EL ROTO. VIÑETA DE EL ROTO DEL 27 DE FEBRERO DE 2018

https://elpais.com/elpais/2018/02/26/opinion/1519657434_048704.html

RAPHAEL ENTHOVEN REGRETTE L’ANNULATION DE LA PUBLICATION DES ÉCRITS DE CÉLINE

"Je crois que la republication telle qu’elle est envisagée par Gallimard n’est pas dangereuse," explique le professeur de philosophie officiant sur Europe 1

Par TIMES OF ISRAEL STAFF

Raphael Enthoven dans l'ex-matinale de Thomas Sotto (Crédit : Capture d'écran : Europe 1)

A l’occasion d’un entretien accordé à l’hebdomadaire Actualité juive, suite à la sortie de son recueil de chroniques philosophiques sur Europe 1, Morales provisoires, Raphaël Enthoven revient sur le débat ayant accompagné l »annonce de la publication par Gallimard des pamphlets de Céline, pour laquelle il militait. Depuis la maison d’édition est revenue sur cette décision, et a reporté cette réédition accompagnée d’un important appareil critique à des jours plus propices.

Interrogé sur la pertinence de permettre un accès facilité à ses écrits racistes en ces temps de regain d’antisémitisme le professeur de philosophie réplique : « Y a-t-il eu un moment en Europe ou dans le monde, où l’antisémitisme a cessé ? Cet argument lié au contexte historique ne me semble pas recevable. Il y aura toujours une recrudescence opportune d’actes antisémites pour justifier la non-publication de ces textes ».

Il rappelle qu’une appréhension bien plus grande avait précédé la réédition de Mein Kampf : « De même, ceux qui invoquent leur ‘dangerosité’ pour les interdire, présentaient les mêmes arguments lors de la republication de Mein Kampf. Or la catastrophe qu’ils prédisaient n’a pas eu lieu. Je crois que la republication telle qu’elle est envisagée par Gallimard n’est pas dangereuse. En revanche, l’existence de ces textes disponibles au tout venant sur Internet et sans appareil critique, elle, est délétère. Le fait de déposer sur eux un voile pudique a seulement pour effet de les rendre croustillants aux yeux des profanes. C’est tout à fait contre-productif ».

https://fr.timesofisrael.com/raphael-enthoven-regrette-lannulation-de-la-publication-des-ecrits-de-celine/?utm_source=A+La+Une&utm_campaign=5d5841a901-EMAIL_CAMPAIGN_2018_02_26&utm_medium=email&utm_term=0_47a5af096e-5d5841a901-55586581

EL AMOR OCULTO DE WINSTON CHURCHILL MARÍA CONTRERAS

Un documental de Channel 4 asegura que el primer ministro británico fue infiel con Doris Castlerosse, tía abuela de Cara Delevingne.

El domingo 4 de marzo, el mismo día que Gary Oldman podría ganar el Oscar por su magnífica encarnación de Winston Churchill en la película El instante más oscuro, un documental del canal británico Channel 4 amenaza con desenterrar uno de los secretos mejor guardados del mitificado ex primer ministro. Según revela Churchill's Secret Affair (“La aventura secreta de Churchill”), el político, que estuvo casado 57 años y a quien nunca se le había conocido una infidelidad, mantuvo una relación extramatrimonial en los años 30 con Doris Castlerosse, una vizcondesa y famosa socialite de la época que además era la tía abuela de la modelo y actriz Cara Delevingne.

El descubrimiento se basa en una investigación llevada a cabo por Richard Toye, profesor de Historia en la Universidad de Exeter, y Warren Dockter, historiador de la universidad de Aberystwyth. Ambos comenzaron a tirar del hilo tras hallar una grabación de 1985 en la que Sir John “Jock” Colville, el que fuera secretario privado de Churchill (cargo que también ejerció para la actual reina de Inglaterra entre 1947 y 1949), confirmaba en una charla con los archivistas del Churchill College de Cambridge lo que hasta entonces se había considerado un mero rumor. Según las palabras de Colville (que en el documental están locutadas por un actor), “Winston Churchill no era un hombre con un gran apetito sexual ni mucho menos, y no creo que en sus 60 o 55 años de vida matrimonial cometiera ningún desliz, excepto en una ocasión en la que Lady Churchill no lo acompañaba y a la luz de la luna en el sur de Francia… lo cierto es que tuvo una aventura con… Lady Castlerosse creo que se llamaba… Doris Castlerosse”.

