakis's songs were always deeply political. He was repeatedly jailed for his beliefs and was sent into exile within Greece.
He remained politically active throughout his life.
In the 2010s he joined protests against austerity, calling for reparations from Germany for the wartime occupation. He also spoke out against the deal ending the 27-year dispute over the name of the former Yugoslav republic of Macedonia, now Northern Macedonia.
He leaned towards the right at the end of the 1980s and even served as a minister in a right-wing government, but he was always an iconic figure for all Greeks, both leftists and conservatives, Kostas Kallergis says.
https://www.bbc.com/news/world-europe-58419832
miércoles, 1 de septiembre de 2021
FOLLE JOURNÉE AU CAPITOLIUM, AGRIPPINA À DROTTNINGHOLM
Par Andreas Wahlberg
Le Théâtre du Château de Drottningholm rouvre enfin ses portes pour
gâter son public avec Agrippina de Georg Friedrich Haendel. Un drame de haut
niveau assuré par le chef Francesco Corti dans une mise en scène comique où
brillent Roberta Mameli, Ann Hallenberg, Vivica Genaux et Kristina Hammarström
:
Les beaux décors existants du théâtre rococo constituent le point de départ. Bente Lykke Møller (costumes et décors) y place les personnages masculins en tenue unique (toges grises, sans discrimination par statut social) aux côtés d’Agrippina et de Poppea, qui parcourent les siècles de la mode féminine (en couleurs discrètes, avec maquillage et merveilleuses perruques signés par Sofia Ranow). Conforme à l’idée générale de Staffan Valdemar Holm (mise en scène), ce parcours s’arrête avant l’époque actuelle, évitant ainsi de faire les parallèles entre la dissémination de fausses nouvelles au pied du Capitole pour influencer l’opinion publique (dans l’opéra) et d’autres événements historiques plus récents. À la place du fil politique, Holm mise tout sur le comique, certes très présent dans l’œuvre. Son traitement à la mozartienne représente une reconsidération fascinante qui aide souvent à trouver un bon rythme pour l’action mais dont la réalisation s’avère un défi à travers de longues scènes de dialogues et de récitatifs. La direction d’acteur aurait bénéficié d’un plus grand réservoir d’idées pour se libérer d’une chorégraphie souvent ridicule ou ironique, et d’une gestuelle qui fréquemment ne fait que dupliquer de façon littérale (et facile) le texte chanté : position d’archer pour Cupidon, indiquer vers en haut pour les étoiles, etc.
Ann Hallenberg -
Agrippina par Staffan Valdemar Holm (© Markus Garder
Le chef d’orchestre et claveciniste italien Francesco Corti,
collaborateur régulier des orchestres Les Musiciens du Louvre et Il Pomo d’Oro,
représente la véritable instance dramatique de la représentation. Son
enchaînement immédiat des répliques, des numéros musicaux et des scènes garde
le drame au chaud, tandis que les silences prolongés le laissent respirer. Il
impressionne également par sa mise en évidence de l’inhérente complexité
orchestrale, dramatique et vocale d’Agrippina : l’art de faire dialoguer les
membres individuels de son orchestre et du plateau, de souligner les contrastes
entre les personnages par texture sonore, mais aussi de fournir un phrasé
commun pour l’orchestre et une ligne directrice à l’appui de l’interprétation
et du raffinement dynamique des chanteurs. Corti valorise à parts égales la comédie et le drame politique, la pompe
impériale et la sphère intime, oscillant même dans un même aria da capo
(reprise et ornée).
Pour la première, différée d’abord d’un an, puis d’encore quatre
jours, l’aspect scénique de Nerone est incarné par le danseur Jens Rosén, qui
(sans faire semblant de chanter) y ajoute quelquefois une belle illustration
poétique du personnage ou de la musique, rappelant quelque peu le Così fan
tutte d’Anne Teresa De Keersmaeker. La mezzo américaine Vivica Genaux y prête
son chant intense et teinté de deuil, mais aussi de bons accents dramatiques. Elle
éblouit davantage dans son aria casse-cou de l’acte III, surprenant la salle en
déployant ce même instrument dans un tempo infernal et équilibrant
définitivement l’expansivité des aigus avec le registre grave résonnant dans sa
bouche.
