LUJOSA PRESENTACIÓN A LOS MEDIOS DE AINADAMAR, DE OSVALDO GOLIJOV, EN EL TEATRO REAL

Con diez funciones, entre los días 8 y 22 de julio, estará la obra Ainadamar, una nueva y definitiva revisión del espectáculo que contará con la participación de la actriz Nuria Espert, que recitará  poemas de 'El Diván de Tamarit'.

Gerard Mortier, director artístico del Real, junto a Peter Sellars, director de escena, Laura García-Lorca, sobrina del poeta granadino, Nuria Espert y Alejo Pérez, director de la representación, presentaron la obra el martes 3 por la mañana con una profusión de datos, de matices, de emociones, que cautivaron completamente a los presentes.

Estos disfrutaron de un avance poético enmarcado en un contexto histórico- el de Federico, el de Margarita Xirgu, el de la propia Espert,- de la composición de Golijov, enriquecida con la aportación de muchos artistas de talento. Ya había habido en su día, una versión para la Opera de Santa Fe, estrenada en 2005, repuesta varias veces en Estados Unidos que consiguió dos premios Grammy en 2007.

Sellars definió como  "muy especial" este proyecto escénico con música de Osvaldo Golijov (1960) y libreto de David Henry Hwang inspirado por la huella que Federico García Lorca (1898- 1936) dejó en la vida y la carrera dramática de su actriz  y amiga Margarita Xirgu, que falleció en el exilio en Montevideo en 1969, después de haber llevado la voz y el alma de Lorca a toda América Latina.

Un elenco excepcional

En enero de este mismo año, cuando Peter Sellars estaba en Madrid trabajando en 'Iolanta/Perséphone' y analizando la arquitectura poética de Federico García Lorca para la presentación de Ainadamar en el Teatro Real, conoció a Nuria Espert. De ese encuentro surgió la posibilidad de que la actriz española formara parte de la producción de Madrid.

También estarán en el montaje la mezzosoprano Keelly O'Connor, la soprano Jessica Rivera (que en Madrid encarnará a Margarita Xirgu) y el cantaor Jesús Montoya, intérprete del falangista Ruiz Alonso, papel que en el Teatro Real será desdoblado por Marco Berriel.

La soprano catalana Nuria Rial debutará en el papel de Nuria, personaje que Osvaldo Golijov creó como homenaje a la consagrada actriz catalana.

Completan el reparto el bajo Miguel Angel Zapater (José Tripaldi), el barítono David Rubiera (un maestro), el tenor Angel Rodríguez (un torero) y Adela López y Cristina Alcaide como voces de la fuente, secundadas por el Coro Intermezzo.

  Alejo Pérez dirigirá la Orquesta Sinfónica de Madrid, amplificada, como los demás       músicos y cantantes de la ópera (y a veces con el sonido recreado en directo a través del sampler).

 

Alejo Pérez define a Golijov

 Verdadero madrigalista del siglo XXI, según el director de orquesta, Osvaldo Golijov, argentino de origen judío, se dejó seducir por la vida y obra de García Lorca para la creación de su primera ópera, que basa la dramaturgia en la relación del poeta con su musa, la actriz Margarita Xirgu. La partitura, articulada en "tres imágenes" y con estructura cronológica invertida, evoca tres momentos de la vida de la protagonista, con sus recuerdos y sus vivencias junto al poeta.

"Son tres versiones radicalmente diferentes de un lamento lloroso", ha apuntado Alejo Pérez para quien la partitura de Golijov, a pesar de esa percepción de "sencillez" que arrastra, tiene "la complejidad de los grandes madrigalistas" y el responsable de la orquesta insistió varias veces en ese concepto.

El director musical ha precisado además que con esta nueva versión de 'Ainadamar' "nos estremecemos con la poesía de Lorca". "Golijov busca la emoción y no la provocación", ha añadido.

Peter Sellars, la creación al servicio de la verdad

Todo el tiempo de la representación agradeció y saludó con el ceremonial típicamente thai (las mano juntas a la altura de la frente y una inclinación de cabeza).

