LE VENT. « CELA QUI NE PEUT ÊTRE PEINT ». MUMA-LE HAVRE

Donner forme à l’invisible : tel est le défi immémorial auquel le vent a confronté les hommes. C’est aux solutions que ceux-ci ont apportées à ce paradoxe que l’exposition Le vent. « Cela qui ne peut être peint » est consacrée, en s’attachant plus particulièrement aux formes plastiques élaborées par les artistes au fil des siècles, au fur et à mesure que la compréhension de ce météore se fait plus précise.

Le parcours dévoile 170 œuvres, peintures, dessins, estampes, photographies, vidéos, verres, etc. de l’Antiquité à la période contemporaine car il faut en effet attendre l’invention du cinéma, seul capable de capter le mouvement dans sa durée, pour que le vent ne soit plus suggéré par son image fixée.

L’exposition réunit plus de 100 artistes dont Dürer, Goya, P.H. de Valenciennes, Hiroshige, Hokusaï, le baron Gérard, Turner, Corot, Hugo, Daumier, Millet, Nadar, Boudin, Daum, Monet, Renoir, Gallé, Steinlen, Anquetin, les frères Lumière, Sorolla, Vallotton, Vlaminck, van Dongen, R. Dufy, Arp, Man Ray, Lartigue, B. Keaton, Brassaï, Gilbert Garcin, Alexandre Hollan, Bernard Moninot, Corinne Mercadier, Philippe Favier, Éric Bourret, Jean-Baptiste Née...

Comment « cela qui ne peut être peint » qui, « en combinant inconsistance et invisibilité, échappe à l’imitation directe et excède le territoire assigné à la représentation », peut-il prendre forme ? C’est peut-être au travers des réponses présentées ici que l’on découvrira qu’« en peinture, le vent apparaît miraculeusement, telle une épiphanie figurative, pour prouver la souveraineté absolue de l’art » (Pascale Dubus).

Commissariat :

Annette Haudiquet, directrice du MuMa

Jacqueline Salmon, photographe

Jean-Christian Fleury, critique d’art

http://www.muma-lehavre.fr/fr/expositions/le-vent-cela-qui-ne-peut-etre-peint

LUCIAN FREUD: THE PAINTER AND HIS FAMILYFOR THE FIRST TIME IN ITS HISTORY, THE FREUD MUSEUM LONDON EXPLORES THE WORK OF LUCIAN FREUD.

In the centenary year of British painter Lucian Freud (1922-2011), the Freud Museum stages its first ever exhibition of the great artist’s work.

Lucian (left) with his father Ernst Freud and brothers Clement and Stephen Gabriel, c. 1930. © The Lucian Freud Archive. All Rights Reserved 2022 / Bridgeman Images. Collection of the Freud Museum London

Lucian Freud: The Painter and His Family is the first exhibition of Lucian Freud’s work in the home of his grandfather, Sigmund Freud, and aunt, Anna Freud. The exhibition features paintings, drawings, family photographs, books and letters. These works are drawn from galleries and private collections, the Museum’s archives and members of Lucian Freud’s family. Some of the items have never, or very rarely, been seen in public before.

Lucian Freud’s impact and influence on cultural history is undeniable. Like his grandfather, Sigmund, who revolutionised the way we understand the mind, Lucian affected the history of 20th century art. Migrating from surrealism to realism and often using family and friends as his subjects, Lucian’s work’s evolved over a 60-year career.

The exhibition explores Lucian Freud’s childhood, family and friends. It celebrates some lesser known aspects of his life. These include his love of reading and lifelong fascination with horses, as well as his relationships with the former occupants of 20 Maresfield Gardens. Alongside Lucian Freud’s paintings and drawings, the exhibition includes illustrated childhood letters, books he owned and book covers he designed. His sole surviving sculpture, Three-legged Horse (1937) and early painting, Palm Tree (1944), is also be displayed.

The exhibition is accompanied by a vibrant programme of public events. An outreach programme includes specially constructed exhibition visits and art workshops for families and groups in the local community.

Curated by Martin Gayford

https://www.freud.org.uk/exhibitions/lucian-freud/

LA NOCHE DE JOSEP CARRERAS. FESTIVAL DE PERALADA. 3 de agosto.

