Le 28 décembre 1895, la toute première projection publique
organisée par les frères Lumière, précurseurs du cinéma, avait lieu à Paris.
C'est l'histoire d'une grande première, avec,
d'abord, le son d'un projecteur. Sur le boulevard des Capucines, à Paris, des images animées de deux
forgerons sont projetées sur un mur, le 28 décembre 1895, dans le salon indien
du Grand Café. Trente trois spectateurs ont payé 1 franc pour assister à la
toute première projection publique du cinématographe Lumière. Au programme :
dix films d'à peine une minute chacun.
L'invention du
cinématographe
Peu convaincus avant de pénétrer dans la salle, les trente trois
premiers spectateurs vont être bluffés. Les frères Auguste et Louis Lumière
sont à l'origine de cet événement qui marque la genèse du septième art.
Passionnés de photo, ils ont inventé le cinématographe, un appareil permettant
de restituer une image animée à partir d'une pellicule photographique. Ils vont
s'entraîner à filmer ce qu'ils voient autour d'eux. Le 13 février 1894, les deux frères déposent officiellement le brevet
Lumière. "Lumière invente une machine qui filme, et il invente une
machine, la même, qui projette. Il invente une technique, un art, le cinéma
dans les salles et il invente aussi le public, ou plutôt, c'est le public qui
va inventer le cinéma", explique Thierry Frémaux, directeur de l'Institut
Lumière.
Landesausstellung 2020 - Ein Jahrhundert
Salzburger Festspiele! Grund genug für das Salzburg Museum, sich in einer
Landesausstellung in der Neuen Residenz diesem Jubiläum zu widmen. Gezeigt
werden neben der Chronologie der Festspiele auch Dokumente, Geschichten und
Originalstücke aus Inszenierungen der letzten 100 Jahre.
Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Festspiele
Im Salzburg Museum in der Neuen Residenz findet die
Landesausstellung anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Salzburger
Festspiele statt. Auf einer Ausstellungsfläche von 1.800 m² gibt sie Einblick
in die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Kulturfestivals. Neben der
künstlerischen und kulturellen Entwicklung der Festspiele zeigt die Exposition
auch den historischen, politischen und wirtschaftlichen Kontext der Entwicklung
der Stadt Salzburg selbst.
Ort der Begegnung
Max Reinhardts Überzeugung folgend, dass ein Theaterstück in
intensivem Austausch mit dem Publikum stehen muss, wurde die Ausstellung als
Bühnenstück in vier Kapiteln angelegt. Während Kapitel 1 "Großes
Kino" die Gäste filmisch willkommen heißt und in die Geschichte der
Salzburger Festspiele einführt, stellt Kapitel 2 mit dem Namen "Das
Archiv" in der prächtigen Max-Gandolph-Bibliothek das Herzstück der
Ausstellung dar. Darin werden anhand von 100 Dokumenten wie Fotos, Film- und
Tondokumenten, Requisiten und vielem mehr 100 Jahre Festspielgeschichte
anschaulich erzählt. In Kapitel 3 "Begegnung im Dialog" entsteht
durch die unterschiedlichen Perspektiven von Künstlern sowie verschiedenen
Institutionen - wie dem Jüdischen Museum Wien, dem Theatermuseum Wien, dem
Landesarchiv Salzburg und den Wiener Philharmonikern -ein Dialog, der das Phänomen der Salzburger
Festspiele auf allen Ebenen greifbar macht. Kapitel 4 "On Stage"
verwandelt die Kunsthalle des Salzburg Museum während der gesamten Laufzeit der
Ausstellung in eine Bühne, auf der Menschen, die eng in Verbindung mit den
Salzburger Festspielen stehen, zu Wort kommen.
Führung durch die Landesausstellung
Museum als Bühne! Die facettenreiche
Highlight-Führung zur Landesausstellung gibt jeden Donnerstag um 18 Uhr und
jeden Samstag um 10.30 Uhr Einblicke in die Geschichte und Bedeutung der
Salzburger Festspiele bis in die Gegenwart.
Wann findet die Landesausstellung statt?
Vom 26. Juli 2020 bis zum 31. Oktober 2021. Besuchszeiten sind
immer von Dienstag bis Sonntag zwischen 9 und 17 Uhr.
Wo findet die Landesausstellung statt?
Im Salzburg Museum in der Neuen Residenz am
Mozartplatz.