Cara Delevingne en la fiesta de Navidad de Burberry en Londres, el pasado diciembre. GETTY

Según el documental, el affaire se consumó en Château de l’Horizon, la villa en el sur de Francia de la actriz Maxine Elliot, y se prolongó durante cuatro veranos entre 1933 y 1937, el momento en el que la carrera de Churchill pasaba por sus horas más bajas. Allí, el político, que también era pintor aficionado, habría retratado hasta en tres ocasiones a Lady Castlerosse, y en uno de esos lienzos ella aparecía recostada en una chaise longue. El estadista también habría visitado a su supuesta amante en su casa de Berkeley Square, en Londres; un punto que valida en el film Caroline Delevingne, sobrina de Doris, al contar que en la familia “se sabía que tenían una aventura”. “Cuando Winston iba a visitarla, al servicio le daban el día libre”, señala.

Doris Delevingne nació en Londres en 1900 en el seno de una familia humilde, y en 1928 se casó con el vizconde Castlerosse, un antiguo capitán del ejército reconvertido en columnista de cotilleos del Sunday Express. Fue una unión infeliz y las crónicas le atribuyen a ella incontables aventuras (incluida una con Randolph, el único hijo varón de Churchill). El amorío con Winston Churchill habría terminado en 1937, pero sus caminos volvieron a cruzarse cinco años más tarde. Él, ya como primer ministro, viajó a Washington para negociar con el presidente Roosevelt los términos del apoyo norteamericano contra los nazis. La aristócrata, divorciada y con problemas económicos, vivía en Estados Unidos desde 1940 y le pidió ayuda a Churchill para regresar a su país. Según el documental, al mandatario le preocupaba el hecho de que uno de sus retratos de Lady Castlerosse, que estaba en poder de ella, pudiera ser utilizado para chantajearlo o para socavar su reputación, e intervino para conseguirle a la dama –y al lienzo– un billete de ida a Londres. Muy poco después, el 9 de diciembre de 1942, Doris apareció muerta por una sobredosis de somníferos –posiblemente accidental– en su habitación del Hotel Dorchester.

Sin embargo, no todo el mundo está dispuesto a dar por buenas las revelaciones del documental. El periodista e historiador Andrew Roberts, que en otoño publicará la biografía Churchill: Walking with Destiny, ha asegurado en un escrito en la revista The Spectator que, aun habiendo oído la grabación de Sir John Colville, sencillamente no se lo cree: “Cuando escuché la cinta, decidí investigar las alegaciones detenidamente y encontré que los hechos no las respaldan”. Roberts sostiene que Colville hablaba de oídas, puesto que no empezó a trabajar con Churchill hasta 1940; que el político pintó retratos de numerosas mujeres, desde su cuñada a su secretaria; o que las cartas que Churchill y Castlerosse se intercambiaron no ofrecen ninguna prueba concluyente sobre la naturaleza romántica de su relación, y concluye alegando que Churchill no debería ser “la última víctima del fenómeno post-Weinstein”.

https://elpais.com/elpais/2018/02/26/gente/1519663923_045856.html

ALL TOO HUMAN BACON, FREUD AND A CENTURY OF PAINTING LIFE

28 FEBRUARY – 27 AUGUST 2018

All Too Human celebrates the painters in Britain who strove to represent human figures, their relationships and surroundings in the most intimate of ways.

It features artists including Lucian Freud and Francis Bacon alongside rarely seen work from their contemporaries including Frank Auerbach and Paula Rego. Many of them lived or live in London, drawn to the multicultural capital from around the world. Three important works by Francis Bacon will be shown in the UK for the first time in at least three decades.

I want the paint to work as flesh does.

