ROMA. HOGARTH, REYNOLDS, TURNER. PITTURA INGLESE VERSO LA MODERNITÀ

15 aprile - 20 luglio 2014

Promossa dalla Fondazione Roma, in collaborazione con la Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della Città di Roma, e organizzata dalla Fondazione Roma-Arte-Musei la mostra "Hogarth, Reynolds, Turner. Pittura inglese verso la modernità" sarà ospitata presso il Museo Fondazione Roma, nella sede di Palazzo Sciarra dal 15 aprile al 20 luglio 2014.
L’esposizione, curata da Carolina Brook e Valter Curzi, intende offrire al pubblico una visione d’insieme dello sviluppo artistico e sociale, che si definì nel XVIII secolo di pari passo con l’egemonia conquistata dalla Gran Bretagna sul piano storico - politico ed economico.
A tal fine è stato riunito un corpus di oltre cento opere, provenienti dalle più prestigiose istituzioni museali quali il British Museum, la Tate Britain, il Victoria & Albert Museum, la Royal Academy, la National Portrait Gallery, il Museum of London, la Galleria degli Uffizi alle quali si unisce il nucleo di opere provenienti dall’importante raccolta americana dello Yale Centre for British Art.

Divenuta nel corso del Settecento una vera e propria potenza internazionale, protagonista della rivoluzione industriale e dell’egemonia sulle rotte marittime, l’Inghilterra si pose per la prima volta il problema della nascita di una propria scuola artistica.
Lo sviluppo economico di cui è protagonista la Gran Bretagna, permetterà la nascita di un vero e proprio mondo nuovo di figure professionali, industriali e mercanti, scienziati e filosofi, che troveranno nelle arti visive un significativo supporto all’affermazione del loro nuovo status, divenendo i mecenati di quei maestri che nell’arco del secolo contribuiranno alla definizione di una scuola nazionale.

Il percorso della mostra si articola in sette sezioni e propone una selezione dei più significativi pittori anglosassoni, con l’obiettivo di documentare in particolare i generi della ritrattistica e della pittura di paesaggio che maggiormente hanno trovato fortuna durante il secolo, dando luogo a un linguaggio figurativo capace di interpretare quella modernità che diventerà nell’Ottocento riferimento comune per tutta l’Europa.
In mostra si potranno ammirare pittori come Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wright of Derby,Stubbs, Füssli, Constable e Turner, che offriranno con le loro opere uno spaccato significativo della peculiarità e originalità dell’arte inglese, di cui mancava a Roma una rassegna dalla mostra del 1966.

http://www.fondazioneromamuseo.it/it/964.html

VIENNA. DÜRER, MICHELANGELO, RUBENS - THE 100 MASTERWORKS OF THE ALBERTINA

14 March 2014 - 29 June 2014

Albrecht Dürer

Hare, 1502

The exhibit Dürer, Michelangelo, Rubens - The 100 Masterworks of the Albertina for the first time shows around 100 top-class masterpieces from the collection of the Albertina in the context of the chequered and exciting life story of its founders, Prince Albert of Saxony, Duke of Teschen and Archduchess Marie Christine. The large-scale presentation unites the highlights of the collection, from Michelangelo through Rembrandt and Rubens to Caspar David Friedrich. The centrepiece of the Albertina, Dürer's famous "Young Hare", is now once again accessible to an interested public in the context of this exhibit after a decade-long period of grace. 

The time span documented by the large-scale exhibit extends from 1738 to 1822: from the age of the courtly Baroque under Maria Theresia and the Enlightenment under Joseph II, through the premodern period and the years of the revolutions in America and Europe to the Biedermeier period of the Vormärz (the years leading up to the revolutions of 1848 in Germany) following the Vienna Congress.  The stations in life of the founders of the collection, Prince Albert of Saxony, Duke of Teschen and Archduchess Marie Christine, including Dresden, Rome, Paris, Brussels and Vienna, present the leading centres of art and politics, and in the process provide insight into the multi-layered networks of collectors and art dealers, the feudal life of the European aristocracy, as well as the political and intellectual reorientation under the auspices of the Enlightenment.