Was zeigt die Landesausstellung „Großes
Welttheater“?
Ziel ist es, Besuchern die Gründung und
Geschichte der Salzburger Festspiele näher zu bringen sowie spannende Rückblicke
und Ausblicke zu bieten.
Wie viel kostet der Besuch der
Landesausstellung?
Für Erwachsene kostet der Eintritt € 9,
Jugendliche zwischen 16 und 26 Jahren zahlen € 4. Kinder zwischen 6 und 15
Jahren zahlen € 3. Für Kinder bis 6 Jahre sowie Besitzer der Salzburg Card ist
der Eintritt frei.
In the midst of all the affluence and surplus
of our times, an alarming phenomenon is becoming rampant: more and more people
are bogged down in the quagmire of a profound spiritual and existential feeling
of insecurity and discouragement. They are retreating from life, searching for
substitute forms of satisfaction in sheer consumption or dubious mass
movements. In other words, material affluence is mirrored as spiritual and
existential impoverishment.
Alexander Batthyány has been examining the reasons for this
development. In his book he makes practical and scientifically based
suggestions on how to escape this attitude of indifference. Every one of us is
called upon to face up to the flow of living and participating in life. If we
do, there is a surprise in store for us: our wealth does not result from what
we get but from what we are prepared to give.
MUSIKVEREIN,
CONCERTO DE AÑO NUEVO. DIRECTOR, RICCARDO MUTI
Con un repertorio
con varias partituras desconocidas en los conciertos de Año nuevo, Riccardo
Muti, en transmisión a casi 100 países, cerca ya de los 80, dirigió en inglés
un mensaje al público ausente de la sala este año por la pandemia y sobre todo
a los políticos y mandatarios internacionales, resaltando, como suele, el papel
de la salud, pero sobre de la salud psíquica y la cultura para las sociedades.
Saludó con la
orquesta Filarmónica de Viena y agradeció con un "Grazie".
Muchas obras
burbujeantes, otras canónicas y unos arreglos vieneses a partir de La traviata
y Rigoletto, italianizantes, tradiciones de su país, a las que el maestro
napolitano no sabe ni quiere renunciar (Nuevas melodías, de Strauss hijo). Además, en la primera parte, Fatinitza, de von Suppé, las polcas Niko de Johann hijo y Ohne Sorgen de Josef Strauss. También, Grubenlichter de Carl Zeller e In Saus und braus de Carl Millöcker. En la segunda parte, las ensoñaciones de la obertura de Poeta y Campesino de von Suppé, con las destacadas intervenciones de la arpista Charlotte Balzereit, absolutamente entregadas la mirada y la atención al maestro Muti, y luego, Las chicas de Baden, la polca Margherita, el galop Veneciano, precioso y las Voces de Primavera. No faltaron tampoco el vals El Emperador y las polcas Tempestuoso en el amor y la Furioso. la segunda parte, todo un terremoto, con brío y fuerza. Pura sangre napolitana en el concierto vienés.
También hubo ballets (con coreografías del español José Carlos Martínez) y escenarios naturales dedicados a los 100 años de la ciudad húngara que en
1921 pasó a Austria, con simuladas fotos de época, personajes históricos,
música en vivo y visitas a casas y palacios tradicionales de la zona, como la
mansión de Adolf Loos o el Hofburg, el palacio de los emperadores de
Austria-Hungría para el invierno, con sus habitaciones y los cuadros de
Winterhalter dedicados a Sissi.
Las flores, este
año, no vinieron de San Remo, en Italia, sino de los viveros de la propia
Austria. En tonos de colores naranjas, amarillos y rojizos, en consonancia con
los dorados tradicionales de la sala.
El concierto terminó
con el Danubio Azul y posteriormente con la Marcha a Radetzky. Muti nunca pudio
ejercer más de igual y fiel a sí mismo. Los músicos, a pesar de la duración del
concierto, casi dos horas y media, encantados, sonrientes y entregados al
director de 2021, un año para la esperanza.
El año que viene,
dirigirá el Concierto de Año Nuevo, otro mito y 0tra leyenda, Daniel Barenboim.
Alicia Perris
IN ENGLISH:
Also in 2021, despite coronavirus: the Vienna
Philharmonic is giving its New Year's Concert in the Golden Hall of the
Musikverein. The whole world looks on and joins in the celebrations of the
first day of the new year.