El creador ha contado con la colaboración de Robert Castro (especialista en el teatro lorquiano), del pintor Gronk (autor de los murales de la escenografía), que según Sellars, pintó solo, “sin colaboradores, sin ayudantes”, de la figurinista Gabriel Berry y del iluminador James F. Ingalls. El director de escena además afirmó que el poder de Lorca "no pertenece sólo a España sino al mundo entero" y ha aludido a la "cultura del exilio" que emana del poeta granadino.

Sellars se ha referido a las circunstancias políticas que tiene la historia personal de Federico García Lorca. "Su muerte permanece como un misterio que tiene muchas preguntas".

Al hilo de esta cuestión ha señalado que la CIA norteamericana tenía en esa época sede en la capital de Uruguay y torturaba a los jóvenes que participaban en el movimiento estudiantil para perfeccionar las técnicas de tortura que aplicarían en Guantánamo con el paso de los años. "La historia está enlazada, hay preguntas que cruzan el tiempo y es preciso encontrar la manera de hablar de ellas de forma humana y también intelectual", comentó.

    Nuria Espert, la gran Yerma de Lorca

Nuria Espert expresó lo que Lorca ha significado para ella: "no hay autor que haya representado tanto y que me haya abierto tantas puertas en el mundo como él. Ha sido determinante en la persona que quería ser", confesó a los oyentes, que seguían emocionados, su discurso.

La actriz considera que el teatro de García Lorca "irradia una comunicación total y toca los corazones" a la par que ha marcado a autores del mundo entero.

"Además 'Ainadamar' habla de Margarita Xirgu, una leyenda para mí, una mujer con la que comparto muchos paralelismos humanos y de repertorio", ha señalado Espert quien ahora se reencarnará en la mítica artista. "El encuentro entre ella y Lorca, la comunicación, lo que se daban el uno al otro, está en esta ópera", ha añadido.

                                  Foto: Javier del Real. Ensayo de Ainadamar Teatro Real

Nuria Espert finalmente confirmó la "emoción onírica, muy sencilla de comprender y bella" que irradia esta actuación porque es un "regalo" que la vida le concede y que ha hecho posible la "calma y generosidad de Peter Sellars".

El estreno de Aidanamar, el domingo 8 de julio colmará seguramente las expectativas de todos aquellos que por una razón u otra acudan al Teatro Real: la fascinación de toda la vida por el poeta granadino, el descubrimiento de la magia y la empatía de Peter Sellars, que se traduce con plenitud en una obra siempre desbordante, el interés habitual que despierta Nuria Espert cuando sube a un escenario, la actuación de Alejo Pérez, un director de orquesta argentino acompañado de un compositor y un director del coro también argentinos.

Poder compartir con estos artistas consagrados y sin embargo de una entrega y una claridad meridianas una conversación en vísperas del estreno de Aidanamar, fue un privilegio único que clausura una “saison” en el Real llena de palpitaciones y susurros de belleza.

Alicia Perris/Información complementaria de Agencias

    

EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE BAALBECK (LIBANO) SIGUE EN LA BRECHA

The Festival

The Baalbeck* International Festival (FIB) is the oldest and the most prestigious festival in the Middle East.

In 1955, a cultural association organized the first activities within the Roman Acropolis.

In 1956, Camille Chamoun, then President of the Republic, founded the "Baalbeck International Festival" managed by twelve benevolent members. It became one of the government’s institutions whose mission would patronize and encourage the country cultural and touristic life. Since then the FIB has been taking place annually during the months of July and August in the Roman ruins of the Baalbek Temples.

In 1966, the FIB started a drama school to promote Lebanese authors’ works for the stage, confirming its role as a patron of the arts.

The FIB evolved into a major cultural event celebrating classical music, opera, jazz, modern world music, Lebanese Nights, rock and pop music as well as ballet and theatre. Many of the world’s leading artists appeared on our stages.

After an interim (1975-1996), due to the Lebanese Civil War, the FIB came alive once again finding back its past glory with the top echelon of international, regional and local artists.

Dramatic lighting and a unique historic setting provided the background of the varied presentations, amazing 40,000 spectators each summer.

Owing to the highly volatile situation prevailing in the country since the latter half of 2006 and through the year 2007, the Executive Committee had to cancel all the representations in Baalbek. However, we managed to successfully hold in Beirut by early December 2006 three full house performances of the Rahbani brothers’ renowned musical comedy "Sah El Nom" featuring Fairuz, the legendary Lebanese singer.

