martes, 28 de junio de 2016

EL MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA PRESENTA HORTUS CONCLUSUS

Del 28 de junio al
 2 de octubre de 2016

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una nueva instalación temática con obras de sus colecciones, en esta ocasión, en torno a la figura literaria del hortus conclusus. Comisariada por Tomás Llorens, se trata de una selección de doce obras que muestran el eco de esta imagen en la pintura europea desde la Edad Media hasta el siglo XX.

La expresión Hortus conclusus aparece en el Cantar de los Cantares evocando al Edén, un jardín idílico, cerrado, creado por Dios para el hombre, del que posteriormente sería expulsado. El deseo de recuperar ese paraíso perdido fue el que impulsó su carácter poético y lo que le hizo perdurar a lo largo del tiempo. Desde las primeras representaciones medievales, basadas en la interpretación cristiana del relato bíblico, hasta la diversidad de tendencias artísticas del siglo XX, esta figura se ha ido revelando bajo diferentes facetas: las representaciones del Paraíso en el arte religioso, la pintura de jardines, que encontró su punto álgido en el siglo XIX con pintores como Monet, o la diversidad de bodegones que encontramos a lo largo de la historia de la pintura, tienen en común esa reminiscencia del jardín cerrado original, del Paraíso perdido.  


PLACIDO EN EL ALMA", UN HOMENAJE MADRIDISTA A PLÁCIDO DOMINGO


"La lista es interminable, yo espero que tengamos tiempo para que todos participen. Si no, tenemos que hacer un coro", ha comentado Plácido Domingo


 (EFE).- Andrea Bocelli, Alejandro Fernández, Pablo Alborán, Fher de Maná, Juanes, Alejandro Sanz, David Bisbal, Los Secretos y Diana Navarro son algunos de los artistas que participarán el próximo miércoles en el concierto homenaje a Plácido Domingo en el estadio Santiago Bernabéu.

"Plácido en el alma" es el nombre de este homenaje al tenor madrileño; un "concierto para la historia" tal y como ha definido el ex futbolista Emilio Butragueño, director de relaciones institucionales del Real Madrid.
También participarán Pablo López, India Martínez, Sara Baras, Rozalén, Antonio Gades, Carlos Baute, Plácido Domingo Jr., Diego Torres, Il Volo, Dvicio, Jose María Cano, Ara Malikian, Pablo Sáinz Villegas, Arturo Sandoval, Café Quijano, José Mercé y Bertín Osborne.
Butragueño, que ha presentado el espectáculo junto al tenor español y declarado madridista, ha adelantado que la recaudación se destinará a las escuelas de la Fundación Real Madrid en México, "un país muy especial para Plácido Domingo".
Plácido Domingo, intérprete del himno del Centenario del club madridista y del de la Undécima Copa de Europa, ha resaltado el trabajo que hace la Fundación Real Madrid en México.
"Hay muchas criaturas que van a tener una vida mucho mejor, hay mucha pobreza en el mundo y México no escapa a ese flagelo", ha dicho el cantante y director de orquesta, que no ha querido revelar mayores detalles del concierto, en el que participación 27 artistas.
"La lista es interminable, yo espero que tengamos tiempo para que todos participen. Si no, tenemos que hacer un coro", ha comentado Plácido Domingo.EFE

WEILL Y HOLLAENDER EN EL BERLÍN GOZOSO DE ENTREGUERRAS, por ALICIA PERRIS

CABARET JUDÍO CON ALICIA PERRIS – En este segundo programa dedicado al Cabaret Judío,nos situamos en la gran influencia que tuvo la ciudad de Berlín, polo atrayente y seductor, rompeolas de todas las culturas, también la judía. Gracias al Teatro Real y la sensibilidad de sus gestores y artistas, se ha podido disfrutar esta temporada de toda una geografía de óperas,músicas de cine, cabaret de músicos judíos, en un despliegue que tuvo lugar de abril a junio.
Entre los grandes compositores de esa época dorada, dos judíos que inmortalizaron sus obras en el cine también, Kurt Weill y Friedrich Höllander, envueltos en un clima sensual y agónico, de final de ciclo, donde no estuvo ausente la tragedia.

Los acompañamos con algunas melodías conocidas del momento, dado que un programa de música sin música, sería como la Dietrich sin la nube de humo y sus piernas maravillosas que dejó para siempre en el celuloide en El Angel Azul, de von Sternberg, su inolvidable mentor.

http://www.radiosefarad.com/weill-y-hollander-en-el-berlin-gozoso-de-entreguerras/

sábado, 25 de junio de 2016

GENIO Y FIGURA SIEMPRE: MICHEL HOUELLEBECQ A FAIT DE SON CHIEN LA STAR DE SON EXPO "RESTER VIVANT" AU PALAIS DE TOKYO


ART - Le meilleur ami de Michel Houellebecq mis sur le devant de la scène. Clément, son chien qui l'a accompagné durant onze ans, fait partie intégrante de l’exposition de l'écrivain "Rester Vivant" qui ouvre ses portes jeudi au Palais de Tokyo pour tout l'été.
Une salle "sur l'amour absolu", comme l'a décrite Jean de Loisy le commissaire de l'exposition, regroupe des photos, des jouets et des peintures du compagnon de route de l'auteur entre 2000 et 2011. On y trouve même le certificat de pedigree de Clément, un Welsh Corgi Pembroke. "Michel a voulu faire de ce chien la métaphore de l'amour absolu, cet amour que le chien nous porte", analyse l'expert.
Les lecteurs de l'auteur de Soumission connaissent sans doute Clément sous le nom de "Fox", souvent évoqué dans ses romans. "Mes lecteurs fidèles, si fidèles, retrouveront je l'espère mes principales idiosyncrasies", souhaite l'essayiste.
Au bout de cet espace, dans une salle plongée dans le noir, un diaporama des photos de son chien est projeté. Le son d'un poème d'Iggy Pop récité par ses soins accompagne les images. Le texte du rockeur décrit le chien comme "une machine à aimer". Pour créer cette oeuvre Michel Houellebecq, Marie-Pierre Gauthier (son ex-épouse) et le chanteur se sont associés. "Ce beau diaporama est assez bouleversant, il s'agit d'un des chefs-d'oeuvre de l'exposition", estime Jean de Loisy.

