CONTROVERTIDA EXPOSICION DE ALEMANIA EN EL LOUVRE

Exposition De l'Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann

du 28 Mars 2013 au 24 Juin 2013

 

 

 

 

 

 Riche de plus de deux cents oeuvres, l’exposition propose une réflexion autour des grands thèmes structurant la pensée allemande de 1800 à 1939. Elle replace la production artistique et les artistes, de Caspar David Friedrich à Paul Klee, de Philipp Otto Runge à Otto Dix, dans le contexte intellectuel de leur création et les confronte aux écrits des grands penseurs, au premier rang desquels figure Goethe.

De la fin du XVIIIe siècle à la veille de la Seconde Guerre mondiale, l’histoire allemande est marquée par la constitution difficile de son unité politique dans le cadre de l’Europe des nations qui se met alors en place. Multiconfessionnelle, marquée par une discontinuité géographique, par un flottement dans ses frontières, par des contextes politiques et culturels très différents, voire antagonistes, l’Allemagne doit faire émerger l’unité sousjacente à l’ensemble des Allemands, de la Bavière à la Baltique, de la Rhénanie à la Prusse.

La notion de Kultur, concept hérité de la philosophie des Lumières, est apparue comme la plus susceptible de constituer le terreau sur lequel inventer une tradition allemande moderne. Si l’occupation napoléonienne a pu favoriser la prise de conscience de cette unité, fournissant l’arrière-plan politique aux premières expérimentations romantiques, la montée du nazisme, à l’autre bout du parcours  chronologique, a mis en évidence la dimension tragique de ce concept, sans pour autant réussir à  l’anéantir. L’exposition analyse la façon dont les beaux-arts, du romantisme à la Nouvelle Objectivité, ont pu participer à ce mouvement d’une grande liberté de composition et d’invention, toujours avide de réinventer une tradition allemande.

EL TEATRO EUROPEO Y DARIO FO PIERDEN A FRANCA RAME

EL PAIS CULTURAL   29 mayo 2013

La actriz, escritora y activista política ha fallecido esta mañana a los 84 años en su casa de Milán

La intérprete estaba casada con el dramaturgo italiano, con el que escribió decenas de obras

Había sido ingresada en abril debido a un ictus

Franca Rame, en el programa Canzonissima, en 1962. /MARIO DE BIAS (GETTY)

Aunque internacionalmente la vida de la actriz, escritora, periodista y dramaturga Franca Rame, fallecida esta mañana a los 84 años en su casa de Milán, ha estado siempre ligada a la de Dario Fo, hay que destacar que cuando ella le conoce él es pintor e incipiente actor, mientras que ella era una reconocida actriz de variedades.

De hecho fue actriz ya de bebé, cuando actuaba como recién nacida en la compañía teatral que tenía su familia. La intérprete había sufrido un ictus el pasado 19 de abril y había tenido que ser ingresada varios días. Esta mañana a las 8.50 ha tenido una crisis de la que no han podido sacarla los servicios de emergencia.

Rame nació en el pueblo de Parabiago (provincia de Milán) en 1929. Empezó con 20 años a trabajar en el teatro y a partir de de su boda con Dario Fo en 1954 se reinventa en el mundo de los escenarios. En 1958 fundó junto con su marido laCompañía Dario Fo-Franca Rame y desde entonces escribieron juntos decenas de obras y alcanzaron un éxito que compaginaron con la movilización política.

Quienes estuvieron cerca del dramaturgo y actor Dario Fo saben que la vida de Franca Rame ha estado ligada a él hasta el punto de que era una continuación de la de la suya. Quienes le conocen profundamente, saben que la vida de este hombre no tiene sentido sin su mujer. Él era el primero en dejarlo claro, hasta el punto de que cuando le concedieron el Premio Nobel en 1997 insistió hasta la pesadez en que quería recoger el galardón junto a Rame, argumentando que su obra no sería la que era sin la mujer con la que tantas obras había escrito. Una obra que el jurado de los Nobel premió “porque, según la tradición de los comediantes medievales, fustiga el poder y restaura la dignidad de los humildes. Con una mezcla de risa y seriedad abre nuestros ojos a los abusos e injusticias sociales”.