 Josep Carreras es una leyenda de la lírica. Sus actuaciones están siempre marcadas por la elegancia y la maestría que desprende el tenor en cada una de sus actuaciones. A lo largo de su extensa y exitosa carrera, ha cantado en los coliseos y festivales más importantes del mundo y ha colaborado con los más prestigiosos directores de orquesta, además de con destacados directores de escena. Para este festival, Carreras es uno de los artistas más admirados y estimados.

Josep Carreras es el protagonista de una de las noches más mágicas de la historia del Festival, cuando protagonizó la noche del 13 de agosto de 1988 un concierto que significaba su retorno a los escenarios, justo después de salir victorioso de su lucha contra la leucemia. El concierto lo retransmitieron cuarenta cadenas de televisión, que ofrecieron al mundo entero la imagen de un espectáculo histórico.

En Peralada también debutó con el papel de Samson en el Samson et Dalia de Saint-Saëns. Son ya legendarios los conciertos de Los Tres Tenores ofrecidos por Josep Carreras y sus compañeros Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, seguidos por miles de millones de espectadores de todos los continentes, que crearon un impacto sin precedentes en el mundo de la lírica. Entre las múltiples facetas de este gran artista, también es conocido por su labor humanitaria.

 Desde 1988, y junto con sus actividades profesionales, preside con extrema dedicación y entusiasmo la Fundación Internacional Josep Carreras por la Lucha contra la Leucemia, establecida en Barcelona y con sedes en los Estados Unidos, Suiza y Alemania.  Esta fundación es hoy, sin duda, una de sus prioridades más importantes. Josep Carreras vuelve a subirse al escenario con la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu bajo la batuta de David Giménez para celebrar juntos la carrera de uno de los tenores más amados de nuestro país.

SUGERENTE CONCIERTO CON CUARTETO DE CUERDAS Y SOLISTA CON ORCHESTRE HELIOS EN IGLESIA S. GERMAIN DES PRES, DE PARIS

La abadía de San Germán de los Prados1​ (en francés, abbaye Saint-Germain-des-Prés) fue una antigua abadía benedictina de París, la más prestigiosa de la capital, situada en el actual VI Distrito de París (en el barrio al que da nombre, Saint-Germain-des-Prés), fundada a mediados del siglo VI por el rey merovingio Childeberto I y el obispo de París, san Germán, bajo la advocación de san Vicente de Zaragoza y la Santa Cruz. Era una abadía real, que por lo tanto se beneficiaba de una exención y estaba directamente sujeta al papa.

31 de julio, Iglesia Saint Germain des Pres.

 PROGRAMA:

Grupo de cuerdas Orchestre Helios.

Obras de Albinoni, Bach, Schubert, Vivaldi, Monti y Massenet.

Juventud, ambición, eclecticismo, la Orchestre Helios, fundada en 2014 ofrece una gran diversidad de programas, del repertorio barroco al contemporáneo.

Esta formación otorga importancia tanto a lo sinfónico como a lo coral, en una voluntad expansiva y con atención a las diferentes regiones.

Su director, Paul Savalle, está comprometido con la inserción profesional de sus músicos en la práctica orquestal, permitiendo a los jóvenes instrumentistas diplomados foguearse con músicos de probada experiencia.

Las cuatro estaciones (se oyeron El verano y el Invierno) son un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta (cada uno está dedicado a una estación: La primavera, El verano, El otoño y El invierno) del compositor italiano Antonio Vivaldi siendo la obra más conocida del autor.

Compuestos alrededor del año 1721, proporciona uno de los ejemplos más tempranos y detallados de lo que después se llamaría música programática o descriptiva, música con un elemento narrativo. Por ejemplo, el «Invierno» está pintado a menudo con tonos oscuros y tétricos: por el contrario, el «Verano» evoca la opresión del calor, reproduciendo incluso una tormenta de verano en el último movimiento.

Zardas para violín (o mandolina) y piano es una pieza de concierto rapsódica del compositor italiano Vittorio Monti (1868-1922) escrita en 1904. Se basa en una zarda folclórica húngara.1​ Originalmente fue compuesta para violín o mandolina y piano. La duración de la pieza es de aproximadamente cuatro minutos y medio.

