sábado, 6 de octubre de 2012

EL ARMARIO DE LA CALLAS EN VALENCIA


Una muestra que ha viajado de Nueva York a Tokio pasando por México y Atenas reúne los vestidos y joyas de la soprano
Exposición en el Carme. El espíritu de María Callas llega a Valencia gracias a una exposición de sus vestidos y joyas. Lo hará dentro de la mano de ArtinGroup, del 15 de octubre al 15 de diciembre en el Centre del Carme. 
LEVANTE-EMV VALENCIA 
María Callas: una mujer, una voz, un mito reúne también fotografías, documentos inéditos, libros y cartas y llega a Valencia tras recorrer Nueva York, Atenas, Roma, Los Ángeles, Tokio o México. Para la directora de ArtinGroup, Sara Perez Roselló, "la muestra descubre un mito que no ha sido igualado en el mundo de la ópera ni de la música".
Callas, "la Divina", nació en Nueva York, se formó en Grecia y desarrolló la mayor parte de su carrera en Italia. Los registros de su voz, su técnica, y cualidades dramáticas la convirtieron en una de las cantantes de ópera de mayor renombre del siglo XX. Pero los escándalos de su vida personal, como su relación con el magnate griego Aristóteles Onassis eclipsaron en ocasiones sus logros artísticos.
Ambas facetas de la cantante están presentes en la exposición a través de las prendas que vistió en los teatros y las que lució en su vida privada. La mayoría de la ropa es de los años 60 y 70, ya que la cantante perdió unos cuarenta kilos de peso en 1953 y 1954, por lo que los vestidos anteriores a su cambio de imagen los quemó o los regaló a sus empleados para que los usaran como disfraces. 

Entre las piezas más llamativas sobresale el vestido granate que llevó en Tosca, de Puccini, en escenarios como el Covent Garden de Londres (1964), la Ópera Nacional de París o el Metropolitan de Nueva York (1965). También destaca el flamenco amarillo que llevó como Rosina en El barbero de Sevilla, de Rossini, en La Scala de Milán (1956); las diferentes tonalidades de verde para La Traviata, de Verdi, en Nueva York (1966); el turquesa para su última actuación en Londres (1974), o el rojo claro de la última vez que se subió a un escenario, en Tokio (1974). También se exhibe una delicada corona de pedrería y hojas de tela morada, diseñada por Christian Dior, con la que Callas adornó su cabello en una representación de Norma en París en 1965.


Un total de 21 vestidos valorados en más de dos millones de euros y decenas de joyas, tanto personales como usadas sobre el escenario, componen una exhibición que, en palabras de Sara Pérez Roselló , supone "un homenaje a un estilo de vida que hoy parece ya lejano". Entre las joyas destaca la corona que la diva lució en el filme Medea (1969), de Pier Paolo Pasolini, o las diademas que llevó en las óperas NormaTosca. A la presentación acudirá Ainhoa Arteta, que el 1 de diciembre, en San Miguel de los Reyes, realizará un recital homenaje. 




La exposición iba a contar con Bruno Tosi, presidente de la Fundación María Callas, pero tras una larga enfermedad el musicólogo falleció este mismo mes.



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viernes, 5 de octubre de 2012

JEAN PAUL GAULTIER INAUGURA SU EXPOSICION EN MAFRE



FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA LA EXPOSICIÓN
JEAN PAUL GAULTIER. UNIVERSO DE LA MODA: DE LA CALLE A LAS ESTRELLAS




FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado la exposición Jean Paul Gaultier. Universo de la moda: de la calle a las estrellas, que podrá visitarse en la Sala de Exposiciones de FUNDACIÓN MAPFRE, en el Paseo de Recoletos, 23, en Madrid.
La exposición, producida por el Musée des Beaux-Arts de Montréal (MBAM) en  colaboración con el Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE y La Maison Jean Paul Gaultier, es la primera muestra internacional dedicada al diseñador francés y aspira a ser un proyecto innovador que ilumine su figura, su obra y su influencia en el mundo. Podrá visitarse desde mañana sábado 6 de octubre hasta el 6 de enero de 2013.

Se trata más de una instalación contemporánea que de una retrospectiva y está compuesta por 110 modelos de alta costura y prèt-a-porter, más de 50 bocetos, piezas audiovisuales, extractos de desfiles y primeros diseños y fotografías, que dan testimonio de las arriesgadas e innovadoras propuestas que han marcado la trayectoria de Gaultier. Además, la muestra ofrece al público algunas obras inéditas, así como piezas de vestuario cinematográfico, debido a la estrecha relación del artista con el mundo del cine, la moda y la danza de nuestro país.