Franca animó a Fo a que el dinero del premio, en torno a unos 150 millones de pesetas, se utilizara para crear una fundación llamada El Nobel de los Desvalidos. Desde ese organismo llevaron a cabo acciones como la compra de autobuses para transportar discapacitados. Finalmente la aventura terminó mal porque Rame y Fo vieron que no se utilizaba el dinero en lo que ellos querían. No ocurría así cuando actuaban para recoger dinero que les permitiera a los obreros seguir con sus luchas. “Respaldamos la ocupación de las fábricas por varios meses y los empleados se mantenían con nuestra ayuda. La taquilla de cada noche era para comprarles arroz, vino, todo lo que necesitaban”, comentó Rame a sus compañeros de Remiendo Teatro.

Rame, trabajó ininterrumpidamente con Fo desde 1957 y a partir de 1959 con su compañía estable representan Los arcángeles no juegan a las máquinas de petaco (1959), Tenía dos pistolas con los ojos blancos y negros (1960), Quien roba un pie es afortunado en amores (1961),Isabela, tres carabelas y un charlatán (1963), Settimo ruba un po' meno(1964), La culpa siempre es del diablo (1965), La signora è da buttare(1967)

En 1963 participa en Canzonissima, programa en el cual, también junto a Fo, representan varias escenas que denuncian las irregularidades del sistema político; sin embargo, el programa es censurado y ellos prefieren interrumpirlo para no tener que silenciar sus ideas: a partir de entonces y durante más de veinte años, la pareja no aparecerá nunca en la televisión. Pero sí se convirtieron durante décadas en azote de los poderosos y sobre todo de la Iglesia, el ejército, la policía represiva y Berlusconi. De hecho fueron procesados cuarenta veces por delitos de opinión y las peores consecuencias de aquella persecución las sufrió Franca Rame. Cuando representaban Aquí no paga nadie en la Palazzina Liberty de Milán, Franca fue secuestrada por un grupo de extrema derecha y fue violada brutalmente, llegando a romperle el brazo y dejarla con múltiples e importantes heridas. Ocurrió en los años setenta, en una época en la que su reivindicativa obra fue emulada en la vida real por grupos de mujeres que asaltaron supermercados. El juicio que hubo para castigar ese delito prescribió. Al lado de ese escándalo, que en 1980 les negaran la entrada en Estados Unidos por tener contactos con una organización que apoyaba a presos políticos suena a poco.

A partir de 1968 el matrimonio crea un colectivo teatral independiente que girará por Italia en los circuitos de teatro alternativos con sus propios textos. Ella no sólo fue su compañera durante más de medio siglo, también era la musa, su actriz de cabecera, su representante y coautora de muchas de sus piezas. También escribió textos sobre la condición femenina como Tengamos el sexo en paz, Pareja abierta o La madre pasota, algunos de ellos escritos conjuntamente con Fo. Rame siempre sostuvo que las gentes de la cultura tenían la obligación de manifestarse: “No pueden quedarse cruzados de brazos, no deben esconderse. No está permitido a los intelectuales, que se consideren como tales, mostrarse indiferentes”.

Sobre su relación con Fo afirmó en una entrevista: “Desde hace más de cincuenta años vivimos juntos, de la mano vamos y a veces, a patadas, como sucede en cualquier familia que se respete, pero nos hemos querido mucho”. En esa misma entrevista con Remiendo Teatro afirmó: “Comencé a actuar a los ocho días de nacida, en los brazos de mi madre. Soy una hija del arte. Lo he hecho todo. Yo no escogí la profesión, me encontré metida en ella, y cuando he comprendido que podría haber hecho mejores cosas en la vida, era ya una señora anciana. Sigo en esta profesión porque a través ella puedo difundir los discursos en los que creo. A mí, ser actriz por ser actriz no me interesa, me interesa el discurso político que hago circular”. La pareja tuvo un hijo: Jacopo, escritor y periodista, del que se representa estos días en el Teatro de Bellas Artes de Madrid La terapia definitiva(basada en la obra Cerebros verdes fritos), interpretada y dirigida por Fernando Cayo.