Pour Haendel comme pour Bach : la sensibilité pour le texte ainsi
que la façon de reculer et de s’intégrer dans la texture orchestrale dont
Kristina Hammarström faisait preuve dans la Passion selon Saint Matthieu
marquent aussi son portrait d’Ottone. Elle campe un chant noble et naturel,
utilisant au mieux les respirations qui lui sont nécessaires pour moduler
l’expression, la dynamique et l’effet d’un contraste fondamental entre son
personnage et les autres, interprétation soutenue par le chef italien. Elle
contribue à la valorisation du jeu non-comique, des émotions sincères et de
l’intrigue politique, tout comme Nahuel di Pierro. Son empereur Claudius
apparaît avec une majesté à laquelle il ajoute l’humanité de sa basse
chaleureuse, menée avec finesse à travers les mélismes et les variations de
dynamiques dans la vaste tessiture du rôle (avec, pour de rares occasions, un
effort perceptible dans les aigus et extrême-graves).
Trois rôles complètent encore la distribution des personnages
masculins. Mikael Horned prête sa bonne diction et le beau médium de son
baryton à Lesbos dans les annonces faisant avancer l’action, mais aussi en se
montrant épris des grâces de Poppea. Trouvant de plus en plus la
synchronisation sonore au fil de leurs nombreux duos, le contreténor Kacper
Szelążek réalisant par son jeu et ses accents dramatiques les intentions
comiques du metteur en scène, et la basse lyrique Giacomo Nanni avec une mine
quelque peu héroïque et une précision dans l’alternance entre dialogue et
apartés, prêtent leurs belles voix équilibrées aux rôles de Narciso et de
Pallante.
Bénis sont les mélomanes suédois qui ont su attendre pour acclamer
de nouveau -deux ans après Ariodante- Roberta Mameli et Ann Hallenberg. Cette
dernière, artiste en résidence au théâtre avec une douzaine de productions
différentes à son actif -ainsi qu’un album dédié à la musique baroque inspirée
par le personnage historique d’Agrippine- constitue sans surprise le centre de
gravité de la mise en scène, autant convaincante dans le pathos et les
réactions de drama queen délibérément exagérés (à fin de la manipulation
politique et privée) que dans ses discours adressés directement à la salle ou
trônant avec une imposante carrure d’impératrice. Après avoir économisé quelque peu sa prestation jusqu’à l’aria
"Pensieri, voi mi tormentate" (acte II), elle tape enfin dans le
mille et gagne la brillance retentissant sans effort dans le registre soprano
et un éventail de nuances dynamiques plus élaboré. Là s’unissent le
chant épuré et sincère avec les exclamations énergiques de haut-baroque, et là
se cristallise ainsi une vision d’ensemble en miniature des multiples facettes
de l’opus, du rôle et de la prestation vocale d’Ann Hallenberg.
À la richesse d’expression, la diction
travaillée, la dynamique subtile et le ton chargé d’émotion selon la situation
dramatique -qui caractérisaient sa Ginevra dans Ariodante- la soprano romaine
Roberta Mameli ajoute en Poppea une maîtrise augmentée de ses moyens. Avec son
timbre polyvalent (mais d’une unité organique), tantôt plein et résonnant,
tantôt simple et dénudé, elle ne craint ni les sauts d’intervalle, ni les
vocalises rapides, dont les notes ressortent aisément avec une définition
exemplaire et qui bénéficient de son souffle immense. Et au moins dans un
sens, la vie représentée sur le plateau égale celle du monde réel :
l’admiration de tous pour Poppea correspond à celle des spectateurs, charmés
par son charisme vocal et captivés par un drame musical de premier ordre.