Perhaps the most famous concert in the world
is broadcast by television to an audience of millions in over 90 countries.
There can't be any audience participation in the hall this time due to the
coronavirus regulations, but the Vienna Philharmonic won't have to go entirely
without applause.
The New Year's Concert by the Vienna
Philharmonic combines the best of the best: The cheerfully lively, but also
somewhat reflective program of music with compositions by the Strauss dynasty
and its contemporaries, ensures a good start to the still young year. The most
Viennese music ever written is performed, from the waltz to the polka,
interpreted with artistically value.
The musicians play right at the top of the
league of leading international orchestras - they are the Vienna Philharmonic.
The conductors are also amongst the best in the world. A different conductor is
invited each year, including Christian Thielemann (2019), Andris Nelsons (2020)
and Riccardo Muti (2021 - for the sixth time!).
The New Year's Concert is held in the
Musikverein, the center of classical music for music fans in Vienna. The Grand
Hall is also called the Golden Hall. It is considered to be not only one of the
most beautiful halls in the world, but also one of the best in terms of
acoustics. For the New Year's Concert, the hall, which is built in the
historical style based on the model of antiquity, is decorated with wonderful
flower arrangements. Columns, caryatids and gable reliefs create the impression that a
temple of music has been created here.
Goodbye, 2020. I wish I could say it was great but don’t let the door hit you on the way out. ☔ Today, we switched things up and published December’s Sunday Edition on Wednesday in anticipation of New Years Day tomorrow.
Editor Seph Rodney takes the lead in this edition and we invited Hyperallergic staff to contribute essays that reflect on their work and lives during this tumultuous year.
For my contribution I wrote about the elephant in the room I was forced to confront after months of working from home and wrestling with the financial realities around me.
—Hrag Vartanian, editor-in-chief
"The Wig: A Hairbrained History" explores the wig as a
tool for gender bending, seduction, and disguise in a collection of fanciful
short essays.
by Lauren Moya Ford
Andy Warhol Holding
a Can of Vidal Sassoon Hairspray (photo by A. Unangst Ltd/Corbis via Getty
Images)
What’s something that Queen Nefertiti, Andy
Warhol, and the tennis star Andre Agassi have in common? They all wore wigs.
Far from mere embellishments, these wigs made history: the beautiful Nefertiti
wore wigs to mask her baldness; one of Warhol’s iconic silvery wigs sold at a
2006 Christie’s auction for over $10,000; and Agassi blames a loose, leonine
wig for his unexpected French Open loss in 1990. Wigs bestow their wearer with
beauty, power, and youth. They are tools for gender bending, seduction, and
disguise. So why not write a book about them? Originally published in Spanish
in 2014, The Wig: A Hairbrained History by the Mexican poet and writer Luigi Amara
was just published by Reaktion Books in an English translation by Christina
MacSweeny, exploring the wig’s silly, sexy, and serious strains in a collection
of fanciful short essays.
An uncommon subject of study, the wig has been
“generally disdained as superfluous, and unconditionally expelled from the
realm of the thinkable,” Amara notes. His book reads like an extended
brainstorm about the topic, examining the wig through the lens of visual arts,
popular culture, and film. Amara unearths some fascinating, forgotten material,
like the overconfident Versailles master wigmaker André Charles, who proudly
sent one of his amateur dramas to Voltaire only to receive the reply, “Master
André, make wigs, always wigs, nothing but wigs,” written a thousand times over
four pages. And we learn about the painter Oskar Kokoschka’s handmade, lifesize
fetish doll made of feathers and an auburn wig — his replacement for a wayward
lover. The range of subjects in Amara’s book is expansive, eclectic, and
inventive. In one chapter, he reflects on the otherworldly, erotic charge
behind the wigs of futuristic 1960s space movies and TV series like Barbarella
and UFO. In another, he ruminates on hair as an ancient symbol of fertility via
the towering, outlandish wigs that preceded the French Revolution, which Amara
writes “could be said to prefigure dioramas and the concept of the World Fair.”
But as Amara’s title indicates, the element of history in his book
is tangled. Although fascinating historical characters and events loosely
structure his chapters, for Amara, history serves as a secondary scaffolding to
attach his thoughts and musings to. The essays don’t follow a chronological or
thematic order and, at times, the author’s curious jumps between topics border
on distractingly nonsensical.
