Maison d'édition : Château de Versailles Spectacles
Connaitriez-vous Mademoiselle Duval, compositrice d’un
unique opéra, Les Génies, joué neuf fois en 1736, qui connut un franc succès et
n’a jamais été repris depuis sa création à l’Académie Royale de Musique de
Paris ?
Chanteuse et compositrice, Mademoiselle Duval est la seconde femme à y
avoir créé un opéra, à la suite d’Elisabeth Jacquet de la Guerre.
Si sa vie
reste mystérieuse, cette claveciniste confirmée au point d’éblouir le public en
tenant le continuo à la création des Génies, écrivit une oeuvre de divertissement
contemporaine des Indes Galantes, déployant à chaque acte une nouvelle intrigue
amoureuse centrée sur les Génies des Eaux (Les Nymphes), de l’Air (Les
Sylphes), de la Terre (Les Gnomes) et du Feu (Les Salamandres). C’est une
petite merveille que la curiosité de Camille Delaforge nous livre enfin,
dirigeant avec passion cette rareté du répertoire français avec un absolu
bonheur !
Opéra-ballet en un prologue et
quatre actes sur un livret de Jacques Fleury, créé à l'Académie royale de
musique à Paris en 1736.
Save the date - Festival Farnese 2024 - II Edizione
Direzione artistica di Fabio Biondi – Ideazione di Simone Verde
Torna dal 28 maggio al 9 giugno 2024, dando seguito al successo della prima edizione, il FARNESE FESTIVAL, rassegna di musica antica che propone i concerti di alcuni dei più prestigiosi ensemble d'Italia in un contesto unico: il Teatro Farnese, situato nel Complesso Monumentale della Pilotta, l'unica struttura barocca che ad oggi ospita un festival di musica europea del XVII-XVIII secolo. Oltre al contributo di importantissimi soggetti artistici e scientifici del musicale, il Festival si arricchisce quest'anno di due occasioni di approfondimento grazie ad una conferenza dal tema “Liuteria a Parma nei secoli” a cura di Elisa Scollavezza e Andrea Zanrè e una giornata di studi dal titolo “La trasformazione della vocalità nell’Opera italiana da Monteverdi a Verdi”, a cura di Paola Cirani.
Tutti i concerti saranno preceduti da un pre-talk con il Direttore Fabio Biondi, occasione rara e preziosa d’incontro diretto tra pubblico e musicisti.
nel cuore di Roma, in un luogo di una bellezza
incomparabile, si trova l'attuale ambasciata di Francia presso la Santa Sede,
che ha un nome: Villa Bonaparte. Fra le mura visse Paolina, sorella di
Napoleone, e dopo la sua morte questo gioiello e' rimasto proprietà della
famiglia per 90 anni. l'avvenuto restauro della villa è il nostro tgpost a
firma di Fabio Bolzetta.
Renaud Capuçon célébré en tant
qu’« Artiste de l’année » par les International Classical Music Awards 2024
Professeur de violon à l’HEMU, le
violoniste et chef d’orchestre Renaud Capuçon est désigné comme l’artiste de
l’année. Engagé dans des causes civiles et sociales, Renaud Capuçon est
certainement l'un des plus grands musiciens vivants : ce talentueux artiste
français de 48 ans a collaboré avec les meilleurs orchestres, les grands chefs
les plus éminents, ainsi que les collègues les plus prestigieux en plus de
diriger des festivals de musique majeurs. Sa discographie, exceptionnelle par
son envergure et sa qualité, confirme sa stature de musicien parmi les grands.
Le président du jury, Rémy
Franck, déclare : « Les prix ICMA de cette année ont été choisis à partir d'une
liste de nominations comprenant 375 productions soigneusement sélectionnées et
un large éventail d'artistes et de labels. La liste des lauréats comprend de
nombreux musiciens renommés, moins connus et jeunes et pas moins de 15 labels
internationaux ! »
Fondé en 2011, le jury des
International Classical Music Awards est composé de 19 médias internationaux.
Un eccezionale rinvenimento di
una necropoli di epoca preromana ad Amorosi (BN) nella Valle Telesina,
caratterizzata da ricchi corredi funebri in ben 88 tombe e due grandi tumuli.