Lucian Freud, 2009

The exhibition also shows how this spirit in painting was fostered by the previous generation, from Walter Sickert to David Bomberg, and how contemporary artists continue to express the tangible reality of life through paint.

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/all-too-human

SIE BEFINDEN SICH HIER: STARTSEITE AUSSTELLUNGEN FOTOAUSSTELLUNGEN JOEL MEYEROWITZ. WHY COLOR? RETROSPECTIVE

Meyerowitz schafft es, aus Alltagsmomenten die überraschenden und manchmal kuriosen Augenblicke herauszufiltern und durch den gezielten Einsatz von Farbe eine ganz eigene Lebendigkeit und malerische Intensität herauszuarbeiten. Der Zufall und sein außergewöhnliches Auge leiten seinen Blick. Der Fotograf führt die Betrachter durch die Straßen, Städte und urbanen Landschaften Amerikas.

Wer ist Joel Meyerowitz?

Joel Meyerowitz wurde in klassischer Malerei ausgebildet und arbeitete zunächst als Werbefilmer, bevor er 1962 anfing zu fotografieren. Bereits früh entdeckte er Farbe als kraftvolles künstlerisches Mittel und experimentierte mit dem Einsatz von Farben in Fotografien. Motive waren dabei Straßenaufnahmen in New York, Menschen und Szenerien, denen er auf seinen zahlreichen Reisen begegnete. Seine Fotografien sind Tänze zwischen Farbexplosionen und feiner Schwarz-Weiß Anordnungen.

Sarah, Provincetown, Massachusetts, 1980 © Joel Meyerowitz/Courtesy Howard Greenberg

Meyerowitz war einer der wenigen Farbfotografen

Bereits ab den 1930er Jahren war die Farbfotografie möglich. Dennoch blieb sie lange Zeit der Werbung vorbehalten, der Ruf des Amateurhaften, Kommerziellen und Vulgären haftete ihr an. Joel Meyerowitz war einer jener weniger Fotografen, die sich künstlerisch damit auseinandersetzten. C/O Berlin zeigt nun erstmals in Deutschland eine Ausstellung, die seine Farbfotografien in Bezug zu den frühen Schwarz-Weiß Arbeiten stellt.

https://www.berlin.de/ausstellungen/fotoausstellungen/5066711-2745254-joel-meyerowitz-why-color-retrospective.html

NABUCCO – TEATRO COCCIA, NOVARA

– 23.febbraio 2018 

A volte nella vita si  ricercano oggetti, arredi che con la loro presenza ci rassicurino; così anche negli allestimenti teatrali, dove talvolta si esagera con gli elementi di scena, quando l’opera in sé contiene già tutti gli elementi per essere apprezzata! Il Nabucco di Pier Luigi Pizzi è sfrondata di tutto e lascia che la superba eleganza della semplicità, la faccia da padrone!

Opera in quattro atti
Musica di Giuseppe Verdi, su libretto di Temistocle Solera
Prima rappresentazione: Milano, Teatro alla Scala, 9 marzo 1842

Nabucco (Nabucodonosor), re dei Babilonesi                         ENKHBAT AMARTUVSHIN
Ismaele, nipote di Sedecia re di Gerusalemme                       TATSUYA TAKAHASHI
Zaccaria, gran pontefice degli Ebrei                                           MARKO MIMICA
Abigaille, schiava, figlia adottiva di Nabucco                           REBEKA LOKAR
Fenena, figlia di Nabucco innamorata di Ismaele                  SOFIA JANELIDZE
Abdallo, vecchio ufficiale del re di Babilonia                            GJORGJI CUCKOVSKI
Anna, sorella di Zaccaria                                                   MADINA KARBELI
Gran sacerdote di Belo                                                      DANIELE CUSARI
Soldati babilonesi, soldati ebrei, Leviti, vergini ebree, donne babilonesi, Magi, grandi del regno di Babilonia, popolo (coro)

Regia, scene, costumi e luci                     Pier Luigi Pizzi
Direzione d’orchestra                               Gianna Fratta
Coreografie                                      Francesco Marzola

