lunes, 18 de febrero de 2013

FESTIVAL DE ARTE SACRO DE MADRID 2013. FESTIVAL DE LIEDER. F.SCHUBERT (1797-1828)


Martes 19 de febrero de 2013 20:15 hrs.
Real Iglesia Parroquial de Santiago y San Juan Bautista

Calle de Santiago 24, 28013 Madrid
David Mason, pianoforte
Alfredo García, barítono


NOTAS AL PROGRAMA
Muchos de los Lieder o canciones que escucharemos hoy fueron compuestos por Schubert en el mismo año y la misma ciudad en que Josef Brodmann fabricaba el pianoforte con el que se interpretan en este concierto en Madrid. Viena era entonces una ciudad mucho más pequeña y llena de una vida cultural en que las creaciones poéticas se esperaban con entusiasmo por muchos de los compositores que luego ponían música a sus textos. En este tiempo Schubert tuvo días de verdadera inspiración, hubo algunos en que escribió hasta siete canciones, que después interpretarían entre amigos en las famosas schubertiadas.
Es probable que el fabricante de este pianoforte acudiera a alguna de ellas o que incluso Schubert tocara en este instrumento de excepcional calidad. No lo sabemos, pero esta escena es compatible con el mundo de lo posible.
Es asombrosa la cantidad de argumentos que aparecen en sus casi mil canciones, hay lugar para la mitología, la aventura, la desolación, la filosofía y, cómo no, para toda una amplia gama de amores, que una época que estaba inventando el romanticismo, era capaz de imaginar. Y entre tanto material diverso hubo un espacio también para lo religioso, para el asombro ante lo infinito, para la fe, a la que Schubert dedicó obras verdaderamente inspiradas que hoy son muy conocidas.
El recital que ofrecemos es especialmente emotivo por ser interpretado en un instrumento que no solo era contemporáneo de Schubert y fue elaborado en la Viena que habitó, sino que tiene la sonoridad y el color que él imaginó para su música.
 
 
Notas: Alfredo García     www.alfredogarcia.com

HERODES REINA EN LA POLEMICA. EL PAIS CULTURAL


17 FEB 2013
Una exposición arqueológica de Israel causa controversia al incluir material de territorios ocupados
DAVID ALANDETE Jerusalén 

Maqueta del complejo donde se enterró al rey Herodes. / DANIELA BRIK (EFE)