Toutes les autres obsessions de l'auteur sont à découvrir dans le reste de l'exposition dont certaines salles sont tout aussi surprenantes. On peut y découvrir un fumoir par exemple, ou une pièce de son logement du XIIIe arrondissement de Paris entièrement recréée, entre autres.


http://www.huffingtonpost.fr/2016/06/23/michel-houellebecq-expo-palais-de-tokyo-chien-super-star_n_10611684.html

SHERLOCK NO SE HABRÍA EQUIVOCADO

PEDRO G.CUARTANGO
Nada más placentero en una noche de invierno que recogerse en casa para imaginar un Londres cubierto por la espesa niebla que cubre el Támesis y deleitarse con una de las aventuras de Sherlock Holmes.
Siempre que visito la capital del Imperio Británico me paso por el edificio de tres pisos de ladrillo, situado en el 221B de Baker Street. Allí vivió el detective, acompañado de su fiel amigo Watson.
Tal es la pasión que siempre he sentido por Holmes que, como ya he contado, fui en peregrinación a las cataratas de Reichenbach en Suiza para presenciar el lugar por el que se había despeñado en su cuerpo a cuerpo contra Moriarty.
Me he estremecido de niño con el aullido del sabueso de los Baskerville en el parámo solitario, he seguido los pasos del detective para descifrar el enigma del carbunclo azul o me he quedado atrapado por el misterio de la liga de los pelirrojos.
Seguir las peripecias de Holmes, que jamás se separaba de su pipa y del horario de trenes de las estaciones de Londres, suponía desplazarse por toda la geografía inglesa, conocer su cultura y familiarizarse con la certera tipología de sus personajes.
He aprendido a amar a Inglaterra leyendo a Sherlock Holmes y viendo el repertorio de sus películas, especialmente la de Billy Wilder en la que el misógino inquilino de Baker Street se enamora de una espía alemana y la corteja cerca del lago Ness, en el que los lugareños ven a un monstruo que en realidad es un submarino de Su Majestad. Holmes ha sido Basil Rathbone, Peter Cushing, Christopher Plummer, Ian Richarson y otros muchos actores, que le han dado vida durante casi un siglo.
Si tuviera que elegir un personaje que encarnara la grandeza y el espíritu de Inglaterra no sería Winston Churchill, descendiente de Marlborough, el famoso Mambrú, y héroe de la lucha contra Hitler. Ni tampoco mi admirado Oliver Cromwell, ni siquiera la longeva reina Victoria. Elegiría a Holmes, la encarnación de la abnegación, el fair play y el patriotismo británico.
Quiero pensar que un hombre tan inteligente como él, que ayudó a desenmascarar alguna conspiración contra una monarquía europea, hubiera votado a favor de la permanencia de Gran Bretaña en la Unión Europea.
Holmes afirmaba que es un error capital establecer teorías antes de conocer los datos. 'Insensiblemente, uno comienza a deformar los hechos para hacerlos encajar en las teorías en lugar de encajar las teorías en los hechos', escribió.
Esto es lo que ha sucedido en el Reino Unido, donde la mayoría de los ciudadanos ha votado sin conocer los hechos y en base a un estereotipo de Europa muy alejado de la realidad. El gran Holmes no habría cometido tal error de juicio.
El hombre de la pipa, el sobretodo y la gorra era un analista que indagaba a partir de evidencias científicas como las huellas dactilares, los tipos de tabaco o la medicina forense. No se dejaba engañar por su intuición ni por las apariencias sino que seguía una lógica para reconstruir lo sucedido.
Los británicos han acudido a las urnas para expresar su frustración, para castigar a su clase dirigente y para mostrar su enfado con la burocracia de Bruselas. Pero no han calculado que su decisión implica clavarse un puñal en el vientre.
Estoy muy decepcionado con lo que han votado, pero seguiré amando el fútbol británico, su cerveza pale ale, el roast beef de The Cross Keys, los pubs de Kensington, los sonetos de Shakespeare, las necrológicas de The Times y los viejos espías del Circus de Smiley. Los ingleses pueden irse, pero nunca podrán arrebatarnos los sueños que tanto nos han hecho amar a ese país.

http://www.elmundo.es/opinion/2016/06/25/576d85aa46163fef468b456c.html

ATHENS_EPIDAURUS_FESTIVAL


 Athens and Epidaurus Festival promises you magical summer nights, full of music, theatre and dance! Over the last 50 years, the Festival has hosted some of the leading lights of music - such as Mitropoulos, Callas, Rostropovich, Pavarotti, Leonidas Kavakos and Dimitris Sgouros, theatre - Rondiris, Koun, Streller, Peter Hall, Noh theatre, Bunraku puppet theatre, the Peking Opera and dance - Balanchine, Pina Bausch, Nureyev, Fonteyn, Martha Graham and Alicia Alonso.
The Festival’s programme involves open-air theatre, opera, classical music and dance at various locations in Athens such as the Athens Concert Hall, Technopolis, Peiraios 260,Hellenic Cosmos Cultural Centre, BIOS and the Benaki Museum. However the festival’s top venue is the 2nd century BC Odeon of Herodes Atticus, formed out of the rocky southern slope of Acropolis Hill. Watch an ancient Greek tragedy, opera or ballet against the magic backdrop of the Acropolis.