En España son muchos los profesionales que han puesto en pie obras de la pareja o de Rame, siempre traducidas por Carla Matteini, biógrafa de Fo. Al margen de las escritas sólo por Fo, los textos de Rame han sido puestos en pie por profesionales de la escena como Juan Margallo y Petra Martínez (están haciendo en estos momentos La madre pasota), Magüi Mira, Emilio Hernández, Ángel de Andrés (Pareja abierta), Charo López y José Carlos Plaza (Tengamos el sexo en paz), y muchos muchísimos monólogos, de ella, a veces firmados con Fo, que han sido interpretados por grandes actrices como Esperanza Roy, Rosa María Sardá, Anabel Alonso y muchas otras.

Rosana Torres

CINE Y DIPLOMACIA EN LA CASA ARABE

TEATRO CONTEMPORANEO ARGENTINO

EMMET GOWIN EN LA FUNDACION MAFRE DE MADRID

FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado ayer, 28 de mayo, la exposición de fotografía “Emmet Gowin”, que podrá verse hasta el 1 de septiembre en la sala Azca (Avda. General Perón, 40).

La exposición, con cerca de 180 obras, constituye la más amplia retrospectiva del norteamericano Emmet Gowin y se trata de la primera muestra que se realiza en España de uno de los fotógrafos más originales e influyentes de los últimos 40 años.

Dentro de la selección de obras de la muestra se exponen las fotografías aéreas realizas por Gowin sobre tierras andaluzas, que han sido creadas para la ocasión. Emmet Gowin comenzó una licenciatura en Artes Gráficas en Richmond. Se apasionó por muy diversas manifestaciones artísticas y cultivó con entusiasmo el dibujo y la pintura. Sin embargo, no tardó más que unos meses en darse cuenta de que era la fotografía el medio que mejor le permitía incorporar el azar y lo inesperado, con las ilimitadas posibilidades creativas que esto implica.

Sus primeras influencias fotográficas las recibió a través de libros y catálogos de grandes nombres como Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Eugène Atget o Walker Evans. Pero tan sólo dos años después de empezar a trabajar con su primera Leica, una cámara de 35 mm adquirida en 1962, Gowin se planteó la necesidad de crear su propio estilo.