Es uno de los monarcas más polémicos de la historia antigua. Un rey de Judea que gobernó en los albores de la nueva era con excesos y abusos; que mató a una de sus mujeres y a tres hijos, y que según el Evangelio de Mateo ordenó la masacre de los niños de Belén. Herodes, llamado el Grande, renovó y reconstruyó el templo en Jerusalén, del que solo queda el muro occidental, el lugar más sagrado del judaísmo. Fue enterrado en un mausoleo de 25 metros de altura, cuya parte central se exhibe ahora en la mayor exposición arqueológica de la historia de Israel. El hecho de que esos materiales procedan de territorio ocupado por Israel ha provocado la protesta de las autoridades palestinas. Ni 21 siglos después de su muerte escapa Herodes de la controversia.
Durante su mandato, el rey, obsesionado por la arquitectura, construyó 15 palacios. Ahora, 250 objetos extraídos en gran parte de varios de ellos, y reconstruidos minuciosamente, se exhiben en el Museo de Israel, en Jerusalén, dentro de la muestra Herodes el Grande: El viaje final del rey. El principal atractivo es el mausoleo, hallado en el complejo de Herodión, cerca de Belén. Después de cuatro décadas de búsqueda, un equipo de arqueólogos, liderados por el profesor Ehud Netzer, encontró la tumba en 2007, justo a los pies de un palacio.
Lo expuesto en Jerusalén se devolverá a Cisjordania. La exposición fue idea del propio Netzer, que falleció por una caída sufrida en el mismo Herodión en 2010. Las piedras de la parte del mausoleo que se exhiben pesan en total 30 toneladas. La construcción tenía tres alturas, con una base y un capitel corintio sobre el techo. “Herodes mandó cubrir todo lo que había alrededor con piedras, para que el mausoleo se viera desde Jerusalén”, explica Silvia Rosenberg, comisaria de la muestra y que, como arqueóloga, participó en muchas de las excavaciones de las que proceden los objetos. “En la exposición hemos reconstruido la sala del trono en Jericó y parte del mausoleo”, cuenta. “Entre ambos puntos, se describen sus proyectos más ambiciosos”.
Sarcófago del rey Herodes.
La muestra ha provocado protestas airadas de la Autoridad Palestina. “El uso de objetos artísticos palestinos de los territorios ocupados sin permiso del Estado de Palestina es una violación del derecho internacional”, asegura Hamdan Taha, que coordina el Sector de Antigüedades y Herencia Cultural del Ministerio de Turismo palestino. “En lo que respecta a las excavaciones, mientras no haya un acuerdo final de paz entre Palestina e Israel, Israel es una potencia ocupadora y por lo tanto atada al derecho internacional, que solo permite excavaciones de rescate y salvamento”.
Lo cierto es que el palacio de Herodión se encuentra en un área de Cisjordania que, según el acuerdo de Oslo firmado en 1993, se halla bajo control de Israel. Allí los arqueólogos israelíes pueden excavar y pueden restaurar y trabajar sobre los objetos que encuentren. Cuando la exposición acabe, el 15 de octubre, los objetos mostrados en Jerusalén se devolverán a los lugares en que fueron encontrados. “El museo ha invertido mucho dinero en su recuperación y restauración. Volverán mejor de lo que estaban”, añade la comisaria Rosenberg.
“Hemos actuado de acuerdo con los acuerdos de Oslo, como custodios de los objetos arqueológicos de Cisjordania, invirtiendo en su restauración, exhibiéndolos y, posteriormente, devolviéndolos a su emplazamiento original”, añade James Snyder, director del Museo de Israel. “Los representantes palestinos pueden plantear sus reservas respecto a los términos del acuerdo de Oslo, pero es este el que nos permite preservar ese material en su emplazamiento a largo plazo”.
El mausoleo de Herodes dominó el paisaje en Herodión más de siete décadas. Fue destruido en la primera guerra judeo-romana, en la que corrió la misma suerte el templo de Jerusalén. El gran legado del rey cliente de Roma quedó entonces reducido a escombros, para volver a renacer ahora, en un museo, más de 2.000 años después.
 http://cultura.elpais.com/

jueves, 14 de febrero de 2013

NOTRE-DAME DE PARIS EN LA SCALA DE MILAN



Teatro Bol'šoj, Producción Mosca
A partir de febrero 10 a marzo 5 2013

Esmeralda, Quasimodo, Frollo y Febo: cuatro grandes personajes alrededor de los cuales un gran dramatismo, apasionada historia gira. El Cuerpo de Ballet pone de relieve la dinámica casi como un coro antiguo. 
Y en el fondo es la presencia silenciosa pero titular de la catedral, a la vez testigo y actriz en este drama. Notre-Dame de París, inspirado en la novela de Víctor Hugo, con música de Maurice Jarre, establece por René Allio y los trajes famosos de Yves Saint-Laurent, regresa a La Scala tras más de diez años desde sus últimas actuaciones. Una vez más se celebrará Roland Petit y su vena artística, su capacidad de evocar y sintetizar en traer los núcleos esenciales de la historia a la luz. Y el triunfo de su visión de la actuación como una creación total: danza, conjuntos, trajes, música, teatralidad. 

http://www.teatroallascala.org

OPERA LA FUGA IN MASCHERA, EN EL TEATRO SAN CARLO DE NAPOLES


 al Teatro di Corte, dal 10 al 17 febbraio
 È stata considerata perduta fino al 2008, quando l'antiquaria inglese Lisa Cox ne mise all'asta il manoscritto autografo, acquistato prontamente dal Comune di Maiolati Spontini. Oggi il pubblico può finalmente conoscere “La fuga in maschera”, commedia in due atti di Gaspare Spontini, su libretto di Giuseppe Palomba, scomparsa dalle scene dopo il suo unico allestimento al Teatro Nuovo di Napoli, nel carnevale del 1800. La trama, fitta di equivoci e malintesi, è un turbinio di avventure amorose, travestimenti, sedute spiritiche, che culminano nella festa di carnevale che dà il titolo all’opera. Dal giovane Spontini emergono i tratti salienti del compositore ottocentesco: attento agli umori del pubblico e pronto a ripensare la sua stessa opera per assecondare i gusti della sempre più borghese platea dell'epoca.