https://www.olyrix.com/articles/production/5004/agrippina-handel-theatre-chateau-drottningholm-festival-opera-musique-classique-lyrique-corti-holm-moller-lendorph-ranow-pierro-hallenberg-sa-mameli-hammarstrom-nanni-szelazek-horned-article-critique-compte-rendu
HERE WE ARE! FRAUEN IM DESIGN 1900 – HEUTE VITRA DESIGN MUSEUM
Ob als Gestalterinnen von Möbeln, Mode oder Industrieprodukten, als Innenarchitektinnen oder Unternehmerinnen – Frauen haben entscheidende Beiträge zur Entwicklung des modernen Designs geleistet. In den Geschichtsbüchern des Designs kommen sie jedoch viel seltener vor als Männer. Mit »Here We Are! Frauen im Design 1900 – heute« will das Vitra Design Museum dazu beitragen, dies zu ändern. Die Ausstellung präsentiert Gestalterinnen der letzten 120 Jahre und erzählt vor dem Hintergrund des Kampfs um Gleichberechtigung eine neue, vielstimmige Designgeschichte. Gezeigt werden Werke von rund 80 Designerinnen, darunter Protagonistinnen der Moderne wie Eileen Gray, Charlotte Perriand, Lilly Reich oder Clara Porset, Unternehmerinnen wie Florence Knoll und Armi Ratia, aber auch weniger bekannte Persönlichkeiten wie die Sozialreformerin Jane Addams. Zeitgenössische Positionen werden durch Designerinnen wie Matali Crasset, Patricia Urquiola, Julia Lohmann oder das Kollektiv Matri-Archi(tecture) vertreten und führen BesucherInnen in die Gegenwart und Zukunft.
Abbildung: © Vitra Design Museum,
Illustration: Judith Brugger,
Objekt: Faye Toogood, Roly Poly, 2018, Foto: Andreas Sütterlin
https://www.design-museum.de/de/ausstellungen/kommende-ausstellungen.html?desktop=1%23c8227&cHash=2ce57c1fa2085b8f74f1de56cbdcc566
SOFFI DI FINE ESTATE 2021 – BIBLIOTECA CIVICA SANTHIA’ – 30 AGOSTO 2021
Presentato dalla bibliotecaria Marinella
Bianco al folto pubblico in Biblioteca, il camminatore, attore, regista,
scrittore FILIPPO ARCELLONI, ha intrattenuto tutti con la una
conferenza-spettacolo sul suo ‘camminare’. La conferenza è stata preceduta dall’inaugurazione
della mostra fotografica sui TRAIL ANGELS, relativa all’opera di un gruppo di
manutentori dei sentieri locali (Via Francigena e Cammino di Oropa). La mostra
è stata curata da Mario Matto – cuore pulsante dell’Associazione Amici della
Via Francigena di Santhià – e da Marcello Vallese, coordinatore del gruppo e attivo
manutentore dei cammini.
Filippo racconta del fermo causa Covid 19 e di
quanto in inverno abbia pensato, riflettuto, programmato e focalizzato il tema
“Covid e Arte”, intesa nel più ampio senso del termine, che ha poi documentato
con 45 filmati sul suo canale YouTube, relativi agli interventi realizzati nel
corso del 2020.
Quando è in cammino chiede un pernottamento e
un pasto, ed offre la conferenza-spettacolo in una sorta di teatro itinerante
(Teatro della Provvidenza).
Racconta che il camminare è un atto
complicato, che fa star bene anche grazie all’atto dell’incontro, come quando,
scendendo dal Gran San Bernardo, incontra un pastore che gli spiega tutto sul
suo allevamento e sui suoi pascoli. Analizza poi il cammino quale atto
religioso, laico, di speranza, enogastronomico e di meditazione possibile, con
l’immersione nella solitudine e contemplazione della natura che ci circonda e
che consente di trarre pensieri e parole dalle immagini che lentamente si
susseguono nel percorso a piedi. Evidenzia quanto sia differente il camminare
per un paio di giorni dal vero cammino di più giorni, dove il peregrinare
consente la riacquisizione del tempo e dello spazio, in una bolla temporale sospesa:
camminando ci si allontana mentalmente dalla quotidianità e la meta da
raggiungere diventa lo scopo da perseguire in libertà.