Approfondimento: https://www.archaeoreporter.com/it/20...
Dal comunicato:
"La necropoli è stata
rinvenuta in occasione delle attività di indagine preventiva e di scavo
archeologico nell’area in cui sorgerà la futura stazione elettrica di Terna,
funzionale alla connessione alla Rete elettrica di Trasmissione Nazionale della
Rete Ferroviaria Italiana per l’Alta Velocità “Napoli-Bari”, nello specifico
della tratta “Frasso Telesino – Telese”. L’intervento di Terna, attualmente in
iter autorizzativo, comprende complessivamente anche la realizzazione di una
seconda stazione elettrica, nel comune di Telese Terme, e i collegamenti delle
nuove stazioni con la rete di distribuzione locale oltre quelli tra le
stesse".
Vista l’importanza dei
rinvenimenti, la Soprintendenza ABAP per le province di Caserta e Benevento ha
chiesto il sostegno di Terna Spa per l’avvio di un vasto progetto di studio e
documentazione delle evidenze individuate, avvalendosi di professionisti ed
esperti che hanno svolto attività di microscavo delle terre interne ai
contenitori recuperati e di restauro preliminare dei materiali, di analisi
antropologiche dei resti ossei e di analisi archeobotaniche dei terreni in un
magazzino-laboratorio appositamente allestito in locali messi a disposizione
dal Comune di Amorosi.
La Soprintendenza di Caserta e
Benevento è impegnata con il sostegno di Terna e la collaborazione dei Comuni
di Amorosi e Puglianello nell’organizzazione di eventi di comunicazione ed
esposizione preliminare dei risultati degli scavi e nella direzione dell’ampio
progetto finalizzato allo studio, al restauro e alla valorizzazione del grande
patrimonio archeologico rinvenuto"....
Escenas de obras de Rossini, La sonnambula de Bellini, La
traviata de Verdi, Lakmé de Delibes, Les contes d'Hoffmann de Offenbach y La
tempranica de Giménez, entre otros. 25 DE ABRIL, 2024
Nadine Sierra, soprano
Pretty Yende, soprano
Pablo Mielgo, dirección de orquesta. Orquesta Titular del
Teatro Real
Programa musical
PARTE I
G. Rossini (1792-1868)- Obertura de Il barbiere di Siviglia
V. Bellini
(1801-1835)- “Ah non credea…” de La sonnambula
- “Mira, o Norma…· de Norma
G. Verdi (1813-1901)-
“E’ strano ... Sempre libera” de La traviata
J. Offenbach
(1819-1880)- “Les oiseaux dans la chamrille” (aria de Olympia) de Los cuentos
de Hoffmann
C. Gounod
(1818-1893)- “Je veux vivre” de Roméo et Juliette
L. Delibes
(1836-1891)- “Viens, Mallika... Dôme épais” (Dúo de las flores) de Lakmé
PARTE II
R. Chapí (1851-1909)
- Preludio de El tambor de granaderos
G. Giménez
(1854-1923)- “Me llaman La Primorosa” de El barbero de Sevilla
- “Sierras de Granada” de La tempranica
C. Velázquez
(1916-2005) - “Bésame mucho”
G. Giménez- La
tarántula (zapateado) de La tempranica
L. Bernstein
(1918-1990)- Obertura de Candide
V. Herbert
(1859-1924)- Art is calling
L. Bernstein - "I Feel Pretty" de West Side Story
El coliseo madrileño a veces apuesta por grandes figuras de
la lírica, aunque sigue siendo elitista en los precios y los espacios y tiempos
(una sola función). Efectivamente, como explican sus gerentes, hay entradas de
menos de veinte euros, pero no se ve ( se llama “visibilidad reducida”) ni se escucha
bien. Efectivamente, la acústica del Real no es la de la Scala, ni la ópera
Garnier, ni el Colón de Buenos Aires.
De todas formas, hay que festejar este acontecimiento
desbordante de delicadeza, excelencia y sobre todo en los tiempos complicados
que toca vivir fuera del país y en el mundo entero. Siempre hay que festejar
una ocasión gozosa.
