domingo, 28 de febrero de 2016

BARBARA HENDRICKS. CYCLE FIGURES FÉMININES, 5-17 MARS . PHILHARMONIE DE PARIS.

Week-end Figures Féminines


C’est une évidence qu’il faut encore trop souvent rappeler: la musique ne fait pas qu’évoquer des portraits de femmes; ce sont aussi les femmes qui écrivent son histoire.

Récital

BARBARA HENDRICKS

Blues everywhere I go



PROGRAMME

Mathias Algotsson, piano, orgue B3

Max Schultz, guitare
Clas Lassbo, contrebasse
Chris Montgomery, batterie
Empreint d'un swing irrésistible, le récital de Barbara Hendricks foisonne de trouvailles et surprend par son originalité.

Si Barbara Hendricks est une des cantatrices les plus réputées au monde, c’est Claude Nobs, fondateur du Festival de Montreux, qui fut le premier à lui faire chanter du jazz en 1994. Quoi de plus normal, cette musique fait partie de ses racines, elle qui commença en chantant des negro spirituals dans l’église de son père, pasteur dans l’Arkansas. 
Le programme Blues Everywhere I Go nous fait voyager à travers ces plantations de coton du delta du Mississippi et nous fait découvrir la diversité des thèmes portés par le blues : d’une expression poignante de la détresse humaine avec des chansons comme "Blues Everywhere I Go", "Dinks Blues" ou le "Cross Road Blues" de Robert Johnson, jusqu’à l’aspect politique du blues – et son lien important avec la lutte pour les droits civiques aux États-Unis menée par Martin Luther King – avec "Strange Fruit" de Billie Holiday, "Down In Mississippi" et "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free" de Nina Simone.


http://philharmoniedeparis.fr/fr/activite/recital/15249-barbara-hendricks

LES TALENTS LYRIQUES EN EL TEATRO REAL DE MADRID MARIA GRAZIA SCHIAVO, soprano LES TALENTS LYRIQUES, CHRISTOPHE ROUSSET, director musical.

Obras de Georg Friedrich Haendel (1685-1759), Francesco María Veracini (1690-1768), Carl Heinrich Graun (1704-1759) y Georg Anton Benda (1722-1795).Teatro Real, viernes 26 de febrero, 2016.

 El Teatro Real rinde homenaje ahora a William Shakespeare, después de recordar a Miguel de Cervantes, cuya fecha de la muerte coincide con la del bardo inglés.
Con el fin de conmemorar el cuarto centenario del fallecimiento del dramaturgo inglés  (1564-1616), el coliseo madrileño ofreció un concierto con la soprano Maria Grazia Schiavo y la renombrada orquesta Les Talents Lyriques, a las órdenes del clavecinista y director francés Christophe Rousset.
 Se seleccionaron esta vez, obras inspiradas en comedias y dramas del genial escritor de los siglos XVII y XVIII, revisitadas por los libretistas de cada época: desde el singular barroco inglés de Henry Purcell (1659-1695) a los comienzos del Clasicismo del alemán Carl Heinrich Graun (1704-1759) con el perfume habitual y la influencia de la ópera italiana.

El programa dio comienzo con composiciones de Purcell: tres piezas de la fabulosa semiópera The Fairy Queen (La reina de las hadas), basada en una adaptación de la comedia El sueño de una noche de verano y un recitativo y aria de The Tempest (La tempestad).
 Ahora con una influencia claramente italianizante, pero continuando en la patria de Isabel I Tudor, se ejecutan la obertura y dos arias de Giulio Cesare in Egitto (Julio César en Egipto), la ópera histórica más frecuentada de Georg Friedrich Händel (1685-1759).
 
La creación del compositor y violinista italiano Francesco Maria Veracini (1690-1768), cierra la primera parte de la velada. Sus trabajos se realizaron en los dos países, despidiéndose de la capital inglesa con su último melodrama, Rosalinda, la heroína de la comedia shakesperiana Como gustéis.
 
Carl Heinrich Graun (1704-1759) sigue en la huella abierta por la música italiana. El mismo fue un tenor y compositor muy conocido en la transición entre el Barroco y el Clasicismo y su ópera Coriolano, es buena prueba de ello. De esta producción se incluyeron la obertura, una aria y recitativo.
  