Camminare è il primo atto del bambino quando
riesce a superare il gattonare, è un gesto antico e la lentezza riporta ai millenni
trascorsi, guarendo i mali dell’anima contemporanea.
Arcelloni continua con il racconto di un
albero di fichi e delle visioni della famiglia di provenienza contadina che
mille volte avevano compiuto il gesto di raccogliere un frutto, dell’allontanamento
dalla terra per inseguire il sogno moderno del lavoro in fabbrica, ma anche
dell’essiccamento dell’essere umano, quando non affonda più le radici nella
terra, ma le appoggia, quasi sospese, sul cemento. Filippo si perde poi in
racconti fiabeschi di fate buone che però non perdonano l’avidità, l’invidia e
il tradimento, e rammenta anche un tratto del percorso vicino a Piacenza, dove
chi cammina è affiancato da un lato da una strada, percorribile ai 50 all’ora,
a sua volta affiancata da un tratto di autostrada da 130 chilometri all’ora ed
ancora da un tratto di alta velocità ferroviaria da 300 chilometri orari. Ma
volgendo lo sguardo sull’altro lato, si vede il corso del fiume Po, e questo
può essere vissuto con lo sguardo della lentezza, così come un quadro viene
apprezzato nei dettagli.
L’intrattenitore diviene affabulatore e, dopo
aver affrescato l’immagine del campanile, che da lontano sempre appare
indicando il prossimo luogo abitato da visitare, definisce alcuni aggettivi per
il cammino: anarchico, inconscio e attore di luddismo (la prima fase del
movimento operaio britannico, nei primi decenni del sec. XIX, caratterizzato da
reazioni violente contro l'introduzione delle macchine e la conseguente
disoccupazione), spiegandone i concetti. Poi esterna le sue frasi-chiave per il
cammino:
- chi me l’ha fatto fare? (ma continua a
farlo);
- ritornerò – a reincontrare persone e luoghi
conosciuti nel cammino;
- che bello! – trovare il bello nelle cose che
si fanno;
- GRAZIE – il senso di gratitudine (e un mio
commento personale è che nella vita non bisogna mai “accontentarsi”, ma essere
contenti di quello che si ha, soprattutto chi è nato nella parte fortunata del
mondo!).
Filippo conclude dicendo che “il cammino che
piace è quello che arriva al cuore” ed aggiungerei che ogni azione che si
ricorda nel tempo è perché aveva raggiunto il nostro cuore.
La Cultura vince
sempre
Renzo Bellardone
SAMARITAINE: PARIS PONT-NEUF: UN LIVRE
The story of Samaritaine is a grand love story: the love of family, the love of commerce, the love of art, the love for others. Samaritaine is a name that conjures dreams, and, for many Parisians, brings back a flood of memories, such as climbing the grand staircase with one’s grandmother, or just gazing awestruck at the sight of its majestic building in the heart of Paris. From Art Nouveau to Zola, the story of the Samaritaine department store unfolds here in the form of a playful ABC to commemorate its renovation and renaissance in the twenty-first century. This architectural gem once again offers an authentically French shopping experience, blending the chic of avenue Montaigne with the trendy vibe of the Marais. French art de vivre is elevated here, beyond simply a retail space, offering new experiences, an array of restaurants, conferences and exhibitions, a spa and even a five-star hotel. Illustrated with striking photographs, Samaritaine Paris Pont-Neuf juxtaposes French artisanal savoir faire and fashion with elements of Parisian history and anecdotes of the store’s founders, illuminating the evolution of this iconic department store in the heart of the City of Light. As rich and glamorous as the Samaritaine facade on the Parisian skyline, this volume celebrates the revival of this jewel box of French style and spirit.
https://eu.assouline.com/products/samaritaine-paris-pont-neuf
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