Loans from throughout the world supplement the holdings of the Albertina in this presentation and convey a poignant picture of the circumstances and the passion for collecting of the namesake of the Albertina. A splendid service, as well as paintings and busts of the Duke and his wife, but also other important documents of the time, such as the hat of Napoleon, worn by him at the Battle of Eylau, originate from, among other sources, the Metropolitan Museum of Art, the Louvre, the Staatliche Kunstsammlungen Dresden, the Vatican and various private collections.

http://www.albertina.at/jart/prj3/albertina/main.jart?rel=en&reserve-mode=active&content-id=1202307119317&ausstellungen_id=1370243694698

EL TESORO DEL NAVIERO-COLECCIONISTA LA COLECCIÓN BURRELL, UN ‘MINI-BRITISH MUSEUM’ DE 9.000 PIEZAS DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA LOS IMPRESIONISTAS, SALE DE GIRA POR EL MUNDO EN MEDIO DE UNA GRAN POLÉMICA

PATRICIA TUBELLA Glasgow 

Exterior del edificio que alberga la Colección Burrell, al sur de Glasgow, y que cerrará durante tres años para su rehabilitación.

La escena de una Judith victoriosa tras haber seccionado con su espada la cabeza de Holofernes nos abre a un despliegue de obras maestras, como este mismo lienzo ejecutado por Lucas Cranach el Viejoen 1530, o la virgen renacentista de Bellini que sostiene al niño, un autorretrato del joven Rembrandt, el dilatado repertorio de pasteles deDegas, las estampas impresionistas de Manet y Renoir… Ese compendio de cinco siglos de historia de la pintura se exhibe en una exposición recién estrenada por la Burrell Collection de Glasgow a modo de botón de muestra de las joyas que encierran sus fondos, casi 9.000 piezas del arte de todos los tiempos atesoradas por la pasión de un solo hombre. El empresario naviero William Burrell (1861- 1958) acabó donando a su ciudad el fruto del esfuerzo de toda una vida, y solo puso para ello dos condiciones: que las obras fueran alojadas al menos a 16 millas de distancia de la polucionada urbe y que nunca traspasaran el contorno costero de las islas británicas para evitar que el transporte marítimo las dañara. La primera solo se cumplió a medias, con una sede ubicada en las mismas afueras de la ciudad aunque rodeada del paraje natural de un parque. La segunda está a punto de romperse, porque la Colección Burrell se dispone a salir al mundo gracias a una ley aprobada este año por el Parlamento escocés.

MAUREEN KINNEAR

“Queremos liberar la historia todavía no contada de la Colección Burrellcomo una insignia cultural de Glasgow y de Escocia. Ha llegado el momento de permitir que sea apreciada por una audiencia mucho más amplia”, ha subrayado Angus Grossart, presidente del organismo encargado de su gestión (Burrell Renaissance), sobre un legado cuyos trabajos del Gótico tardío y del primer Renacimiento en el norte de Europa, sus tapices flamencos, vitrales o mobiliario antiguo, ha sido equiparado en cuanto a calidad y diversidad con el de grandes museos como el Victoria & Albert de Londres. La nueva legislación, promovida por el gobierno del independentista SNP (Partido Nacional Escocés), con un apoyo político mayoritario aunque contestada desde un sector del conservacionismo artístico, dará alas a la gira internacional de parte de la colección y al préstamo de algunas de sus piezas a una nutrida nómina de pretendientes.

Entre ellos, algunos museos asiáticos interesados en su sección de arte oriental, donde destacan los jarrones de la dinastía imperial china Ming. La colección Burrell incluye también relieves asirios, muestras del antiguo Egipto, de la Grecia clásica y de Roma. “Es como una especie de mini-Museo Británico”, resume la comisaria del apartado de civilizaciones islámicas, Noorah Al-Gailani.