Jean Paul Gaultier ha sido definido como el “enfant terrible” de la moda y este calificativo se debe a la capacidad que ha tenido a la hora de fusionar la alta costura con el prè-a-porter y llevar el resultado a sus creaciones. La calle ha sido su fuente de inspiración y también su gran objetivo, ya que como todos los grandes, su gran deseo es mostrar en la pasarela creaciones que se “vistan, se vivan y se vean”. Esta muestra, que ahora puede visitarse en Madrid, arrancó en junio de 2011 en Montreal, pasando más tarde por el Dallas Museum of Fine Arts, el Young Fine Arts Museum de San Francisco. Posteriormente se presentará en la Kunsthal Rotterdam de Holanda (febrero-mayo de 2013), y en el Arkitekturmuseet de Estocolmo (junio-septiembre 2013).


Para ampliar los contenidos de la exposición y hacer accesibles sus contenidos al público en general, FUNDACIÓN MAPFRE ha desarrollado una página web monográfica sobre la misma. Desde la dirección www.exposicionesmapfrearte.com/jpg, los internautas podrán conocer la trayectoria del artista y sus obras más destacadas, realizar un recorrido virtual de alta calidad por todas las salas o escuchar los comentarios de los especialistas. Asimismo, se podrá consultar un extracto del catálogo y acceder a la información sobre los talleres y visitas a la muestra.

En la rueda de prensa, en al que se ha presentado la exposición, han participado Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura, el mismo Jean Paul Gaultier; y Thierry-Maxime Loriot, Comisario de la muestra y Director de Proyectos de Diseño y Moda en el Musée des Beaux-Arts de Montréal.

EL THYSSEN MUESTRA A LA PRENSA LA EXPOSICION DE GAUGUIN


'GAUGUIN Y EL VIAJE A LO EXÓTICO'
El Thyssen celebra su 20 aniversario abrazando las ensoñaciones de Gauguin
MADRID, 5 Oct. (EUROPA PRESS) -
   Para celebrar el 20 aniversario de su apertura, el Museo Thyssen ha organizado una de las muestras estrella de la temporada, 'Gauguin y el viaje a lo exótico'. Gauguin, padre de la modernidad y pintor "favorito" de la baronesa Thyssen, quien, en la presentación de la muestra este viernes, ha subrayado el esfuerzo de museo en tiempos de crisis, y sin patrocinadores, y ha asegurado que el Thyssen es uno de los museos "más completos del mundo".
   "Yo no quiero pintar realidades sino ensoñaciones", decía Gauguin y partió hacia Tahití, donde intentó reconquistar el primitivismo a través del exotismo. Y éste es el hilo conductor de esta muestra que, mediante una amplia selección de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX y más de un centenar de piezas, descubrirá de qué forma el viaje hacia mundos supuestamente más auténticos produjo una transformación del lenguaje creativo.
 La muestra, que será inaugurada el lunes 8 de octubre por los Reyes, ofrece al visitante los frutos de las exploraciones artísticas de Gauguin,Matisse, Kandinsky, Klee o Macke, entre otros, así como la impronta deGauguin en los expresionistas alemanes y los fauves franceses, poniendo así de manifiesto cómo Gauguin se alza como el creador de un nuevo canon exótico que sirvió de arranque de los lenguajes de la modernidad.
"VUELTA A EMPEZAR" PARA EL THYSSEN  
   Para Guillermo Solana, director del Museo Thyssen, esta institución pasa ahora, en su veinte cumpleaños, por una "segunda juventud" o incluso será una "vuelta a empezar" tras el abandono de Caja Madrid, y ha subrayado las ventajas de este viaje en solitario, que permitirá exposiciones "más cómodas" y escogiendo las piezas de mayor calidad. El director del Thysen le ha "dedicado" la muestra de Gauguin a la baronesa porque "no hay un ideal estético más cercano" y en él se aprecian sus "ensoñaciones".
   Por su parte, Paloma Alarcó comisaria de la exposición, ha resaltado el carácter de esta muestra que parte de dos grandes joyas que alberga el Museo Thyssen: "Mata mua' (Érase una vez) e 'Idas y venidas', ambas del pintor francés.
   Asimismo, y según Alarcó, la muestra pretende contar tres historias: en primer lugar la vida de Gauguin, un artista "radical" que viajó a la Polinesia en busca de nuevos paraísos y nuevas civilizaciones y la importancia del viaje en el contexto de la expansión colonial, y por último, el diálogo de Gauguin con el resto de los artistas.
   "Gauguin fue el primer viajero moderno", subraya Alarcó y destaca cómo este artista buscaba en los paraísos exóticos la huella de una civilización antigua y pura que no estuviera "bajo el corsé de la civilización occidental".
   El recorrido de esta muestra arranca con la obra de Eugende Delacroix, 'Mujeres de Artel en un interior', uno de los artistas pioneros en viajar al norte de África en busca de lo éxotico y precursor de una nueva manera de concebir el arte.
   A continuación, se aprecia el giro que sufrió la carrera de Gauguin, tras su paso por Martinica en 1887, que se plasma en el famoso cuadro 'Idas y venidas', Martinica.
   Y tras Martinica, llega Oceania, donde Gauguin se volcó en la representación de la deslumbrante naturaleza y de la cultura maori en proceso de desaparición. Hasta que el deterioro de su salud física y mental dio paso a un periodo en que sus composiciones se vuelven más oscuras, misteriosas y siniestras.
   Finalmente, en la última parte de la muestra, titulada 'El artista como etnógrafo'  se pone de manifiesto la nueva relación del artista con la etnografía para descubrir la "incomprensibilidad externa' como decía Víctor Segalen; es decir la extrañeza de sus costumbres, lenguaje o incluso sus rostros.