Ancient Greek drama is staged at the Epidaurus Ancient Theatre, a two-hour drive southwest of Athens. Enjoy a performance as the ancient Greeks would do in this outstanding architectural monument known for its unique acoustics. Thanks to this festival the Epidaurus Theatre has seen the rebirth of Ancient drama more than half a century ago. Performances are in Greek but in the programme you will find summaries in other languages too and English surtitles for the Festival’s productions. It’s one of those places you need to visit while in Greece!

For further information as well as the programme of the Festival, please visit the Official web site of the Greek Festival. 


http://greekfestival.gr/en/

jueves, 23 de junio de 2016

LUCIAN FREUD. NATIONAL PORTRAIT GALLERY

(1922-2011), Artist

Sitter in 42 portraits
Artist of 5 portraits
Born in Berlin, the grandson of Sigmund Freud, who moved to England at the age of ten. Freud studied at Central School of Art and then the East Anglian School of Painting under Cedric Morris. His first one-man exhibition was at the Lefevre Gallery in 1944. In 1951 Freud won the Arts Council prize at the Festival of Britain and in 1954 his work was shown in the British Pavilion at the Venice Biennale. Freud is celebrated for his clinically raw and intensely observed portrait. His powerful portraits and nudes have kept him at the forefront of British figurative art for more than half a century. Freud was the subject of a major retrospective exhibition at the National Portrait Gallery in 2012. 

http://www.npg.org.uk/collections/search/person/mp01684/lucian-freud

LE CENTRE POMPIDOU PRÉSENTE « BEAT GENERATION »

 Galerie 1 - Centre Pompidou, Paris
Nocturne jusqu'à 23h tous les jeudis soirs
Le Centre Pompidou présente « Beat Generation », une rétrospective inédite consacrée au mouvement littéraire et artistique né à la fin des années 1940 et étendant son influence jusqu’à la fin des années 1960.

C’est tout le Centre Pompidou qui se met à l’heure de la Beat Generation à travers une riche programmation d’événements conçue avec la Bpi et l’Ircam, en écho à l’exposition : lecture, concerts, rencontre, cycle de films, colloque, programmation au Studio 13/16, etc.
La Beat Generation est née à l’initiative de William Burroughs, Allen Ginsberg et Jack Kerouac qui se rencontrent à New York, à Columbia University en 1944. Le mouvement se déplace ensuite sur la côte ouest et gravite autour de la librairie de Lawrence Ferlinghetti à San Francisco, la maison d’édition City Lights et brièvement, autour de la Six Gallery où a lieu, le 7 octobre 1955, la célèbre lecture par Ginsberg de son poème Howl, qui donnera lieu à un retentissant procès pour obscénité et apportera aux poètes beat une célébrité paradoxale. Entre 1957 et 1963, Paris sera un des foyers essentiels de la Beat Generation : William Burroughs, Gregory Corso, Allen Ginsberg, Peter Orlovsky, Brion Gysin, etc. logent régulièrement au Beat Hotel, 9 rue Gît-Le-Coeur, haut lieu de la bohême du Paris d’après-guerre et un véritable laboratoire pour les expérimentations visuelles et sonores. C’est là en particulier que Brion Gysin, William Burroughs et Antony Balch développent la technique du « cut-up », que Burroughs écrit Naked Lunch, et que Brion Gysin invente sa Dreamachine.
Aux États-Unis au lendemain de la Deuxième Guerre mondiale et aux premiers jours de la Guerre froide, l’émergence de cette Beat Generation « scandalisa » l’Amérique puritaine et maccarthyste et préfigura la libération culturelle, sexuelle et le mode de vie de la jeunesse des années 1960. D'abord perçus par la culture dominante comme des rebelles subversifs, les beats apparaissent aujourd’hui comme les acteurs d’un mouvement culturel parmi les plus importants du 20e siècle que le Centre Pompidou se propose de traverser, de New York à Los Angeles, de Paris à Tanger.
L’exposition du Centre Pompidou éclaire le mouvement beat dans un horizon élargi et protéiforme. Les pratiques artistiques de la Beat Generation - lectures, performances, concerts, films... - témoignent d’un décloisonnement des mediums et d’une volonté de collaboration qui met en question la notion de singularité artistique. À côté d’artistes plasticiens majeurs, en particulier issus de la scène artistique californienne (Wallace Berman, Bruce Conner, George Herms, Jay DeFeo, Jess…), une place importante est réservée à la dimension littéraire du mouvement, à la poésie parlée dans les relations qu’elle entretient avec le jazz, à la poésie noire américaine (LeRoi Jones, Bob Kaufman...).
La photographie, essentiellement des portraits, d’Allen Ginsberg et de William Burroughs mais aussi les ensembles de Robert Frank (Les AméricainsFrom the bus…), de Fred McDarrah, de John Cohen, d’Harold Chapman, fait partie intégrante des médiums utilisés par la génération beat. Il en est de même pour le cinéma (Christopher MacLaine, Bruce Baillie, Stan Brakhage, Ron Rice...) dont la pratique a toujours accompagné les développements et l’histoire de ce mouvement.
Cette exposition exploite délibérément des modes de présentation des œuvres sonores et visuelles « low tech » (disques vinyles et tourne-disques, carrousels de diapositives, projecteurs 16 mm...). Elle illustre à quel point la Beat Generation, dans sa liberté d’expression, sa volonté de décloisonnement des disciplines et des cultures, son esthétique pauvre, extatique et contemplative, sa violence aussi, a conditionné les développements ultérieurs des contre-cultures contemporaines, dont elle apparaît comme l’origine et auxquelles elle permet de donner sens.
Commissaire : Mnam/Cci, Philippe-Alain Michaud, Jean-Jacques Lebel