Romeo und Julie, del compositor checo Georg Anton Benda (1722-1795), que retoma de nuevo el clásico shakespeareano probablemente más universal, pusieron punto final a una noche espléndida.

La soprano napolitana María Grazia Schiavo y la formación Les Talents Lyriques llevan a cabo un extraordinario maridaje musical y es todo un privilegio haber disfrutado de ellos en el Teatro Real.
 Schiavo tiene un instrumento bien colocado, con un timbre muy agradable, buenos graves y sobre todo un registro medio que pasa sin esfuerzo a imprevistos agudos resueltos con elegancia y excelente técnica. Tiene un fraseo elegante, un fiatto bien controlado y un legato eficaz, que descubre con energía y dinamismo.
 Fue capaz de conquistar y sobre todo de emocionar en las intimistas composiciones que fluían con soltura de la batuta de Christophe Rousset y su veintena de músicos. Y su dicción es clarísima y esmerada en inglés (idioma complicado de cantar bien), en italiano, por supuesto y también en alemán.
 Engalanada con dos vestidos preciosos, que recordaban justamente a una “fairy queen”, con sus tules, estrellas y lentejuelas, en negro el primero y en azul noche el segundo después de la pausa, la soprano italiana lució además un juvenil cabello suelto y luego recogido, enmarcado por joyas a juego.


El conjunto que lidera Christophe Rousset ha paseado su saber hacer por La Salle Pleyel, la Ópera de Lausanne, el Theater an der Wien, el Carnegie Hall, el Barbican Center y en Italia, por el San Carlo de Nápoles o el Teatro alla Scala de Milán, entre otras muchas salas de concierto.

Les Talents Lyriques, fundado en 1991, que toma su nombre de Les Fêtes d´Hébé de Rameau, cuenta con un repertorio muy amplio y demostraron estar muy fogueados en las obras escogidas.

Trajeron un Ariodante de Händel en versión de concierto por ejemplo, al foro o al Festival veraniego de Granada su Il Califfo di Bagdad, de Manuel García, todo un descubrimiento y han visitado España con frecuencia.
 Christophe Rousset, condecorado como Chevalier de l´Ordre National de la Légion d´Honneur y L´Ordre National du Mérite, dirige a sus músicos con autoridad pero a la vez con mano de seda y cuida celosamente de las entradas y prestaciones de María Grazia Schiavo. La concertación entre los intérpretes de Les Talents, su responsable y la soprano, pareció intachable.

El final se cerró con propinas largas pero el público no se levantaba nunca. Hubo muchos aplausos y bravos entusiastas y la recompensa fue muy merecida, por la entrega, la elegancia y el buen gusto del concierto.


Alicia Perris

MÉXICO: PLÁCIDO DOMINGO, JULIO BOCCA Y CAMARENA, EN EL LICEO BARCELONÉS

El Informador / BARCELONA, ESPAÑA (24/FEB/2016).- Plácido Domingo , La Fura dels Baus, Lluís Pasqual y Jordi Savall destacan en la temporada 2016-2017 del Liceo de Barcelona(noreste de España), que se inaugurará oficialmente en octubre con "Macbeth", de Verdi. 

Una temporada que en su apartado de danza incluirá al Ballet Nacional Sodre (BNS) de Uruguay, dirigida por el exbailarín argentino Julio Bocca.
Y que abarcará desde óperas barrocas, hasta contemporáneas, con dos títulos del siglo XX ("Elektra" y "La viuda alegre") y una del XXI ("Quartett"), resumió la directora artística, Christina Scheppelmann.
En diciembre llegará uno de los platos fuertes de la temporada: "Elektra", de Richard Strauss, una ópera del siglo XX, coproducción propia del Liceo, con el Metropolitan de Nueva York y la Scala de Milán, entre otros, un título poco representado en Barcelona con el que el teatro barcelonés pretende atraer público joven por su temática y puesta en escena.
El reparto de "Elektra" estará encabezado por Evelyn Herlitzius, Adrianne Pieczonca y Waltraud Meier; la dirección de escena es obra del malogrado Patrice Chéreau.
La temporada se inaugurará oficialmente el 7 de octubre con el "Macbeth" de Verdi, que contará con las voces de Ludovic Tézier y Martina Serafin, la dirección de escena de Christof Loy, y el debut en el Liceo de la soprano Tatiana Serjan.