Es lo que nos brindaron dos estrellas internacionales (que
viajan de Europa a América) de la lírica del momento, dos cantantes cuya
expresividad y virtuosismo deslumbran en los escenarios más importantes del
mundo con sus actuaciones individuales y que ahora entrelazan sus voces en un
concierto único. No es la primera vez que lo hacen, pero siempre es un lujo.
El recital contó con dirección musical de Pablo Mielgo
al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, que ofreció un
programa dividido en dos partes; la primera, protagonizada por personajes
dramáticos del Romanticismo italiano y francés- Amina, en La sonnambula; Norma
y Adalgisa, en Norma; Violetta, en La traviata; Olympia, de Los cuentos de
Hoffmann, o Juliette, de Roméo et Juliette, - extraordinaria exhibición
belcantista, que exige al intérprete voz y manejo vocal bastante al límite,
además de una gran sensibilidad para dotar de sentimiento un canto pirotécnico,
habitado profusamente por las agilidades de las cantantes.
Nadine Sierra y Pretty Yende son un privilegio
de la naturaleza. Y además, lucen unos vestidos de hada, multicolores, de deliciosa
hechura y texturas, que complementan su iridiscencia e irradiación fantásticas
en lo vocal y lo teatral: se miran, se compenetran, se tocan mientras cantan.
Por momentos, el director también forma parte de ese único “ménage à trois”.
Mágico.
El director Mielgo, formado en el Conservatorio Real de
Madrid y en la London Guidhall School of Music, ha trabajado con directores tan
afamados como James Conlon, Daniel Barenboim y Claudio Abbado y dirige
habitualmente en las grandes citas del circuito europeo como el Wiener
Musikverein, en los Estados Unidos como el Carnegie Pasillo de Nueva York, en
América Latina y en Oriente Medio. Así mismo trabaja en estrecha colaboración
con orquestas como la Simón Bolívar, la Arena di Verona y con artistas como Juan
Diego Flórez, las hermanas Labeque, Pero-Laurent Aimard, Julián Rachlin y
Radovan Vlatkovic.
La segunda sección del programa declinó un repertorio
diferente y complicado para dos cantantes ajenas al universo hispano: la
zarzuela –El barbero de Sevilla, La tempranica-, el bolero, la opereta y el
musical, mejor, abierto, cómplice, seductor.
Nadine Sierra, la soprano estadounidense, tiene una
trayectoria apabullante: galardonada con el Premio Richard Tucker 2017 y el
Premio Beverly Sills de The Metropolitan Opera de Nueva York en 2018. Fue
también la ganadora más joven hasta la fecha tanto del Concurso Vocal de la
Fundación Marilyn Horne como de las Audiciones del Consejo Nacional de Metropolitan
Opera House.
Su belleza vocal, su impecable técnica y su gran musicalidad
la han convertido en una de las artistas más reclamadas en los principales
escenarios de ópera internacionales. Se la puede seguir por muchos teatros
líricos, también en retransmisiones Mezzo u otras. Tiene mucha visibilidad.
En cuanto a su compañera ya habitual en esta ocasión, debutó
en la ópera en el Teatro Nacional de Letonia en Riga, como Micaela en Carmen.
Así es: la sudafricana Pretty Yende ha
actuado en casi todos los grandes teatros del mundo, como la Royal Opera House
londinense, la Ópera Nacional de París, la Metropolitan Opera de Nueva York o
el Teatro alla Scala de Milán.
Su carrera se ha desarrollado con una rapidez
sin precedentes. Graduada en la Young Artists Accademia del Teatro alla Scala,
Yende ha recibido la Orden Stella de Italia y posee la Orden de las Artes y las
Letras de Francia.
El comienzo trajo la obertura de “El barbero de Sevilla” a
cargo de Pablo Mielgo, también a señalar en “Candide” de Bernstein, y el
preludio de “El tambor de granaderos” de Chapí.