EUGENIJ ONEGIN TEATRO REGIO TORINO

Quando si parla di Tchaikovskij si immaginano pagine di delicata poesia musicale, soffuse da una nebbiolina che cela, velandole, le più profonde intimità. Il grande compositore russo ebbe una vita travagliata e sofferta e questo vissuto ha acuito in lui la capacità di analisi, composizione e comunicazione. E’ difficile restare insensibili all’ascolto di una sua musica, così come è impossibile non restare coinvolti dalle luci ed ombre della vicenda di Puskin, degli inesorabili destini dei protagonisti raccontati con straordinarie pagine musicali. EUGENIJ ONEGIN - Teatro Regio – Torino 18 Maggio 2013 Nuovo allestimento in coproduzione con Royal Opera House Covent Garden, Londra e Opera Australia QUELLO CHE VORREMMO E QUELLO CHE NON VORREMMO ESSERE La visione concettuale di Kasper Holten è senza dubbio la cifra che in positivo fa la differenza rispetto ad altre messe in scena dell’Onegin’ La rappresentazione dell’alter ego che agisce per conto del personaggio e che da questi viene osservato sovente con prudente timore se non angoscia è il plus della significativa lettura. Ottime le scelte di evitare i didascalici campi di grano,sostituiti da pennellate nello stile di Van Gog, e frequenti quanto inutili cambi di scena; apprezzabile invece l’idea di lasciare di volta in volta sul palco un elemento dalla scena precedente a dare il senso della continuità della vicenda e dell’impossibilità di liberare il ricordo con la cancellazione dello stesso; l’esasperazione di questa scelta non si limita ad abbandonare sul palco la sedia rotta, l’anta divelta o i libri, ma addirittura il corpo di Lenskij dopo l’uccisione in duello. Lenskij vive e muore attraverso il tenore russo Aleksej Tatarintsev che tratteggia con sicurezza ed efficacia e con piacevole timbro. L’avversario e dissoluto Onegin è validamente interpretato da Vladislav Sulimskij, mentre Tat'jana, figlia di Larina è il soprano Radostina Nikolaeva che raggiunge livelli di drammaticità intensa esaltata dal bel colore della voce; Iryna Zhytynska è l’interessante contralto che fa vivere Olga. Aleksandr Vinogradov è il giovane basso che riceve il maggior numero di ovazioni per la resa vocale, attraverso la potenza ed il profondissimo colore scuro gestito con possenza e sapiente tecnica, ancor chè traspaia una bella dote naturale. Bravi anche tutti gli altri interpreti ed i mimi. Un plauso al coro ed al suo direttore Claudio Fenoglio. Gianandrea Noseda –anche direttore musicale del Teatro Regio- sta al podio come le note al rigo, ovvero un tutt’uno! Si percepisce il suo amore per la dolcezza della scrittura di Pëtr Il'ič Čajkovskij che in quest’opera sovente lascia il passo al vigore drammatico e Noseda sa cogliere e trasferire questi momenti in estasi simbiotica rilucente della maestosità poetica che cattura nella musica. L’emozione si trasforma in commozione e la magia del teatro musicale avvolge menti e spiriti per carpirli e trasportarli al più lontano degli impalpabili orizzonti. La Musica vince sempre. Renzo Bellardone

PASOLINI Y ROMA HISTORIA DE AMOR

Barcelona acoge una gran exposición sobre la relación del cineasta y la ciudad

La muestra del Centro de Cultura Contemporánea reivindica la figura del director

Jacinto Antón. Barcelona

 Pasolini, en una imagen de la exposición inaugurada ayer en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). / CONSUELO BAUTISTA

El joven efebo levanta la pierna y exhibe el sexo ante los visitantes. Es una réplica de uno de los cuatro muchachos de bronce de la Fontana delle tartarughe, la Fuente de las tortugas, de la Piazza Mattei de Roma. Recién llegado a la capital, Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-Ostia, 1975) escribió de esas esculturas “relucientes, locamente brillantes” que “penetran la noche con su desnudez”. Ahora el chaval está situado encima de unas vitrinas en las que se muestran elocuentes cartas del escritor y cineasta sobre su homosexualidad. Jovencito y misivas son parte de la extraordinaria exposición Pasolini y Roma inaugurada ayer en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y consagrada a mostrar las profundas relaciones entre el creador y la ciudad, entendidas como una verdadera historia de amor, y a reivindicar la figura de uno de los grandes intelectuales de la Europa de la segunda mitad del siglo XX.

“Roma no es un decorado en la vida y la creación de Pasolini sino absolutamente central”, señaló ayer Alain Bergala, comisario con Gianni Borgna y Jordi Balló de la exposición. “Fue un encuentro pasional con todas las fases de la relación amorosa, el rechazo, la pasión, el desamor, el reencuentro. La relación de Pasolini y Roma nos habla de todo lo que constituye la esencia de Pasolini: la amistad, el sexo, el amor, la poesía, el cine y el análisis político. Pasolini fue transformado por Roma y a la vez transformó el imaginario de la ciudad”.