jueves, 4 de octubre de 2012

EL TEATRO REAL APUESTA POR LA ESTABILIDAD


· El rigor presupuestario no afectará a la calidad de la programación artística de la presente temporada
· El Teatro Real firma con sus trabajadores la modificación del convenio colectivo
Madrid, 4 de octubre de 2012– El Ministerio de Educación Cultura y Deporte aportará 8.771.283 euros al Teatro Real en 2013, un 33% menos que lo presupuestado para este año. Para contrarrestar esta reducción, el teatro incrementará sus esfuerzos para involucrar a la sociedad civil en la consolidación de su proyecto artístico.


Se mantendrá la rigurosa política de austeridad en los gastos de personal, de mantenimiento y contratación de producciones, a la vez que se desarrollará un ambicioso plan de medidas de autofinanciación.

Además de esta búsqueda de financiación privada, se multiplicarán los esfuerzos para alquilar a otros teatros las producciones propias del Real y se afianzará la política de coproducción con otros centros de ópera europeos, como se viene haciendo en los últimos años.
El Teatro Real ha llegado a un acuerdo con sus trabajadores para la firma de la modificación del convenio colectivo, lo que supone una mayor flexibilidad en la organización interna y una reducción de los costes de personal.
De cara al próximo año 2013 el Teatro Real apuesta por la estabilidad, tanto en el ámbito laboral como en la calidad de su programación artística.

Aportaciones de las administraciones públicas al Teatro Real en 2012:
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte 13.150.350 euros
Comunidad de Madrid 3.874.386 euros
Ayuntamiento de Madrid 941.851 euros

Aportaciones de las administraciones públicas al Teatro Real en 2013*
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte 8.771.283 euros
* Todavía se desconocen las aportaciones de la Comunidad y del Ayuntamiento de Madrid

miércoles, 3 de octubre de 2012

EXPOSICION, ENCUENTROS CON LOS AÑOS 30, EN EL REINA SOFIA




Vasily Kandinsky. Succession, 1935 © Vassily Kandinsky, VEGAP, Madrid, 2012


La década de los treinta fue un momento turbulento con el ascenso de los gobiernos totalitarios y la constante migración de artistas como parte del entorno social, económico y político que estuvo marcado por los sueños utópicos y la agitación del momento. Esta exposición aborda esta década basándose no solo en las narrativas propagandísticas (a pesar de que es una característica esencial de los treinta), sino en el hecho de cómo los artistas tuvieron que trazar su propio camino en un ambiente de creciente violencia.
Encuentros con los años 30 se estructura en seis secciones: realismos; abstracción; cultura expositiva: exposiciones internacionales; surrealismo; fotografía, cine y carteles; España: Segunda República, Guerra Civil y exilio. Un recorrido por una época convulsa a través de obras maestras de Kandinsky, Mondrian, Picasso, Rodchenko, Calder, Delaunay o Goya, y la oportunidad de descubrir documentos y obras inéditas en torno al Guernica y su contexto histórico.
Fecha: 3 de octubre de 2012 - 7 de enero de 2013 
Lugar: Parte I, Edificio Sabatini, Planta 1 y parte II en Edificio Sabatini, Planta 2, sala 206 
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E) 
Comisaria general: Jordana Mendelson 
Sección República, Guerra Civil y Exilio: Rosario Peiró y Manuel Borja-Villel (co-comisarios) 
Esta mesa redonda reúne al equipo curatorial de la exposición de Encuentros con los años 30, especialistas en distintos ámbitos, para examinar la encrucijada de un momento histórico determinante para repensar la historia del s.XX. El arte en 1930 se sitúa entre la catástrofe de la guerra y la tensión utópica de un mundo en colapso. La modernidad abandona la noción de autonomía por la búsqueda de la transformación e intervención en la realidad.
Fecha: 2 de octubre de 2012 
Hora: 17:30 h 
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 200 
Entrada: gratuita, hasta completar aforo