Burrell también compraba arte de su tiempo, con especial predilección por los bodegones y, sobre todo, por los cuadros al carboncillo y el pastel de Edgar Degas. Su célebre composición El ensayo (1874) preside en este museo de Glasgow el principal acopio de cuadros del artista francés en todo el Reino Unido.

Tuvo desde siempre buen ojo para detectar la calidad. Escogía personalmente cada una de las piezas y sólo se decantaba por las que realmente se adaptaban a su gusto. Compró muchas obras de Manet, Renoir, Pissarro y Gauguin, aunque también erró en alguna ocasión, como cuando despreció la oferta de un van gogh.

ALAN BROADFOOT

Fue en sus años de adolescente cuando empezó a interesarse por el arte y a tantear el coleccionismo. A los 15 años había abandonado los estudios para enrolarse en el negocio familiar, Burrell & Son, cuyas riendas tomaría más tarde junto a su hermano hasta convertirlo en una de las mayores firmas navieras del mundo. No tenía ningún apego romántico a la figura del naviero, y vendió y recompró su flota tantas veces como le sugirieron las cotizaciones del mercado. El negocio era un medio, y el arte, el verdadero fin en el que invirtió casi ocho décadas de su vida.

Burrell murió en 1958 a los 96 años. Una década antes ya había legado aquel desmesurado catálogo de obras al disfrute de sus conciudadanos de Glasgow, junto a una provisión de fondos para poner los cimientos de un futuro museo.

La sede no fue inaugurada en Pollok Park (cuatro millas al sur de la ciudad) hasta 1983, en un edificio neomodernista del estilo de los años 70 diseñado en madera y cristal, y en cuya entrada luce una versión en bronce de El pensador de Rodin rodeada de arbolitos. Tres décadas después, las instalaciones padecen serios problemas estructurales y un deterioro que en su día obligó a descolgar los valiosos tapices amenazados por las goteras. El proyecto de reforma, con un coste estimado de 45 millones de libras, forzará al cierre de sus puertas durante más de tres años a partir de 2016. “En lugar de almacenar las piezas, tenemos la oportunidad de mostrar en otros lugares una de las mejores colecciones individuales del mundo”, subrayan los responsables del museo.

El anuncio de la gira de la Colección Burrell coincide en el tiempo con la efervescencia política de una Escocia que el próximo septiembre decidirá si permanece como parte integrante del Reino Unido. En tierras escocesas, el debate no se ha centrado tanto en el contexto político como en el hecho de que la flamante legislación transgreda las disposiciones de William Burrell, avalando además el traslado de unas piezas valiosas y frágiles. La organización conservacionista Artwatch considera que se trata de un paso innecesario e inaceptable. Para sus artífices, se trata, en cambio, de “hacer justicia finalmente al logro de toda una vida”, encarnado en ese patrono victoriano que quiso abrir Escocia al mundo a través del arte.

Los destellos de un catálogo

La Colección Burrell acaba de inaugurar una muestra consagrada a cinco siglos de pintura, De Bellini a Boudin, como carta de presentación del poderío de su extenso catálogo. Estas son algunas de las piezas exhibidas por el museo del sur de Glasgow.
Virgen y el Niño (entre 1485 y 1488), del maestro renacentista Giovanni Bellini.
Judith con la Cabeza de Holofernes (1530), de Lucas Cranach el Viejo.
Autorretrato, de Rembrandt, ejecutado en los años de juventud del artista.
Ensayo de Ballet (1874), de Edgar Degas.
Le Château de Médan (1880), con el que el postimpresionista Paul Cézanne ilustró sus visitas a la casa de Émile Zola a orillas del Sena. Los jarrones con rosas de Édouard Manet, el retrato de una mujer con el cabello castaño rojizo de Renoir o los crisantemos de Latour ilustran la predilección del coleccionista William Burrell por la pintura francesa del siglo XIX.
El jarrón Meiping (1368-98), solo una de las cuatro piezas en su especie que ha sobrevivido de las porcelanas de la dinastía Ming, destaca entre la colección de la Burrell procedente del Lejano Oriente. Sus muestras del arte de todos los tiempos abarcan desde una punta de lanza forjada en cuarzo (4.000-3500 antes de Cristo) hasta el cabezal de la cama que Enrique VIII compartió con Anne de Cleves, pasando por los relieves neoasirios del palacio de Niniveh, el arte del antiguo Egipto encarnado en la cabeza de Sekhmet o una de las mejores colecciones de tapices y vitrales de la época medieval.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/04/28/actualidad/1398715312_240276.html