Da non perdere perchè...
L'allestimento de “La fuga in maschera” è un evento storico per Napoli, città che nel 1800 ne ospitò la prima e unica rappresentazione. L'opera, in coproduzione Fondazione Pergolesi Spontini e Teatro di San Carlo, è riproposta nella revisione critica di Federico Agostinelli, per la regia di Leo Muscato. Un'occasione importante per riscoprire la briosa opera napoletana ottocentesca. Sul podio Francesco Lanzillotta, tra i direttori emergenti nel panorama musicale italiano, nonché direttore principale dell’Orchestra di Verna.
http://www.teatrosancarlo.it

lunes, 11 de febrero de 2013

WAGNER EN EL TEATRO MASSIMO DE PALERMO




 
La mostra "Wagner a Palermo" viene allestita al Teatro Massimo in occasione dell'apertura della Stagione.
La mostra è dedicata al bicentenario della nascita del compositore tedesco e sarà aperta dal 22 gennaio al 3 marzo 2013.

“Quando le luci si spengono e gli strumenti vengono riposti – sottolinea il Prefetto Fabio Carapezza Guttuso, Commissario Straordinario del Teatro Massimo – la memoria di un teatro lirico è affidata alle partiture (spesso annotate dagli interpreti), alle fotografie, ai costumi, alle scene e ancor di più ai bozzetti, ai figurini che gli artisti hanno disegnato. Conservare questo prezioso patrimonio per consegnarlo alle generazioni future è compito della Biblioteca del Teatro Massimo; tutelarlo e valorizzarlo dev’essere impegno precipuo della Fondazione.
Il bicentenario della nascita di Richard Wagner è quindi spunto preferenziale per cominciare a dare nuova vita a queste testimonianze, attraverso una mostra che espone la memoria delle opere di Wagner rappresentate al Teatro Massimo, offrendo ai visitatori una prospettiva inconsueta ma assai peculiare del teatro d’opera. È solo il preludio di una serie di manifestazioni analoghe, a cominciare da quella dedicata a Giuseppe Verdi, che accompagnerà nei prossimi mesi la programmazione artistica dedicata al grande compositore italiano”. 
 
La mostra
Curata da Sergio Troisi con l'allestimento di Roberto Lo Sciuto e il coordinamento di Marida Cassarà, la mostra ripercorre attraverso bozzetti di scena, figurini di costumi, fotografie e manifesti la costante frequenza delle opere del compositore tedesco al Teatro Massimo. Fulcro dell'esposizione e collegamento ideale con la figura di Wagner è l'harmonium (restaurato da Ugo Casiglia) che – secondo le cronache – Wagner utilizzò durante il suo soggiorno palermitano nell'inverno del 1881-1882 mentre terminava il “Parsifal”.
“L'harmonium” - come precisa Sergio Troisi – sarà “collocato nella Sala Pompeiana al centro della raggiera dove sono esposti bozzetti di scena e figurini di alcuni allestimenti wagneriani dal 1955 al 2004: un breve itinerario non soltanto in una iconografia così densa di echi, reminiscenze e prefigurazioni ma anche nella storia della scenografia italiana del teatro d’opera del secolo scorso.
Per una felice casualità il percorso inizia proprio con Parsifal, e con i bozzetti di Nicola Benois, figura centrale della vicenda della scena lirica italiana del Novecento”.

