sábado, 16 de junio de 2012

CHRISTINE SCHÄFFER, POR FIN, EN EL ESCENARIO DEL REAL TEATRO REAL - 20 DE JUNIO


La cantante alemana interpretará uno de sus éxitos más aplaudidos: Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg

El Teatro Real ha querido cerrar su ciclo de las Noches del Real con una de las sopranos de mayor proyección internacional del momento: Christine Schäffer. La alemana, quien ya estuvo a punto de cantar en el mismo escenario en marzo de 2007 -pero que canceló por enfermedad-, interpretará junto a la orquesta austriaca Klangforum Wien obras de Ravel, Stravinski y Schönberg, tres compositores para los que la voz de la alemana, según la crítica, se ajusta a la perfección. Y es que estos autores son parte esencial de su extenso repertorio, especializado tanto en música contemporánea como en barroca.


 De hecho, en 2006 recibió el premio de la crítica Estrella del Festival de Salzburgo, por sus interpretaciones  de Cherubino y Doña Anna de Mozart, así como el elogio de los espectadores por su capacidad para las cantatas de Bach y sus papeles en Lulu de Berg, Der Rosenkavalier de Strauss y Alcina de Haendel, entre otros.  Otros reconocimientos que también ha tenido han sido Cantante del Año 2006 por la revista Opernwelt, la medalla al orden del mérito de la República Federal de Alemania (2008) y candidata a la Academia de de las Artes de Berlín (en  200).

Para llegar a estos reconocimientos, Schäffer estudió con algunos de los mejores maestros del momento: Ingrid Figur, con la que se inició en el mundo de la música, Artleen Augér, Dietrich Fischer-Dieskau, Sena Jurinac y Aribert Reimann, compositor con el que debutó en 1988 en el Festival de Berlín interpretando su obra Nachtträume. Ahora es habitual de teatros y certámenes de Europa, América del Norte y Japón, donde ha cosechado el favor del público gracias a su claridad de emisión, su límpida sonoridad y la luminosidad de su timbre.
En el concierto del día 20 de junio, Christine Schäffer interpretará en la Sala principal del Teatro Real, Trois poèmes de Stéphane Mallarmé, de Maurice Ravel, Trois poèmes de la lyrique japonaise, de Igor Stravisnki, y su ya conocido éxitoPierrot Lunaire, de Arnold Schönberg, del que grabó una versión dramatizada bajo la dirección de Pierre Boulez para DVD.

EL MUSEO EBRAICO DI BOLOGNA (ITALIA), UNA REFERENCIA HABITUAL PARA ESTA CRONISTA, CONTINÚA CON SUS NUMEROSAS OFERTAS PARA EL VERANO 2012.


u 24 giugno | 6 settembre, ore 21.30
MEB estateduemiladodici
NIGGUN ALE KANAF
la tradizione musicale ebraica delle culture del Mar Nero
concerti e visite guidate
Cortile del Museo Ebraico, via Valdonica 1/5 - Bologna
Le serate del MEB estateduemiladodici, organizzate dal Museo Ebraico di Bologna nell’ambito della rassegna estiva del Comune di Bologna “BèBolognaEstate2012”, costituiscono ormai un vero e proprio punto di riferimento nell’estate bolognese e lo spirito, l’identità e in particolare la qualità delle proposte artistiche da sempre ne decretano il successo.
Anche quest’anno il programma sarà incentrato su alcuni eventi musicali, nei quali l’ensemble Klezmerata Fiorentina interpreterà in modo creativo la tradizione musicale ebraica delle culture del Mar Nero, e su alcune visite guidate al Museo e ai luoghi ebraici di Bologna, che offriranno l’opportunità di conoscere la storia dell'insediamento ebraico a Bologna, individuandone i luoghi, le vicende, i protagonisti, l’apporto culturale.