A continuación, se programará "Le nozze di Figaro", en un coproducción del Liceo y la Welsh National Opera de Cardiff, con la dirección escénica de Lluís Pasqual, En febrero de 2017 llegará "Werther", de Jules Massenet, una ópera del siglo XIX, bajo la dirección de escena de Willy Decker y la dirección musical de Alain Altinoglu, una de las mejores batutas de la actualidad.
Junto a los dos tenores protagonistas, Piotr Beczala y Josep Bros, debutará en una ópera escenificada en el coliseo barcelonés la mezzosoprano Anna Caterina Antonacci.
Otro "momento culminante" de la temporada será el estreno en España de la ópera del siglo XXI "Quartett", de Luca Francesconi, una producción de la Scala de Milán cuya dirección de escena correrá a cargo de Àlex Ollé (La Fura dels Baus).
Por tercer año consecutivo, Plácido Domingo volverá al teatro de La Rambla para interpretar a Athanaël en "Thaïs", de Jules Massenet, en versión concierto, junto con las voces de Nino Mazchaidze y Celso Albelo, y Sara Blanch.
Uno de los títulos más populares del repertorio llegará en marzo del próximo año con "Rigoletto", una coproducción del Liceo y el Teatro Real de Madrid, que supondrá el debut del tenor mexicano Javier Camarena en el rol del Duque de Mantua, acompañado de Leo Nucci y Carlos Álvarez.
Camarena repetirá su presencia en Barcelona con "La fille du régiment", de Donizetti, en una producción de Laurent Pelly, con el protagonismo de Ewa Podles, considera entre las más destacadas contraltos del mundo, mientras que el papel de Duquesa de Crakentorp corresponderá a la actriz almodovariana Bibiana Fernández.
También volverá Wagner al Liceu con la ópera "El holandés errante" en una producción de la Staatsoper de Berlin, con un reparto de primer nivel encabezado por Thomas Johannes Mayer, Emma Vetter y Anja Kampe, representantes de las mejores voces wagnerianes de Bayreuth.MÉXICO: Plácido Domingo, Julio Bocca y Camarena, en el Liceo barcelonés 


http://www.entornointeligente.com/articulo/7964326/MEXICO-Plaacute;cido-Domingo-Julio-Bocca-y-Camarena-en-el-Liceo-barceloneacute;s

sábado, 27 de febrero de 2016

DEBORAH, DUCHESS OF DEVONSHIRE: THE LAST OF THE MITFORD SISTERS




02 MARZO 2016 | 10:00 AM GMT | LONDRES


A remarkable woman of our time, Deborah, Duchess of Devonshire (1920-2014) led a life as extraordinary as that of her siblings, the legendary Mitford sisters.


 The Duchess was a woman of elegant taste and sensibility. The wonderful objects with which she lived illustrate so much of her story, from exquisite jewels gifted by her husband to a rare copy of Brideshead Revisitedpersonally inscribed by her friend Evelyn Waugh;
all tell of a life well-lived.  Painted by Freud and photographed by Weber, Testino, Beaton and Parkinson, it is the contents of her final home, The Old Vicarage at Edensor on the Chatsworth estate, which perhaps paint the most vivid final portrait. This historic auction will offer fine and decorative art, jewels and the Duchess of Devonshire’s library.

LA CASA ENCENDIDA ACOGE LA 9ª EDICIÓN DE IN-SONORA

 IN-SONORA celebra su novena edición en La Casa Encendida  con una representación internacional de experimentadores sonoros: performance, electrónica, audiovisuales o instalaciones atendidas darán forma a un programa en vivo, diferente y atractivo, dirigido a todos los públicos.