Efim Dzigan. Los marinos de Kronstadt (My iz Kronshtadta), 1936. Copia procedente de Arkeion Films, Francia. Derechos cortesía de Mosfilm Cinema


Este ciclo de cine, en diálogo con la exposición Encuentros con los 30, supone un recorrido exhaustivo por una década que define gran parte de los sistemas de producción, géneros y tipos de recepción del cine contemporáneo.
El título de la actividad cita de Walter Benjamin sobre la experiencia del cine en los '30, busca explorar distintas posiciones fílmicas que marcan el comienzo del proyecto político del documental, la vinculación entre vanguardia y cultura de masas y el nacimiento de la industria cinematográfica.
Tipo de actividad: ciclo de cine
Fecha: 4 al 31 de octubre de 2012
Hora: consultar programa en la página web
Lugar: Edificio Sabatini, Auditorio
Entrada: gratuita, hasta completar aforo
Comisariado: Karen Fiss


El proyecto, cuyo título hace alusión a una conocida afirmación del psiquiatra y psicoanalista Jacques Lacan, se compondrá de dos grupos de dibujos y acuarelas, uno dedicado a comparar el comportamiento entre el perro y el hombre, y otro centrado en la mutación del ser humano al alcanzar la vejez. La exposición incluye asimismo dos animaciones recientes, donde se trata de la cultura como ese regalo envenenado transmitido de padres a hijos, de la educación y la re-educación.

Fecha: 9 octubre 2012 - 25 febrero 2013 
Lugar: Edificio Sabatini, Sala de Protocolo y Espacio Uno

POR QUE IMPORTA LA ARQUITECTURA, EN IVORYPRESS




Presentación: 15 de octubre de 2012 a las 19:00 h
El acto contará con la presencia de:
           - Paul Goldberger, crítico de arquitectura
           - Norman Foster, arquitecto, presidente y fundador de la firma Foster + Partners
           - Luis Fernández-Galiano arquitecto y catedrático de Proyectos en la ETSAM
           - Elena Ochoa Foster, fundadora y directora general de Ivorypress
           

Lugar: Ivorypress C/ Comandante Zorita 48 (Madrid)
El próximo 15 de octubre, a las 19:00 h, Ivorypress Publishing House presentará el libro Por qué importa la arquitectura, de Paul Goldberger, el segundo volumen de la colección Ivorypress Essential. El acto contará con la presencia del autor; del arquitecto Norman Foster; del arquitecto y catedrático de Proyectos en la ETSAM, Luis Fernández-Galiano, autor del prólogo del libro; y de Elena Ochoa Foster, fundadora y directora general de Ivorypress.

Esta edición es la versión al castellano de Why Architecture Matters, un texto publicado en 2009 por Yale University Press en el que Goldberger pone de manifiesto cómo y por qué la arquitectura nos afecta tanto emocional como intelectualmente. La traducción de Jorge Sainz, en diálogo con el autor, ha enriquecido y matizado el sesgo más localista del texto original, dotándolo de un tono y un enfoque más universales.

Fiel a su prosa clara y concisa, Goldberger elabora un tratado en el que explica cómo la arquitectura no solo nos proporciona refugio, sino que configura de modo singular nuestra relación con el espacio y el tiempo. La arquitectura contribuye a construir lugares significativos que son portadores de nuestra memoria colectiva y que tienen, por todo ello, un profundo valor simbólico, cívico y ético. El volumen no es un trabajo de historia de la arquitectura, ni una guía de estilos arquitectónicos, ni un diccionario de arquitectura, si bien posee elementos de los tres.