Orchestra della Fondazione Teatro Coccia
con Orchestra del Conservatorio Guido Cantelli
Coro San Gregorio Magno

Allestimento della Rete Lirica delle Marche

Produzione Fondazione Teatro Coccia Onlus

Credit Photo : Mario Finotti

All’ouverture entra in scena un candelabro a sette braccia portato dai ballerini, che poi si affacciano, insieme al coro, sulla buca dell’orchestra e soddisfatti approvano con sguardi e sorrisi la direzione della stessa. L’essenzialità, anzi il minimalismo,  appaiono immediatamente quale dominante  elemento scenico del Nabucco che ci si appresta a vivere.

La Musica è stupenda e senza attimi di tregua, viene diretta dalla direttrice Gianna Fratta  che  in totale femminilità esprime vigore e forza interpretativa con gesto molto ampio, chiaro e ben definito che esprime con attenzione e rigorosa puntualità.

Marko Mimica è Zaccaria, il gran pontefice degli ebrei ed oltre a prestanza fisica esibisce con autorevolezza una voce possente e corposa timbricamente più che rilevante.  Enkhbat Amartuvshin,  rivelazione di questa produzione,  interpreta il ruolo del titolo con potenza, armonia e colore con un fraseggio talmente chiaro da essere invidiato  da interpreti  di lingua madre italiana (sono certo che ne sentiremo parlare). La perfida Abigaille incontra Rebeka Lokar che emette una potentissima vocalità e grande facilità negli acuti ed incantevole nelle agilità che l’ha fatta apprezzare ancor più che in Turandot recentemente al Regio di Torino.

Le coreografie di Francesco Marzola sono semplici ed essenziali, quindi ben attagliate all’insieme ed i costumi si avvalgono del nero e di un punto di rosso che ritroveremo anche in altri momenti.  Regia, scene, luci e costumi sono di Pier Luigi Pizzi che fa della ricchezza semplice e dell’essenziale prezioso i suoi punti di forza, riconfermandosi principe di eleganza e raffinatezza.

Ismaele,  è Tatsuya Takahashi, che muovendosi con sicurezza  sul palco interpreta il nipote del re di Gerusalemma con voce curata ed interessante. Sofia Janelidze realizza Fenena con una bella timbricità e facilità nei cambi di registro che risulta gradevolmente vellutata anche nei toni più alti.

Apprezzabili anche i ruoli minori: Anna, interpretata significativamente da Madina Karbeli, il gran Sacerdote dall’efficace  Daniele Cusari e Abdallo da Gjorgji Cuckovski   Il coro San Gregorio Magno  diretto da Mauro Rolfi ha offerto un ‘va pensiero’  decisamente commovente anche grazie alla scelta di Pizzi di farlo cantare a bordo palco con sipario nero alle spalle, eliminando ogni elemento che avrebbe potuto risultare ‘di troppo’ rispetto alla scrittura amata da tutto il mondo.

La Musica vince sempre

Renzo Bellardone

MISERIA e NOBILTA’ – TEATRO CARLO FELICE GENOVA

– 24 febbraio 2018

Credo sia meritevole riscoprire i classici della nostra storia artistica e letteraria  e riuscire a rielaborarli in altra forma d’arte diversa dalla precedente, prolungandone la vita;  questo   percorso  tutela e salvaguardia il nostro patrimonio culturale che viene portato alla fruizione anche dalle nuove generazioni.

Credit photo: Bepi Caroli

di Marco Tutino
Opera in due atti liberamente tratta dalla commedia di Eduardo Scarpetta, soggetto, sceneggiatura e libretto di Luca Rossi e Fabio Ceresa.

Regia, Rosetta Cucchi
Assistente alla regia, Stefania Panighini
Scene, Tiziano Santi
Assistente alle scene, Alessia Colosso
Costumi, Gianluca Falaschi
Assistente ai costumi, Nika Campisi
Luci, Luciano Novelli
Nuovo allestimento della Fondazione Teatro Carlo Felice e Teatro Verdi Salerno.