Tre gli appuntamenti musicali con Klezmerata Fiorentina, ensemble fondato dal maestro Igor Polesitsky, nato dalla sintonia di alcuni solisti, prime parti, dell’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, che dedica questa rassegna all’indagine delle diverse tradizioni della musica ebraica e delle reciproche influenze con le altre tradizioni musicali contigue, come quelle presenti nell’area del Mar Nero. Negli ultimi anni, Klezmerata Fiorentina ha presentato con successo vari programmi in Italia, in Europa, Giappone, Stati Uniti e Russia. L’impegno costante e l’approfondito lavoro di ricerca del gruppo hanno destato l’interesse e meritato appoggio di alcune delle più note personalità della musica classica mondiale.Nella prima serata, domenica 24 giugno, Le parole della musica. Musica strumentale yiddish tra interpretazione e ascolto, il maestro Polesitsky, con il suo violino e la fisarmonica di Francesco Furlanich, intratterrà il pubblico con melodie e ritmi di danza originali della tradizione Klezmorim dell’Ucraina del sud sotto la dominazione turca. Polesitsky tra i brani musicali illustrerà le radici di questa musica che prende origine in gran parte dalle contaminazioni subite dai musicisti invitati a suonare in varie comunità ebraiche presenti nell’area del Mar Nero e del Mediterraneo durante il periodo dell’Impero Ottomano.


Mercoledì 27 giugno, La musica delle parole. Il canto ebraico sul crocevia dei Tre Imperi. Nella seconda serata della rassegna i Klezmerata Fiorentina con la cantante Cristina Zavalloni propongono una selezione di canti ebraici sul crocevia dei Tre Imperi. Estremamente vario ed eccitante, questo materiale musicale è influenzato dalle tradizioni balcanica, zigana, turca, ucraina e, naturalmente, Yiddish, che, tutte, hanno coabitato, nel corso dei secoli, su estesi territori lungo le coste del Mar Nero.
Mercoledì 4 luglio Suonando tra Odessa e Istanbul. Le musiche per i santi danzanti e i peccatori pensierosi. Terza ed ultima serata, vero momento clou della rassegna, i Klezmerata Fiorentina di Polesitsky suoneranno insieme all’ensemble del violinista marocchino Jamal Ouassini. Attraverso l’esecuzione di brani musicali provenienti sia dall’area della tradizione hassidica che da quella arabo-mediterranea si metteranno in evidenza le radici comuni delle diverse tradizioni musicali.  


Le visite guidate al Museo e ai Luoghi Ebraici di Bologna offrono l’opportunità di conoscere la storia dell'insediamento ebraico a Bologna, individuandone i luoghi, le vicende, i protagonisti, l’apporto culturale, anche attraverso lo sviluppo di alcuni temi quali: l'insediamento, le attività principali, i luoghi di culto, le festività e i riti legati al ciclo della vita. Un percorso affascinante dal XVI secolo ad oggi alla scoperta della presenza ebraica a Bologna, ben compenetrata nel tessuto sociale cittadino e che, nonostante periodi di elisione e di allontanamento, è ancora una tradizione viva e attuale.
Le visite guidate, a cura di Franco Bonilauri e Vincenza Maugeri, toccheranno di volta in volta aspetti diversi della cultura ebraica e si svolgeranno secondo un ricco calendario nei giorni:
28 giugno, 5-12-19-26 luglio, 23 e 30 agosto, 6 settembre 2011.
Tutti gli appuntamenti avranno inizio alle ore 21.30 e saranno ad ingresso libero

jueves, 14 de junio de 2012

THE WALL ART FAIR


Foire internationale d’art contemporain, 1ère édition
La Sucrière, Lyon
27 - 30 septembre 2012
The Wall Art Fair a été voulue et créée par les fondateurs de Docks Art Fair, foire internationale d’art contemporain qui se tient tous les deux ans à Lyon, lors de la semaine inaugurale de la Biennale d’Art Contemporain.

La première édition de The Wall Art Fair aura lieu à Lyon du 27 au 30 septembre 2012. Foire au concept innovant et totalement hors-normes, The Wall Art Fair est destinée à voyager et s’implanter sur d’autres places et scènes artistiques dynamiques comme Madrid, Bruxelles, Turin, Londres et plus encore, tout en revenant tous les deux ans à Lyon, en alternance avec Docks Art Fair.

martes, 12 de junio de 2012

EN IVORY PRESS, SE ACABA DE INAUGURAR LA EXPOSICIÓN REVELACIONES. HISTORIA DEL LIBRO EN LATINOAMÉRICA.


Una vez más, el espacio de arte y librería que dirige Elena Ochoa, ampliamente conocida en España por su emblemática participación en una programa de la televisión española que hizo época y su vinculación al mundo de la arquitectura londinense, por su relación con el arquitecto Norman Foster, se explaya en una muestra original y representativa de otros lenguajes y manifestaciones culturales.
“Ivorypress acoge a partir del 5 de junio la exposición Revelaciones. Historia del fotolibro en Latinoamérica, en la calle Comandante Zorita 46, de la capital, con un montaje innovador que muestra una selección de fotolibros publicados desde 1920 a la actualidad en once países latinoamericanos.