EL FALSO LINAJE DE LUIS NAPOLEÓN

El sobrino y heredero político del emperador de Francia no tenía su sangre, según un estudio científico que niega el parentesco entre ambos

LORETO SÁNCHEZ SEOANE

"¡No tiene usted nada de Napoleón!», le dijo Jerónimo Bonaparte a Napoleón III. "Desgraciadamente sí, tengo su familia", le contestó él. La frase del único presidente de la II República francesa, y el último monarca que reinó en Francia, adquiere ahora más sentido que nunca.

Gérard Lucotte ha realizado un estudio, por encargo del Instituto Napoleón, que tira por tierra el vínculo familiar entre Bonaparte y Napoleón III, (que le convirtió en heredero legítimo de los derechos dinásticos tras la muerte de su tío, Napoleón II, y de su hermano mayor).
Los cromosomas Y del primero son del haplogrupo 'corsosardo', mientras que los del segundo son del tipo caucásico, lo que imposibilita cualquier vinculación sanguínea, según publica el diario francés Le Figaro. "No es otro de los numerosos rumores que han circulado en torno a esta familia, sino una prueba científica", aclara el mismo periódico. Lucotte ya había trabajado hace dos años con el ADN de Napoleón I, confirmando su origen italiano. De esta forma, la descendencia de uno de los estrategas militares más importantes de la historia habría acabado con la muerte, por tuberculosis, de su hijo Napoleón II. "La historia se repite siempre pero en clave de farsa", aseguró Karl Marx en su libro 18 de brumario, en el que comparaba la forma de gobernar de ambos.

"No nos ha cogido por sorpresa"

"El descubrimiento enseña mucho sobre la psicología de Napoleón III y sus consecuencias políticas. Puede explicar por qué el Segundo Imperio francés no fue en absoluto una continuación del Primero", declara Jacques-Olivier Boudon, presidente del Instituto Napoleón.

"No nos ha cogido por sorpresa, documentos de la época insinuaban la falta de parentesco entre ambos", ha añadido. Según publica el mismo diario, los resultados fueron comunicados a unos pocos miembros del Instituto el pasado mes de diciembre.

La prueba de ADN se habría realizado gracias a un mechón de pelo que data del 6 de marzo de 1871 y que se encontraba en manos de un coleccionista belga "que se caracteriza por la autenticidad de sus reliquias", asegura Boudon.

La falta de parentesco ha llevado al Instituto Napoleón a plantear dos hipótesis. La primera es que Napoléon III no era hijo de Luis, rey de Holanda, por lo que su madre, Hortensia de Beauharnais, hija de la emperatriz Josefina, habría engañado a su marido. Otra de las posibles causas de los resultados del ADN es que el propio Luis no fuese hijo de Charles Bonaparte, por lo que su madre María Letizia no lo habría concebido dentro del matrimonio. Boudon se inclina por "la falta de Hortensia" sobre la que siempre "circulaban rumores de mala conducta marital".