El objetivo de esta muestra bienal es ampliar la visibilidad de artistas nacionales e internacionales, apoyando las propuestas contemporáneas experimentales en las que “el sonido” y “la interactividad” son los elementos plásticos fundamentales.
Así, sensores, receptores de onda corta y otras tecnologías son las encargadas de captar el movimiento entre el artista y el entorno, el público o su propio cuerpo para generar sonidos. Ejemplo de ello es la obra Wave de Patrick Saint-Denis en la que los sensores capturan la orientación y la actividad eléctrica de los músculos de sus antebrazos transformando los gestos en sonidos
 En las perfomances será “la duración” la que tenga un papel protagonista. Como la del brasileño Felipe Vaz, quien ejecuta cuatro segundos de la famosa escena de baile de la película Fiebre de sábado noche a velocidad híper ralentizada, o la de The Runners en la que tres personas estarán tres horas corriendo para hablar del cuerpo y el cansancio.
También estará presente la prestigiosa artista canadiense Myriam Bleau -confirmada también en la próxima edición de Sónar-, que presentará su performance audiovisual en la que el movimiento de cuatro peonzas se convierten en música y luz.
En paralelo a las piezas live, habrá sesiones audiovisuales y de escucha como la de Alba Giménez o Gabriel Mora

IN-SONORA
Fecha: del 4 al 6 de marzo de 2016
Lugar: Patio, Sala audiovisual y Auditorio
Precio: Patio y Sala audiovisual: entrada libre hasta completar aforo; Auditorio: 5 €

http://www.clubbingspain.com/noticias/2016/la-casa-encendida-acoge-la-9-ordf-edicion-de-in-sonora.html

FERNELL FRANCO CALI CLAIR–OBSCUR


February 6 › June 5, 2016
Curators: Alexis Fabry and María Wills Londoño
From February 6 to June 5, 2016, the Fondation Cartier pour l’art contemporain will present for the first time in Europe a comprehensive retrospective of the work of Fernell Franco, a major yet still under recognized figure of Latin American photography. A photojournalist by profession, Fernell Franco developed a powerful personal body of work that addressed the precarious and conflicted nature of urban life in Cali, the city where he lived and worked for most of his career. The exhibition will bring together 140 photographs from 10 different series he produced between 1970 and 1996. It will also reveal the importance of Fernell Franco’s work within a broader cultural context, as part of the vibrant art scene that emerged in Cali at the beginning of the 1970s, marked by a spirit of collaboration amongst a diverse community of artists. Representative of the artists who emerged at this time, Oscar Muñoz has been commissioned by the Fondation Cartier to create a work specifically for the exhibition as a tribute to Fernell Franco and a remembrance of their fruitful artistic collaborations.

BEGINNINGS
“In the countryside at night, there is the spectacle of stars in the sky. What I saw in contrast when I arrived in Cali were that the stars were on earth.” Fernell Franco. 
Fernell Franco first came to photography out of necessity.Displaced as a child by the bipartisan violence that raged in Colombia between 1948 and 1953, he was among the thousands who had fled the countryside to settle in Cali’s poor marginalized neighborhoods. He began working at a young age and learned photography on the job as a messenger in a photographic studio, then as a fotocinero taking pictures of people in the streets. In 1962, he was hired as a photojournalist for El País and Diario Occidente and later worked as a fashion and advertising photographer for magazines such as Diners and Elite. As a photojournalist, he came into daily contact with the violence and inequalities of Colombian society, documenting urban uprisings and rural massacres, as well as the cocktail parties of Cali’s elite.
During this period, the city of Cali was undergoing a period of tremendous growth and transformation, spurred by the influx of rural migrants who had, like Franco, been displaced by La Violencia as well as by the developmentof the sugar industry. At the same time, an incredibly vital artistic community emerged, transforming what was once a peripheral city into an important cultural center. Introduced to the realmof art and culture through his work as a photojournalist, Franco would become a part of this vibrant art scene which included the talented writer Andrés Caicedo, filmakers Luis Ospina and Carlos Mayolo and artists Ever Astudillo and Oscar Muñoz, sharing with them a fascination for popular culture and an interest in urban themes that had previously been unexplored in Colombian art, film and literature.

http://fondation.cartier.com/#/en/art-contemporain/26/exhibitions/2460/now-on/2554/fernell-franco-cali-clair-obscur/