Estas obras, que apenas habían tenido difusión pública hasta el momento, han salido a la luz a través de la investigación coordinada por Horacio Fernández, historiador del arte y comisario de la muestra.

Los fotolibros están obteniendo cada vez mayor reconocimiento en la historia de la creación artística, como uno de los medios idóneos para la publicación de series fotográficas. La edición de fotolibros en América Latina, desde el origen de esta práctica artística ha sido muy intensa, pero no estaba apenas documentada. Ante este hecho, se detectó la necesidad de realizar una investigación que permitiera catalogar y redescubrir los excelentes fotolibros publicados en el continente en el último siglo, muchos de ellos auténticas obras de arte.

La bu
́squeda se llevó a cabo a lo largo de cuatro años en bibliotecas públicas y privadas, tiendas de segunda mano, bases de datos bibliográficas, archivos y colecciones en ambos lados del Atlántico. El coordinador Horacio Fernández contó para ello con el apoyo de un comité de trabajo, compuesto por los fotógrafos Marcelo Brodsky, Iãta Canabrava, Pablo Ortiz Monasterio y Martin Parr, así como por el editor Ramón Reverté.

Fruto de dicha investigacio
́n, en 2011 se publicó El fotolibro latinoamericano, volumen en el que está basada la exposición. La obra, editada en castellano por la Editorial RM, en inglés por Aperture Foundation y Televisa Foundation, en portugués por Cosac & Naify y en francés por Images en Manœuvres no solo permite profundizar en cada fotolibro y fotógrafo individualmente, sino también en las polivalentes historias sociales, políticas y artísticas de América Latina.

La exposicio
́n, que podrá visitarse en Ivorypress hasta el 14 de julio, recoge decenas de ejemplares originales de fotolibros representativos editados en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, México, Nicaragua, Perú y Venezuela. Obras de figuras de la fotografía como Martín Chambi, Claudia Andújar, Alexis Pérez Luna, Paolo Gasparini o Paz Errázuriz, forman parte de la selección expuesta. Además la muestra incluye impresiones de época, maquetaciones originales, proyecciones y copias digitalizadas. Los libros se presentan agrupados en cinco secciones temáticas: libros políticos, libros de artista, ensayos fotográficos, paisaje urbano y, por último, literatura y fotografía”.

Esta exposicio
́n de fotolibros, con la que Ivorypress participa en el Festival Off PhotoESpaña, fue mostrada al público por primera vez en Le Bal (París) en enero de 2012. Tras su paso por Madrid, continuará su itinerancia por la Fundación Aperture (Nueva York), el Istituto Moreira Sales (Río de Janeiro), el Istituto Moreira Sales (São Paulo) y el Museo del Libro y de la Lengua (Buenos Aires).

domingo, 10 de junio de 2012

POPPEA E NERONE, EN EL TEATRO REAL: MONTEVERDI ET CAETERA.

Respondiendo a una petición del Teatro Real, Philippe Boesmans vuelve a orquestar L’incoronazione di Poppea, de Claudio Monteverdi, creando Poppea e Nerone. Monteverdi revisitado por Krzysztof Warlikowski, uno de los más osados directores de escena de la actualidad. Prólogo teatral con la colaboración especial del escritor Jonathan Littell.

El estreno mundial tendrá lugar el próximo día 12 de junio, siguiéndole 10 funciones más, hasta el día 30 de junio. El compositor belga Phillipe Boesmans vuelve a orquestar la obra maestra  de Monteverdi, 30 años después  de la primera versión, con una orquesta más reducida y un lenguaje más depurado.
Krzysztof Warlikowski sitúa la acción de la ópera en una imponente universidad, en la que convergen todos los protagonistas de la trama, concentrada en un único día. El prólogo de Krzysztof Warlikowski, Christian Longchamp y Jonathan Littell se inspiró en obras de Michel Foucault, Thomas Hobbes, Christopher Isherwood y Derek Jarman.
El equipo artístico de esta producción presentó en el Teatro Real, con gran éxito, El caso Makropulos, de Janacek, en 2008, y de Krol Roger, de Szymanowski, en la pasada temporada.
El reparto, encabezado por Nadja Michael (Poppea), Charles Castronovo (Nerone), Maria Riccarda Wesseling (Ottavia) y William Towers (Ottone) actuará con la prestigiosa orquesta Klangforum Wien.