It’s obvious that Amara isn’t aiming at orthodoxy: his short works
cited list is cheekily titled “Bedside Reading.” However, a more cogent sense
of wig history — dates, timelines, materials, and techniques — would make for
more engaging reading. Part of the issue also stems from Amara’s idiosyncratic
writing style. Depending on the reader’s disposition, his prose comes off as
whimsical, tiresome, or both. (MacSweeny does a commendable job with Amara’s
loopy language, preserving puns and alliterations, like Warhol’s “filamentary
finery,” that pepper the text.)
It’s clear that for Amara, the wig is an excuse to ponder, wander,
and lose himself to flights of fancy. But he’s often close to losing the reader,
too.
Modelos, políticos y personalidades del mundo de la cultura y de la moda han recordado en sus redes sociales al diseñador francés, quien falleció este martes a los 98 años
Modelos, políticos y personalidades del mundo de la cultura y de la moda en Francia rindieron homenaje en las redes sociales al diseñador de moda francés Pierre Cardin, quien falleció el martes a los 98 años de edad en un hospital de Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
«Modisto, diseñador, embajador de Francia, académico, mecenas, a lo largo de su vida, Pierre Cardin ha realizado una obra formidable. Gracias, señor Cardin, por haberme abierto las puertas de la moda y hacer hecho mi sueño posible…», escribió en Twitter el diseñador de moda francés Jean-Paul Gaultier.
Après The Crown, Netflix s’attaque à l’univers de la Régence
anglaise avec La Chronique des Bridgerton, inspirée des romans à l’eau de rose
de l’Américaine Julia Quinn. Un conte acidulé comme une friandise de Noël, qui
n’est pas sans rappeler les Angélique et autre Sissi de notre enfance.
En ce début de XIXe siècle, Londres est en émoi. La délicieuse
Daphné Bridgerton, publiquement courtisée par le non moins charmant duc
d’Hastings, semble hésiter. Il se chuchote qu’un autre brillant parti s’est
déclaré... "Après tout, pourquoi se contenter d’un duc quand on peut
avoir un prince?", résume en peu de mots lady Whistledown, auteure anonyme
d’un feuillet mondain qui bruisse des cancans de cette société toute entière
livrée aux plaisirs, aux calculs et aux jeux des alliances.
Bienvenue dans La Chronique des Bridgerton! La nouvelle création
Netflix, réalisée par Shonda Rhimes, est proposée aux abonnés pour Noël. Une
saga qui doit autant à Gossip Girl qu’à l’univers romantique de Jane Austen. Et
qui compte bien surfer sur la vague des fictions historiques, dans la lignée
des succès récents, The Crown en tête.
Car les séries en costumes n’en finissent plus de séduire les
téléspectateurs, et avec eux les chaînes de télévision trop heureuses de ce
filon inépuisable. À commencer par la très sérieuse Histoire TV qui n’hésite pas
à reprogrammer chaque année des classiques, tels Les Rois maudits de Claude
Barma, sorti en 1972.
"À chaque fois qu’on les diffuse, les audiences sont
extraordinaires! C’est un phénomène. Un peu comme quand une chaîne hertzienne
reprogramme La Grande Vadrouille", raconte Christophe Sommet, directeur
des chaînes thématiques du groupe TFI, dont Histoire TV. "Même les jeunes
sont séduits. Car ils ont adoré Game of Thrones et redécouvrent le Moyen Âge
chez nous. Les géants comme HBO, Netflix ou Amazon sont des concurrents,
certes, mais aussi des ambassadeurs de l’histoire auprès de la nouvelle
génération." Autre succès d’audience, la série The Hollow Crown de Sam
Mendes, sortie en 2017, et récompensée par quatre Bafta. Ou l’art d’adapter
Shakespeare avec brio.
Mais de Vikings à Tudors, de Rome à Versailles, la fiction ne
s’embarrasse pas toujours de la réalité historique. Un mal pour un bien? Dans
La Chronique des Bridgerton, de puissants personnages de la bonne société
anglaise sont joués par des comédiens de couleur, tel le duc d’Hastings,
interprété par l’acteur Regé-Jean Page, natif du Zimbabwe. Un joli moyen de
rassembler tous les publics. Car la série historique assume son côté
romanesque, loin des exigences du documentaire.