Allo stesso “Parsifal” e alla collezione di bozzetti di scena relativi ai titoli non solo wagneriani ma anche verdiani è dedicata l'Agenda 2013 del Teatro Massimo, atteso omaggio che annualmente il Teatro fa ai propri abbonati e che verrà distribuita durante le recite del “Rheingold”.


http://www.teatromassimo.it/stagione/WagnerAPalermo_en.php

ANTOINE D´AGATA, ANTICORPS


Antoine d’Agata investit Le Bal. Le monde de l'artiste est un monde de flux : flux d’images, de matières, de sensations et de sentiments. Chaque image est une manière d’arrêt, de coupure dans un continuum de sensations, dans un écoulement sans fin de vie, d’émotions, de gestes, de situations...

D’Agata ne compose pas une image, il l’arrache à la réalité de sa propre vie. Ses images sont des lambeaux de chair : une chair aimée, triturée, violentée, droguée... Il n’a que faire de la forme. La seule forme qui vaille à ses yeux est celle qui arrive, celle qui se dessine, non au travers de son appareil, mais dans la vie la plus intime, celle qui survient et surgit du cœur de l’événement en train de se vivre...
http://www.le-bal.fr

Lieu : Le Bal
Sous-Rubrique : Photographie
Date de début : 24 janvier 2013 Date de fin : 14 avril 2013

MANNEQUIN. LE CORPS DE LA MODE: DU PORTEMANTEAU AU TOP MODEL



PARIS


© Henry Clarke/Galliera
 Dans le cadre de son programme hors-les-murs, le musée Galliera rend hommage au mannequin et interroge son statut à travers une exposition dévoilant photos, vidéos, magazines de mode…. Forte du succès qu’elle a connu cet été aux Rencontres d’Arles, l’exposition "Mannequin - le corps de la mode" est présentée aux Docks - Cité de la Mode et du Design (Paris 13e).
Du 16 février au 19 mai 2013.

Le mannequin est un acteur essentiel de la diffusion de la mode. Créé par et pour elle, il incarne les contradictions d’une industrie tiraillée entre création et commerce, dont l’une des principales activités est de produire des images. Des premières photographies du XIXe siècle aux pages de magazines, des publicités aux vidéos, le mannequin est reproduit à l’infini.
Près de 120 tirages – dont la plupart font partie des collections du musée Galliera – des vidéos, des magazines de mode et autres ouvrages sont ainsi réunis. Les photographies de grandes signatures comme Horst P. Horst, Erwin Blumenfeld, Henry Clarke, Helmut Newton, Guy Bourdin, Nick Knight, Corinne Day, ou encore Juergen Teller côtoient des objets en volume: mannequins de vitrine, mannequins couturière, marottes…
Empruntant son nom au mannequin en osier des salons de couture du XIXe siècle,le mannequin vivant a pour fonction de porter les modèles devant les clientes comme devant l’objectif tout en gardant ce statut d’“objet inanimé” qui met en valeur les vêtements pour mieux les vendre. Pourtant le mannequin, défini comme un idéal féminin de beauté et de jeunesse, doit séduire avec une perfection tout artificielle. Formaté, dupliqué dans des poses mécaniques, façonné par le maquillage ou la retouche, ce corps modèle répond à des normes physiques et esthétiques qui, pour vendre du rêve, laissent peu de place au réalisme.
Depuis la naissance de la haute couture, femmes de la haute société et actrices jouent sans discontinuer les icônes de mode. Plus tard, les mannequins professionnels imposent leur visage et leur nom. Révélées par les couturiers ou les photographes, elles deviennent leurs muses, reconnaissables mais modelables au gré de leur inspiration. Devenues stars, elles font vendre du papier glacé.
Du mannequin anonyme à la cover-girl, du portemanteau au sex symbol, du top model à la girl next door, ces stéréotypes interrogent la valeur marchande, esthétique et humaine du mannequin. En réunissant ces images, l’exposition propose une histoire de la photographie de mode du point de vue du modèle et non plus seulement du photographe.

Initialement produite par les Rencontres d'Arles pour l'édition 2012, cette exposition est produite à Paris par les Docks - Cité de la Mode et du Design, en collaboration avec Artevia.

http://www.paris.fr/loisirs/musees-expos/musee-galliera/mannequin-le-corps-de-la-mode/rub_5854_actu_125546_port_12995