El estilo de Goldberger, de convicciones tan eclécticas como firmes –tal y como señala Luis Fernández-Galiano en su prólogo– logra salvar la brecha entre las arquitecturas patrimoniales que son del gusto de casi todo el mundo y las de vanguardia, más difíciles de aceptar. “La seducción de la prosa de Goldberger ha de hallarse en su enraizamiento urbano y en su ausencia de dogmatismo, que le permite entrar en resonancia con el pulso de la ciudad”, explica Luis Fernández-Galiano. De este modo, Goldberger acerca al público profano los secretos de una disciplina que habita siempre en el umbral de la estética y la funcionalidad.

Paul Goldberger (Nueva Jersey, EE. UU., 1950) ha sido calificado por The Huffington Post como “la figura principal de la crítica arquitectónica”. Comenzó su carrera en The New York Times, donde en 1984 obtuvo el Premio Pulitzer en la categoría de crítica, la más alta distinción del periodismo estadounidense. Desde 1997 hasta 2011 fue el crítico de arquitectura de The New Yorker, donde escribía su conocida columna “The Sky Line”. Actualmente es colaborador deVanity Fair. Ocupa la cátedra Joseph Urban de Arquitectura y Diseño de The New School (Nueva York), universidad de cuya escuela de diseño y arquitectura, la Parsons, ha sido también decano.

Por qué importa la arquitectura 
es el segundo título de la colección Ivorypress Essential, en la que Ivorypress edita obras esenciales de reflexión en torno a disciplinas relacionadas con el arte contemporáneo. El primer volumen de esta colección fue Un oficio de locos. Editores fundamentales en conversación con Juan Cruz Ruiz, un libro que aborda el presente y el futuro de la industria editorial por medio de una selección de entrevistas a los editores mas emblemáticos de los siglos XX y XXI.

lunes, 1 de octubre de 2012

MUSICA EN LA FUNDACION JUAN MARCH DE MADRID


En horario matinal, en la
Fundación Juan March

ESTE MES DE OCTUBRE, CUATRO CONCIERTOS EN
“MÚSICA EN DOMINGO”
EL MISMO CONCIERTO SE REPITE AL DÍA SIGUIENTE, LUNES,  EN
“CONCIERTOS DE MEDIODÍA”
Una nueva orientación caracteriza desde octubre la “Música en Domingo” y los “Conciertos de Mediodía”, que organiza la Fundación Juan March (www.march.es, también Facebook y Twitter: @fundacionmarch), que también se celebran todos los domingos y lunes del mes, a las 12:00 horas, con el mismo programa e intérpretes: están eminentemente consagrados a presentar a jóvenes intérpretes que no superen la treintena. Así, estos conciertos aspiran a convertirse en una plataforma que proporcione más visibilidad a talentos emergentes que se hallan al comienzo de sus carreras profesionales.

En este mes de octubre se ofrecen tres recitales de violín y piano, y uno de canto y piano.

*El domingo 7 y el lunes 8 actúan la violinista Ana María Valderrama  y el pianista Luis del Valle e interpretan en este concierto Sonata para violín y piano en Sol menor, de Claude Debussy; Romanza andaluza, de Danzas españolas nº 3 Op. 22, de Pablo Sarasate; Sonata nº 3 en Do menor Op. 45, de Edvard Grieg; e Introducción y Rondo capriccioso en La menor Op. 28, de Camille Saint-Saëns
  
*El domingo 14  y el lunes 15, Javier García Aranda al violín y Charis Cheung, al piano, ofrecen Rondó KV 373, de Wolfgang Amadeus Mozart; Sonata nº 2 en La mayor Op. 100, de Johannes Brahms; Sonata para violín y piano Op. 119, de Francis Poulenc; Morceau de concours, de Arthur Honegger; y Fantasía para violín y piano, de Olivier Messiaen

*El domingo 21 y el lunes 22, la soprano Sandra Redondo y Paloma Camacho Acevedo al piano, ofrecen Frülingsglaube Op. 20 nº 2. D. 686; Im Frühling Op. 101 nº 1 D. 882; y Suleika I Op. 14 nº 1 D. 720, de Franz Schubert; O wüßt ich doch den Weg zurück Op. 63 nº 8; An eine Äolsharfe Op. 19 nº 5; y Die mainacht Op. 43 nº 2, de Johannes Brahms; In liebeslust S. 318; Freudvoll und leidvoll S. 280; y O quand je dors S. 282, de Franz Liszt; Clair de lune Op. 46 nº 2; y Après un rêve Op. 7 nº 1, de Gabriel Fauré; Deux romances; Romance; Les cloches; y Paysage sentimental, de Claude Debussy; Abril; y Maig, de Eduard Toldrà; y Bonita rama de sauce; y Pampamapa, de Carlos Guastavino