"Le terme de fiction a toute son importance", rappelle
Mathieu da Vinha, directeur scientifique au Centre de recherche du château de
Versailles et conseiller de la série Versailles diffusée sur Canal+ à partir
de 2015. Dès 2009, il relit et corrige les scénarios... sans avoir toujours le
dernier mot. "J’ai travaillé avec les acteurs, mais aussi les équipes
techniques sur les costumes, les coiffures, les décors et jusqu’aux
manières." Révérence ou pas? Le succès de la série est international,
malgré les critiques des puristes. "Les gens ne sont pas bêtes. Le ton
était résolument moderne. Canal+ ne voulait surtout pas faire un film de cape
et d’épée." Les fans ne devraient pas être déçus: Canal+ a déjà promis une
série sur Marie-Antoinette...
With "The Lotus Effect", the Rubin Museum of Art invites
participants to stop and recenter.
by Dessane Lopez
Cassell
From The Lotus Effect, Rubin Museum of Art, 2020 (all images
courtesy the Rubin Museum of Art; photo by David De Armas)
In Tibetan Buddhism, lotus flowers have long been symbolic of
rising above, be it the muddy waters these blooms spring from, or more
corporeal or philosophical challenges. Associated with purity, transformation,
and a sense of awakening, these flowers are thought of as testaments to the
ability of beauty to rise above the muck.
Needless to say, this year has been filled
with more muck (and other dark descriptors) than others. This prompted the
Rubin Museum to launch The Lotus Effect, a “participatory installation for
times of transformation” during the months when the museum was closed to the
public. Now in its final weeks, the project invites audiences to fold their own
origami lotuses at home by following the helpful prompting of Brooklyn-based
origami artist Uttam Grandhi, accessible via the video below. (Step-by-step
instructions are also available here.)
A calming activity that offers a much-needed
break from daily tasks, the project invites participants to stop and recenter.
As the museum asks, “Who or what are the ‘lotuses’ in your life that remind you
of the bloom beyond murky waters?”
Participants are encouraged to share their
responses on social media by using the #TheLotusEffect and tagging
@RubinMuseum. Paper blooms may also be mailed to the museum to be included in
the lobby installation. In the past few months, the museum has received over
500 origami lotuses, including a single shipment of over 100 works from Hebrew
Home, a nursing home in the Bronx that organized a collective fold-a-thon for residents
and staff over Thanksgiving.
As many of us spend the holidays apart from
friends and family, getting together virtually for some tactile, meditative
activity might just be the simplest, safest way to set yourself on the path
towards a more transformative 2021.
Dramma giocoso en
dos actos. Música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Libreto de Lorenzo
Da Ponte, basado en El burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el
libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio o sia il
convitato di pietra (1787). Teatro Real, 23 de diciembre, 2020.
Estrenada en el
Teatro Nacional de Praga el 29 de octubre de 1787 Y en el Teatro Real el 20 de
abril de 1864. Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente del Salzburger
Festpiele
Equipo artístico
Director musical |
Ivor Bolton, con la Orquesta Titular del Teatro Real
Director de escena |
Claus Guth
Escenógrafo y
figurinista | Christian Schmidt
Iluminador | Olaf Winter
Dramaturga | Ronny Dietrich
Coreógrafos | Ramses
Sigl y Michael Schmieder
Director del Coro Titular
del Teatro Real | Andrés Máspero
Responsable de
reposición |Julia Burbach
Reparto
Don Giovanni, Christopher Maltman
El comendador, Tobias Kehrer
Donna Anna, Brenda Rae -
Don Ottavio, Mauro Peter -
Donna Elvira, Anett Fritsch
Leporello, Erwin Schrott
Masetto,Krysztof Baczyk -
Zerlina, Louise
Alder
“Don Juan era el símbolo del conquistador de mujeres. A mi
entender, un símbolo falso, como otros muchos símbolos. Pero sea falso o
verdadero, ha representado una realidad: todo un juego teatral. Aventurero y
romántico que suponía la seducción de la mujer:"
Gregorio Marañón, revisión del anterior estudio sobre Don Juan,
1987.
Don Giovanni, una de
las óperas más “serias” de Mozart, la que más, y del repertorio general de la
lírica, por su profundidad de caracteres, por las situaciones, por el
desenlace, brutal pero adecuado a las fechorías del protagonista, encaja muy
bien con los tiempos que nos toca vivir y sobrellevar: violentos, sombríos,
descorazonadores.