Poppea e Nerone tendrá una duración aproximada de 4 horas.
La ópera será retransmitida en directo por Radio Clásica, de RNE, el día 19 de junio.
Para los menores de 30 años están disponibles, el mismo día de la representación, las Entradas de Último Minuto, con un 90% de descuento en todo el aforo del teatro.

Poppea e Nerone, versión del Teatro Real

En los dos manuscritos que se conocen de L´incoronazione di Poppea -el de Nápoles y el de Venecia—, la ópera figura solamente con la parte vocal y un acompañamiento harmónico de tres voces (dos superiores y el bajo). La  ausencia de la partitura para orquesta implica que se tenga que crear una versión instrumental cada vez que se interpreta la ópera.

La orquestación se puede realizar con criterios historicistas, como la de William Christie y Les Arts Florissants presentada en el Teatro Real en 2010,  o se puede optar, como en el caso de Philippe Boesmans (1936) por crear una escritura instrumental más libre, que utiliza la riqueza tímbrica y harmónica de los instrumentos modernos y también antiguos para reforzar la fantástica dramaturgia musical de la partitura original, en la que cada protagonista tiene un lenguaje único que lo caracteriza.
Esta libertad interpretativa, impulsada por el propio Claudio Monteverdi  (1567-1643) se hace extensiva, en el Teatro Real, a todo el equipo artístico, encabezado por Krzysztof Warlikowski, que ha decidido concentrar la trama de la ópera en apenas 24 horas, ahondando en las cuestiones éticas y filosóficas que plantean los personajes, con la ayuda de textos de la antigüedad clásica y también obras de Michel Foucault, Thomas Hobbes, Christopher Isherwood y Derek Jarman.
La obra maestra de Monteverdi, escrita a los 75 años de edad, abandona por vez primera los temas mitológicos para abordar un drama histórico lleno de pasiones exacerbadas y sanguinarias luchas por el poder, tratadas con asombrosa naturalidad, pinceladas de humor y disimulado desencanto.
En esta ópera, considerada la más erótica del siglo XVII, ningún personaje se salva de las intrigas, maquinaciones y vicios del imperio romano, expresando sus sentimientos más puros, sus veleidades, sus delirios o su furor con el increíble poder evocador y enfático de la música de Monteverdi, que nace del excelente libreto de Giovanni Francesco Busenello.
El compositor prescinde del coro, de las danzas y de la fragmentación del discurso musical entre las varias secciones (recitativos, arias, ariosos, canciones, ensembles, etc.), optando por un genial continuum vocale, que exalta la melodía cantada y transita de una a otra de estas secciones con sutil agilidad.


Para dar vida a la nueva orquestación de Philippe Boesmans el Teatro Real invitó a la prestigiosa agrupación Klanforum Wien, que ha estrenado más de 500 y tiene en su haber 70 grabaciones discográficas.
Sylvain Cambreling, que trabaja estrechamente con esta orquesta, y que en el Teatro Real dirigió San Francisco de Asís y, en esta temporada, Pelléas et Mélisande, será el encargado de dirigir la nueva creación, con la ayuda de un nutrido número de solistas, en que destacan: Nadja Michael (Poppea), Charles Castronovo (Nerone), Maria Riccarda Wesseling (Ottavia) y William Towers (Ottone), Williard White (Seneca), Ekaterina Siurina (Drusilla) y Lyubov Petrova (Virtud / Palas).

Información del Teatro Real.

jueves, 7 de junio de 2012

DELICIOSO RECITAL DE JANE BIRKIN EN EL INSTITUTO FRANCÉS DE MADRID. UNA COMPAÑÍA ÚNICA PARA LA PRIMAVERA (“SERGE GAINSBOURG AND JANE VIA JAPAN”. INTERNATIONAL TOUR 2011-2012)


El sábado 19 de mayo, algunos no nos lo podíamos creer: Jane Birkin, aquella musa extravagante, con pinta de chica ingenua, que seducía a Serge Gainsbourg en esa interminable canción (que luego fue una película) “Je t´aime moi non plus”, nos ofrecía su esplándida madurez vocal y personal para retrotraernos a unos años-hace mucho tiempo- en que fuimos felices. Y tal vez jóvenes. Aunque la juventud no sólo es cuestión de cronología.