Éric Anceau, doctor en Historia, ha comentado al mismo medio que aunque los rumores sobre el parentesco de Napoleón III eran constantes él no fue consciente hasta después de llegar al poder. "Descarto la falta de honradez para llegar a reinar" comenta. Ahora, los historiadores están a la espera de la exhumación de Luis, padre de Napoleón III, para poder confirmar en que momento se perdió "la sangre napoleónica".

Los golpes de Estado de Napoleón III
La historia del, hasta hoy, sobrino del emperador para conseguir llegar a reinar en Francia es digna de la familia Bonaparte. Pese a su linaje no había vivido en Francia a causa del exilio de sus padres, y la primera vez que pisó tierras francesas en la edad adulta fue en el primer intento para hacerse con el Gobierno, en 1836. Napoleón III intentó llegar al poder dando dos golpes de Estado, ambos resultaron fallidos y le llevaron a prisión en 1840. Durante su encarcelamiento escribió una serie de ensayos que destacarían por la defensa del tradicionalismo y de la civilización católica .
Seis años más tarde, en 1846, ataviándose con la ropa de un carpintero consiguió huir a Reino Unido, donde permaneció hasta la caída de Luis Felipe I, en 1848, y tras la proclamación de la II Republica francesa. El sobrino del emperador se presentó a las elecciones, las primeras con sufragio universal masculino de Francia, y fue elegido por una mayoría aplastante. Le votaron más de cinco millones de los siete millones de franceses registrados. Esta amplia victoria se debió al voto de los agricultores y obreros que veían en Napoleón III la estela de su tío.
Antes de acabar su legislatura y tras una fuerte presión de la Asamblea Nacional -que restableció el sufragio censitario excluyendo a la clase baja del país-, Napoleón III da su tercer golpe de Estado, el definitivo. En diciembre de 1852 se proclama el Segundo Imperio francés y Napoleón III, sin saberlo, se convierte en el último rey que gobernó en Francia.

PRESENTATION DE LA PHILHARMONIE DE PARIS

La Philharmonie de Paris, institution portée par l'État et la Ville de Paris, avec le soutien de la Région Île-de-France, a entrepris la construction, dans le parc de la Villette, d'un grand équipement musical centré sur une salle de concert de deux mille quatre cents places environ et un pôle éducatif destiné à la sensibilisation de larges publics. À cette fin, un concours international a été organisé en 2007, à l'issue duquel les Ateliers Jean Nouvel ont été choisis comme maître d'œuvre du projet.
Situé à l'entrée nord-est de la capitale dans un quartier en mutation, inscrit dans un parc à vocation culturelle et visible depuis la périphérie de Paris, cet équipement sera servi par une architecture innovante.
De même, l'acoustique de la salle de concert répondra aux normes internationales les plus exigeantes. Pour la concevoir, Jean Nouvel s'est associé à Harold Marshall et a été conseillé par Yasuhisa Toyota. Le modèle se démarquera des dispositions strictement frontales (dénommées « boîtes à chaussures ») et privilégiera un enveloppement de la scène par le public afin de renforcer le sentiment d'intimité entre les interprètes et leur auditoire.

Principalement consacrée à l'accueil de grandes formations symphoniques – dont l'Orchestre de Paris, qui en sera le résident principal –, la Philharmonie de Paris mettra en valeur d'autres formes d'expression musicale, du jazz aux musiques du monde.

Véritable maison des orchestres, porteuse d'un projet pédagogique et culturel qui proposera en journée aux jeunes et aux adultes des formes variées d'approche de la musique, le bâtiment, qui se développera sur environ vingt mille mètres carrés utiles, comprendra – outre la grande salle de concert, ses foyers et ses espaces de répétition – des locaux administratifs et techniques, un pôle éducatif, des espaces d'exposition, un café, un restaurant, les infrastructures nécessaires à la logistique et au matériel technique ainsi qu'un parc de stationnement.