Personajes oscuros,
sinuosos, ambiguos y multifacéticos, cada uno desvela muchos mundos a partir de
un hilo de Ariadna que siempre tiende a volver al punto de partida: la
psicopatía, la falta de respeto a los derechos y a la sensibilidad del otro.
Aparte de Mozart,
Chopin (“Variaciones para piano solo en Si bemol mayor a partir del duo
Zerlina-Don Juan, “Là ci darem la mano”), Beethoven, Liszt (“Réminiscences de
Don Juan”), Schumman, Paganini, y en el siglo XX Nino Rota, bucearon en las
profundidades de una figura que se encuadra en el territorio cristiano, con los
valores de culpa, pecado, redención o castigo. Sin embargo, no hay Eros en Don
Juan ni sensualidad, sino arrebato y mucho Tánatos invasión de la mujer, que
una vez seducida pasa a formar parte de un catálogo interminable, donde con las
anteriores, relucen como trofeos.
Don Juan es una
especie de Barba Azul a gran escala, que si no mata física o moral y
socialmente él a las mujeres, lo hace por poderes y les arrebata no solo el
elemento de cambio de aquellos siglos en Occidente- su condición de permanecer
intactas para el marido, continuidad del reino del padre y el linaje-y aún todavía en civilizaciones
ultraortodoxas, puritanas y patriarcales, sino también la credulidad, la
alegría y la esperanza.
Los glosadores de la
gran biblioteca disponible en internet, recogen con propiedad algunos datos
señeros sobre este mito, mitad hombre-mujer, mitad fantasmagoría literaria o
pesadilla. Alguien que haría soñar a las seducidas, pero con ninguna
disponibilidad ni compromiso y la promesa del abandono posterior automático.
Y explican:”También
llamado burlador o libertino, se trata de un seductor imprudente y osado hasta
la temeridad que no respeta ninguna ley divina o humana. La tradición posterior
lo relaciona con la figura de Miguel de Mañara, de la Sevilla del siglo XVII, o
con la figura madrileña del siglo XVI de Jacobo de Grattis (1517-1619), más
conocido como «Caballero de Gracia».” Hasta el legendario Errol Flynn compuso
uno en su época de malandrín, identificándose sin dudas con el burlador de
Sevilla.
“Con los precedentes
de El infamador de Juan de la Cueva (1581) y de El Hércules de Ocaña de Luis
Vélez de Guevara, el primer ejemplo del personaje lo creó, según algunos, Tirso
de Molina, en su obra El burlador de Sevilla y convidado de piedra de 1630
Escribieron obras
inspiradas en este personaje Antonio de Zamora (No hay plazo que no se cumpla
ni deuda que no se pague, 1713), Molière (Dom Juan ou le festin de pierre,
1665), Carlo Goldoni (Don Giovanni Tenorio, 1735), Aleksandr Pushkin (El
convidado de piedra, 1830); Samuel Richardson, creador del libertino Lovelace
en su novela Clarissa Harlowe; Lorenzo da Ponte, libretista de Mozart, (Don
Giovanni, 1787); Choderlos de Laclos, famoso por su libertino vizconde de
Valmont en su novela epistolar Las amistades peligrosas, 1782), Lord Byron (Don
Juan, 1819-1824, incompleto por su muerte), José de Espronceda (el Don Félix de
Montemar de su El estudiante de Salamanca, 1840), José Zorrilla, cuyas estrofas
acompañan desde un balcón el día de todos los Santos, el 1 de noviembre, (Don
Juan Tenorio, 1844), Azorín, Gonzalo Torrente Ballester (Don Juan) y otros
muchos (Christian Dietrich Grabbe, Alejandro Dumas, Edmond Rostand...) y, más
recientemente, Max Frisch”.
Américo Castro, José
Ortega y Gasset, entre otros pensadores españoles, dedicaron páginas a
desentrañar este personaje inasible pero seguramente fue Gregorio Marañón, el polifacético
liberal, aquel “trapero del tiempo”, que dio más pistas protopsicoanalíticas,
como en su día había hecho en biografías sobre Tiberio, el emperador, o El
Conde Duque de Olivares, entre otras. En una línea freudiana, fundamental sería
festonear la relación del propio Mozart con su padre, hombre totémico,
exigente, aprovechado y castrador, que podría haber prefigurado, sin problemas,
la escultura psicológica pétrea y sin afectos del Comendador.