Borgna, que fue amigo de Pasolini (“una persona gentil, paciente, con gran vocación pedagógica, empeñado en el diálogo y el razonamiento, de opiniones fuertes, duro en el juicio pero sin alzar la voz”), recalcó que Roma es “la metáfora de su trayectoria”. Lo recordó como “poeta filósofo” y destacó su coraje intelectual y su empeño en decir la verdad. “Pasolini está vivo, aún nos habla con su desesperada vitalidad”.

La exposición (hasta el 15 de septiembre) es una operación cultural de inmenso calado, un proyecto europeo originado en el CCCB y al que se han sumado la Cinématheque Française de París, el Palazzo delle Esposizioni de Roma y el Martin-Gropius-Bau de Berlín (lugares donde se verá luego la exhibición). Es virtualmente imposible explicar en toda su extensión el abrumador contenido de la muestra, de una riqueza documental que deja boquiabierto, y llena de sorpresas y detalles emotivos. En la sala de exposiciones del centro barcelonés se exhiben dibujos de Pasolini (entre ellos sus famosos autorretratos), obras de arte (hay un De Chirico), cartas, originales de sus escritos, el story board de Accattone, su primer filme (1961); fragmentos de películas, grabaciones sonoras, fotografías (algunas familiares y muy íntimas, como las de su hermano Guido, muerto como partisano en 1945) y objetos (su Olivetti lettera 22).

Entre lo muchísimo a destacar, las cartas originales cruzadas con Godard, las tristísimas que escribió tras la ruptura con su actor fetiche y amante Ninetto Davoli, el gran amor de su vida (“Ninetto è finito”), En un monitor aparece un joven Bertolucci explicando la anécdota de su primer encuentro con Pasolini (con el que luego se iniciaría en el cine como ayudante de dirección de Accattone): Pasolini iba a visitar a su padre, Attilio Bertolucci, afamado poeta, y Bernardo ¡lo confundió con un ladrón!

La exposición marca un itinerario cronológico, desde la llegada de Pasolini y su madre a Roma en 1950 en tren (se accede a la exhibición por un espacio oscuro que sugiere un túnel), una verdadera huida tras la denuncia en Ramuscello, en su Friuli natal, de haberse dejado masturbar por un jovencito en una fiesta campestre, y el escándalo subsiguiente que le supuso que le dieran por derecha e izquierda y la expulsión del Partido Comunista de Italia (PCI). En Roma, empieza el idilio con la ciudad por lo más bajo: el subproletariado de las borgatas, los suburbios, la sexualidad libre e inmediata de los chavales del arroyo, los santos inocentes marginados, el lenguaje romanesco... un mundo que nutrirá su vida y su creación.

Seguiremos a Pasolini en su ascenso entre la intelectualidad romana, sus amistades (Laura Betti, Fellini, la Callas, Moravia), sus amores, sus primeras películas, las grandes producciones, los numerosos procesos, hasta su asesinato, aún no esclarecido, en noviembre de 1975 junto a la playa de Ostia. Una muerte que, recalca la exposición, privó al mundo de un artista en pleno auge creativo. “Dentro de una viva luz: manso, violento revolucionario/ en el corazón y en la lengua. Un hombre florecía”.

EL PAIS CULTURAL

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/05/22/actualidad/1369250350_715659.html

RICCARDO MUTI DIRIGE DON PASCUALE EN EL TEATRO REAL

Compositor: Gaetano Donizetti. Dirección musical: Riccardo Muti. Dirección de escena: Andrea de Rosa. Escenografía: Ítalo Grassi. Figurines: Gabriella Pescucci. Reparto: Eleonora Buratto, Nicola Alaimo, Alessandro Luongo, Dmitry Korchak, Davide Luciano. Orquesta Giovanile Luigi Cherubini. Coro Titular del Teatro Real, dirección: Andrés Máspero. 19 de mayo, 2013.

Mucho se estaba haciendo esperar el director napolitano Riccardo Muti en el imaginario del público del Real, que contaba en un primer momento de la programación, verlo ofrecer otra obra de Saverio Mercadante, La rappresaglia, de la misma manera que el año pasado tuvo la batuta de su I due Figaro. Vino para solo cuatro representaciones.