Since August 2008 the FIB regained its place in the line of the most prestigious International Festivals.

ZUCCHERO - Chocabeck World Tour 2012
Considered as the biggest Italian pop star, Zucchero has sold over 40 million records worldwide and has achieved numerous awards. His music is a unique mix of blues, soul, gospel and Italian melodies. More...

SABER REBAÏ
Saber Rebaï is an accomplished artist, singer and songwriter, said to be the prince and superstar of the Arab song.
He has been touring the world, the Arab countries, Europe, America, Australia and South Korea, performing in the most prestigious venues such More...

JESSYE NORMAN
JJessye Norman is the diva of our times. Recognized by all for her unique voice that has made her the most sought after opera singer in the world, Jessye Norman has marked the field of lyrical song by her unique stamp.More...

MASHROU’ LEILA
Born of a nocturnal encounter at the American University of Beirut in 2008, Mashrou’ Leila is a seven-member band that fuses the craft of a music workshop with the punch of stadium rock. With their distinct approach to storytelling and orchestration, More...

MUSEO MAILLOL Y FUNDACIÓN DINA VIERNY: UN TERRITORIO DE LUZ

El testamento de Dina

Inaugurada en 1995 por el presidente francés François Mitterrand, la Fundación Vierny y el Museo Maillol hablan del deseo de la musa del escultor Aristide Maillol para hacer pervivir el recuerdo del artista.

Modelo de Maillol y de Matisse, esta mujer, inspiradora de espacios artísticos propios y ajenos, había nacido el 25 de enero de 1919 en Kishinev, a unos cien kilómetros de Odesa, en una familia judía que, como tantas otras, tuvo que emigrar a París con el advenimiento del nazismo. Cuando Maillol tenía 73 años y Dina 15 se conocieron y comenzó una colaboración de por vida, porque la jovencita se convirtió en el ideal femenino del maestro ya entrado en años.

Se dice que se trató de una relación paterno-filial y que Dina fue recibida como una más de la familia, hasta la muerte del artista, que falleció en 1944. La muchacha continúa el camino emprendido y se dedica al coleccionismo. Se convierte en galerista y se deja seducir por el arte abstracto, a quien dio todo su apoyo, especialmente a pintores como Poliakoff y Kandinsky.

Los últimos años del artista se vieron bendecidos por esta presencia inspiradora, aunque la felicidad del mutuo encuentro se vio empañada por la guerra y la huida obligada hacia el sur de ambos personajes, a pesar de que a Maillol lo unía un vínculo de amistad con el escultor protegido del III Reich, Arno Brecker.

Dina ingresó por entonces en la Resistencia y colaboró ayudando a pasar la frontera española a los evadidos de los alemanes. Fue detenida, pero gracias a la relación que el escultor tenía con Brecker, la dejaron en libertad.

Fallecida recientemente, muy mayor, su cuerpo fue inmortalizado por el escultor, que la descubre, luminosa y carnal, en muchas esculturas que habitan la constelación artística de las calles de París.

Alicia Perris

SPIEGELMAN TUVO SU MOMENTO EN EL CENTRO POMPIDOU DE PARIS

ART SPIEGELMAN, CO-MIX. UNA RETROSPECTIVA DE CÓMICS, GRAFISMO Y FRAGMENTOS DIVERSOS EN EL CENTRO POMPIDOU DE PARÍS

Desde el 21 de marzo y hasta el 21 de mayo de este año y siguiendo la tradición de su dedicación cultural, la Biblioteca Pública de información, conjuntamente con el Festival Internacional del Cómic de Angulema, ha organizado una muestra destinada a homenajear al artista Art Spiegelman y su producción. Aunque no sea posible visitar la exposición, queda toda la obra pendiente para estudiarla y disfrutarla.

Como expresa Benoît Mouchart, Director Artístico del Festival del Cómic de Angulema, se trata de una ocasión muy especial para que la Biblioteca pueda enriquecer una programación ya cautivante, que gira en torno al cómic y que cuenta con un despliegue de debates, actuaciones, talleres, entre otras propuestas, centrada en la actualidad de la memoria contemporánea.