"Méditation" es un intermezzo sinfónico de la ópera Thaïs del compositor francés Jules Massenet. La pieza está escrita para violín solista y orquesta. La ópera se estrenó en la Opéra Garnier en París el 16 de marzo de 1894.

Con varios repertorios que se alternan, así como los músicos que tocan en varios conciertos en diversos lugares, la estrella de la velada fue el solista Romuald Grimbert-Barré.

No solo destaco por su técnica, dulzura y seguridad en la ejecución, muy limpia, sino además en la capacidad para liderar a otros 3 violines y un chelo que acompañó sabiamente un repertorio muy conocido y escuchado.

Se puede escuchar muy a menudo este repertorio en el violín y el chelo de los hermanos Capuçon, Renaud y Gautier, respectivamente.

Compatible además y respetuoso para ser interpretado en un lugar sagrado, habitualmente visitado por fieles del barrio y muchos turistas.

Una importante labor de difusión y aprendizaje para músicos y público, que esa noche eligió la paz y la espiritualidad de este concierto a celebrar cenas y copas en uno de los barrios más "branchés" y festejados de Paris.

Se salva con estas veladas el espacio estival de música clásica en una capital que en temporada, esta profusamente atendida en ópera y repertorios clásicos, con teatros de renombre y especialistas conocidos.

Una idea brillante y para disfrutar también con niños, ya que padres y abuelos los llevaron a una propuesta agradable que duro poco más de una hora.

El público aplaudió entusiasmado un espectáculo de calidad y entrega musical. Enhorabuena a todos. Es importante que lugares santos y de recogimiento, sublimen también la música y la belleza en un precioso marco de encuentros.

Alicia  Perris, desde Paris

GIANLUIGI TROVESI, GIANNI COSCIA – STRESA FESTIVAL 2022- HOLTEL REGINA 28 LUGLIO

L’attesa era quella di ascoltare musica sul cocuzzolo di Montorfano di Mergozzo in un paesaggio lacustre, bucolico e ricco d’arte religiosa! Le previsioni metereologiche hanno scombussolato tutti i piani, prevedendo la pioggia...che poi è effettivamente arrivata  e quindi il concerto è stato spostato nelle sale dell’Hotel Regina Palace di Stresa dove comunque ha vinto la Musica di qualità.

Come si legge nella presentazione del concerto a cura del Festival stesso, La misteriosa musica della Regina Loana, è il titolo proposto  per il lavoro ispirato dall’avventura concertistica in solitudine di Gianni Coscia e dedicato alla grande figura di Umberto Eco, amico fraterno del fisarmonicista alessandrino e collegato a filo doppio con il libro dello scrittore La misteriosa fiamma della Regina Loana che è appunto diventato per Coscia La misteriosa fisarmonica della regina Loana. Questo omaggio viene ora presentato in una splendida e imperdibile occasione speciale, che diventa sottotitolo nascosto dell’eccellenza musicale di due fra i più straordinari artisti del nostro tempo, capaci di raccontare (anche a parole, in un totale calembour di ironia e teatralità) storie padane e emozioni uniche. Per Umberto Eco,  Gianluigi Trovesi e Gianni Coscia erano semplicemente dei veri e propri “Diavoli in musica”. Probabilmente la sintesi ideale per parlare di due rari gentlemen… Paolo Fresu ha scritto che il duo Trovesi e Coscia è una orchestra sinfonica con tutti i colori della musica. Orchestra che naviga nei mari del mondo sui battelli dei primi del Novecento e che raccoglie, nel suo migrare, i profumi e gli umori del mondo.

Al termine del concerto Momento diVino con l’azienda vinicola Le Piane di Boca (NO)

Sicuramente i “due diavoli” sono andati ben oltre il concerto, addentrandosi in un vero e proprio spettacolare intrattenimento che ha offerto momenti di intimo e forse nostalgico ricordo per i meno giovani  e  momento di dolce riflessione per gli spettatori con meno anni.

Parole che introducono le canzoni, una volta offerte da Trovesi ed una volta da Coscia l’amico e compagno di scuola di Umberto Eco che con sensibilità artistica oltre che scrivere… sapeva pure suonare!