Direttore d’orchestra, Francesco Cilluffo
Orchestra e Coro del Teatro Carlo Felice
Maestro del Coro Franco Sebastiani

Personaggi e interpreti principali:
Bettina  Valentina Mastrangelo
Peppiniello  Francesca Sartorato
Gemma Martina Belli
Eugenio Fabrizio Paesano
Cameriere/Contadino Nicola Pamio
Felice Sciosciammocca Alessandro Luongo
Don Gaetano Alfonso Antoniozzi
Ottavio Andrea Concetti

Mimi DEOS: Luca Alberti, Luisa Baldinetti, Filippo Bandiera, Emanuela Bonora, Dario Greco, Erika Melli, Davide Riminucci, Francesca Zaccaria.

Credit photo: Bepi Caroli

Ispiratosi alla vicenda scritta da Edoardo Scarpetta, Marco Tutino scrive la partitura per questa nuova opera  in prima mondiale ed in allestimento con Genova e Salerno. La curiosità è forte soprattutto dopo il successo de ‘La Ciociara’ sempre di Tutino: le attese non vanno deluse neppure al Carlo Felice, già al primo ascolto della gradevole composizione che utilizza anche il valzer ed alcune dotte citazioni da arie operistiche e canzoni napoletane.

Fin dalle prime battute si entra in sintonia con la musica dolce e vigorosa al tempo stesso, affidata all’appassionata direzione del  giovane direttore Francesco Ciluffo che  imprime forza descrittiva  e poesia.

Gli elementi scenici riconducono al verismo cinematografico e la vicenda si svolge in una Napoli dell’immediato dopoguerra, nei giorni del referendum per scegliere tra monarchia e repubblica! I mestieri di muratore, barbiere, lavandaia e stiratrice vengono ovviamente tutti svolti in strada a far da naturale fondale scenico alla miseria che ha segnato quegli anni. Gli spaghetti fumanti sono attesi dal pubblico come la marcia trionfale nell’Aida e gli spaghetti arrivano, fumanti e tanti, pronti a sfamare, almeno per un giorno, i diseredati per cause politiche o sociali. Nel momento della ‘spaghettata’ la musica si fa ampia e porta alla naturale commozione.  Il secondo atto si svolge invece nell’abitazione di Don Gaetano e tra sostituzioni di persona e ritrovamenti di madre e figlio si giunge al lieto fine che conclude l’opera.

Credit photo: Bepi Caroli

La regia di Rosetta Cucchi è attenta ai particolari e fa muovere i personaggi con grande realismo. Le scene di Tiziano Santi rimandano alla classicità, escludendo ovvietà ed i costumi di Gianluca Falaschi anche in questo caso sono studiati in ogni dettaglio e calibrati ai ruoli. Apprezzato anche il coro diretto da Franco Sebastiani.  

Venendo al cast, si può a buon diritto dichiarare che è di buon livello. Nei panni di Felice Sciosciammocca troviamo Alessandro Luongo con buona presenza scenica e voce arrotondata dai colori ambrati.   Valentina Mastrangelo nei panni di Bettina trae voce squillante ed armoniosa, così come Martina Belli  che nel ruolo di Gemma sfodera agilità e facilità negli acuti. Peppiniello è affidato al mezzo-soprano Francesca Sartorato  che si esprime con vivacità e bel colore.  Fabrizio Paesano interpreta il ruolo di Eugenio con scioltezza e buona intonazione e Nicola Pamio da vita prima al contadino e poi al cameriere con grande sicurezza. Andrea Concetti non delude mai con i bei colori scuri e profondi ed anche in Ottavio dispiega padronanza del palcoscenico, come pure Alfonso Antoniozzi  baritono buffo, riesce perfetto in Don Gaetano che impreziosisce con eccellente interpretazione sotto ogni punto di vista.

La musica vince sempre.

Renzo Bellardone

TINTORET NAISSANCE D'UN GÉNIE. MUSEE DU LUXEMBOURG

7 mars - 1er juillet 2018

A l’occasion du 500e anniversaire de la naissance du Tintoret, le Musée du Luxembourg célèbre l’un des plus fascinants peintres de la Renaissance vénitienne.