Pretty Yende se atrevió con el aria final de “Sonambula”, La
muñeca de “Cuentos de Hoffmann”, de Offenbach para luego regalar en un español
con dificultosa dicción (mejor su francés), “Sierras de Granada” de “La
Tempranica” y “La tarántula”. Clausuró su actuación sola con mucho humor,
sentimiento que atravesó todo el recital, “Art is calling for me” del musical
de Herbert “The Enchantress”.
Por su parte, Nadine Sierra brindó el “È strano” seguido del
legendario “Sempre libera”, con una facilidad evidente especialmente en los sobreagudos.
Cautivó completamente como la enamorada Julieta de la ópera de Gounod, en el
vals “Ah! Je veux vivre”. Goza de una
técnica segura, sólida, hermosa línea de canto y un fiato incandescente, que le
permitieron seguir luciéndose además con “Me llaman la primorosa” de la
zarzuela de Giménez. Probablemente “Bésame mucho” sea el bolero más conocido en
el planeta, pues también lo defendió con honores.
El “I feel pretty” de “West
side story”, con todos los guiños necesarios, la reunió con Yende, encantada de
la aventura musical que se repite con éxito en todas partes. La colaboración
continuó con “Mira o Norma” y el conocido y mágico dúo de “Lakmé” al final de la
primera parte. Tienen una sorprendente compenetración, hay feeling entre ambas,
está clarísimo. Son señoras rotundas, contundentes, fascinantes. Aún vestidas
de negro o de gris, brillantes, seguras de unas personalidades arrolladoras,
también en escena.
El público estaba desbordado en
aplausos y extremadamente satisfecho y feliz. La velada fue terminando con un popurrí
o un medley de obras muy conocidos sobre todo en Norteamérica, que se han
convertido en universales, algunas son joyas icónicas cinematográfica: “As
times goes by” ( de la película Casablanca) “The way we were”, mítica película
con Robert Redford y Barbra Streisand con la dirección de Sidney Pollack y “Edelweiss”, melodía tradicional austríaca ( y en
la cinta “Sonrisas y lágrimas”), “Somewhere over the rainbow” del mago de Oz
(Judy!) y Moon river” (Oh!, Tifffany, evocado por Audrey Hepburn en su “Desayuno
con diamantes”.
Una noche para olvidar las
circunstancias personales y del mundo y dejarse llevar, tal vez soñar. Como
expresó el atribulado McConaughey de True Detective, (Carlos Boyero dixit et
scribit): “Siempre se ha tratado del combate entre la luz y la oscuridad,
pero por ahora la luz está ganando”. Esta vez, también.
Unos años antes de la Revolución rusa, dos perfumistas
franceses establecidos en Moscú—Ernest Beaux y Aguste Michel—recibieron el
encargo de crear una nueva fragancia para conmemorar el tercer centenario de la
dinastía Románov.
Con la caída de los zares y la subsiguiente guerra civil,
Beaux regresó a Francia, donde conocería a Coco Chanel, y Michel permaneció en
Rusia, convirtiéndose en uno de los artífices de la industria del perfume
soviética. La fórmula del perfume imperial jamás se perdió, y de ella surgirían
dos icónicas fragancias: Chanel nº 5 y Moscú Rojo, estandartes de dos mundos
confrontados.
En esta apasionante pesquisa Karl Schlögel rastrea el pasado
para ofrecer una perspectiva inaudita sobre la pugna por el poder en el «siglo
de los extremos» que marcó la existencia de millones de personas, mostrándonos
que una gota de perfume puede encapsular una buena porción de la convulsa
historia del siglo XX.
HA FALLECIDO FRANCISCO RICO.MENSAJE DE LA EDITORIAL ACANTILADO
Acantilado lamenta la muerte de Francisco Rico
Ha fallecido a los 81 años Francisco Rico, filólogo, académico de la lengua desde 1987 y una de las grandes autoridades mundiales en el estudio del Quijote con ensayos como Tiempos del «Quijote» (Acantilado, 2012) y la edición definitiva de la obra de Cervantes. Durante décadas, Rico compaginó la docencia—fue catedrático de Literaturas Hispánicas Medievales en la Universidad Autónoma de Barcelona—con la investigación y la escritura. Desde que, en 1998, apareció la edición definitiva de Don Quijote en la colección de la Real Academia de la Lengua Española (entonces en Crítica) se han vendido tres millones de ejemplares.