Birkin fue desgranando en el precioso y acogedor teatro del Instituto Francés canción tras canción de Gainsbourg, acompañada por un grupo de músicos japoneses, para recordar al mundo que la catástrofe nuclear del país asiático, todavía debe ser tenida en cuenta y apoyada con una reconstrucción económica, de ayuda moral, a escala planetaria.
Coincidiendo casi con este recital, que nos desveló una Jane Birkin siempre refrescante, siempre frágil en apariencia, colosal en su verdadera profundidad vital, vimos en España hace pocos días una película suya, construida a partir de recuerdos domésticos de la cotidianeidad con el inefable Serge.

Jane enamorada, embarazada, feliz. Gainsbourg disfrutando de la vida de todos los días con sus grandes amores en diferentes lugares de Francia, en Venecia, a donde volvían con frecuencia y luego la llegada de la pequeña Charlotte, también actriz y cantante de enorme talento hoy.
Una vuelta al pasado que tiene un presente y un futuro que pasa además por el recital que dará la hija de los dos artistas en Madrid este verano.
La cantante nos regaló un fin de semana vibrante, emocional, cálido. Es posible que Gainsbourg, desde alguna otra dimensión más o menos real, más o menos fantaseada, siguiera el recital de su compañera, con la devoción y la admiración de los que nos dejamos seducir por la gracia luminosa de Birkin.
No cantó- helàs!- La Javanaise, porque esa canción Serge se la había dedicado a otra. Al final de la velada alguien, a la salida, la iba tarareando en voz alta para consolarse.
El texto que sigue- publicado en ocasión de la película que el director Sfar le dedicó hace un tiempo, la evoca y vuelve a recordar al músico y poeta.






GAINSBOURG, COMO ESCRIBISTE EN “LA JAVANAISE” PARA JULIETTE GRECO, TE QUEREMOS  MUCHO MÁS QUE EL TIEMPO DE UNA CANCIÓN, SERGE

Este francés judío universal, hijo de padres rusos que emigraron huyendo del comunismo para encontrarse con la estrella amarilla de los nazis y otras catástrofes, tiene ahora su película biográfica, de la mano de Joann Sfar (1971), conocido y exitoso creador de cómics, como el “Gato del rabino”.


Mitómano, lúdico, alcohólico y sensual, onomatopéyico, juguetón con el lenguaje y sus dobleces, fumador empedernido, inmenso, cardíaco terminal, carne de leyenda. Así fue Gainsbourg y así aparece retratado en esta cinta, que recuerda para los jovencitos y ancianos desmemoriados, este personaje escandaloso y provocador antes que las “boutades” y la pornografía se pusieran de moda y morbo, que se zambulló en la “gauche caviar” antes de que ésta hiciera “blin blin”, que recorrió paisajes describiendo círculos concéntricos para retornar siempre al comienzo de su propia historia.


Abanderado de causas perdidas al fin ganadas, muerto de no sé cuántas viudas ilustres, pintor, cantautor, pianista de cabaret, genio reconocido y más que amado entre las sombras de un universo canalla, la golfería y el éxtasis, otro Serge, Karganski, de “Les Inrockuptibles” dice del film que “es un biopic ultrapersonal, elegante y chispeante…”.
Gainsbourg, transformado en su otro yo borgiano y superyoico, Gainsbarre, dijo de sí mismo que era “un triángulo de alcohol, Gitanes y mujeres”. Cuántos hubieran pagado para ser tu cuadrilátero, mon ami.
Hito vital y estético de varias generaciones, compositor de canciones de Eurovisión (“Poupée de cire, poupée de son”) y otras no aptas para todos los públicos o moralistas resfriados, censurada en España como “Je t´aime, moi non plus”, eras, como tú habías escrito, “Un hombre con cabeza de nabo”.

Devoto de Boris Vian y de la noche, mentor de Brigitte Bardot, de France Gall, se te unieron al carro de la mala vida Catherine Deneuve, Françoise Hardy, Isabelle Adjani, Vanesa Paradis y tantas otras.
Autor de una versión reggae de La Marsellesa, esa propuesta musical escandalizó a la derecha tradicional de siempre, que tuvo que ver cómo te comprabas finalmente por un dinero obsceno el manuscrito del himno patrio.
Cuatro películas y la banda sonora de casi 40, entre ellas “Madame Claude” y “Goodbye Emmanuelle”. 