https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/c85EoGa/rr5g9rR

ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE VIENNE, JONAS KAUFMANN JONAS KAUFMANN, DANIELE GATTI

Le 23 juin 2016 - Théâtre des Champs-Elysées - Paris (75008)

Au programme, l’ouverture Coriolan de Beethoven fera office de grand ancêtre, de figure tutélaire, donnant le ton de la soirée. Mort et Transfiguration de Richard Strauss plongera ensuite l’auditeur dans son flux sonore toujours sidérant, les rutilances de l’orchestration étant un miel pour le Wiener Philharmoniker. Enfin, le bouleversantChant de la terre de Gustav ­Mahler sera une forme d’apothéose tragique.
Direction musicale de Daniele Gatti.Par Jonas Kaufmann (ténor).



Un concert enivrant.Voilà sans doute l’une des soirées parisiennes les plus courues de cette saison avec la venue du chef italien Daniele Gatti pour la première fois avenue Montaigne à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Vienne, et en compagnie de la star des ténors, l’allemand Jonas Kaufmann.De plus, cette formation vous propose l’un des plus beaux programmes qui soit puisqu’est ici réuni le cœur de l'histoire et du répertoire de cette phalange : l’héroïque et expressive ouverture Corolian de Beethoven, le sublime poème symphonique Mort et transfiguration de Strauss et le cycle du Chant de la terre de Mahler. Cette symphonie avec voix célébrant tout autant les tourments que les élans de l’âme avec une force expressive rarement atteinte, constitue l’une des pages les plus poignantes de Mahler.

EXPOSITION JOSEF SUDEK – LE MONDE À MA FENÊTRE AU JEU DE PAUME JUSQU’AU 25 SEPTEMBRE 2016

La première grande exposition du travail de Josef Sudek (1896–1976) montre l’intensité de la vie artistique à Prague et – surtout – l’incroyable expressivité du noir et blanc que le photographe maitrisait parfaitement.
Avec 130 tirages d’époque couvrant les 50 ans (et plus) du photographe, cette nouvelle exposition au Jeu de Paume explore l’intimité et la vie du photographe Josef Sudek, commençant dans son atelier et son jardin avant de s’éloigner vers les rues de Prague et la périphérie de la ville.
C’est la perte de son bras pendant la Première Guerre mondiale qui l’a poussé à devenir photographe. Il se réfugie dans la musique et prend sa fameuse série « La fenêtre de mon atelier » avant de s’intéresser à tous les objets de son atelier dans la série « Labyrinthes ».
Ses images sont presque toujours sans personne, avec un travail tout particulier sur la lumière, ou le noir – pour aller en ville, il préfère la nuit.

Même les sujets les plus banales – des rues vides, des fleurs à sa fenêtre, un arbre sans feuilles – sont imbus d’une certaine poésie grâce à leur composition.
La qualité des tirages est aussi extrêmement important pour le photographe qui privilégie le tirage ‘contact’ sans agrandissement, afin de conserver tout le détail et l’authenticité des lieux qu’il parcourt.
Organisée avec l’Institut canadien de la photographie du Musée des beaux-arts du Canada, l’exposition partira à Ottawa en octobre, et un catalogue officiel est disponible (300 pages, 250 illustrations, 40 € ici chez amazon.fr).






http://www.hotels-paris-rive-gauche.com/blog/2016/06/08/exposition-josef-sudek-le-monde-a-ma-fenetre-au-jeu-de-paume-jusquau-25-septembre-2016/

FESTIVALS DE SAINT-DENIS ET ALDEBURGH : DÉMESURE ET GOÛT DU RISQUE



LA CHRONIQUE DE CHRISTIAN MERLIN - Ces qualités ont été mises en évidence ce week-end à l'occasion de représentations originales et magiques.
Quand la démesure d'un créateur rencontre le goût du risque d'un organisateur de festival, cela donne des expériences musicales inouïes. Le mot festival prend alors tout son sens: une fête, qui ouvre à tous les possibles et fait exploser les cadres du concert. Nous venons de vivre coup sur coup deux de ces moments libérateurs, avec à chaque fois l'impression euphorisante de renouveler son écoute. Vendredi, dans le cadre du Festival ...