Para esta casa fue un referente y un amigo muy querido y un maestro al que guardaremos una larga lealtad.
Francisco Rico (1942-2024), filólogo e historiador, fue profesor de literatura durante medio siglo. Entre sus publicaciones se cuentan sus nuevas ediciones del Lazarillo de Tormes y del Quijote en la Biblioteca Clásica de la Real Academia Española, Ritratti allo specchio (Boccaccio, Petrarca) (Roma-Padua, Antenore), Gabbiani e I venerdì del Petrarca (Milán, Adelphi), y Anales cervantinos. Notas al margen de un centenario (Barcelona, Arpa), además del prólogo a la correspondencia entre Yakov Malkiel y María Rosa Lida, Amor y filología (Acantilado, 2017). En esta editorial han aparecido además los ensayos Tiempos del «Quijote» (2012) y Una larga lealtad (2022).
He’s only the stuntman, but he’s stealing the show.
#TheFallGuyMovie Only in Theaters May 3.
He’s a stuntman, and like everyone in the stunt community,
he gets blown up, shot, crashed, thrown through windows and dropped from the
highest of heights, all for our entertainment. And now, fresh off an almost
career-ending accident, this working-class hero has to track down a missing
movie star, solve a conspiracy and try to win back the love of his life while
still doing his day job. What could possibly go right?
From real life stunt man and director David Leitch, the
blockbuster director of Bullet Train, Deadpool 2, Atomic Blonde and Fast &
Furious Presents: Hobbs & Shaw and the producer of John Wick, Nobody and
Violent Night, comes his most personal film yet. A new hilarious, hard-driving,
all-star apex-action thriller and love letter to action movies and the
hard-working and under-appreciated crew of people who make them: The Fall Guy.
Oscar® nominee Ryan Gosling (Barbie, La La Land, Drive)
stars as Colt Seavers, a battle-scarred stuntman who, having left the business
a year earlier to focus on both his physical and mental health, is drafted back
into service when the star of a mega-budget studio movie—being directed by his
ex, Jody Moreno, played by Golden Globe winner Emily Blunt (Oppenheimer, A
Quiet Place films, Sicario)—goes missing.
While the film’s ruthless producer (Emmy winner Hannah
Waddingham; Ted Lasso), maneuvers to keep the disappearance of star Tom Ryder
(Golden Globe winner Aaron Taylor-Johnson; Bullet Train) a secret from the
studio and the media, Colt performs the film’s most outrageous stunts while
trying (with limited success) to charm his way back into Jody’s good graces.
But as the mystery around the missing star deepens, Colt will find himself
ensnared in a sinister, criminal plot that will push him to the edge of a fall
more dangerous than any stunt.
Inspired by the hit 1980s TV series, The Fall Guy also stars
Winston Duke (Black Panther franchise) and Academy Award® nominee Stephanie Hsu
(Everything Everywhere All at Once).
From a screenplay by Hobbs & Shaw screenwriter Drew
Pearce, The Fall Guy is produced by Kelly McCormick (Bullet Train, Nobody,
Atomic Blonde) and David Leitch for their company 87North, and by Ryan Gosling
and by Guymon Casady (Game of Thrones, Steve Jobs and executive producer of the
upcoming series Ripley) for Entertainment 360. The film is executive produced
by Drew Pearce, Entertainment 360’s Geoff Shaevitz and the creator of the
original Fall Guy television series, Glen A. Larson.
Solía reprocharse a la ópera el absurdo y la inconsistencia de sus libretos, un tópico cada vez menos repetido, pues lo esencial del género operístico es el análisis, la expresión, la plasmación de la experiencia humana.