IN MET’S ‘MANON LESCAUT,’ CLASSIC LOVE STORY GETS NOIR TWIST. THE METROPOLITAN OPERA

With courage, determination and a healthy measure of ambition, the tenor Roberto Alagna rescued the Metropolitan Opera’s new production of Puccini’s “Manon Lescaut,” which opened on Friday night. The production was thrown into crisis last month when Jonas Kaufmann, the most sought-after tenor in opera, withdrew from the entire run because of an illness he did not specify. Hoping to line up a star tenor replacement as des Grieux, the Met’s general manager Peter Gelb turned to Mr. Alagna, who had never sung the role. With just 16 days to prepare a major Puccini part for an important new production, Mr. Alagna, who had been appearing in “Pagliacci” at the Met, agreed to take it on.

Mr. Alagna had to have been nervous on Friday. He sounded a little leathery and tight at first, but steadily warmed up to give an ardent, impassioned performance as des Grieux, a breezy student in Amiens, France, popular among friends, flirtatious with women. But his life unravels after taking one look at the sensual Manon Lescaut, who arrives in town with her overbearing brother on her way to a convent. Des Grieux falls for Manon uncontrollably.
Excerpt: ‘Manon Lescaut’
Roberto Alagna sings “Donna non vidi mai,” from Richard Eyre’s production of the Puccini opera at the Met.
 By THE METROPOLITAN OPERA on Publish DateFebruary 14, 2016. Watch in
As Manon, the soprano Kristine Opolais sounded as glamorous as she looked. And this was another fine night for the conductor Fabio Luisi, who coaxed plush, textured playing from the impressive Met Orchestra, while bringing refreshing restraint and lucid detail to Puccini’s often teeming score.
Alas, the pointlessly updated production by the acclaimed British director Richard Eyre, with oddly monumental sets by Rob Howell, is a major disappointment. Loosely adapted from a short novel by Abbé Prévost, “Manon Lescaut” was a breakthrough triumph for the young Puccini at its 1893 premiere in Turin. Puccini alienated a series of librettists as he kept demanding changes in the text trying to get it right. Though the version he settled on leaves holes in the story the thrust of the tale is emotionally compelling thanks to Puccini’s lyrically soaring music.
As Mr. Eyre has explained in interviews, he sees elements of film noir in the opera: Manon could be a young Barbara Stanwyck. So his production, first presented in 2014 at the Festival Hall in Baden-Baden, Germany, has hints of shadowy, fatalistic 1940s films. In keeping with that noir concept, he updates the story to France during the German occupation.
But there is no discernible rationale for this particular updating, and no political content to speak of in the opera. There are class tensions, since des Grieux is a chevalier who, based on what we learn from the opera, now seems footloose and without financial resources.
As a setting for a story, occupied France is loaded with political and historical complexities. You can’t just drop an 18th century opera into that period without raising uncomfortable questions.
Act I takes place in a public square in Amiens, which in this production becomes an imposingly spacious railroad station. A tall curved wall in the background suggests a decaying facade of some once-grand building; a narrow, precipitous stairway leads up to the railroad tracks. The square is dominated by a bustling cafe, with the entrance to a fancy hotel nearby. Students and cafe regulars wearing assorted informal outfits of muted colors (designed by Fotini Dimou) chat at little tables. A group of sullen German soldiers sit together. At one point the crowd gathers around the soldiers and taunts them playfully. Could this have actually happened at a cafe in occupied France? It came across as a slick directorial touch.


Kristine Opolais, center left, and Roberto Alagna in the opera “Manon Lescaut” at the Metropolitan Opera. CreditSara Krulwich/The New York Times