Retrouvez le Festival de Saint-Denis du 26 mai au 24 juin 2016 avec une quinzaine de concerts classique à la Basilique Cathédrale et à la Légion d'Honneur. Une programation toujours aussi riche et des horizons élargis, coupe du monde oblige. De Mahler à Goran Bregovic, de Bach à Rosemary Standley, des lumières de Stockhausen à l’Hymne à la joie de Beethoven, de « l’équipe des femmes » que Métis met en avant jusqu’aux Amazones d’Afrique en final, sur la « fan zone ». Du monumental, de la poésie et des fanfares, du baroque et du rock, des voix en solo et en grand choeur. Quelques concerts s’inspirent toujours de la Basilique même : pleins feux sur le grand orgue Cavaillé Coll joué par son titulaire Pierre Pincemaille ; deux Requiem, l’un autour de la figure mythique d’Anne de Bretagne dont la Basilique abrite l’un des plus spectaculaires tombeaux, l’autre de Donizetti, rare joyau de Bel Canto confié à Leonardo García Alarcón...

http://www.lefigaro.fr/musique/2016/06/20/03006-20160620ARTFIG00211-demesure-et-gout-du-risque.php

JACQUES CHIRAC ET LES 10 ANS DU QUAI-BRANLY


Avec son musée, Jacques Chirac a fait proclamer à la France que, comme les hommes, les civilisations naissent libres et égales.

C’est une de ces rencontres inédites qui marquent une existence riche, le dernier président français du XXe siècle et une femme née six siècles plus tôt en pays dogon… Le goût de Jacques Chirac pour les chefs-d’oeuvre des civilisations lointaines est resté longtemps méconnu. A l’adolescence, il se passionne déjà pour l’Extrême- Orient, puis viendra l’Afrique… Plus tard, de son côté, Bernadette Chirac reprend des études d’archéologie. Un an après leur arrivée à l’Elysée, au nom de l’égalité des cultures, Chirac exige la construction d’un musée des arts premiers qui, avec ses treize millions de visiteurs, est devenu un des plus fréquentés de France. Sans lui, rien n’aurait été possible : la célèbre institution des bords de Seine s’appellera désormais musée du Quai-Branly-Jacques Chirac.
« Aujourd’hui, quand je vais admirer la grande statue de bois “Djennenké” au musée du Quai-Branly, je me dis que ce chef d’oeuvre absolu n’a rien à envier à la “Vénus de Milo” », raconte Jacques Chirac dans ses Mémoires. A 18 ans, il découvrait l’art nègre dans l’atelier du peintre Fernand Léger. Le président n’a rien oublié de ses passions. Mieux, il les a érigées en symboles d’ouverture sur le monde. Et prouvé que la défense des valeurs humanistes passe aussi dans les musées. En 2003, au Mali, il est intronisé hogon, le statut qui correspond, chez les Dogons, à celui de sage suprême.

https://www.google.es/#q=parismatch.com%2FCulture%2FArt%2FJacques-Chirac

miércoles, 22 de junio de 2016

OLAFUR ELIASSON ET VERSAILLES


« Historiquement, la cour était à Versailles un lieu d’observation constante – de soi-même et des autres – les strictes normes sociales de l’époque étaient maintenues au moyen d’un réseau de regards. L’architecture baroque du Château servait à accroître la visibilité, devenant l’admirable instrument d’un pouvoir exercé exclusivement par le Roi. Aujourd’hui, nous portons sur Versailles un regard différent, et quand je le visite, je me demande comment vous, visiteur, voyez ce site emblématique. Quel effet provoque-t-il sur vous ? Sommes-nous tous devenus des rois ? Le Versailles dont j’ai rêvé est un lieu qui responsabilise chacun. Il invite les visiteurs à prendre le contrôle de leur expérience au lieu de simplement consommer et être éblouis par la grandeur. 

Il leur demande d’ouvrir leurs sens, de saisir l’inattendu, de flâner à travers les jardins, et de sentir le paysage prendre forme à travers leur mouvement. Pour mon exposition cet été, je réalise dans le château une série de subtiles interventions spatiales en déployant des miroirs et des lumières ; dans le jardin, j’utilise le brouillard et l’eau pour amplifier le sentiment d’impermanence et de transformation. Les oeuvres diluent l’agencement formel des jardins tout en faisant revivre une idée originale, jamais réalisée, du paysagiste André Le Nôtre : l’installation d’une cascade dans l’axe du Grand Canal. Cette cascade qui ravive l’ingéniosité de l’ingénierie du passé est aussi construite que l’était la cour ; j’ai laissé ses éléments de construction à la vue de tous, apparemment étrangers ils étendent la portée de l’imagination humaine.»


http://www.chateauversailles.fr/a-la-une/evenements/evenements/expositions/olafur-eliasson

ANTONIO LOPEZ: FUTURE FUNK FASHION

On View: June 14, 2016 – November 26, 2016

El Museo del Barrio is pleased to present an exhibition on the work of the fashion illustrator Antonio Lopez (1943-1987). This exhibition will explore various aspects of the work of this important artist, developing thematic sections that focus on high fashion illustration, his relationship to particular models, his shoe and jewelry designs, and images of people he came to know and love from the streets of New York City.
Antonio Lopez was born in Utuado, Puerto Rico on February 11, 1943. The family migrated to New York City when Antonio was seven and he attended P.S. 77 on East 104th Street. To keep her son off the streets, Lopez’s mother, a seamstress, would ask him to draw flowers for her embroideries. He also helped his father, a mannequin maker, to apply make-up and stitch wigs on the figures. At the age of twelve, Lopez earned a scholarship to the prestigious Traphagen School of Fashion in New York, which provided Saturday programs for children. He went on to attend the High School of Art and Design. Upon graduation, Lopez was accepted to the Fashion Institute of Technology.