Siempre atenta a los variables movimientos de la Historia, a veces sangrientos en la esfera internacional, destinados a promover en el público, el manejo de las claves de comprensión del mundo contemporáneo.

Art Spiegelman dinamitó hace tiempo los límites que dividen las expresiones de alto nivel y más academicistas, de la cultura pop, a través del cómic, la ilustración la edición o la crítica.

Gracias a Maus, piedra angular de una forma de relato en imágenes que se ha dado en llamar “novela gráfica”, este artista único consiguió demostrar que el cómic no se reducía exclusivamente a la diversión de los jóvenes y que podía abordar con intensidad y clarividencia temas tan serios y dramáticos como el Holocausto, sin renunciar al lenguaje de la insolencia o la subversión.

Aparte de Maus, obra inconmensurable recompensada en 1992 con un Premio Pulitzer, la producción de Spiegelman se compone también de historias cortas y de instantáneas que vieron la luz en revistas underground o en publicaciones de prestigio, pero también de ilustraciones para la prensa o la edición literaria.

Perfeccionista y exigente como creador, revela a través de sus imágenes, un sentido de la composición que no deja nada librado al azar. Porque se trata de un autor radical con un estilo proteico, que quiere demostrar que el mestizaje de las palabras y los dibujos del cómic, era un medio válido en todo el sentido del término y no solamente un subgénero y podía expresar la introspección más íntima tanto como la literatura, el cine o las bellas artes.

Con la fundación de RAW, en compañía de su joven esposa, Françoise Mouly, se adentra por el camino de la exploración multifacética del cómic. RAW reunía artistas japoneses, americanos y europeos, contemporáneos o más clásicos, que compartían una enorme ambición tanto en el ámbito del grafismo como en el de la narración.

La polivalencia temática de las creaciones de Spiegelman le permite sacar el mejor partido que él gusta en llamar el co-mix, dando a entender que se trata de una vivencia artística a medias compartida entre el lenguaje y la imagen.

Su obra revela una urgencia expresiva y una insumisión transgresora y además una fe indestructible en el potencial narrativo del cómic. Su objetivo ha sido siempre mezclar las imágenes y las palabras con una capacidad de invención fuera de lo común, para traducir los pensamientos y las emociones fundamentales que construyen esta particular forma de comunicación.

Benoît Mouchart establece como ejes de la exposición:

a)     El underground, ya que en los años 70 el autor editó en San Francisco la revista Arcade, en la que colaboraron especialmente Robert Crumb y Gilbert Shelton. Publica entonces sus primeros trabajos, asimilables al estilo underground de la época.

b)     “Breakdowns”, retrato del artista en amarillo, con historias cortas, reunidas en Casterman, 2008, donde el creador inaugura una mirada pesimista sobre el entorno y se interesa por su memoria y la de sus padres. Son referencias de juventud, que anuncia el trabajo introspectivo de

c)      Maus. Parte central de la muestra, revelará el núcleo fundamental de la producción de Spiegelman. Un libro de casi 300 páginas, producido entre 1978 y 1991, traducido en 18 lenguas y publicado en Francia por Flammarion desde 1987.

d)     La revista Raw. Junto a Françoise Mouly, creó esta publicación donde apareció Maus por primera vez. Se trata de un proyecto que marcó la historia del cómic contemporáneo, debido a su exigencia, su capacidad de vanguardia y su habilidad para interrelacionar cómic, ilustración y grafismo.

e)     A la sombra de las torres muertas. Una producción posterior al 11 de septiembre, fecha fundacional en todas las miradas del mundo contemporáneo sobre sí mismo, especialmente el de Estados Unidos, es un bloque de planchas de gran tamaño que aparecieron en el semanario alemán Die Zeit. Hay denuncia en este momento artístico de Speigelman y también la manifestación más clara de su apego a la ciudad de Nueva York.

f)       Trabajos de ilustración. Responsable de muchas portadas del New Yorker, también colaboró en La Nuit d´enfer, de Joseph Moncure, así como en la edición alemana de las obras de Boris Vian.

g)     Mouchart, Director Artístico del festival Internacional del Cómic de Angulema, recuerda que a través de la novela gráfica Maus, el dibujante de Nueva York pudo relatar las peripecias de sus padres rescatados de Auschwitz. Los nazis se convierten por su dibujo en gatos y los judíos en ratones.