L’exposition se concentre sur les quinze premières années de sa carrière, période décisive et déterminante pour comprendre comment il se construit. Elle propose ainsi de suivre les débuts d’un jeune homme ambitieux, pétri de tradition vénitienne mais ouvert aux multiples nouveautés venues du reste de l’Italie, décidé à renouveler la peinture dans une Venise cosmopolite. Peinture religieuse ou profane, décor de plafond ou petit tableau rapidement exécuté, portrait de personnalité en vue ou d’ami proche, dessin ou esquisse… les œuvres rassemblées rendent compte de la diversité du travail de Tintoret et de sa volonté de frapper l’œil et l’esprit par son audace.

L’exposition retrace en définitive l’ascension sociale d’un homme d’extraction modeste, fils de teinturier, qui, grâce à son talent, parvient à s’élever dans la société, à s’imposer et à se faire un nom sans rien oublier de ses propres origines.

http://museeduluxembourg.fr/expositions/tintoret-naissance-dun-genie

EGON SCHIELE. DIE JUBILÄUMSSCHAU

23.02.2018 – 04.11.2018

Im Jahr 2018, 100 Jahre nach seinem Tod, ist dem zentralen Künstler aus der Sammlung des Leopold Museum, Egon Schiele (1890–1918), eine besondere Ausstellung gewidmet: einzigartig durch die Kombination von Gemälden, Papierarbeiten und zahlreichen Archivalien präsentiert die Ausstellung die wichtigsten Themen im Schaffen des Künstlers: zunächst sein selbstbewusstes Heraustreten aus der Tradition und seine Findung als Ausdruckskünstler, in der Folge Motivgruppen wie die ambivalente Figur der Mutter oder die Tabubrüche in Form der Darstellung junger Mädchen und Buben, des weiteren Themen wie Spiritualität und Verwandlung, seine enigmatischen Häuser und Landschaften oder etwa seine spannungsvoll komplexe Analyse in seinen Porträtdarstellungen. Die Gewichtung der Ausstellung ergibt sich aus jener der Sammlungen Leopold, die Kunstgeschichte schrieben: bei den Ölbildern wie den Papierarbeiten liegt der Schwerpunkt auf den expressionistischen Jahren 1910–1914, wobei die Blätter zu je einem Drittel den Selbstdarstellungen, den Porträts und Akten der Mädchen und schließlich jenen erwachsener Frauen gewidmet sind. Demgegenüber umfassen die Gemälde alle oben genannten Themen. Neben dem umfassenden Sammlungsbestand, deren Papierarbeiten aus restauratorischen Gründen in drei Durchläufen gezeigt werden, sind einzelne herausragende Schiele-Werke von internationalen Sammlungen als „noble Gäste“ in die Jubiläumsausstellung integriert.