Donizetti, sin embargo, no defraudó y es un antiguo compañero de viaje del maestro frecuentador de la ciudad y el Festival de Ravenna. La eterna historia, habitual sobre todo en los siglos XVII y XVIII sobre el noviazgo forzoso del viejo y la doncella avispada, vuelve aquí de la mano de un compositor ya maduro y extenuado, que dejó como legado más de setenta partituras.

Norina, es un rol femenino lleno de coraje y entusiasmo, bien dibujado por Eleonora Buratto, que tiene una voz más que agradable y acertada para este papel. Adecuados Nicola Alaimo, un buen actor además, en un personaje poco agradecido como es lógico (la juventud siempre triunfa, sobre todo en estos tiempos procelosos), igual que Alessandro Luongo en Malatesta y el tenor ruso Korchak, algo cuestionado.

El coro dirigido por Máspero siempre permitir comprobar que sigue en un puesto de honor en las veladas operísticas, sean cuales sean los desafíos y las incongruencias en la escena o en la dirección musical.

Andrea de Rosa se inspiró para la dirección escénica en los famosos cuentos del Decamerón, de Giovanni Boccaccio y Gabriella Pescucci es muy conocida en su entorno y su métier.

La orquesta Cherubini suena bien y seguro podrá ir mejorando hacia la performance que se espera y se desea de ella y extrae buenas semillas de la paleta musical y psicológica del Don Pasquale y de su inefable director.

Así es que Muti es un talento que siempre cumple con las expectativas que origina y es un lujo tenerlo dirigiendo en la capital, aunque no hubo, según el departamento de comunicación del coliseo madrileño una rueda de prensa para todos, sino, como sucede a menudo, para los happy few (y por voluntad del propio maestro italiano, prensa dixit).

De modo que los cronistas que no pertenecen a los grandes rotativos o las revistas especializadísimas, se quedaron sin poder escucharlo y disfrutarlo en vivo y recogieron aquí y allí algunos de sus comentarios, siempre conocidos, aunque igualmente esperados. El maestro no tiene fama de ser muy accesible ni de estar disponible a todas horas para sus numerosos seguidores ni para los medios informativos. Se reserva, se concentra y da lo mejor de sí mismo en las funciones, en lugar de prodigarse por los salones del foro. Y además el público, incondicional, siempre agradecido, aplaude, como esta vez muchísimo las representaciones donde actúa como mago oficiante.

El mes que viene el Wozzeck de Alban Berg alejará de nuevo al público del Real de sus amados y reconocibles autores y artistas italianos, siempre refrescantes, luminosos y seductores. Pero la próxima temporada estarán otra vez de vuelta. ¡Menos mal!

Alicia Perris

DIOR ET L`IMPRESSIONNISME

L’exposition Impressions Dior est organisée par l’association

« Présence de Christian Dior » et présentée dans le cadre
du festival Normandie Impressionniste 2013

 

 

 

 

 

 

 

Dior et l’impressionnisme

L’exposition Impressions Dior, organisée par le musée Christian Dior dans le cadre du festival normandie impressionniste, invite à la découverte d’images et de sensations inédites qui explorent les relations liant l’univers de la haute couture au mouvement impressionniste. Ce musée, ancienne maison de famille du couturier, dressée sur une falaise, face à la mer, appartient à ces paysages caractéristiques de la côte normande qui ont fourni tant de motifs à la peinture impressionniste.

 

 

 

Christian Dior, dans sa jeunesse, a contemplé les horizons maritimes immenses et parcouru le jardin dessiné avec sa mère, orné de parterres fleuris,

d’une pergola, d’une roseraie et de pins maritime

La peinture impressionniste s’inspire d’une diversité semblable de paysages normands, composée de la douceur bucolique de vues rurales opposée à la vivacité des éléments fluides que sont le ciel, le vent, la mer, les marées.