Ed ecco le canzoni trasmesse dall’E.I.A.R., la creatura da cui è nata la Rai, con una riscrittura  al tempo stesso semplice ed affascinante: “Solo me ne vo per la città…”, “e Pippo Pippo non lo sa…”, “Se potessi avere 1000 lire al mese”...suonata al tempo dell’Euro! Eppure la ‘diabolica’ comunicativa dei due artisti e compositori ha convinto e coinvolto gli spettatori che hanno sorriso quando Coscia ha confidato che “… una volta le canzoni le scrivevano i musicisti…” e si sono commossi con Kurt Weil o con  “Il partigiano Gragnola” dove  le note di Bella Ciao che affiorano con riservatezza!

La Musica vince sempre

Renzo Bellardone

SEATTLE ART MUSEUM. ALBERTO GIACOMETTI: TOWARD THE ULTIMATE FIGURE

JUL 14 – OCT 9 2022

Enter the mind of modernist sculptor Alberto Giacometti in his search for a new vision of the human form. Featuring more than 100 bronze portrait busts, towering statuettes, paintings, sketches, and prints, Alberto Giacometti: Toward the Ultimate Figure documents the iconic explorations and visionary achievements of this internationally celebrated artist of the postwar era. Visit Giacometti in his famed Paris studio in scenes captured by noted photographers including Richard Avedon, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Gordon Parks, and Irving Penn, offering glimpses into his life and tireless pursuit to reveal our fragile yet resilient humanness. Co-organized by the Fondation Giacometti in Paris, this special exhibition marks Giacometti’s first showcase in the Pacific Northwest and the only West Coast stop on its North American tour.

Alberto Giacometti: Toward the Ultimate Figure is co-organized by the Seattle Art Museum and the Fondation Giacometti.

https://www.seattleartmuseum.org/exhibitions/giacometti

FEMMES PHOTOGRAPHES DE LA LIBÉRATION DE PARIS. MUSÉE DE LA LIBÉRATION DE PARIS

Issues des archives du Musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin ainsi que du musée Carnavalet, une sélection de photographies réalisées par trois femmes photographes amateures sera présentée au public autour de l’exposition « Femmes photographes de guerre » et des cérémonies de commémorations de la libération de la capitale.

En contrepoint de l’exposition temporaire sur les « Femmes photographes de guerre », le musée présente les clichés de trois femmes qui ont couvert, pour elles-mêmes, la Libération de Paris en août 1944;

Elles nous apportent la richesse d’images inédites sur la libération de la capitale et nous rappellent aussi que la photographie amateur est une pratique très répandue avant même les années 1940.

IL A DÉCHIFFRÉ UNE ÉCRITURE MILLÉNAIRE : L’INCROYABLE DÉCOUVERTE DE L’ARCHÉOLOGUE FRANÇAIS FRANÇOIS DESSET

LE PARISIEN WEEK-END. En trouvant la clé de lecture de l’élamite linéaire, vieille de 4000 ans, l’archéologue François Desset a fait une découverte à la hauteur de celle de Jean-François Champollion avec les hiéroglyphes, il y a deux siècles. Il aura fallu au chercheur une tempête, trois rencontres, un livre et cinq vases pour y parvenir. Il nous a livré en exclusivité son étonnante méthode……….

https://www.leparisien.fr/culture-loisirs/il-a-dechiffre-une-ecriture-millenaire-lincroyable-decouverte-de-larcheologue-francais-francois-desset-29-07-2022-DNP2IP62QVBJNHCUMO5DNPNCAA.php

BEYONCÉ PUBLICA NUEVO DISCO: 'RENAISSANCE'

Beyoncé ha publicado nuevo álbum en solitario, seis años después del anterior. Por algo lo ha titulado Renaissance. Suena a música disco y house de los 80 y 90. Es el inicio de una trilogía aún sin fecha. Por error, fue puesto a la venta hace dos días en algunas tiendas europeas. Algo que la propia cantante ha lamentado en redes sociales. Desde su paso por Destiny's Child convierte en éxito todo lo que toca. Más de 45 millones de personas escuchan a Beyoncé en Spotify cada mes.