https://www.leopoldmuseum.org/de/ausstellungen/95/egon-schiele

WIEN UM 1900. KLIMT – MOSER – GERSTL – KOKOSCHKA

18.01.2018 – 10.06.2018

Das Leopold Museum beherbergt die größte und bedeutendste Sammlung an Werken von Egon Schiele und eine gleichermaßen einzigartige Kollektion an Meisterwerken der Kunst Wiens um 1900. Anlässlich des Themenjahres zur Wiener Moderne präsentiert das Museum ab 18. Jänner ausgewählte Werke der Hauptvertreter des Wiener Jugendstils Gustav Klimt (1862–1918) und Koloman Moser (1868–1918) sowie der wegweisenden Expressionisten Richard Gerstl (1883 1908) und Oskar Kokoschka (1886–1980) in einer völlig neuen Zusammenstellung. Hauptwerke Gustav Klimts wie Tod und Leben (1911/15) oder die 1900 entstandene Seelandschaft Am Attersee sind ebenso zu sehen wie Kolo Mosers Gemälde, so etwa die Venus in der Grotte (1914). Auch herausragende Beispiele des Designs um 1900 wie Möbel, Kunsthandwerk, Plakate und Entwürfe aus der Hand des „Tausendkünstlers“ und Mitbegründers der Wiener Werkstätte werden präsentiert. Die radikalen Werke des Protoexpressionisten Richard Gerstl sind erstmals nach den erfolgreichen Ausstellungen in der Schirn-Kunsthalle Frankfurt und der Neuen Galerie New York wieder im Leopold Museum zu sehen, welches die umfangreichste Gerstl-Sammlung besitzt. Gezeigt werden unter anderem die beiden großformatigen Selbstbildnisse, Ikonen der Wiener Moderne. Oskar Kokoschka, Enfant terrible der Wiener Kunstszene des frühen 20. Jahrhunderts, wird mit herausragenden Gemälden ebenfalls im Fokus dieser Ausstellung stehen, allen voran sein richtungsweisendes Selbstbildnis, eine Hand ans Gesicht gelegt von 1918/19, das ebenso Ausdruck von Zweifel und Selbstbefragung des Künstlers ist als auch Symbol für den Aufbruch der österreichischen Kunst in eine neue Zeit.

https://www.leopoldmuseum.org/de/ausstellungen/93/wien-um-1900

10 THINGS TO KNOW ABOUT PAUL DELVAUX

The Belgian painter filled his canvases with puzzling night-time scenes of skeletons, train stations and naked women, yet distanced himself from Surrealism and Freudian interpretation. Illustrated with past and present works offered by Christie’s

1 An early training in draughtsmanship informed much of his work

Paul Delvaux (1897-1994) was born in Wanze in southern Belgium. While his parents hoped he would follow in his father’s footsteps and pursue a legal career, his aunt encouraged his leanings towards literature and music. A compromise was reached, and the young Delvaux was allowed to study architecture. To his parents’ dismay — but Delvaux’s relief — he failed his mathematics exam. But his grounding in classical architecture and perspective provided him with a skilled hand for draughtsmanship, as is clear in works such as Le temple, below, sold at Christie’s in London in 2012 for £1,609,250.

2 Following severe criticism, he destroyed many early works

After enrolling at the Académie Royale des Beaux-Arts in Brussels to study painting, Delvaux finally graduated at the age of 27. It took almost three more years before he felt confident enough to set up his own studio in his parents’ Brussels home.

It wasn’t until the diffident artist’s mother died in 1933, when he was in his mid-thirties, that he felt comfortable exhibiting his painting of a sleeping Venus, inspired by a mechanical model he had spotted in a wax museum. It was a theme to which he would return again and again; the work, however, was severely criticised, and Delvaux destroyed the image, along with many other paintings from the period.

3 He revisited the experiences of his youth, many times over

The majority of Delvaux’s motifs were inspired by adolescent experiences: encountering the grinning skull of a man’s skeleton at school; discovering the poetry of Homer; taking the train to the Sonian Forest near Brussels to paint en plein air  while on military service. The artist once said of these icons: ‘Youthful impressions, fixed once and for all in the mind, influence you all your life.’………………….

https://www.christies.com/features/10-things-to-know-about-Paul-Delvaux-8884-1.aspx?sc_lang=en&cid=EM_EMLcontent04144A23C_0&cid=DM163989&bid=123560871

KATHARINE HAMNETT RETURNING TO THE FORE FOR SPRING/SUMMER 2018, THE RADICAL DESIGNER TALKS FASHION AS DIALOGUE

She’s the outspoken designer who fought for legislation with slogans during the tumultuous Thatcher years and now, as the political climate takes another turn, Katharine Hamnett is back. Her first collection in 15 years, Spring/Summer 2018 is as iconoclastic as ever: a wardrobe of fluid – and that includes gender –, utilitarian pieces, spun from organic and sustainably sourced textiles. Following her exclusive preview presentation in-store, we caught up with Hamnett to discuss the role of fashion as a catalyst for change.

WHAT SPARKED YOUR INTEREST IN FASHION DESIGN?

My family were crazy about fashion. They were pretty chic and very competitive. They had their clothes made or made them themselves, we used to go to Liberty for fabric. I was in charge of getting the right colour sticking cotton. I discovered the power of clothes.