Les créations Dior présentées

dans l’exposition Impressions Dior portent la trace de cet élan fondateur originel qui sera réinterprété par les successeurs de Christian Dior.

 

Dans Impressions Dior, une sélection comprenant plus de

soixante-dix robes, une centaine d’accessoires et documents,

une cinquantaine de photographies, un ensemble d’une vingtaine de tableaux, dessins, aquarelles et photographies, suggère des liens esthétiques, formels ou thématiques entre la mode et l’art. une conversation intuitive s’engage entre la haute couture et l’impressionnisme, grâce à des prêts du musée d’orsay, du musée marmottan monet, du musée des arts décoratifs,du palais Galliera –musée de la mode de la ville de paris, et

de collectionneurs privés, venus s’ajouter aux collections de Christian Dior et du musée Christian Dior.

 Les prêts du musée de normandie, à Caen, des musées de vire et du vieux-Granville
achèvent d’inscrire la sélection des œuvres dans le parcours du festival normandie impressionniste.Avec la révolution impressionniste, les artistes installent

leurs chevalets en plein air et prennent la nature pour modèle. 

1947, Christian Dior conçoit sa révolution du « new Look » sur l’image de la femme-fleur, cherchant à exprimer dans ses robes

l’harmonie de la nature. robes aux couleurs du ciel et de la mer,

robes en fleurs et semis répondent aux tableaux de Claude monet, auguste renoir, edgar Degas ou berthe morisot.

 La silhouette du « new Look » profile une ligne sinueuse, aux jupes amples comme une corolle ou étroite comme la tige d’une fleur.

Les couleurs, les imprimés et les broderies des robes évoquent « les champs de fleurs chers à

  renoir et à van Gogh »qu’affectionnait Christian Dior.

 

 

L’hymne à la beauté féminine est un autre sujet que partage la peinture impressionniste avec la haute couture. Dans des scènes de boudoir, de visite chez la modiste, de promenade ou

de bal, Degas, manet ou renoir saisissent l’image fugitive de la séduction féminine. en robes, chapeaux et lingerie fine, Dior traduit sur le mode contemporain l’esprit des élégances du temps de l’impressionnisme. Défilent alors les silhouettes réinterprétées

des crinolines du Déjeuner sur l’herbe de Claude monet, des robes à tournure de marie bracquemond ou des tenues à faux-cul des promeneuses d’Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte   Georges seurat. Le goût pour l’impressionnisme se traduit,chez Dior, jusque dans des hommages rendus aux grands maîtres

de ce mouvement artistique et par l’évocation des danseuses

de Degas, de l’arlequin de Cézanne ou des parisiennes de Toulouse-Lautrec ou de Manet

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EN PROPIA VOZ BARBARA HENDRICKS

Sinopsis

En la década de 1950, la sociedad americana no ofrecía muchas oportunidades a una niña negra, sin apenas dinero para zapatos, nacida en una de las regiones en la que los de su raza estaban privados de casi todos los derechos que tenían los blancos. Sin embargo, Barbara Hendricks, que creció al tiempo que cobraba fuerza el Movimiento por los Derechos

Civiles en Estados Unidos, supo convertir todo aquello en una ventaja para vencer el miedo y seguir adelante. En propia voz son las memorias de la bitácora vital de aquella niña negra que con su tesón y el extraordinario talento de su voz logró cambiar su destino hasta convertirse en la soprano más admirada de su generación.

IVORYPRESS EN MASQUELIBROS, LA FERIA DEL LIBRO DE ARTISTA DE MADRID

Inauguración: Viernes 17 de mayo a las 12:00 h
Abierta al público: Del 17 al 19 de mayo de 2013 (entrada libre)

Lugar: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid  c/ Hortaleza, 63 (Madrid) Stand 12

Entre los días 17 y 19 de mayo, Ivorypress participará en la segunda edición de MASQUELIBROS, la feria del libro de artista de Madrid. Esta será la primera vez que Ivorypress está presente en esta cita, para mostrar publicaciones y libros de artista —tanto de sus propias ediciones como de proyectos de otras editoriales y artistas, nacionales e internacionales.