Lopez went on to illustrate fashions for Women’s Wear Daily and The New York Times and eventually became a free-lance artist for many of the top fashion publications, including Vogue, Harper’s Bazaar, Elle and Andy Warhol’s Interview. He is known to have “discovered” or formed lasting friendships with women like Pat Cleveland, Tina Chow, Jerry Hall, Grace Jones and Jessica Lange. He collaborated with the noted designer Charles James, creating an illustrated inventory of Charles’ fashion designs (now in the collection of the Chicago History Museum). With his friend and business partner, Juan Ramos, Lopez moved to Paris where they both worked with Karl Lagerfeld and many other designers.
Through his work, Lopez made great strides in exploring and representing the ethnic or racialized body within the world of high fashion. His imagery helped to develop and underscore a new canon of beauty throughout the 1970s and 1980s. He died in Los Angeles of complications related to AIDS on March 17, 1987 at the age of 44.
A team of art historians, scholars of fashion history, gender and communications studies and other experts will participate in the organization of this exhibition. The show’s co-curators are Rocío Aranda-Alvarado, Curator at El Museo del Barrio and Amelia Malagamba-Ansótegui, a scholar from Arizona State University and University of Texas San Antonio. In 2003, Dr. Malagamba wrote an important essay on Antonio Lopez for the Smithsonian Institution, which continues to be a key text today for the ways in which it explores Antonio’s attentiveness to race, gender and the body.
A selection of works in the exhibition come from the Estate of Antonio Lopez and Juan Ramos, directed by Paul Caranicas. Additional works are borrowed from various private collections in New York City.

http://www.elmuseo.org/antoniolopez/

IRIS APFEL VESTIDA PARA UNA GALA DE ALTA MAR


Decoró la Casa Blanca para nueve presidentes, estadounidenses, pero, a su 94 años, el mejor trabajo de Iris Apfel sigue siendo su propia vida.


 La imagen que estoy mirando, y que lleva como hermoso pie de foto la información que da título a este texto, no retrata a Iris Apfel, sino a su madre, en la que fue su primera singladura hacía Europa en 1952 o 53 (ella misma lo duda), a bordo de un transatlántico. Cubriría esa distancia muchas veces más, preferentemente a bordo de buques italianos o franceses, “para comenzar antes la aventura del viaje”, como ella misma explica, y en compañía de su inseparable socio, compañero, amante y esposo Carl. Después, la incansable viajera que también fue se acabó acostumbrando a los aviones aunque no sin cierto disgusto, ya que pensaba, con razón, que la travesía es con frecuencia más importante que la llegada.
Todo en esta singular dama neoyorquina parece milagrosamente dotado de personalidad, estilo e inteligencia, incluida, claro está, su madre, que luce bajo estampados de muy sutil transparencia a la puerta de su camarote como digna antecesora de su fabulosa hija. Con el tiempo (Iris ha cumplido ya los 94), esta inagotable decoradora, creadora y verdadero icono del estilo (que es más que la moda) no ha dejado de sorprender ni de mejorar el mundo que ha tenido la enorme fortuna de contar y disfrutar de su presencia. Nueve presidentes de Estados Unidos han disfrutado de su sabiduría, de Truman a Clinton, a la hora de encontrarse en esa extraña Casa Blanca como en su propia casa, en un esfuerzo que ella misma define como una tarea mezcla de restauración y decoración. Y ese es sólo uno de sus muchos méritos. Al respecto comenta que, habiendo conocido a cada uno de esos nueve presidentes y sus respectivas primeras damas, fue con Pat Nixon con quien más cerca colaboró, pues a los y las demás apenas les interesaba el hogar como territorio, incluida Jackie Kennedy.
Revisando el libro editado por Eric Boman en 2007, titulado Extraño pájaro de la moda, que heredaba de alguna forma el nombre de la exposición que el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York le dedicó en 2005, Rara avis, más allá de las increíbles imágenes de la vida y obra de Iris, lo que más me sorprende, y después fascina, es el relato autobiográfico que ella escribe, lleno de reflexiones e iluminaciones que van más allá de la decoración o la moda, hasta convertirse en un reflejo perfecto de su exquisita inteligencia, dotada, como no podría ser de otra forma, de un abrasador sentido del humor. “Casi todas las mujeres que ocupan las listas de las mejor vestidas suelen ir muy mal vestidas”. “El estilo es casi imposible de definir, pero lo voy a intentar. Como el carisma, sólo lo reconoces cuando lo ves. No muchos lo poseen, y a diferencia de la moda, no se puede comprar”. “Nunca te tomes a ti mismo, o a lo que llevas puesto, demasiado en serio”. “Piensa fuera de la caja, y guárdalo en tu bolso”. “Los animales siempre me han aconsejado bien en asuntos de moda: si es bueno para un caballo, es bueno para mí”. “La joyería y complementos para elefantes sientan sorprendentemente bien”…
“El estilo es casi imposible de definir, pero lo voy a intentar. Como el carisma, sólo lo reconoces cuando lo ves. No muchos lo poseen, y a diferencia de la moda, no se puede comprar”
Así va desgranando Iris su conocimiento, basado en la aventura y la intuición, alrededor del elusivo asunto del estilo y la personalidad, en un universo tan carente de ambos pilares como suele serlo el de la moda o, para el caso, el de la decoración de interiores. En una ocasión, relata ella misma, encontró unos preciosos vestidos estampados en una tienda barata de segunda mano, no creyendo su suerte, decidió llevárselos todos a un precio risible y por tanto irresistible. Cuando la vendedora le preguntó si no iba a probárselos, respondió que no hacía ninguna falta. La vendedora insistió: “¿Y si después no le entallan?”. “Qué demonios  respondió ella–, si no me entallan, me haré almohadas.”
Y es que, si algo ha sabido siempre Iris Apfel y nos ha sabido contar con su presencia y su trabajo, es que nada le sienta mejor a una mujer que su propio ingenio.