HOW DID YOU GO ABOUT CHANGING THE OUTLOOK OF YOUR BUSINESS?

Declaring I only wanted to make clothes ethically from now on as sustainably as possible and preserving traditional skills. Using and abusing media coverage, speaking at conferences, talking to suppliers and licensees. Showing them the evidence, trying to get them to change the way they were making clothes. T-shirt campaigns, collaborations with the likes of Tesco, M&S, Co-op Italy, getting them to use organic cotton and make sustainably. I don't think I was wildly successful, still only maximum 2% of cotton used in clothing is organic………..

http://www.libertylondon.com/uk/liberty-life/women/katharine-hamnett-interview.html?utm_source=libertystatic&utm_medium=email&utm_campaign=180225-discovers

EMMANUEL MACRON DANS PIERRE ET LE LOUP: UN RÔLE SUR-MESURE POUR UN PRÉSIDENT FÉRU DE CULTURE

Jeudi prochain, lors d'un concert qui se tiendra dans la salle des fêtes de l'Elysée, Emmanuel Macron prendra part, avec la Garde républicaine, à une représentation du conte musical Pierre et le Loup du compositeur Sergueï Prokofiev. Une soirée spéciale pour le président de la République qui n'a jamais caché sa passion pour la culture, et le théâtre en particulier.

http://www.bfmtv.com/mediaplayer/video/emmanuel-macron-dans-pierre-et-le-loup-un-role-sur-mesure-pour-un-president-feru-de-culture-1039665.html

PARÍS SE ENTREGA A PLÁCIDO DOMINGO EN UNA "TRAVIATA" SOMBRÍA

La Ópera de París se rindió hoy al tenor español Plácido Domingo, quien, pese a no parecer en plenitud de condiciones, lució su enorme profesionalidad y experiencia como el Giorgio Germont de "La Traviata" de Verdi.

Acompañado por un notable reparto vocal -mención especial para los coros y para la soprano letona Marina Rebeka (Violetta Valéry)- los aplausos de la platea tuvieron como principal destinatario al tenor español, de 77 años.

Especialmente celebrada fue su reacción en el segundo acto, en el que su personaje de padre de Alfredo Germont cobra especial relevancia, cuando tuvo que detenerse antes de terminar un solo y, tras hacer un gesto al director musical, calló durante unos segundos que al respetable se le hicieron horas.

Recuperado del lapsus, Domingo cerró por todo lo alto su aria y el público le premió con una gran ovación, que se repitió en los saludos al final de la función.

La actuación de Domingo era la primera de las tres noches en las que encarnará a Giorgio Germont en esta versión de "La Traviata" un tanto sombría y austera que ha puesto en escena el francés Benoît Jacquot.

Se trata de una revisión de "La Traviata" que el mismo director ya llevó a la Ópera parisina en 2014 y que entonces, al igual que ha sucedido ahora, no despertó el entusiasmo ni del público ni de la crítica.

Utilizando como eje de su propuesta el célebre retrato "Olympia" del impresionista Manet, que muestra a una mujer desnuda sobre su cama atendida por una criada negra, Jacquot reduce la puesta en escena a una gran cama con doseles en el primer y tercer acto, todo rodeado por un ambiente oscuro y casi tétrico.

Sólo la calidez de las voces de los intérpretes, ayudada por la sólida dirección musical de Dan Ettinger, consigue aplacar algo el destino trágico de Violetta y de otros protagonistas.

Por encima de todos brilla la soprano Rebeka, quien además debe reemplazar en las tres últimas funciones de esta ópera (hoy y los próximos 25 y 28 de febrero) la anunciada ausencia de la diva rusa Anna Netrebko.

La Ópera de París anunció hace dos días que la voz femenina más codiciada hoy en el "bel canto" no podrá finalmente interpretar a Violetta, el papel que la lanzó a la fama en 2005, por "razones de salud".

https://www.eldiario.es/cultura/Paris-entrega-Placido-Domingo-Traviata_0_742975699.html