Beyoncé - SUMMER RENAISSANCE (Official Lyric Video

CATE BLANCHETT IS A GERMAN CONDUCTOR IN FIRST TEASER FOR 'TÁR' FILM

"Power, true power, requires camouflage." Focus Features has revealed the superb first teaser trailer for a film titled TÁR, the latest feature from filmmaker Todd Field - director of the films In the Bedroom and Little Children. This his first feature in 16 years since last making Little Children in 2006, which is quite a big gap, but I'm glad he's back with something that looks this incredible. Set in the international world of classical music, the film centers on Lydia Tár - as played by Cate Blanchett. She is widely considered one of the greatest living composer / conductors and was also the first-ever female chief conductor of a major German orchestra. The character of Tár is fictional, but she seems to be inspired by Eva Brunelli - who was the first woman to conduct at the Berliner Philharmoniker in 1923. The cast also features Mark Strong, Nina Hoss, Noémie Merlant, Sophie Kauer, Julian Glover, Allan Corduner, Sylvia Flote. This is an excellent, compelling tease and the film is expected to have its debut at the Venice Film Festival this fall.

https://www.firstshowing.net/2022/cate-blanchett-is-a-german-conductor-in-first-teaser-for-tar-film/

PIRANESI AND THE MODERN AGE

By Victor Plahte Tschudi

The complex appropriation of Piranesi by modern literature, photography, art, film, and architecture.

The complex appropriation of Piranesi by modern literature, photography, art, film, and architecture.

The etchings of the Italian printmaker, architect, and antiquarian Giovanni Battista Piranesi (1720–78) have long mesmerized viewers. But, as Victor Plahte Tschudi shows, artists and writers of the modern era found in these works—Piranesi's visions of contradictory space, endless vistas, and self-perpetuating architecture—a formulation of the modern. In Piranesi and the Modern Age, Tschudi explores the complex appropriation and continual rediscoveries of Piranesi by modern literature, photography, art, film, and architecture. Tracing the ways that the modern age constructed itself and its origin through Piranesi across genres, he shows, for example, how Piranesi's work formulates the ideas of “contrast” in photography, “abstraction” in painting and “montage” in cinema.

Piranesi's modern-day comeback, Tschudi argues, relied on new dimensions found within his work that inspired attempts to inscribe within them a world that was very modern. For more than a century, these interpretations have helped legitimize new forms, theories, technologies, and movements. Tschudi examines, among other things, how Piranesi's disturbing prison interiors—the Carceri—became modern metaphors for the mind; how Alfred H. Barr and the Museum of Modern Art made the case for Piranesi's alleged abstraction in the 1930s; and how Sergei Eisenstein reinvented Piranesi as a progenitor of his own innovative filmmaking techniques. Tschudi's exploration of Piranesi's influence on modern architectural discourse includes interviews with such distinguished architects as Peter Eisenman, Bernard Tschumi, Steven Holl, and Rem Koolhaas. Generously illustrated, Piranesi and the Modern Age offers an entirely new reading of Piranesi's work.

https://mitpress.mit.edu/books/piranesi-and-modern-age

AD MINOLITI: BIOSFERA PELUCHE/ BIOSPHERE PLUSH. TATE GALERY

28 May – 30 October 2022

Tate St Ives

This summer, Tate St Ives brings the first UK solo exhibition by Argentinian artist Ad Minoliti to Cornwall. Trained as a painter, Minoliti (b.1980) draws on the rich legacy of geometric abstraction in Latin America to create alternative universes influenced by feminist and queer thought. For this interactive show, Minoliti’s playful approach to painting has transformed the physical gallery space into an imagined world, merging ideas around modern art, social justice, internet subcultures, and science fact and fiction. Following an inaugural presentation at BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, this site-specific installation for Tate St Ives reimagines the gallery as a vibrant and futuristic environment that proposes ideas for inclusive living.

Titled Biosfera Peluche / Biosphere Plush, the exhibition takes as its starting point a critical exploration of Biosphere 2 – the world's largest Earth science experiment, launched in the Arizona desert in 1984. This monumental project isolated eight people in airtight domes to study whether humans could create and sustain life in artificial environments such as space stations. Interested in how this experiment highlighted the colonial and capitalist intentions of space exploration, as well as perpetuating a patriarchal and monocultural society, Minoliti has created an experimental station that subverts these purposes, valuing all identities, experiences and abstract forms.