Escribo estas líneas mirando al mar, escuchando un disco de Captain Beefheart, soñando con una mujer en un barco que es capaz de descubrir en cada cosa algo propio, algo útil, algo hermoso.


http://www.magazinefa.com/24-7/senoras-estupendas/iris-apfel-vestida-para-una-gala-de-alta-mar/

MORT DE BENOÎTE GROULT, GRANDE FIGURE DU FÉMINISME



La romancière et essayiste Benoîte Groult, figure du féminisme français, est morte, a annoncé, mardi 21 juin, sa famille.

Ce 31 janvier 1920, André et Nicole Groult attendaient leur premier enfant, un petit Benoît. Mais c’était une fille. Alors ce fut Benoîte. Quatre ans plus tard viendrait une autre fille, Flora. Ce prénom de Benoîte fut jugé trop rude pour une petite fille, et on lui substitua Rosie. Rosie attendra la fin de son adolescence pour comprendre que Benoîte, plus sec, moins mièvre, lui convenait beaucoup mieux. Sa mère, sœur du grand couturier Paul Poiret, était créatrice de mode. Elle avait, outre son mari, de nombreux admirateurs, des amitiés féminines, voire des amours, dont Marie Laurencin, qui était la marraine de Benoîte. Elle a transmis à sa fille son « goût forcené de la vie »« J’admirais ma mère en bloc, écrit Benoîte Groult dans Mon évasion(Grasset, 2008), son autobiographie. Mais tout ce qu’elle faisait en détail me hérissait : j’avais horreur de la mode des chapeaux, des robes de la clientèle, horreur des réceptions, des grands dîners. »
C’était Flora, la cadette, une belle blonde, qui aimait les robes créées par sa mère. Benoîte n’en était pas jalouse, elle a toujours gardé une tendresse pour sa sœur, elles ont écrit des livres ensemble, elle a été proche d’elle jusqu’à sa mort en 2001, après une longue maladie d’Alzheimer. Nicole avait une fille à son image, Flora, et le père, André – décorateur qui s’était spécialisé dans le travail du galuchat –, avait Benoîte, qui partageait son goût de l’effort physiqueet intellectuel, et, comme lui, aimait la Bretagne, que Nicole détestait. Benoîte Groult a eu jusqu’à la fin de sa vie une maison en Bretagne.
Révolte instinctive
A l’adolescence, Benoîte ne s’est pas contentée de se désintéresser de ses vêtements, elle s’est employée à devenir laide, comme elle l’a rappelé dans le livre où elle affirmait son féminisme, Ainsi soit-elle (Grasset, 1975) : « L’idée que mon honorabilité future, ma réussite en tant qu’être humain passaient par l’obligation absolue de décrocher un mari, et un bon, a suffi à transformer la jolie petite fille que je vois sur mes photos d’enfant en une adolescente grisâtre et butée, affligée d’acné juvénile et de séborrhée, les pieds en dedans, le dos voûté et l’œil fuyant dès qu’apparaissait un représentant du sexe masculin. »Mais cette révolte instinctive était encore loin d’une prise de conscience de la nécessité de s’affirmer féministe pour combattre un destin de femme tracé d’avance.
Quand Benoîte a 23 ans, en 1943, sa mère s’inquiète déjà de la voir « coiffer Sainte-Catherine » si elle ne se fait pas épouser avant 25 ans. Après avoirmanqué « un beau parti », le fils de l’écrivain Georges Duhamel, elle se fiance avec un étudiant en médecine, Pierre Heuyer. Ils se marient le 1er juin 1944, après le séjour de Pierre Heuyer dans un sanatorium. On le dit guéri de sa tuberculose, mais un mois après son mariage, il rechute, et meurt quarante jours plus tard. Jeune veuve dans Paris libéré, Benoîte refuse de se laisser aller au chagrin et rejoint, avec Flora, les bénévoles qui font visiter Paris aux Américains. Elle tombe amoureuse d’un des soldats, mais ne souhaite pas le suivre en Amérique. Ils gardent cependant une relation amoureuse, qu’elle racontera, en faisant de cet homme un marin pêcheur, dans son roman Les Vaisseaux du cœur, en 1988 (Grasset & Fasquelle).
« RIEN NE CHANGERA PROFONDÉMENT AUSSI LONGTEMPS QUE CE SONT LES FEMMES ELLES-MÊMES QUI FOURNIRONT AUX HOMMES LEURS TROUPES D’APPOINT, AUSSI LONGTEMPS QU’ELLES SERONT LEURS PROPRES ENNEMIES »
En dépit de ce veuvage précoce et de la rencontre avec l’Américain, Benoîte se remarie très vite, en 1946, avec un séduisant journaliste, Georges de Caunes. Ils ont eu deux filles en deux ans, Blandine et Lison, et leur mariage ne dure pas bien longtemps. Bien que Benoîte fasse de lui un magnifique portrait dans Mon évasion, il préférait de loin les soirées entre copains à la compagnie de sa femme. Avoir deux filles était peu gratifiant pour un « macho », mais Benoîte ne voulait plus d’enfant de lui, elle a préféré avorter, dans des conditions qu’elle raconte dans Mon évasion, et qui semblent aujourd’hui d’une barbarie d’un autre âge.
