El Whitney Museum recorre seis
décadas del arte experimental de un creador inagotable
La exposición de Frank Stella en Nueva York. / RONALD AMSTUTZ
A diferencia de otros artistas, a Frank Stella (Malden,
Massachusetts, 1936) el éxito le llegó con apenas 25 años cumplidos, cuando fue
incluido en la ya mítica exposición Sixteen Americans en el
MoMA en 1958 y celebró su primera muestra individual en la galería de Leo Castelli.
En un panorama dominado por los expresionistas abstractos, sus austeras Black
Paintings (precursoras del Minimalismo) se contemplaron como un
desafío a la tendencia dominante. Pronto llegaron sus archifamosas y coloridas
composiciones geométricas que rompieron con todo lo conocido y supusieron el
comienzo de una actividad casi frenética (se le atribuyen más de 10.000 obras).
El resultado de ese incontenible afán experimentador se puede contemplar en la
espectacular antológica que el Whitney Museum
de Nueva York le dedica hasta el 6 de febrero.
Todo en esta exposición se presenta como superlativo: la más completa, la
más grande y la más esencial. Con un centenar de obras elegidas por el propio
artista y distribuidas según sus deseos, la muestra ocupa 560 metros cuadrados
del espléndido edificio construido por Renzo Piano junto al
río Hudson. En palabras del coordinador de la muestra, Adam D. Weinberg, “no se
trata simplemente de mostrar lo dilatado de su carrera, sino de resaltar la
intensidad de su obra y la habilidad que ha demostrado para reinventarse como
artista”.
Organizada en orden cronológico, la exposición arranca con cuadros
realizados a finales de la década de los cincuenta. Son sus pinturas-objeto
realizadas sobre aluminio y cobre, aquellas que resultaron determinantes para
el nacimiento del Minimalismo y que destacan por el color negro distribuido en
líneas regulares y en las que cada trazo resulta exactamente igual que el
anterior. La repetición de la forma de las líneas evoca laberintos arcaicos.
En el siguiente grupo de obras, ya fechadas en los sesenta, esos mismos
motivos aparecen plasmados sobre soportes de formas geométricas y grandes
formatos. El color se libera de la forma del cuadro. Son años en los que el hard
edge (pinturas de filo duro) gana terreno y la creatividad feroz del
artista sorprendió al mundo con sus shaped canvases, con los que se
permitía desplegar sus diseños en formatos caprichosos, impactantes y con
tamaños cada vez más grandes.
A partir de 1976, Stella se lanza de lleno a sus piezas tridimensionales.
Conocidas como construcciones barrocas, cada obra es más compleja, rica y
brillante que la anterior. Para los comisarios, con estas obras replica al
Pop-Art con una personal versión que se mueve entre lo conceptual y lo irónico.
Todo en esta
exposición se presenta como superlativo: la más completa, la más grande y la
más esencial
La segunda parte de la exposición está dedicada a las obras creadas a
partir de la década de los ochenta, una etapa en la que el artista se dejó
guiar por la música y la literatura. La serie escultórica inspirada enMoby
Dick, de Herman Melville es una espectacular suma de unas formas tan
complejas que el resultado tiene que ver más con maquetas arquitectónicas que
con esculturas tradicionales. Elevadas sobre el espacio y creadas con el apoyo
de tecnología digital, rompen todas las dimensiones posibles de la creación
cambiando su apariencia en función del ángulo desde el que se las contemple.
Como la ballena blanca que perseguía el capitán Ahab, en esta parte de la
exposición se percibe la obsesiva búsqueda de Frank Stella por las nuevas
formas , sin olvidar siempre su pensamiento más conocido: “La pintura es solo
una superficie plana con pintura por encima. Y nada más”
El artista Frank Stella junto a su obra 'La
Marquesa de O'. / REUTERS
Artista ambicioso y prolífico, capaz de simultanear la realización de más
de diez obras a la vez, ha tenido siempre en el papel uno de sus materiales
predilectos. En colores primarios y tonos ácidos, manipulado como si fuera
chatarra, el papel es su principal materia prima. En entrevistas recientes ha
asegurado que el grabado ha sustituido a la pintura. Cortaplumas en mano ha
creado gigantescos collages a los que luego insufla el efecto de una pintura. Y
el papel, precisamente, cierra su exposición neoyorquina con series comoShards
Prints, donde reutiliza fragmentos de obras anteriores con una técnica que
parece extraída de su personal concepto del arte y de la vida.
http://cultura.elpais.com/cultura/2016/01/15/actualidad/1452873143_919945.html
No hay comentarios:
Publicar un comentario