Descubrió mucho antes que nosotros, el sexo en el avión y Tailandia. En 1975 “Rock around the bunker” se transformó en una diatriba contra el nazismo aunque su trabajo más influyente es para algunos “Histoire de Melody Nelson” (1971), basada en la Lolita de Nabokov.

Tuvo cuatro hijos, Lulú, la famosa Charlotte (actriz y cantante), Paul y Françoise con tres mujeres diferentes e hizo de Jane Birkin una de sus banderas. A su entierro acudieron aparte de una marea llorosa de mujeres, Jack Lang, Johnny Hallyday y otros ministros y el presidente Mitterrand dijo de él: “Era nuestro Baudelaire y llevó la canción a la categoría de Arte”.
Los lugares que habitó y lo llenaron siguen intactos, como inmensos paseos de nostalgia para desheredados del afecto, su casa, 5 de la Rue Verneuil, el Liceo Condorcet donde estudió poco y mal, Montmartre y sus tabernas, la Place du Tertre, Maxim´s y Chez Régine, el Hotel Raphael y su último apeadero en el cementerio Montparnasse.



Un halo de creatividad y de desastre lo persigue después de muerto, porque la actriz que representó a la Birkin en la película, se suicidó poco después de terminarla, con 29 años.
Es lógico que Gainsbourg, eterno mujeriego inefable, escribiera sin complejos con esa lucidez que lo caracterizaba: “Cuando se tiene, como yo tengo, el alma doblada en plan feto, hace falta provocar para que se descontraiga”. 

ALICIA PERRIS

martes, 5 de junio de 2012

MASADA SIGUE SIENDO COSMOPOLITA

Nancy Fabiola Herrera será Carmen en el Festival de Masada (Israel) dirigida por Daniel Oren

Esta semana la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera vuelve a Tierra Santa para cantar uno de sus personajes favoritos, Carmen, de Bizet. Será en el espectacular marco del Festival de Masada, en pleno desierto israelí frente al Mar Muerto, y dentro de la programación operística que cada año organiza la Israeli Opera con grandes montajes líricos; en 2010, más de 42.600 personas pudieron disfrutar de Nabucco y el año pasado más de 45.000 lo hicieron con Aida. Bajo la batuta de Daniel Oren, Nancy Fabiola Herrera se hará cargo de tres funciones -incluida la inauguración del Festival el 7 de junio- en una monumental producción que dirigirá escénicamente Giancarlo del Monaco y con vestuarios del también español Jesús Ruiz.

Nancy Fabiola Herrera es en la actualidad una de las intérpretes más destacadas del panorama lírico internacional. Su referencial interpretación de la protagonista de Carmen la ha llevado a actuar en teatros y festivales como el Metropolitan Opera de Nueva York, el Covent Garden de Londres, Arena de Verona, Quincena Musical de San Sebastián, Termas de Caracalla, Ópera de Los Angeles y en las ciudades de Tokyo, Tel Aviv, Dresde, A Coruña y Jerez de La Frontera, entre otras, papel que en noviembre de 2011 debutó en la Deutsche Oper de Berlín, en febrero de 2012 en Las Palmas de Gran Canaria y que próximamente, en enero de 2013, cantará en la Bayerische Staatsoper de Múnich. (Elena Putinati de Fidelio Artist).

Masada es un lugar muy especial, vivo siempre en la memoria del pueblo judío, donde también, aparte del recuerdo, se realizan conciertos.
El año pasado reseñé para la revista Raíces, la vivencia otra vez de Masada, “ocupada” esta vez por la voz fulgurante de David Broza. Este es finalmente el artículo que puede leerse a continuación, donde dos grandes cantantes comparten escenario.
MASADA SE DEJA CONQUISTAR POR LA MUSICALIDAD UNIVERSAL DE DAVID BROZA
En una noche de fin de año en Bruselas, mientras circulábamos como locos dentro de un taxi que nos llevaba desde la Grande Place hasta el Atomium, el taxista, que había empezado a festejar con alcohol el 31 de diciembre antes de tiempo, exclamó, en medio de una conversación algo inusual: “Tienen que escuchar a David Broza, es el mejor”. Y acentuaba la “a” final como todos los francófonos, a pesar de que parece que Broza es un apellido de origen extremeño. En medio de la noche, casi a oscuras, busqué un papelito y lo apunté y lo guardé en el billetero. Allí me acompañó todos estos años.
Y así fue como descubrí antes de escucharlo, a este cantante israelí cosmopolita, trashumante, seductor y plural.
La suerte habitual que me suele acompañar en los viajes hizo que me encontrara con su DVD en la librería de Yad Vashem, en Jerusalem, donde estaba becada y a donde solía recalar en busca de un poco de oxígeno entre las clases que nos abrían los misterios desalentadores de la Shoah.
La grabación prometía. Broza, guitarra en mano, todo de negro, saludaba desde la portada con el desierto de Judea al fondo. David Broza en Masada. De esta forma se juntaban dos mitos, dos leyendas, de estas que cada día visten y adornan el imaginario social, lo que un profesor del curso de Holocausto llamó, no sin picardía, “el consciente colectivo”, haciéndole un guiño a Jung.