Las óperas hablan de la patria, el poder, la guerra. Hablan del caleidoscopio de emociones y sentimientos que el alma esconde y el corazón alberga, los lugares elegidos por el Bien y el Mal para celebrar su eterno forcejeo. Las tribulaciones del bufón Rigoletto, las combinaciones eróticas de las hermanas Fiordiligi y Dorabella, la tragedia de la geisha Butterfly, así como las proezas del famoso Don Juan no se clausuran y desaparecen al caer el telón. Sus dramas, trágicos o jocosos, permanecen vivos, susceptibles de ser prolongados por la literatura.
En cada una de estas historias, la ópera aparece como la visita que no es preciso conocer de antemano, en la confianza de que será debidamente presentada. Los enigmas de la paternidad, lo difícil que resulta averiguar lo que se siente, la virtud como atributo o antigualla, la moral cambiante según la época? un paisaje rico y variado que estos relatos recorren con libertad, tan lejos del homenaje como del pastiche.
Los personajes de hoy han heredado la secreta intimidad que animaba a las figuras de antaño, pero el desarrollo de sus peripecias tiende a desviarse del viejo modelo. Las lecciones de la catarsis ya no se encuentran en el melodrama. que hemos dejado de merecer, sino en los placeres de la invención literaria, facundia y lucidez que el espectador de una ópera puede compartir con el lector de un relato.
Pet Shop Boys, Neil Tennant and Chris Lowe, return to the
Main Stage for five nights with their Dreamworld: The Greatest Hits Live
production.
RUNNING TIME
The performance will last for approximately 2 hours, without
an interval.
'Clever, stylish, sometimes poignant, often euphoric' - The
Times
A spectacular stage show with dazzling visual backdrops –
vocalist Neil Tennant and keyboardist Chris Lowe bring their acclaimed greatest
hits tour to the Royal Opera House Main Stage.In an exhilarating performance, the UK’s most successful music duo
perform classic songs from the catalogue of hits they have released since their
first single in 1984, including: 'West End girls', 'Suburbia', 'Opportunities
(Let’s make lots of money)', 'Left to my own devices', 'Rent', 'Domino
dancing', 'Love comes quickly', 'Always on my mind', 'What have I done to
deserve this?' and 'It's a sin'.
Come and celebrate 40 years of Pet Shop Boys with this
triumphant five-star show in one of the world's most celebrated theatres.
The Australian Ballet presents Études, a beloved classic that shows you the complexity of ballet technique, alongside a world premiere of Circle Electric, an exhilarating contemporary work by Stephanie Lake.
La segunda guerra mundial, el Holocausto y la música de la memoria
Jeremy Eichler
Sinopsis de El eco del tiempo
Un relato conmovedor de cómo la música es testigo de la historia y transmite la memoria del pasado.
Cuando reflexionamos sobre cómo las sociedades conmemoran sus propios sueños y catástrofes, solemos pensar en libros, archivos o monumentos de piedra. Sin embargo, en El eco del tiempo, el galardonado crítico e historiador cultural Jeremy Eichler defiende el poder de la música de evocar la cultura, ya que es un arte excepcionalmente capaz de transmitir la envergadura del pasado.
Con el oído de un crítico, la sabiduría de un erudito y el ojo para el detalle de un novelista, Eichler muestra cómo cuatro compositores destacados —Richard Strauss, Arnold Schoenberg, Dmitri Shostakóvich y Benjamin Britten— vivieron la época de la segunda guerra mundial y el Holocausto, y posteriormente transformaron sus experiencias en obras musicales sumamente conmovedoras, en partituras que se hacen eco del tiempo perdido.
El eco del tiempo es una narración lírica que profundiza en nuestra forma de pensar sobre los legados de la guerra, la presencia del pasado y las profundas posibilidades del arte en nuestras vidas.
EXPOSITION AU Mu.ZEE
16/12/2023 - 14/04/2024
Mu.ZEE organise l'exposition Rose, Rose, Rose à mes yeux -
James Ensor et la nature morte en Belgique de 1830 à 1930 du 16.12.2023 au
14.04.2024. Cette exposition, organisée par le professeur Dr. Bart Verschaffel
et Sabine Taevernier, se concentre pour la première fois exclusivement sur les
natures mortes de James Ensor.