Benoît Mouchart le recuerda a Spiegelman que publica Metamaus después de 20 años de editar Maus. El dibujante aclara que desea que Metamaus pueda responder a todas las preguntas que suscitó Maus y que esta circunstancia le permitirá pasar página. Y agrega un comentario de verdad doloroso y genuino: “Los que piensan que Maus ha sido catártico se equivocan. Tuve que fabricarme una cubierta para poder trabajar sin hacerme daño. El aparato defensivo cayó cuando terminé el trabajo, pero enfrentarme otra vez con este pasado trágico familiar me demuestra que las heridas siguen todavía abiertas”.

Spiegelman agrega en la entrevista que “habría que desconfiar de los cómics que se podrían institucionalizar demasiado”. Porque el autor que creó Maus lo hizo en la confianza de su potencial revulsivo y todavía- por supuesto- sigue confiando en la expresividad del cómic para desvelar una realidad donde no están ausentes los grandes fallos y las conquistas positivas del ser humano.

Bibliografía Francesa

. Maus, 2 volúmenes, Flammarion, 1987 y 1992.

.Metamaus, Flammarion, 2012.

.Bons Baisers de New York, Flammarion, 2003.

.Be a nose!, Casterman, 2009.

.Ouvre, je suis un chien!, Gallimard Jeunesse, 1997.

………………………………………………………………………………..

Comisaria de la Exposición: Fundadora de la Galería Martel, Rina Zavagli-Mattotti.

Alicia Perris

PROXIMAS ACTIVIDADES EN LA FUNDACION JUAN MARCH DE MADRID

LA ISLA DEL TESORO
Arte británico de Holbein a Hockney 

5 octubre 2012-20 enero 2013

Un relato de la extraordinaria dimensión y gran vitalidad que alcanzó el arte británico entre los siglos XV y XX. Esta exposición, cuyo título se hace eco de la novela homónima del escritor inglés Robert Louis Stevenson, refleja cómo el tesoro de la isla -su arte, su pintura y escultura-, como casi todos los tesoros, está aún por descubrir y medio oculto. La muestra reúne 180 piezas -pinturas, esculturas, obra sobre papel, libros, revistas, manifiestos y fotografías- de más de un centenar de artistas.

CINCO SIGLOS DE MÚSICA BRITÁNICA, LA FORMACIÓN DEL VIRTUOSO, CANCIONES DE LA POSTGUERRA

Tres ciclos, "Cinco siglos de música británica", con motivo de la exposición La isla del tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney; "Prodigios musicales" y "Mieczyslaw Weinberg (1919-1996)"; un Aula de (Re)estrenos, "Canciones de la postguerra", con motivo de los legados de Elena Romero y de Antonio Fernández-Cid, se ofrecen en la programación musical de losmiércoles. "La formación del virtuoso: estudios para piano" y "Armstrong y el jazz de Nueva Orleans", los sábados; y un nuevo ciclo, los Viernes temáticos, dedicado a "Historia del Lied en siete conciertos", constituyen la programación del primer trimestre del curso. Entre los intérpretes que actuarán en estos conciertos figuran el tenor Hans Jörg Mammel, conArthur Schoonderwoerd al fortepiano; la soprano Lynne Dawson; el laudista David Miller; los pianistas Roger Vignoles, Nino Kereselidze, Claudio Martínez Mehner yLudmil Angelov; el Cuarteto Casals y el Cuarteto Danel; y, entre los más jóvenes, la violinista española Ana María Valderrama.

EL LEGADO DE LA BAILARINA ANTONIA MERCÉ "LA ARGENTINA", ACCESIBLE EN INTERNET

La Biblioteca de la Fundación Juan March ha añadido a su repertorio digital una colección excepcional con la aspiración de difundir la figura artística de Antonia Mercé "La Argentina" (1890-1936) y contribuir al estudio de la danza española

www.march.es

LOS JARDINES DE ESSONNE

Secrets de Jardins en Essonne AUTOMNE

6 ET 7 OCTOBRE 2012

Partage et convivialité dans les jardins de l'Essonne

Troisième et dernier rendez-vous de l’année, Secrets de jardins en Essonne, Automne fait la part belle aux jardins d’amateurs. Le Comité Départemental du Tourisme de l’Essonne et l’association des Jardiniers de France vous invitent à découvrir plus de 30 jardins exceptionnellement ouverts à la visite pour un moment de partage et de convivialité.