Masada me devuelve el perfume del amanecer, el mío propio, el mismo que Broza enarbola con una música deliciosa, hispanizante, entre la rumba que recuerda la variedad catalana de Peret y los padres fundacionales de la música anglosajona como John Coltrane, Sonny Rollins o Miles Davis. Porque hay en Broza un cantante americano y español que canta en hebreo, en inglés y un andaluz suave y resultón que calienta la sangre, la que hace bailar sin parar a su público en medio de la noche, esa gente que lo escucha de pie, sin inmutarse, mientras en Masada va abriéndose paso el sol entre la música, la nostalgia y las largas sombras errantes del Mar Muerto. La magia envolvente de la noche amplifican la arqueología consagrada de Yigael Yadin y un presente histórico que no acaba nunca. Masada es así.

En 1977, con 22 años, cuenta en la grabación, Broza registró su primera canción y desde entonces, el periplo ha sido largo y proteico. Creció en Inglaterra, desde su Haifa natal, vivió varios años en Madrid y se fue a cumplir el servicio militar en Israel. Su abuelo, Wellsley Aron, había fundado el movimiento juvenil Habonim y al asentamiento árabe-israelí (Oasis de paz) Nevé Shalom. En 1995, de vuelta a la Península, el músico conecta con los trabajos de Lluis Llach, Donovan, George Moustaki, Víctor Manuel o Leonard Cohen.
“Raquel”, una de sus melodías, fue utilizada como cabecera para una serie de televisión española. A menudo navegante en utópicos proyectos humanitarios, ha sido embajador de buena voluntad de UNICEF porque el deseo y los proyectos de paz para Oriente Medio lo preocupan y lo ocupan desde hace muchos años.
Su guitarra, tan española, rezuma una virilidad judía que descentra el karma del desierto, rompe el equilibrio zen de la noche que se rinde al amanecer con lentitud, mientras Broza desgrana una canción tras otra, solo o acompañado por sus músicos y cantantes. Se vuelven muy sensuales y desgarradas, contagiosas,  “Noche en Masada”, “Como tú” (con todo el aroma antiguo de Paco Ibáñez), “Un ramito de Violetas” de Cecilia, “Isla Mujeres”, “Haifa”, “Tiempo de trenes” o “La mujer que yo quiero” de Serrat.
Abrazado a su guitarra como a una mujer hermosa le hace el amor con avaricia, como si fuera la última vez o la primera.
Rumbea y el público se deja llevar escuchando su música familiar y cercana,  esas improvisaciones suyas que hace con un instrumento que es a la vez, una voz, la percusión y sus quimeras.
Callan el Camino de la serpiente o el de la Roca Blanca que trepan a Masada para escuchar mejor la música. Vagan emocionados los fantasmas de Eleazar ben Ya´ ir y su eterno oponente Lucio Flavio Sila. Relucen los frescos de los baños de Herodes, las termas, los pergaminos perdidos y los ostraca mudos a la distancia, mientras le sirven a Broza de resonancia las montañas de Moab.
Emocionado, escribe: “He estado haciendo el concierto del amanecer desde 1993. Desde ese momento entramos en contacto la “montaña” y yo. Cada año es un desafío y siempre da la sensación de que se vive “la experiencia de la vida”. El efecto del calor en una noche de verano, la marea humana que converge en el lugar y la “odisea” de la actuación, llevan a la audiencia y al artista a la vez, a nuevos horizontes inolvidables”.
Alicia Perris