Une cinquantaine d'œuvres issues de l'importante
production d'Ensor dans ce domaine - des premières œuvres bourgeoises aux
natures mortes « tourmentées des années 1890, en passant par les œuvres
éthérées et oniriques de la dernière période - servent de colonne vertébrale et
de référence pour présenter un aperçu des natures mortes en Belgique entre 1830
et 1930.
Plusieurs peintres talentueux de ce siècle ont cherché à renouveler le
genre, qui avait dégénéré en un genre décoratif tape-à-l'œil, dépourvu
d'engagement artistique, tant sur le plan pictural qu'iconographique. Ensor
illustre ici simultanément l'évolution générale et sa propre qualité
exceptionnelle.
L'exposition propose d'abord un aperçu de la tradition
décorative académique du XIXe siècle, de David De Noter à Frans Mortelmans,
avec de nombreux peintres oubliés mais très compétents et très prospères en
leur temps, tels que Jean Robie et Hubert Bellis. Une attention particulière
est accordée à des femmes peintres complètement oubliées comme Alice Ronner et
Georgette Meunier, ainsi qu'à la figure isolée d'Henri De Braekeleer.
Vient
ensuite une sélection de peintres qui, déjà dans la tradition acceptée du
modernisme, se sont consacrés à la nature morte, tout en restant eux-mêmes dans
les plaisirs du genre, comme Louis Thevenet.
On y trouve également un certain
nombre de peintres qui, comme Ensor, par leur approche picturale et leur
construction de l'image, créent des images fortes et très distinctives, comme
Leon Spilliaert, Gustave Van de Woestyne, Frits Van den Berghe et le beaucoup
moins connu Walter Vaes. L'exposition se termine par des artistes qui font
exploser l'espace pictural figé du "théâtre des choses" : Jean
Brusselmans et René Magritte.
Une scénographie exceptionnellee
Pour Rose, rose, rose à mes yeux, la « dernière exposition »
avant la rénovation prochaine du bâtiment du musée, une scénographie spéciale a
été conçue par Kris Coremans et Guy Châtel (cabinet d’architectes ssa/xx) au
sein de Mu.ZEE. Elle crée un avant-plan pour l'exposition tout en reléguant en
coulisse les nombreux aspects spatiaux du bâtiment existant. La scénographie
confronte l'ancien grand magasin qui abrite le Mu.ZEE au modèle du musée du 19e
siècle. La structure en bois brut évoque les contours d'un musée classique avec
une salle centrale et des galeries latérales. Les natures mortes exposées sont
suspendues à des lambris de peuplier soyeux.
Les conservateurs ont choisi
d'accrocher les tableaux à proximité les uns à côté des autres, comme dans les musées
du 19e siècle, afin de permettre au visiteur d'avoir un regard comparatif. La
structure en bois plus élevée reste visible dans les registres supérieurs et
inférieurs de la structure murale.
La salle centrale dédiée à Ensor forme un
sanctuaire, où le placage s’étend en continu sur tout le périmètre. Dans les
galeries environnantes, où est exposée la vision décorative de la nature morte
du 19e siècle, le placage est interrompu ici et là pour ouvrir des perspectives
et des points de vue, redonnant ainsi au bâtiment existant du musée une
présence visible.
La salle consacrée au questionnement moderniste et à la
problématique du genre de la « nature morte » s'écarte du rectangle
conventionnel avec deux murs inclinés. Elle mène à l'épilogue où les peintures
qui caractérisent la dissolution du genre sont exposées contre les murs blancs
du musée.
L'exposition accueille des prêts provenant des Musées royaux
des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles et du Musée royal des Beaux-Arts
d'Anvers, du Musée des Beaux-Arts de Gand, du Musée d'Orsay à Paris, ainsi que
de nombreuses institutions publiques et collections privées des Pays-Bas, de
France, d'Allemagne, de Suisse, d'Autriche et de Monaco, entre autres.
L'exposition est accompagnée d'une publication en trois
langues (Fonds Mercator, Bruxelles, 2023) qui, outre le catalogue des œuvres
exposées, comprend des contributions sur l'importance de la nature morte dans
l'œuvre de James Ensor et sur l'histoire de la nature morte en Belgique.
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