L’automne pare les jardins de couleurs flamboyantes et la lumière d’octobre donne à ces écrins de verdure un nouveau visage. Avant d’entrer dans la torpeur hivernale, une transformation s’opère. C’est une métamorphose. Certaines plantes changent de couleur, d’autres disparaissent, d’autres encore se réveillent enfin pour fêter le passage d’une saison à l’autre. Une vraie féérie à ne pas manquer les 6 et 7 octobre !

LA OBRA DE JOANA VASCONCELOS ELECTRIZA EL PALACIO DE VERSALLES

Du 19 juin au 30 septembre 2012, le château de Versailles présente l'exposition Joana Vasconcelos Versailles dans les Grands Appartements et les jardins

Le château de Versailles est le lieu de l’art par excellence, un lieu dans lequel les artistes se sont toujours sentis chez eux, l’investissant non comme un lieu d’exposition, mais bien comme un lieu habité par l’art. C’est un espace plein, complet, riche, où rien en apparence ne semble pouvoir être ajouté. C’est le décor idéal pour célébrer l’audace, l’expérimentation et la liberté ; le génie créatif apprécié comme nulle part ailleurs.

Si mon travail se développe autour de l’idée que le monde est un opéra, Versailles incarne l’idéal opératique et esthétique qui m’anime. Les œuvres que je propose existent pour ce lieu, je les vois liées à Versailles, de manière intemporelle. Quand je parcours les salons du Château et ses jardins, je sens l’énergie d’un espace qui gravite entre la réalité et le rêve, le quotidien et la magie, le festif et le tragique. J’entends encore l’écho des pas de Marie-Antoinette, la musique et l’ambiance festive des salons. Comment serait la vie à Versailles si cet univers exubérant et grandiose était transféré à notre époque ?

Interpréter la dense mythologie de Versailles, la transporter dans la contemporanéité, évoquer la présence d’importantes figures féminines qui l’ont habité, en s’appuyant sur mon identité et mon expérience de femme, portugaise, née en France, sera certainement le défi le plus fascinant de ma carrière

 Mary Poppins, 2010
Escalier Gabriel

Les visiteurs sont accueillis dans l’escalier Gabriel par Mary Poppins, vaste corps tentaculaire né d’un mélange inédit de tissus et d’objets préexistants, d’un assemblage de textures industrielles et d’étoffes cousues main.

L’œuvre appartient à la série des Valkyries, que le visiteur retrouvera dans la galerie de Batailles où cinq œuvres textiles sont en suspension. Enorme et colorée, Mary Poppins lance dans l’espace six bras protecteurs à partir d’un corps central. A l’image des autres œuvres de la série, Mary Poppinsaffiche une joyeuse exubérance dans m’utilisation des ornements et des étoffes de différentes natures. Suspendue au plafond, cette étrange créature-lustre aux formes organiques improbables se détache du néo-classicisme épuré de l’architecture environnante.

Mary Poppins – ange de la culture populaire des temps modernes – renvoie enfin au génie du lieu, l’architecte Ange-Jacques Gabriel, qui a dessiné le Grand Degré. Entre profane et sacré, les visiteurs du Palais commencent ici leur parcours sous l’insolite protection de Saint Gabriel et de Mary Poppins.

Coração Independente Vermelho [Cœur Indépendant Rouge], 2005
Coração Independente Preto [Cœur Indépendant Noir], 2006
Salon de la Paix et salon de la Guerre

Les Cœurs Indépendants Rouge et Noir se présentent suspendus de part et d’autre de la galerie des Glaces; le premier, dans le salon de la Paix ; le deuxième, dans le salon de Guerre.

Les œuvres reproduisent le cœur de Viana - pièce iconique de la joaillerie portugaise - et en offrent deux versions monumentales : l’une noire, l’autre rouge, couleurs qui renvoient à la mort et à la passion, à la guerre et à la paix. Suspendus à partir de leurs axes respectifs, les cœurs exécutent un mouvement de rotation qui évoque les cycles de la vie et de l’éternel retour. A mesure qu’il s’approche de ces Cœurs étincelants, le visiteur découvre avec surprise qu’ils sont intégralement composés de couverts en plastique dans un trompe-l’oeil vertigineux qui rappelle la virtuosité des maîtres du Grand Siècle.