Ms. Opolais’s Manon is overcome with attraction to des Grieux, feelings that unfold in the radiant warmth and sultry ardor of her singing during their romantic exchanges. But she also subtly reveals Manon’s desperation: a young woman whose father seems to have come on hard times is destined for a convent, yet quivering with desire.
Her restlessness has been observed by Geronte, a wealthy, older tax collector who met Manon and her brother on the train to Amiens, a role sung here by the coolly commanding bass Brindley Sherratt. Somehow sensing that Manon has a frivolous side and a weakness for finery, Geronte decides to abduct her and take her to Paris with him. But Edmondo, a student, (the tall, fresh-voiced young tenor Zach Borichevsky in his Met debut) learns of the plan and alerts his friend des Grieux, who persuades Manon to run away with him to Paris instead. The mellow-voiced, appealing baritone Massimo Cavallettihad his moments as Manon’s conflicted brother Lescaut, a stolid young French soldier, though he still seemed to be finding his way into this contrary and malleable character.
Puccini decided not to write a scene showing Manon and des Grieux in Paris, a curious omission. But we learn from Manon later that despite the passion she enjoyed with des Grieux, she could not abide the poverty. Instead, Puccini shows us what happens next: Manon living a life of luxury as Geronte’s mistress in his palatial Paris apartment, which is Act II.
Mr. Alagna’s des Grieux, appearing haggard yet crazed with love, bursts impulsively into Geronte’s apartment where he finds his Manon, Ms. Opolais looking like Lana Turner with blonde locks and a sequined dress. The two singers were at their most inspired during the confrontational love duet at the core of this act. The betrayed Geronte summons German soldiers to arrest Manon, who is caught trying to leave with des Grieux, her hands loaded with jewelry.
This production turns the remaining two acts, in which the convicted Manon is put aboard a ship bound for New Orleans, into a muddled, semiabstract representation of exile. At the harbor of Le Havre we see the bow of an ocean liner docked near a pier, under which a jail is visible. The ship, meant to be ominous, looks kind of cheap. Manon is pushed by German soldiers into a line of prostitutes bound for exile in New Orleans. But this plot turn would make no sense in German-occupied France. Instead, the prisoners are given dingy gray frocks to wear, again stirring up troubling questions. Are these women going to a Nazi work camp?
The last act of “Manon Lescaut” absurdly takes place in what is described as a vast arid plain outside New Orleans. (Puccini and his librettists did not know Louisiana geography.) Manon is dying of thirst and exhaustion; des Grieux tries but can’t find water to sustain her. Mr. Eyre turns the scene metaphoric: the entwined lovers are trapped in the crumbled ruins of walls and stairs from Amiens and Paris. Ms. Opolais and Mr. Alagna had to crawl unsteadily among the accordionlike ripples of those overturned stairs, which looked dangerous, not to mention ridiculous. You would think they had been exiled to the ruins of the Baden-Baden Festival.
But these two tenacious artists did their finest, most emotional singing of the night during this tragic final scene. Ms. Opolais brought anguished beauty to the grim aria “Sola, perduta, abbandonata” (“Alone, lost and forsaken”).
During the curtain calls at the end, when Mr. Alagna appeared he went straight to the prompter’s box and heartily shook the extended hand (all that the audience could see) of this production’s experienced prompter Joan Dornemann. It was a lovely gesture.


http://www.nytimes.com/2016/02/15/arts/music/manon-lescaut-roberto-alagna-kristine-opolais.html?_r=0

viernes, 26 de febrero de 2016

LIBERTY IN FASHION


“I was determined not to follow existing fashion but to create new ones.” Arthur Lasenby Liberty
Liberty has been at the cutting edge of design and the decorative arts since 1875. The exhibition explores Liberty’s impact on British fashion, from Orientalism and Aesthetic dress in the 19th century, through Art Nouveau and Art Deco in the early 20th century, and the revival of these styles since the 1950s. Liberty Art Fabrics and the textile design studio take centre stage as the internationally recognised leader in floral, paisley and patterned prints and dress fabrics.


Liberty in Fashion celebrates the 140th anniversary of the company. The exhibition charts Liberty’s history as ‘the’ fashionable place to shop as well as its role as the source and originator of key trends in fashion history. Over 150 garments, textiles and objects demonstrate Liberty’s strong relationships with designers since 1875, from Arthur Silver of Silver Studio to collaborations with Jean Muir, Cacharel, Yves Saint Laurent and Vivienne Westwood.