La Philharmonie de Paris a pris un engagement de solidarité vis-à-vis des personnes en situation de handicap et offrira à tous les publics un accueil personnalisé.
Exemplaire en ce qui concerne la maîtrise des enjeux environnementaux, la construction s'inscrit dans une démarche de certification menée par des organismes de contrôle reconnus. 

 Janvier 2015 verra naître la Philharmonie de Paris. Ce complexe culturel, situé dans le parc de la Villette, renouvelle en profondeur l’approche de la musique en plaçant le concert au centre d’un dispositif de transmission dynamique, convivial et élargi.

La Philharmonie de Paris, c'est l’alliance des activités de l’actuelle Cité de la musique et de celles développées dans le nouveau bâtiment conçu par Jean Nouvel : concerts, musée et expositions, pratique et culture musicales…
Sa programmation répond aux exigences et aux désirs de tous les publics : prestigieuse en semaine, familiale en week-end avec de nouveaux formats de concerts, des tarifs attractifs et de nombreuses propositions pour tous les âges.
Les piliers artistiques de ce projet fédérateur sont l’Orchestre de Paris (l’orchestre résident), l’Ensemble intercontemporain (l’ensemble résident), ainsi que trois formations associées – l’Orchestre de chambre de Paris, l’Orchestre national d’Île-de-France et Les Arts Florissants.

Dès 2015, avec nous, tendez l’oreille vers un nouvel horizon musical.

Laurent Bayle

Président de la Philharmonie de Paris.

PARIS. LUCIO FONTANA: RETROSPECTIVE

APRIL 25- AGUST 24

The Musée d’Art moderne de la Ville de Paris presents a major Lucio Fontana (1899-1968) retrospective. Considered one of the greatest visionaries of the 20th century, his work deeply influenced several generations of artists, from Yves Klein to the present. For the first time in France since 1987, more than 200 sculptures, paintings, ceramics and installations provide an overall view of his atypical path and his ever changing styles.

Born in 1899 in Rosario, Argentina, son of an Italian-born trained sculptor, Fontana would spend most of his life in Milan.Exploiting all the possibilities offered by sculpture (terracotta, ceramic, mosaic) and extensively collaborating with architects, he was one of the first Italian abstract artists in the 1930’s. During World War II he sought refuge in Argentina. Back in Milan in 1947, he became the leader figure of the Spatialist Movement, which he extensively defined and explained in his Manifestos. Light and real space (in opposition to virtual space) are the two essential elements of this movement that intended to create a new kind of art, alluding to the Space Age but  actively connected to the world around it. The artist is embodied in his ceramic sculptures, his perforated canvases and his installations. In 1949 he creates his first Concetti spaziali (Spatial Concepts), a series of punctured canvases which he later intervenes using different materials and bright colors. Following a retrospective show at the Venice Biennial in 1958 he conceives the Tagli series, incisions on canvas. This works became a key reference for artists in the 1960’s.

The show displays and extraordinary body of work ranging from the 1920’s to Fontana’s death in 1968, naturally structured by the artist’s key cycles: primitive and abstract sculptures, drawings, polychrome ceramics, Spatialist works, punctured canvases, Art Informel works, installations, Tagli (cuts), Nature, Fine di Dio, Olii,Venezie, Metalli, Teatrini,etc, oscillating between the clean conceptual gesture and the baroque profusion of colors and materials.

http://www.mam.paris.fr/en/expositions/exposition-lucio-fontana

LONDON. THE GREAT WAR IN PORTRAITS. THE NATIONAL PORTRAIT GALLERY

15 june 2014

The events of 1914-18 are defined by incredible losses and unimaginable destruction. The First World War initially embroiled the major European powers and finally became a global conflict. By the time it ended, the imperial, political and military structure in place at the beginning of the twentieth century had been changed completely. 