Retomando a Don
juan, es inevitable recordar al italiano Giacomo
Casanova, más real y filiado que su eterno competidor español,
inmortalizado por su Autobiografía, Fellini
y sus correrías por medio mundo. Casanova tiene otro tipo de interés por su dama
y a menudo, algunos autores hilvanan la idea de que tal vez, solo tal vez,
hubiera estado interesado por el goce y la satisfacción de la mujer aparte de
por el únicamente suyo propio.
En todo caso,
Casanova aparece como menos sombrío, más lúdico y más solar, incluso más
festivo y culto que su homólogo español, desdibujado en una personalidad
probablemente falto de los modelos claros y potentes de padre y madre y cercano
a la homosexualidad, como tan claramente subrayó Gregorio Marañón.
Antes de centrarnos
en la versión actual que ofrece ahora el Teatro Real, un apunte sobre una
película que recreó paradigmáticamente el Don Giovanni mozartiano, con grandes
actores y enormes voces, al mando del director norteamericano afincado en
Londres, ya olvidado pero muy talentoso, inspirador de excelente cine, Joseph Losey.
Su Don Giovanni es de
1979 y cuenta con una duración de 169 min. Filmada en Italia en escenarios
naturales, con un reparto extraordinario como Ruggero Raimondi (que vive en España), Edda Moser, Kiri Te Kanawa, José Van Dam, Kenneth Riegel, nuestra
admirada Teresa Berganza y John Macurdy.
Se trató de una coproducción entre Italia-Francia-Alemania y Reino Unido y
consiguió los Premios César de Mejor Montaje y Diseño de producción y 4
Nominaciones (1979), en 1980, en los Premios BAFTA fue Nominada a Mejor diseño
de vestuario y Mejor sonido y también en 1979, el Premio David di Donatello al
Mejor productor (ex aequo.)
Explicó el Real en
su rueda de prensa y dossier del espectáculo, que entre los días 18 de
diciembre y 10 de enero el coliseo madrileño ofrece 15 funciones de Don
Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una producción de la Staatsoper de
Berlín, estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008, con el mismo dúo
protagonista que actuará en el Real: el barítono británico Christopher Maltman, como Don Giovanni, y el bajo-barítono
hispano-uruguayo Erwin Schrott, como
Leporello.
La interpretación de
ambos, alabada unánimemente por la crítica, adquiere en este montaje un
significado especial, ya que Claus Guth
refuerza, en su puesta en escena, el macabro vínculo de los dos personajes,
cuya complicidad y piedad aportan, quizás, los únicos momentos tiernos y
compasivos de la producción. Claus Guth, dejó ya su impronta en tres producciones
presentadas en el Teatro Real: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) y Lucio
Silla (17/18).
La trama de este Don
Giovanni transcurre en un bosque de abetos muy versátil, diseñado por el
escenógrafo Christian Schmidt, donde
se van sucediendo los distintos cuadros de la ópera, distorsionados por la
agonía de Don Giovanni, que se desangra lentamente desde la primera a la última
escena, con lo cual, no es esperable reencontrarse con las producciones más
clásicas al uso. En realidad, también le sobraron árboles y le faltaron algunos
cortinados y sillones palaciegos.
“Escondido en los
meandros y recovecos de un bosque siempre cómplice, sabiamente iluminado por Olaf Winter, la floresta refleja el
drama de los personajes, en un juego pictórico de claroscuros que enlaza el
universo barroco del libertino de Tirso de Molina, con el mundo turbio de los
tarados sexuales del siglo XXI” (glosa la introducción del Real a este montaje,
¡ah planea por ahí el “Me too”!, que en esta ocasión está servido).
El barítono
Christopher Maltman (Don Giovanni) es un barítono inglés particularmente
aclamado como recitalista y como el Billy Budd de Benjamin Britten. Graduado de
la Universidad de Warwick en bioquímica, estudió en la Royal Academy of Music
desde 1991 donde recibió clases de Sesto Bruscantini y Thomas Hampson y en 1997
ganó el premio Lieder de la Cardiff Singer of the World competition. Su Don Juan es muy apropiado, calavera, con
una voz a la altura, llena de recursos, técnica, buen fiato y línea de canto,
algo discreto en lo actoral para un rol expansivo y sinvergüenza como el del
infatigable seductor.