#libertyinfashion







Exhibition Dates: 9 October 2015 – 28 February 2016

MILES DE PERSONAS DESPIDEN AL 'MAESTRO' UMBERTO ECO EN MILÁN

Momento en que sacan el féretro de Umberto Eco del Castillo Sforzesco, en Milán, tras la ceremonia laica. MÒNICA BERNABÉ

Dan su último adiós al intelectual en una ceremonia laica y austera, como era voluntad del escritor y filósofo.

MÒNICA BERNABÉ
Miles de personas acudieron este martes al Castillo Sforzesco, en Milán, para dar su último adiós al escritor y filósofo Umberto Eco, a pesar de que la mayoría ni pudo entrar en el patio donde tuvo lugar la ceremonia -se tuvo que conformar con quedarse en la plaza de armas-, ni casi pudo ver nada. Fue un funeral laico y austero, como deseaba el intelectual, y donde la palabra fue la protagonista.
No se colocaron grandes pantallas para seguir la celebración, ni tan siquiera una gran tarima. Sólo se instaló megafonía, y quienes intervinieron fueron básicamente personas cercanas a Eco, que conocían bien al maestro y sabían de quién hablaban.
"Siempre me preguntabas cómo me sentía por tener un abuelo como tú y yo no sabía qué contestarte", dijo Emmanuelle, un nieto de 15 años de Eco que habló en la ceremonia y que se ganó el aplauso más largo y caluroso de los asistentes. "Gracias por tus historias, por tus libros, por la música que me has hecho escuchar, y por los viajes que hemos compartido. Tenerte como abuelo, me ha llenado de orgullo. Gracias, abuelo", añadió el adolescente, haciendo esfuerzos para que no le temblara la voz.
También intervino un amigo del instituto de Umberto Eco, y otro de la universidad que recordó el tiempo en que el escritor tuvo que hacer el servicio militar obligatorio. El funeral se inició como le hubiera gustado al semiólogo y filósofo: con música barroca, que era su favorita, según explicó su editor, Mario Andreose.
Incluso no faltaron las bromas. El actor y dramaturgo Moni Ovadia se tomó la licencia de explicar un chiste ante el féretro del escritor, que arrancó la risa de todos los presentes. "A Umberto Eco no le faltaba la ironía y el humor", justificó. Y tampoco podía faltar en su despedida.
"Un maestro no muere nunca", afirmó por su parte Francesco Umbertini, rector de la Universidad de Bolonia, donde Eco fue profesor durante más de cuatro décadas, y uno de los diversos rectores que asistieron al funeral.
También acudieron el actor Roberto Benigni; el ministro italiano de Bienes y Actividad Cultural, Dario Franceschini; la ministra de Instrucción e Investigación, Stefania Giannini; los alcaldes de Milán, Turín, Alessandria, Monte Cerignone, y San Leo, además de decenas de editores extranjeros y traductores, así como estudiantes y amigos.
El féretro de Eco fue sacado a hombros del castillo ante el aplauso de los presentes, mientras su familia caminaba detrás con paso lento y cara compungida. Sus restos fueron incinerados después.

http://www.elmundo.es/cultura/2016/02/23/56cca1bb268e3e6e448b46b1.html

MOMU GALERIJ. DEMI-COUTURE . HAUTE COUTURE INVLOEDEN IN RECENTE AANWINSTEN

15|01|16 > 8|04|16

De MoMu-collectie is sinds de opening in 2002 meer dan verdubbeld dankzij schenkingen of langdurige bruiklenen van privé archieven van de Koninklijke Academie van de Schone Kunsten, individuele ontwerpers en verzamelaars van Belgische mode. Hedendaagse mode wordt echter voornamelijk verworven via aankopen in de showrooms die tijdens de vele modeweken georganiseerd worden.
Binnen de grote variëteit aan nieuwe aanwinsten viel vaak een terugkerend thema op: de referenties naar haute couture in de prêt-à-porter collecties. Haute couture onderscheidt zich in de eerste plaats van prêt-à-porter doordat collecties voor de klant op maat worden gemaakt. Bovendien wordt alles nog handmatig uitgevoerd:  van de toepassing van traditionele technieken tot het aanbrengen van bijzondere materialen.
De MoMu Galerij geeft een unieke inzage in prêt-à-porter silhouetten met referenties naar haute couture van Belgische ontwerpers. Silhouetten van Olivier Theyskens, Raf Simons, Tim van Steenbergen, Bruno Pieters en Peter Pilotto geven een exclusief beeld van hedendaagse mode met een hint naar haute couture.
Voor meer achtergrondinformatie over de ontwerpers en de betreffende collecties, verwijzen we u graag door naar onze blog: blog.momu.be.
Toegang tot de MoMu Galerij is gratis