Claiming millions of casualties, the war was fundamentally about people. Cutting across different responsibilities, roles, backgrounds and experiences, it plunged humanity into a common predicament of shared suffering. This exhibition explores the way the War was represented through portraits – some harrowing 

The National Portrait Gallery is commemorating the centenary of the First World War with a four-year programme of exhibitions, displays, public events and learning projects. The two major activities in 2014 are The Great War in Portraits, a free exhibition of images of individuals involved in the conflict, and National Memory – Local Stories, a creative project that uses significant objects in local museums to engage young people from around the country with the centenary.

http://www.npg.org.uk/whatson/firstworldwarcentenary/exhibition/about.php

MOSCOW. FYODOR FEDOROVSKY. LEGEND OF THE BOLSHOI THEATRE

The first large one-man exhibition dedicated to Fyodor Fyodorovich Fyodorovskii is a joint venture between the Tretyakov Gallery, the Bolshoi Theatre and the Bakhrushin State Central Theatre Museum. Fyodorovskii’s name is inseparable from the Bolshoi Theatre’s history where he worked for nearly 40 years, stage designing over 30 performances. “Boris Godunov” and “The Tsar’s Bride” are still performed with his original set designs. The exhibit, consisting mainly of works from the “Stage and Film Art” of the Tretyakov Gallery Foundation, will display sketches of costumes and decorations as well as costumes, backdrops and a miniature version of the famous Bolshoi Theatre stage curtain which was based on the artist’s sketches.

Fyodor F. Feodorovsky was born in Chernigov into a family of a railroad worker. He moved to Moscow rather early; there he was studying at the Stroganov Moscow State University of Arts and Industry (class of K. Korovin and M. Vrubel) where he majored in theatre set design. He graduated the Academy in 1907. He worked at “Zimin Private Opera” until 1917; he created sets for Diaghilev enterprise productions. However, Feodorovsky devoted the major part of his life to the Bolshoi Theatre. During almost 50 years he was creating sets for the opera productions of the great Russian composers and managed to find such strong expressive means that helped to reveal and convey the richest contest of these music masterpieces. There were about 30 productions, some of which he worked on several times: “Carmen” (1922), “Boris Godunov” (1927, 1946, 1948), “The Czar’s Bride” (1927, 1955, 1966), “Die Meistersinger von Nürnberg” (1929), “Rusalka” (1931, 1937, 1944), “The Maid of Pskov” (1932), “Prince Igor” (1934, 1944, 1953), “Sadko” (1935, 1949), “And Quiet Flows the Don” (1936) and “Khovanshchina” (1950).

Starting from the middle of 1930s Feodorovsky and directors V. Lossky and L. Baratov, who worked with him, established the Bolshoi production style. This was “the giant theatre style that the giant country needed and had to correspond to the grandiose scale of the socialistic construction”. Heroic and monumental works of the artist met the requirements of “the new epoch” and were appreciated by “the new audience”. At the same time Feodorovsky was always guided by the desire to make music theatre emotionally loaded; the grandiose beauty of such productions as “Boris Godunov” and “The Czar’s Bride” still strike a chord with the audience today.

The production of the opera “Boris Godunov”, this masterpiece by M. Mussorgsky, was carried out by F. Feodorovsky, truly national artist who expressed vast music richness and deep meaning of this drama, the strong spirit, the scale of the people’s passions and the grandeur of the country in visual images. The painting in “The Crowning” scene is particularly magnificent, brilliant and matches the elated music. The picture dazzles with sunshine, gold of the Moscow Kremlin churches, brightness of the sky and bright colors of costumes; this picture is a true masterpiece.

The Soviet audience was lucky to see two curtains designed by Feodorovsky in 1935 and 1955 that belong to the golden fund of the theatrical design. The bright talent and skill of the artist were appreciated by his contemporaries both in Russia and abroad. In 1923 at the exhibition in Paris Feodorovsky was awarded the Grand prix for the design that he created for R. Wagner opera" Lohengrin". 
The importance of Fedorovsky creative work is determined not only by his work at the theatre, but also his varied pedagogical, public and organizational activity. The creation of the maquette workshop at the Bolshoi Theatre, chemical-dye shop, props department, spinning department and other departments are associated with his name. In 1918 it was Feodorovsky who initiated the creation of the Bolshoi Theatre Museum, where most of his sketches are stored today.