Los libros de artista son la seña de identidad de la editorial y librería de Ivorypress. Desde su fundación en 1996, el libro,la edición en papel y la creación contemporánea se combinan para dar forma a una amplia gama de proyectos editoriales.

En el stand de MASQUELIBROS Ivorypress presentará ejemplares de su serie LiberArs, colección de libros de artista de pequeño formato de autores como Richard Long,Anselm Kiefer, Jannis Kounellis o Santiago Sierra. Uno de los últimos volúmenes publicados es La jalousie de Cristina Iglesias, una edición de 300 copias numeradas y firmadas por la artista que estará disponible en la feria.

Junto a estos títulos también se mostrará Becoming: Images of Building of Beijing’s Air Terminal 3 del artista y arquitecto chino Ai Weiwei, representado por Ivorypress Space en España. Con un formato que evoca el tradicional álbum de fotos chino, el libro recoge fotografías de la construcción de la nueva terminal aérea de Pekín, la mayor estructura cubierta del mundo. Editado por Ivorypress, también incluye entrevistas con el autor y con el arquitecto de la terminal, Norman Foster.

Otra de las singulares apuestas de Ivorypress en MASQUELIBROS serán los libros pop-up de artista, como los de la japonesa Chisato Tamabayashi, que explora la forma y potencial del papel. También podrán encontrarse libros pop-up de otra artista japonesa, Kaho Kojima, que además impartirá un taller sobre este tipo de publicaciones los días 14 y 15 de junio en Ivorypress Bookshop.

ROBERT MAPPLETHORPE EN LA GALERIA ELVIRA GONZALEZ

La Galería Elvira González inaugura el 23 de mayo la segunda exposición en la galería del fotógrafo norteamericano Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946 – Boston, 1989).

En esta ocasión, la muestra constará de 32 obras realizadas entre 1980 y 1989. La selección se compone de varias piezas inspiradas en las formas y fragmentos del cuerpo humano, especialmente desnudos masculinos y retratos de una de sus modelos más habituales, Lisa Lyon. Asimismo, entre las obras expuestas se encuentran varias fotografías de formas vegetales, animales y objetos que plantean contrastes de luz y geometrías sugerentes, uno de los elementos distintivos de su trabajo artístico.

 

La obra de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, se inicia en Nueva York a finales de los 60. Sus primeras fotografías de principio de los años 70, casi siempre en polaroid, captaban el entorno más cercano al artista reflejando un mundo underground de marcado acento homoerótico. Mapplethorpe también realiza collages con fotografías utilizando en ocasiones como soporte el lienzo con impresión fotográfica.

A comienzos de los años 80 se produjo un cambio en su obra, evolucionando hacia el refinamiento y la acentuación de la belleza clásica en sus imágenes. A esta época se deben sus desnudos masculinos y femeninos tratados como esculturas, retratos convencionales de artistas y personajes famosos, y naturalezas muertas con flores.

Aunque ocasionalmente trabajó con color, Mapplethorpe se entregó a la elegancia minimalista de la fotografía en blanco y negro. Asimismo, continuó ampliando los límites de la fotografía incorporando nuevos formatos y técnicas a su obra, desde fotografías en blanco y negro sobre placas de gelatina y plata hasta fotograbados, platinotipias sobre papel y tela y cibachrome con dye transfer.

 

Las flores de Mapplethorpe, al igual que sus retratos, están cuidadosamente dispuestas, combinando siempre formas curvas y fálicos tallos, mostrando así una cruda sexualidad. Sus juegos de luz y sombra en la composición relacionan la fotografía con el placer y lo erótico.



 

La muestra, que podrá visitarse en la Galería Elvira González hasta el próximo 19 de julio, forma parte del Festival Off PHotoEspaña 2013.