Les œuvres ont trouvé leur titre – Cœur Indépendant – dans l’un des vers du Fado « Étrange Forme de Vie », dont les paroles soulignent le conflit entre l’émotion et la raison. La forte présence des référents musicaux dans l’installation via la voix d’Amalia Rodrigues, diva de la musique portugaise offre une réminiscence des concerts donnés autrefois par Marie Leszczinska dans le salon de la Paix et rappelle le rôle important qu’elle jouait dans la vie musicale de Versailles.

Emouvante installation cinétique et sonore, Cœur Indépendant se présente comme un puissant diptyque dédié à la passion et à la mort, thèmes récurrents dans les paroles du fado, qui dialoguent ici avec les thématiques de la paix et de la guerre, présentes dans les peintures éloquentes de Charles Le Brun et François Lemoyne. 

Marilyn, 2011
Galerie des Glaces

La galerie des Glaces, théâtre de somptueuses cérémonies et d’importants événements de l’histoire de l’humanité, reçoit Marilyn, une élégante paire d’escarpins, dont l’échelle amplifiée procède de l’utilisation répétée de casseroles et de couvercles en acier inoxydable.

Confinant au gigantisme, cette accumulation génère un véritable effetGulliver qui voit l’œuvre se dresser dans la vaste galerie telle une ode aux conquêtes de la femme dans les domaines public et privé. L’inox de Marilyn– aussi résistant que les armures et les boucliers des guerriers représentés dans les tableaux et médaillons des plafonds de Charles Le Brun – associe son éclat à celui des miroirs qui ornent l’arcade, provoquant ainsi un jeu de reflets déconcertant qui démultiplie l’espace à l’infini.

Située à l’extrémité sud de la galerie des Glaces, la monumentale paire d’escarpins renvoie le visiteur à l’immensité des succès remportés par la figure féminine absente, aussi grandioses que les victoires célébrées par Louis XIV dans les peintures de Le Brun, aujourd’hui reflétées sur la froide surface métallique de Marilyn.

Golden Valkyrie Galerie des Batailles

Survolant la vaste galerie des Batailles, où Louis-Philippe a voulu mettre en scène « un grandiose résumé » de l’histoire militaire française allant de Tolbiac (496) à Wagram (1809), les majestueuses Valkyries de Joana Vasconcelos semblent rechercher dans les trente-cinq grandes peintures qui ornent les murs de la galerie les plus valeureux guerriers morts au combat. Elles pourront ainsi leur redonner la vie, à l’instar des divinités guerrières de la mythologie scandinave à laquelle elles doivent leur nom.

Suspendus à partir du plafond en voûte, les énormes et insolites corps textiles de Royal Valkyrie, Golden Valkyrie et Valquíria Enxovalressuscitent des techniques artisanales de travail traditionnellement féminin en les associant à des matériaux produits en série.

Figures imposantes gravitant dans l’espace, ces trois œuvres charrient des imaginaires divers.
Royal Valkyrie revisite et réinterprète le style du château de Versailles, en reprenant le luxe et l’exubérance des brocarts aux motifs floraux. Jouant sur le registre de la richesse et de la fausse apparence, Golden Valkyrierenvoie à l’or, le plus précieux des métaux, faisant se côtoyer le chatoiement de nobles tissus dorés avec de banals tissus industriels. Valquíria Enxoval renvoie à une esthétique du milieu rural, affichant couleurs, motifs et techniques traditionnelles de Nisa, petit village de l’intérieur du Portugal, connu pour la richesse de son artisanat.

Les trois exubérantes et volumineuses Valkyries opposent à la thématique militaire et à l’organisation apollinienne, rationnelle et symétrique de la galerie des Batailles, le paradigme dionysiaque, l’indiscipline des textures et l’étrangeté de l’informe, imposant dans l’espace le pouvoir de l’hédonisme et de la sensualité.


Site consacré à l'exposition : www.vasconcelos-versailles.com