During 30 years, starting from 1918, Feodorovsky was creating sets for the main celebratory events at the Bolshoi Theatre and the Red Square. In 1936 the artist created the paintings and maquettes of the ruby stars that are mounted on the top of the Kremlin towers. During the war the artist was supervising camouflage project in Moscow to protect the city from air raids. In 1930 he was awarded the title of the Honored Artist, in 1951 he received the title of the People’s Artist of the USSR. F. Feodorovsky is a laureate of five Stalin prizes (1941, 1943, 1949, 1950, 1951). In 1947 he was elected the vice-president of the USSR Academy of Arts.

The first full-scale one-man exhibition represents an homage to the great master whose 130^thbirth anniversary was celebrated last year.

http://www.bolshoi.ru/en/about/press/articles/2014/2890/

CANBERRA, AUSTRALIA. GARDEN OF THE EAST PHOTOGRAPHY IN INDONESIA 1850S - 1940S

 21 February – 22 June 2014

 Garden of the East: photography in Indonesia 1850s–1940s offers the chance to see images from the last century of colonial rule in the former Dutch East Indies. It includes over two hundred photographs, albums and illustrated books from the Gallery's extensive collection of photographic art from our nearest Asian neighbour.

Most of the daguerreotype images from the 1840s, the first decade of photography in Indonesia, are lost and can only be glimpsed in reproductions in books and magazines of the mid nineteenth century. It was not until the late 1850s that photographic images of Indonesia – famed origin of exotic spices much desired in the West – began circulating worldwide. British photographers Walter Woodbury and James Page, who arrived in Batavia (Jakarta) from Australia in 1857, established the first studio to disseminate large numbers of views of the country's lush tropical landscapes and fruits, bustling port cities, indigenous people, exotic dancers, sultans and the then still poorly known Buddhist and Hindu Javanese antiquities of Central Java.

The studios established in the 1870s tended to offer a similar inventory of products, mostly for the resident Europeans, tourists and international markets. The only Javanese photographer of note was Kassian Céphas who began work for the Sultan in Yogyakarta in the early 1870s. In late life, Céphas was widely honoured for his record of Javanese antiquities and Kraton performances, and his full genius can be seen in Garden of the East.

Thilly Weissenborn, Balineesch dansmeisj in rust
(A dancing-girl of Bali, resting) c 1925, National Gallery of Australia, Canberra, purchased 2007

Most of the best known studios at the turn of the century, including those of Armenian O Kurkdjian and German CJ Kleingrothe, were owned and run by Europeans. Chinese-run studios appeared in the 1890s but concentrated on portraiture. Curiously, relatively few photographers in Indonesia were Dutch.

From the 1890s onward, the largest studios increasingly served corporate customers in documenting the massive scale of agribusiness, particularly in the golden economic years of the Indies in the early to mid twentieth century.

From around 1900, a trend toward more picturesque views and sympathetic portrayals of indigenous people appeared. This was intimately linked to a government sponsored tourist bureau and to styles of pictorialist art photography that had just emerged as an international movement in Europe and America. As photographic studios passed from owner to owner, old images were given new life as souvenir prints sold at hotels and resorts and as reproductions in cruise-ship brochures.

Amateur camera clubs and pictorialist photography salons common in Western countries by the 1920s were slower to develop in Asia and largely date to the postwar era. Locals, however, took up elements of art photography. Professionals George Lewis and Thilly Weissenborn (the only woman known from the period) and amateurs Dr Gregor Krause and Arthur de Carvalho put their names on their prints and employed the moody effects and storytelling scenarios of pictorialist photography.

http://nga.gov.au/GardenEast/