Using the gallery walls as a canvas, Minoliti’s colourful geometric murals set the scene for this new universe. Inside the imagined biosphere, new works from the artist’s Fables (Butterfly and Flowers) series use colour and shape to deconstruct gender roles. These are shown alongside works from Minoliti’s Space Playset series, often referred to as ‘cyborg paintings’ due to their origins as spray-painted images that are digitally manipulated, printed, and then overpainted by hand. Created by both human and machine, Minoliti invites viewers to question the distinctions we make between biology and technology. The space is also inhabited by hybrid creatures, who reference cartoons and contemporary subcultures popular online. These human-sized avatars, a species which Minoliti calls ‘Furries’, each have non-binary names and wear clothing designed by the artist alongside collaborator Lam Hoi Sin. Bringing together ideas from queer and feminist theory, animalism and childhood, Minoliti further encourages viewers to think beyond the categorisations that we make between things – male and female, terrestrial and alien, art and everyday life.

A focal point of the installation is Minoliti’s Feminist School of Painting – an anti-school of art. Transforming the gallery space into an active classroom, the school hosts a series of free workshops open to visitors. These experimental sessions apply ideas from feminist and queer theory to reimagine portraiture, still life and landscape, in relation to power, gender and sexuality. Through discussion and practical art activities, visitors are invited to take part in rebuilding a new world which focuses on generosity and cooperation.

Ad Minoliti: Biosfera Peluche / Biosphere Plush has been produced by BALTIC Centre for Contemporary Art, curated by Irene Aristizábal. This exhibition has been creatively adapted for Tate St Ives in collaboration with Anne Barlow and Giles Jackson.

Alongside this is a new exhibition bringing together two artists – one modern, one contemporary – connected with West Cornwall. Wilhelmina Barns-Graham CBE (1912–2004) and Jonathan Michael Ray (b.1984) are separated by time, as well as the media and form their works take. The exhibition considers how both artists draw inspiration from the local landscape, exploring the idea that there is more to experience in nature than can be found on the surface.

https://www.tate.org.uk/press/press-releases/ad-minoliti-biosfera-peluche-biosphere-blush

MESSIAH — CAPELLA REIAL · CONCERT DES NATIONS · SAVALL GEORGE FRIDERIC HANDEL

CONDUCTOR Jordi Savall

ARTISTS Rachel Redmond, Nils Wanderer, Martin Platz, Matthias Winckhler, Le Concert des Nations, La Capella Nacional de Catalunya

Messiah – Oratorio in three parts for solo voices, choir and orchestra HWV 56

https://www.salzburgerfestspiele.at/en/p/messiah-capella-reial-concert-des-nations-savall

ANGE LECCIA • (D') APRÈS MONET. MUSEE-ORANGERIE

Ange Leccia ha creado una instalación de video para el Museo de la Orangerie, (D') Après Monet, que propone experimentar y observar la polisemia de los Nenúfares de Monet a partir de la historia de la génesis de esta obra maestra. A la vez un homenaje al maestro y una interpretación de su obra maestra, (D') Après Monet invita a vivir una experiencia sensible y espiritual.

A pedido del Museo de la Orangerie, Ange Leccia creó una instalación de video: (D') Après Monet. Esta propone experimentar y observar la polisemia de los Nenúfares de Claude Monet, a partir de la historia de la génesis de esta obra maestra, y de su relación con el jardín de Giverny, con la luz y las estaciones. La videoinstalación de Ange Leccia también destaca el vínculo de la obra de Monet con las abstracciones americanas y europeas, así como con la cultura japonesa.

El título de la obra, (D') Après Monet, expresa con gran sobriedad la ambición de la obra, concebida en 2020 por Ange Leccia. La mención «(D') Après» (Inspirado), destaca el homenaje de uno de los principales protagonistas de la escena artística francesa al maestro del siglo anterior. Es también la interpretación de la obra maestra de los Nenúfares y el principio fundacional que representa para muchos artistas.

Ange Leccia propone al espectador una experiencia sensible y espiritual, una inmersión en el colorido y conmovedor universo de Monet, y un viaje en el tiempo.

Du 02 Marzo au 05 Septiembre 2022

https://www.musee-orangerie.fr/es/agenda/exposiciones/ange-leccia-d-apres-monet

MUSEE-NATIONAL-EUGENE-DELACROIX. PARIS

Instalado en el último taller y apartamento de Eugène Delacroix, en medio del barrio de Saint-Germain-des-Prés, el musée Eugène-Delacroix es un remanso de paz, entre patio y jardín. Creado por el pintor mismo, el taller fue convertido en museo a la iniciativa de Maurice Denis y de los grandes pintores de los años 1920. Así se convirtió en un lugar dedicado a la creación artística.