http://www.momu.be/tentoonstelling/demi-couture.html

LA ÚLTIMA PINCELADA DE FRANCIS BACON

'Estudio de un toro' (1991), de Francis Bacon. ESTATE OF FRANCIS BACON


El historiador Martin Harrison descubre un cuadro hasta ahora desconocido del pintor irlandés Francis Bacon.

LORETO SÁNCHEZ SEOANE
El destino hizo que Francis Bacon muriera en Madrid. Se despidió por la puerta grande en 1992, cogiendo la última bocanada de aire en el Hospital Ruber Internacional de Madrid. Se apagó a las 8.30 del 28 de abril por una crisis cardiaca. Durante sus últimos años pasó largas temporadas en España, y mucho tiempo durmiendo en una suite del Hotel Palace con uno de sus amantes españoles, José Capelo.
Decían que gran parte de las obras que pintó durante aquella época pasaron a manos de esta última pasión. Eran las más oscuras, como si la luz que veía fuera cada vez más negra. Pero ayer, el historiador de Arte, Martin Harrisondescubrió que no todas tuvieron igual destino y, lo mejor de todo, que nunca habíamos visto una de ellas. Desconocíamos la despedida.
Harrison, en una entrevista concedida al diario británico The Guardian, confiesa que ha encontrado un cuadro inédito del pintor, el último que realizó. Se trata de Estudio de un toro y data de 1991, un año antes de su muerte. "No se había encontrado hasta ahora porque estaba en una colección muy, muy privada de Londres", ha comentado a este mismo diario. El historiador lo ha descubierto trabajando en un catálogo que reunía toda la obra del irlandés y que iba a publicar en abril. "Se trata de un cuadro que nunca se había visto y tampoco se ha escrito sobre él. Es totalmente desconocido".
"Si uno ha visto alguna vez una corrida", dijo Bacon, "no la olvida jamás". Y así parece que se despidió, con su última faena, con un toro que entra para no salir. "Bacon estaba listo para rendirse... Estaba tan enfermo. ¿Está el toro entrando en algún lugar? ¿Está retrocediendo ante algo o alguien?", se pregunta Harrison.
Y quién había más toro que Bacon en sus noches, en sus mañanas de resaca, en todo lo que le desgarraba... El toro entra para morir, como entró Bacon en aquel hospital, sin esperanza. Con el cuerpo desecho y la cara impecable, con esa elegancia no buscada que llevaba como si hubiese bebido agua. Y es que la bebida, el asma y las operaciones consiguieron debilitarle. "Tenía 82 años, se estaba muriendo y lo sabía".
Este, su último cuadro, muestra también la pasión del irlandés hacia la tauromaquia. Algo que reflejó en 1969 y a lo que volvió con persistencia en los años 80, cuando en 1987 le dedicó un tríptico. "Su interés por los toros le viene por su amigo el surrealista francés Michel Leiris, que murió un año antes de que él terminase esta obra", añade al medio británico.
La mayor parte de la obra, de dos metros de altura, es lienzo sin tratar. Pero Bacon incluyó polvo de su estudio en South Kensington debajo del toro, otra referencia a la muerte, según Harrison, haciendo alusión a una de las reflexiones del pintor: "El polvo es eterno. Después de todo, regresamos al polvo". "Que haya utilizado este material, a mí me conmueve".
Revive así Francis Bacon. El que cuentan que volvió a Madrid a recuperar a Capelo, el que no aguantaba que el español renegase en público de su homosexualidad. El sádico. El del carácter de cuidado. El tipo que puede presumir de haber contado con el desprecio de Thatcher. El que se bebió medio mundo y el que pintó con la fuerza de todos. "Quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba".

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