Erwin Schrott,
"Madamina, il catalogo è questo" (from Mozart's Don Giovanni), en una versión anterior de una de las arias más famosas de Don Giovanni, representado ahora en el Teatro Real
Compensado bastante
por su verdadero alter ego (con algunos matices psicológicos y morales, a
destacar hacia cierta menos fiereza y maldad), el bajo-barítono uruguayo, una
fuerza desatada de la naturaleza, también español desde 2010, Erwin Schrott (Leporello), son los
indiscutibles protagonistas masculinos. Schrott, compone un Leporello abierto y
comunicativo, algunos dirían que algo sobreactuado, pero la voz adecuada y
sabia y este hecho, calientan un poco esa climatología escénica algo helada,
que por momentos más recuerda una geografía germanizante que la calidez
necesaria a la italianità de un Mozart dibujado también por el italiano Da
Ponte.
Acompañados por la
soprano Anett Fritsch (Donna
Elvira), bien en su papel, la soprano Brenda
Rae (Donna Anna), una lírico ligera con calidad técnica, inteligencia en el
manejo de su instrumento, el tenor Mauro
Peter (Don Ottavio), muy adecuado y también Louise Alder (Zerlina), que cantó con gracia un papel escurridizo y
ambiguo, así como el bajo Krzysztof Baczyk
(Masetto), ajustado y Tobias Kehrer,
un comendador mejorable pero con un excelente registro grave desplegado sobre
todo al final.
El maestro Ivor Bolton, dirige su quinto título de
Mozart en el Real, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro. Ivor
Bolton, aquí valorado de manera diferente por la crítica, realiza un trabajo
concienzudo, destacando aquí y allá las intervenciones de los recitativos de
los cantantes, a su servicio también y al del corpus sonoro, por momentos, algo
cargado en los parches. Lo que sucede es que la emocionalidad y el plus
afectivo que le presta la personalidad de Bolton a sus interpretaciones,
consiguen que las óperas a su cargo se humanicen en cierta forma, se vistan de
una versatilidad complementaria que casa bien con los deseos del compositor.
El Coro que pilota
con mano firme como siempre Andrés
Máspero no solo cumple, sino que refuerza los pilares musicales de la obra.
Don Giovanni se presenta así por cuarta vez desde la reinauguración del Teatro
Real: en junio de 1999 con Daniel
Barenboim y Thomas Langhoff, en
octubre de 2005 con Víctor Pablo Pérez y
Lluis Pasqual y en abril de 2013, con Alejo
Pérez y Dmitri Tcherniakov.
Los gestores del
Teatro comentan que “La producción que llega ahora al Real se ofrece en un
período de incertidumbre y dificultades, exigiendo por parte de todos un
esfuerzo suplementario para presentar la ópera dentro de la normativa de
seguridad sanitaria.
El director de
escena Claus Guth ha modificado varios detalles de la puesta en escena y el
Coro Titular del Teatro Real actuará con unas mascarillas diseñadas
especialmente para cantantes, que favorecen la proyección de la voz y el
movimiento facial sin liberar los aerosoles. Pero estas y otras adaptaciones no
impedirán al Teatro Real ofrecer, con la máxima calidad, una perspectiva
distinta del gran mito de la literatura española, con nuevas interpretaciones
que siguen enriqueciendo su aura”.
Se agradece este Don
Giovanni con el que el Teatro Real “desafía a los elementos” internos y sobre
todo circunstanciales e interminables de la pandemia y obtiene ahora más éxito
que aquella Armada Española a la que se refieren las comillas. Se trata del
triunfo del saber hacer, del desafío a la tentación que, en estos casos, se
tiene a “bajar los brazos” o a la evidencia dramática de la presencia de la
enfermedad que impone su orden.
El público aplaudió,
claro, complacido, a todos. A pesar de que siempre puede ser peor todo, el 2021
sin dudas nos ofrecerás algunas satisfacciones mayores que este desmadejado
tiempo inmisericorde que nos disponemos a abandonar. Si puede ser. Crucemos los
dedos. Y otra vez, ¡bravi tutti! Esta vez, también, la Fortuna y Némesis han acompañado
y tutelarán a los valientes.