Enfin, si l’on peut dire, elle épouse, après son divorce, Paul Guimard, avec lequel elle restera jusqu’à la mort de celui-ci, le 2 mai 2004. Il avait un autre charme que celui de Georges de Caunes : une incurable nonchalance, un dédain absolu pour ce que les autres nomment le travail. Benoîte Groult savait qu’il « n’avait pas fait vœu de monogamie » et que tout ne serait pas facile. Mais avec lui a commencé une autre vie, qui l’a menée vers son destin de romancière et de féministe. Ils ont eu une fille, Constance, car Benoîte voulait un enfant de l’homme qu’elle aimait.
De tous les combats
Encouragées par Paul Guimard, Benoîte et Flora Groult publient en 1962 Journal à quatre mains, chez Denoël. Le livre est bien accueilli. Il est donc suivi, chez le même éditeur, par Le Féminin pluriel (1965) et Il était deux fois (1968). Mais Benoîte sent qu’on veut l’enfermer dans la « littérature féminine » et, de nouveau avec le soutien de Paul Guimard, elle publie en 1975 Ainsi soit-elle (Grasset) (qui aura une nouvelle édition, préfacée par elle, en 2002). Elle était un peu désarçonnée par la radicalité des jeunes féministes, après 1968, et elle a décidé de dire les choses à sa manière. Son livre a non seulement libéré les femmes de son âge – elle leur parlait d’elles, de leur excès de complaisance à l’égard de leurs maris, de leur sens du sacrifice –, mais a permis à ces femmes, qui étaient les mères de jeunes féministes se disant « révolutionnaires », de mieux comprendre leurs filles.
Comme Simone de Beauvoir au moment du Deuxième Sexe (Gallimard, 1949), Benoîte Groult croyait que ses filles allaient être épargnées par ce qu’elle avait vécu, mais elle ajoutait une réflexion que les femmes peuvent encore méditer : « Rien ne changera profondément aussi longtemps que ce sont les femmes elles-mêmes qui fourniront aux hommes leurs troupes d’appoint, aussi longtemps qu’elles seront leurs propres ennemies. »
Après ce coup d’éclat, Benoîte Groult, internationalement reconnue, n’a jamais baissé les armes, participant à tous les combats des femmes et s’engageant même dans une lutte qui divisait les féministes, celle de la féminisation des noms de métier. De 1984 à 1986, elle préside la Commission de terminologie pour la féminisation des noms de métiers, de grades et de fonctions, créée par Yvette Roudy, alors ministre des droits des femmes. Ce combat-là aussi, elle l’a gagné, et, désormais, celles qui détestent se voir qualifiées d’« écrivaines » ou d’« auteures » y sont contraintes, contre leur gré.
Après Le Féminisme au masculin, en 1977 (Grasset), Benoîte Groult est revenue au roman avec Les Trois Quarts du temps, en 1983, puis Les Vaisseaux du cœur, en 1988, cette histoire d’amour « parallèle », cette affirmation de liberté amoureuse et sexuelle dont on sentait qu’elle était autobiographique, et qui a choqué certaines personnes conventionnelles. Ensuite sont venus Pauline Roland ou comment la liberté vint aux femmes (Robert Laffont, 1991), Cette mâle assurance (Albin Michel, 1993) et un premier essai d’autobiographie, Histoire d’une évasion (Grasset, 1997).
« Un goût forcené pour la vie »
Puis Benoîte Groult s’est interrompue pendant presque dix ans, au point que, lorsqu’elle a publié La Touche étoile, en 2006, Grasset, son éditeur, était perplexe. N’avait-elle pas été un peu oubliée ? C’était ne pas comprendre qu’en trente ans, on était passé de la question « Comment avoir, ou non, un enfant ? » à « Comment vieillir ? » et « Comment mourir ? ». La Touche étoile a été un énorme succès. Benoîte Groult y parle de la vieillesse « qu’on ne peut pas dire », car ce serait « chercher à décrire la neige à des gens qui vivent sous les tropiques. Pourquoi leur gâcher la vie sans soulager la sienne ? »Elle qui a rejoint l’Association pour le droit de mourir dans la dignité est indignée par les propos qu’on lui tient sur la mort :
« Réclamant le droit de choisir ma mort comme j’avais réclamé autrefois celui de donner ou non la vie, voilà que je me retrouvais dans la même position de quémandeuse devant la même nomenklatura ! Voilà qu’on me parlait comme à une petite fille, alors que j’avais le double de l’âge de tous ces médecins et n’étais plus coupable que d’avoir trop vieilli à mon goût ! Ma vie n’était donc plus à moi ! »
Forte de ce succès, elle a repris, revu et complété son autobiographie, sous le titre Mon évasion (2008). On y retrouve une femme qui a constamment cultivé ses passions et son amour des maisons, en Bretagne, à Hyères, en Irlande. On partage les longues parties de pêche avec Paul Guimard, leurs virées en bateau. Elle réaffirme son désir, toujours, d’alterner grands combats, engagements politiques – Paul Guimard et Benoîte Groult furent des proches de François Mitterrand – et petits plaisirs de l’existence : une escapade en mer, un dîner entre amis. En un mot, et reprenant l’adage de cette mère pour laquelle elle avait pourtant des sentiments mêlés, Benoîte Groult transmet à ses lecteurs un beau message : « Avoir un goût forcené pour la vie ».


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