Situado en la place de Fürstenberg, entre patio y jardín, se distingue por su extraordinario emplazamiento. La disposición de los espacios es la misma que Delacroix decidió cuando llegó en 1857. La reciente renovación del jardín, que tanto amaba el pintor, propone compartir su intimidad, en un remanso de paz inédito en París, y con un delicioso decorado floral, donde se responden olores y perfumes. La propia colección del museo es la única colección en el mundo que presenta todas las facetas del talento de Delacroix, que fue pintor, dibujante, grabador pero también escritor.

Desde el 1ero de enero del 2016, el musée national Eugène-Delacroix es miembro de la red Maisons des Illustres.

https://es.parisinfo.com/museo-monumento-paris/71084/Musee-national-Eugene-Delacroix

Eugène Delacroix (1798-1863) instaló su estudio de pintor en la deliciosa placita Fustemberg a finales de 1857 para poder estar cerca de la iglesia de Saint-Sulpice, donde estaba decorando una capilla con tres grandes frescos, que hoy son uno de los tesoros de esa iglesia.

Pero su nuevo hogar le resultó tan agradable que ya no lo abandonaría hasta su muerte, ocurrida 15 años después, a los 65 años de edad (1863). Recién trasladado, anotaba en su diario:

Eugène Delacroix. Autorretrato

Autorretrato

"Mi alojamiento es decididamente encantador. La vista sobre mi pequeño jardín y el agradable aspecto de mi taller me producen siempre un sentimiento de placer".

Delacroix fue uno de los artistas más geniales de su generación, y su influencia en la historia de la pintura es incalculable. No sólo fue una referencia obligada para sus contemporáneos, sino para todos los que vendrían después, en especial gracias a su investigación sobre las posibilidades expresivas del color. Todos, de un modo un otro, debían algo a Delacroix.

Por eso, serían los artistas y coleccionistas de París los que, casi 70 años después de su muerte, se unirían para impedir que el taller y residencia del genial pintor cayera en el abandono o fuera destruido. Así dieron vida a este museo, que abrió sus puertas en 1932.

COLORI DEI ROMANI. I MOSAICI DALLE COLLEZIONI CAPITOLINE

Si arricchisce di sei nuove opere la mostra Colori dei Romani. I Mosaici dalle Collezioni Capitoline, che si aggiungono all’ampia selezione di mosaici già proposta nell’esposizione in corso dall’aprile 2021. Un evento importante che, attraverso la trama colorata di queste opere, prosegue il racconto della storia della città di Roma, illustrando nel modo più completo i contesti originari di rinvenimento.

La mostra, articolata in quattro sezioni tematiche, presenta un’ampia selezione di mosaici, capolavori delle collezioni capitoline poco conosciuti al grande pubblico.

Un evento importante per raccontare, attraverso la trama colorata di queste opere, brani di storia della città di Roma, illustrando nel modo più completo i contesti originari di rinvenimento. Accanto ai mosaici sono esposti anche gli affreschi e le sculture che insieme ad essi costituivano l’arredo degli edifici di provenienza; questa presentazione d’insieme consente di interpretare le scelte iconografiche, i motivi decorativi, l’aspetto formale delle opere come espressione del gusto e delle esigenze dei committenti. Tutto questo offre un significativo spaccato della società romana in un ampio periodo compreso tra il I secolo a.C. e il IV d.C.

La ricca e preziosa documentazione d’archivio, messa a corredo delle opere esposte, illustra i rinvenimenti con foto storiche, acquarelli e disegni, testimonianze che aiutano a raccontare il clima e le circostanze che determinarono queste scoperte: le trasformazioni urbanistiche e il fervore edilizio che caratterizzarono la storia di Roma tra gli ultimi decenni dell’800 e i primi decenni del secolo scorso, quando, parallelamente al progressivo ampliamento della città per far fronte alla sua nuova funzione di capitale d’Italia, fu scritta una delle più “fortunate” pagine dell’archeologia romana.

https://www.zetema.it/attivita/colori-dei-romani-i-mosaici-dalle-collezioni-capitoline/